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Teatro

Crítica teatral: Doña Rosita la Soltera o el lenguaje de las flores, en el TNC.

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Pds_DOA_A_ROSITALorca representa siempre una oportunidad de aprendizaje e introspección. El primero por su carácter de registro arqueológico, para el público actual, respecto a los usos y costumbres de la España en la que vivió el poeta y dramaturgo y por el carácter de teatro de acción social que el autor puso en práctica. El segundo porque sus obras apelan a lo más íntimo del alma humana, a los pequeños grandes dramas de la vida que tan bien sabía poner en escena.

«Rosita (Nora Navas), una chica huérfana que vive en casa de sus tíos, en Granada, se ve obligada a separarse de su prometido (Albert Triola), que marcha a Argentina con su familia. Antes de partir, sin embargo, este promete a Rosita que tan pronto como pueda volverá para casarse con ella, siempre que esté dispuesta a esperarlo. La chica espera, pero la situación se prolonga durante años, mientras el ambiente opresivo e indiscreto de la ciudad de provincias va cayendo sobre la familia como una losa cada vez más pesada».

De nuevo Lorca nos propone un itinerario por la desdicha de la mujer en una sociedad tradicional y conservadora como lo era la española en la época en la que vivió el autor. La acción transcurre en Granada aunque se podría trasladar a cualquier otra ciudad del momento. Y reflexiona sobre la carencia de algo por parte de la mujer. Si en La casa de Bernarda Alba (1936) era el luto y la falta de libertad y en Yerma (1934) la incapacidad de dar a luz a un hijo, en Doña Rosita la Soltera o el lenguaje de las flores (1935) el autor recapacita sobre el drama de aquellas mujeres que al no encontrar esposo eran etiquetadas de solteronas por la sociedad, que las consideraba, en parte, algo inútil y sin sentido.

Para ello el autor emplea el símbolo de la rosa mutábile, una flor cuyo estado va mudando a lo largo del día hasta que queda reducida a la nada, una alegoría a las etapas de la vida y a lo que pasará a Rosita, la protagonista de la obra, la cual, crédula en las promesas de regreso de su prometido de América, irá mutando a lo largo de los tres actos en que está estructurada la representación. En el primero joven e ilusionada gracias al amor que siente hacia su primo; en el segundo, en la mitad de la treintena, resignada y aún a la espera de su amado en un entorno familiar y social que la va oprimiendo cada vez más; en el tercero vencida ya por la cruda realidad y por las promesas incumplidas.

La puesta en escena de Joan Ollé nos muestra el interior de la casa de una familia granadina de cierta posición, de la cual tan solo intuiremos el jardín exterior a través de las ventanas y de los diálogos. Los tonos de la escenografía son blancos, como el candor de la virginidad, aunque irán variando a la par que lo hace el drama. Adoptará tonos de ilusa esperanza al inicio, matices más alegres durante la reunión social que se celebra en la casa en el segundo acto, o los tonos trágicos finales, al verse la familia obligada a abandonar la vivienda debido a la hipoteca que firmara el tío (Enric Majó), movido por las esperanzas de ver casada a su sobrina. Un espacio en el que la música hará acto de presencia, ya sea la interpretada por los propios personajes o la compuesta por Paco Ibáñez y que adapta el poema Rosa Mutábile de Lorca. Un sencillo y verdadero gozo para los oídos.

_DSC4401.0La obra avanza, por otra parte, en un ascenso sostenido, esto es, arranca desde la felicidad contenida propia de la juventud y finaliza con una atmósfera trágica que recuerda a la obra de Chejov, testigo teatral del final de una época y de una clase social en Rusia entre finales del siglo XIX y principios del XX.

El reparto de la obra es holgado y en él destacan los personajes femeninos, como no puede ser de otra forma en una obra de Lorca. Nora Navas da vida a la desdichada Rosita, que irá envejeciendo física y emocionalmente a lo largo de la representación; Carme Elías encarna de forma más que convincente, como siempre, a la tía de Rosita, preocupada por el infortunado destino de su sobrina y el de toda la familia; Mercè Aránega ofrece el contrapeso cómico de la tragi-comedia al encarnar a la sirvienta, la cual ha trabajado desde hace tanto tiempo en la casa que se considera un miembro más de la familia. El resto de papeles están interpretados por Joan Anguera, Marta Betriu, Enric Cambray, Oriol Genís, Laura Guiteras, Mireia Llunell, Enric Majó, Victòria Pagès, Alba Pujol, Candela Serrat y Albert Triola.

De esta forma, y como decía al principio, Doña Rosita nos provee de una ficha arqueológico-teatral que nos habla de la sociedad española de finales del XIX y principios del XX y de lo difícil y a veces cruel que podía ser la presión social, sobre todo en una capital de provincia que vivía atenazada entre el peso inerte de la costumbre y las promesas del avance tecnológico y científico que anunciaban los nuevos tiempos. Una pugna que ya presagiaba el infortunio para España, Europa y el mundo entero.

Una ocasión para contemplar el arte poético con el que Lorca retrataba el mundo femenino y la capacidad del Nacional de hacer suyo un clásico, castellano en este caso, del que se apodera acto a acto, para mostrarnos la a veces trágica situación de la mujer en el pasado. Una mirada que nos convencerá, seguro, de lo mucho que han cambiado las cosas desde entonces, aunque el horizonte social en el que vivimos en la actualidad tampoco puede considerarse el mejor para las mujeres y los hombres que lo habitan.

«Doña Rosita la Soltera o el lenguaje de las flores» se representa en el TNC del 27 de febrero al 6 de abril de 2014.

Autor: Federico García Lorca
Dirección: Joan Ollé
Reparto: Joan Anguera Mercè Aránega Marta Betriu Enric Cambray Carme Elias Oriol Genís Laura Guiteras Mireia Llunell Enric Majó Nora Navas Victòria Pagès Alba Pujol Candela Serrat y Albert Triola
Música original: Paco Ibáñez
Movimiento: Andrés Corchero
Escenografía: Sebastià Brosa
Vestuario: Míriam Compte
Iluminación: Lionel Spycher
Sonido: Damien Bazin
Caracterización: Núria Llunell
Producción: Teatre Nacional de Catalunya

Horarios: miércoles y viernes a las 20:00 horas; jueves a las 17:00 horas; sábados a las 17:00 y a las 21:30 horas (excepto el sábado 1 de marzo a las 20:00 horas) y domingos a las 18:00 horas.
Duración: 1 hora y 45 minutos.
Idioma: castellano
Precio: 28 €; tarifa 50% y tarifa especial 24 €.
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Jorge Pisa Sánchez

Teatro

Crítica teatral: Goodbye Barcelona, al Teatre del Raval

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De la guerra civil (1936-1939) se n’ha parlat molt, se n’han fet pel·lícules i escrit novel·les des del punt de vista de cadascun dels bàndols, però en poques ocasions hem pogut veure una ficció basada en aquells homes que van venir des de l’estranger a ajudar el front republicà: els Brigadistes Internacionals, personatges de fortes conviccions morals i ideològiques que es van incorporar al servei de les tropes rojes per a intentar aturar els revoltats. Ara, el Teatre del Raval ha decidit esmenar aquest greuge històric i ha programat Goodbye Barcelona, un bonic musical estrenat exitosament a Londres l’any 2011 i en què s’atorga tot el protagonisme a aquells soldats que van arribar amb bona voluntat a terres espanyoles.

Goodbye Barcelona presenta la història del Sammy (Pau Quero), un noi del barri jueu de Londres que assisteix, aterrit, com la seva ciutat s’està tornant un indret poc segur per a ell i els seus amb l’aparició –allà i a la resta d’Europa– dels simpatitzants feixistes. Així, quan s’assabenta que es busquen voluntaris per a lluitar a la guerra civil espanyola, el jove no ho dubta ni un instant: els seus ideals són més forts que els desitjos de la seva mare, la Rebecca (Carme Mateu), qui l’alerta dels perills d’una decisió tan arriscada. Amb el convenciment de lluitar per un món millor, Sammy i els altres voluntaris britànics arriben a Barcelona, on coneixerà la Pilar (Carol Rovira), una jove que intenta desesperadament sobreviure als estralls de la guerra. Per la seva part, la Rebecca no es quedarà tranquil·la veient marxar el seu fill, i s’unirà als serveis mèdics amb la intenció de trobar-lo, una tasca titànica en aquella bogeria que és la guerra.

Els autors d’aquest relat, Judith Johnson i KS Lewkowicz, van realitzar una feina de recerca de sis anys en què es van documentar sobre aquells herois anònims, i el resultat és la visió que podria haver tingut un anglès de 18 anys que arriba a un país en conflicte carregat de bones intencions; així, Johnson i Lewkowicz signen una trama amb La República (Manuela Nieto) convertida en un personatge que esdevé el fil conductor, i s’agraeix l’esforç dels autors per a explicar què va passar en aquells temps de guerra, les divisions dins el grup republicà –les divergències entre membres dels partits republicans, PSOE, POUM, anarquistes i el moviment obrer impedien anar tots a una–, els problemes amb l’armament obsolet que rebien els brigadistes, les dificultats per a trobar aliment per part de la població civil, …, i tot això explicat en format musical, amb divuit cançons d’estils ben diferents, des de música espanyola a marxes militars, i amb bons intèrprets defensant els seus personatges (menció a part per a Carme Mateu, Pep Papell interpretant a Jack i Antonio del Valle en el paper d’Esteve).

Així, l’espectacle que podem veure a la sala del Raval és un bon muntatge malgrat la sensació final que, amb un material tan extremadament sensible com el que els autors tenien entre mans, hi ha pocs instants realment emotius, i potser aquest desencís també el podem explicar per alguns problemes tècnics que llastren en excés la funció –sovint els músics eclipsen els cantants i es fa realment difícil escoltar amb claredat les cançons–, o potser perquè el protagonisme de la història d’amor entre els dos joves ens fa deixar de banda el que realment importa aquí: que estem enmig d’una circumstància tan extrema com és una guerra civil. En aquest sentit, el muntatge guanya en intensitat durant la segona part de l’obra, quan la situació entre els brigadistes ja s’ha tornat dramàtica, els ideals ferms que vèiem al principi s’han perdut en el camí, els homes acusen el desgast del moment i les esperances del grup van minvant, mentre observem la desesperació de la mare en la seva recerca.

I la resta? Bé, la resta és història: el novembre de l’any 1938, els Brigadistes Internacionals abandonaven el país davant la impossibilitat de guanyar la guerra contra les tropes revoltades, i cinc mesos després finalitzava el conflicte amb una evidència clara, les ferides no cicatritzarien amb facilitat, ni tan sols amb el temps. Per això, i ara més que mai, les paraules de la darrera cançó de Goodbye Barcelona prenen una importància cabdal: “No podem oblidar, no perdem la memòria”, un objectiu que els responsables d’aquest musical han tingut molt present en aquest merescudíssim homenatge a aquelles persones de ferms ideals que van venir de països llunyans amb la lloable intenció de preservar la llibertat del nostre poble.

Goodbye Barcelona es representarà al Teatre del Raval a partir del 26 de setembre de 2013.

Autors: Judith Johnson i KS Lewkowicz
Supervisió musical, orquestració i arranjaments: Mark Smith
Direcció Escena: Fran Arráez
Direcció Musical: Dani Campos
Intèrprets: Pau Quero, Carme Mateu, Pep Papell, Joan Vázquez, Carol Rovira, Antonio del Valle, Manuela Nieto, Gara Roda, David Mauricio
Músics: Dani Campos, Quico Pugés Suárez, Miquel Biarnés Masip
Dramatúrgia: Carlos Be
Traducció cançons: David Pintó
Traducció text: Eva Rosell
Disseny de llums: Pedro Guerrero
Disseny de so: Rafel Febrer
Escenografia: Abdón Alcañiz
Vestuari: Giovanna Ribes
Maquillatge i perruqueria: Ana Maria Balsera Garcia

Horaris: dijous, divendres i dissabte a les 21:30 hores, i diumenge a les 18:30 hores
Preu: 22 €
Idioma: català
Durada: Dues hores

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Escrit per: Robert Martínez

Cine

Crítica cinematográfica: La herida, de Fernando Franco

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La_herida

El cine puede ser un magnífico instrumento de entretenimiento, por supuesto, una herramienta ideal con la que evadirse de la realidad, pero también puede –y debe– utilizarse de un modo distinto, más comprometido socialmente, un soporte para contar historias veraces que den visibilidad a los problemas diarios que padecen unos pocos, a menudo ignorados por la mayoría de nosotros. Dentro de este segundo grupo se encuentra La herida, el debut como cineasta de Fernando Franco, hasta ahora dedicado a tareas de montador (Alacrán enamorado o la multipremiada Blancanieves) y que se ha decidido por un relato duro que supone un golpe directo al estómago del espectador, quien acompañará en su sufrimiento a Ana, una joven que lucha con todas sus fuerzas para superar el Trastorno Límite de la Personalidad que convierte su día a día –y el de los suyos– en un auténtico infierno.

Así, La herida concentra, en algo más de una hora y media, todo un año en la vida de esa joven que intenta seguir con su rutina sin saber qué es exactamente lo que, desde lo más hondo de su interior, le impulsa a autolesionarse con una cuchilla o a quemarse los brazos con cigarrillos, a pasar las noches sin pegar ojo, a responder de forma agresiva a todo aquel que pretenda romper esa barrera invisible que se convierte en abismo entre ella y el resto de la gente, personas que, en su opinión, apenas se esfuerzan en comprenderla; tan solo un anónimo interlocutor en un chat al que confesar sus deseos más oscuros le hace más llevadera la situación. La herida de Ana es más profunda que cualquier daño físico que pueda provocarse, ella es consciente de que algo no funciona, su existencia es un desastre salvo cuando está en su trabajo, en su ambulancia de traslado camino del hospital, ayudando a Martín en sus ejercicios para no perder la memoria o bromeando con las otras pacientes dentro del vehículo. Pero fuera de él, ay, fuera de él Ana se siente insignificante y solo desea reunir las fuerzas necesarias para terminar con su sufrimiento de una vez por todas.

Marian Álvarez, en un fotograma de la película
Marian Álvarez, en una imagen de la película

Fernando Franco deja a un lado la visión de los familiares y amigos –sin saber cómo ayudar a la muchacha– para centrarse en Ana y en su propia percepción de la realidad; por ese motivo, en todo momento sitúa la cámara a poca distancia de Marian Álvarez, la entregada intérprete que supera con matrícula de honor el difícil reto de mostrar el dolor de su personaje y su camino a la autodestrucción, un mérito que ya ha visto recompensado con el premio a la mejor actriz del Festival de Cine de San Sebastián (donde la película también recibió el premio especial del jurado). Álvarez convence en sus cambios de humor, pasa del llanto a la rabia sin perder su apariencia vulnerable, muestra toda la frustración de quien no logra evitar ese comportamiento inexplicable; junto a ella, Rosana Pastor (la madre de Ana), Manolo Solo (Jaime, el compañero de Ana en la ambulancia) y Ramón Barea (Martín) completan el reparto.

La herida no es un producto fácilmente digerible, el film tendrá tantos defensores como detractores, pero lo cierto es que el resultado final es una apuesta valiente, una excelente película muy bien rodada que da voz a una enfermedad que arrasa no solo a quien la padece en primera persona, sino también a su entorno más inmediato, incapaz de ayudarle en su recuperación. Por todo ello, no dejen sola a Ana en su fragilidad cinematográfica, y no dejen solos a quienes, como ella, intentan superar su trastorno para, así, dejar atrás su infelicidad.

Título: La herida
Director: Fernando Franco
Intérpretes: Marian Álvarez, Rosana Pastor, Manolo Solo, Andrés Gertrudix, Ramón Agirre, Ramón Barea, Patrizia López, Luis Callejo, Mariano Estudillo, Mikel Tello, Paco Obregón, Iñaki Ardanaz, Josu Ormaetxe, Nagore Aranburu, Loinaz Jáuregi, Elena Arranz Martínez, Estela Sánchez Murillo, Anartz Zuazua
Guión: Fernando Franco, Enric Rufas
Año: 2013
Duración: 98 minutos

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Escrito por: Robert Martínez

Teatro

Crítica teatral: Com dir-ho?, a l’Almeria Teatre

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com-dir-ho

L’enfrontament entre dos personatges de generacions oposades sempre ha resultat un material literari excel·lent, una font inesgotable d’inspiració per als millors escriptors; el darrer exemple d’aquest tipus de confrontació el trobem a l’Almeria Teatre, on des del passat 1 de març s’hi representa Com dir-ho?, un muntatge senzill que es sustenta en un text fascinant per les pistes ambigües que conté –producte de la ment perversa del dramaturg Josep Maria Benet i Jornet– i en dos enormes intèrprets: un de prestigi reconegudíssim en l’escena catalana (Jordi Boixaderas), l’altra una jove debutant (Clàudia Benito), una actriu solvent per a qui la inexperiència no és, en cap moment, un llast a l’hora de replicar el seu il·lustre company i que esdevé un descobriment esplèndid per al teatre català.

En una nit de pluja intensa, un home irromp al pis d’una noieta: ella és una estudiant de Literatura a punt de presentar el seu treball de final de carrera, un text del qual ell, professor i escriptor, n’és el director. Què vol? Què li ha de dir? Per què no pot esperar a l’endemà? La situació és incòmoda per a tots dos, la noia no s’esperava una visita com aquella, l’home va xop de cap a peus, però l’aiguat que està caient no ha estat un impediment per a ell perquè necessitava veure-la, parlar-hi, expressar una cosa que el consumeix per dins, sincerar-s’hi. L’home intenta arrencar el seu discurs, atribolat, desencaixat, repetitiu, incapaç d’estructurar les frases com ell desitjaria; a més, entre tots dos existeix un abisme (gairebé) insalvable: l’edat és un escull per a la seva relació, però també els separa l’opinió descarada d’ella sobre les novel·les del seu professor, les seves parelles, la forma en què encaren el procés creatiu,… Tanmateix, la nit és tempestuosa i convida a acostar posicions.

Així arrenca Com dir-ho?, amb dos únics personatges en escena –un duel interpretatiu brillant en què les aparences enganyen, amb dubtes sobre si existeix una víctima i un botxí o tot és més senzill del que sembla, amb Jordi Boixaderas en un paper que transita entre la fragilitat i el desequilibri psíquic, entre la por i la determinació, i Clàudia Benito com l’alumna que no entén què pretén aquell home i que només desitja que marxi tan aviat com sigui possible– que, entre confessions incòmodes i silencis que ho diuen tot, mostren dues maneres d’entendre la vida –ja sigui des del desencant implacable de la maduresa o bé des de la insaciable curiositat de la joventut–, reflexionen sobre realitat i ficció, sobre vida i literatura, sobre sentiments i creació, i en què l’ofici d’inventar relats és vist com a guia i forma de salvació per a l’ésser humà en els moments de màxima confusió.

Josep Maria Benet i Jornet signa aquest diàleg ple d’incògnites, a estones inquietant, a estones desconcertant, que és Com dir-ho?, un text que juga amb la relació entre un home madur i una joveneta i les idees preconcebudes que en pot tenir l’espectador –i a qui es demana la seva complicitat de forma imprescindible– amb què l’autor tanca la trilogia d’obres per a dos personatges que va iniciar amb Soterrani i va continuar amb Dues dones que ballen; i, com en aquelles, ha confiat la direcció de l’obra a Xavier Albertí, encarregat d’ajustar les interpretacions de Boixaderas i Benito i únic responsable de situar el públic embolcallant l’escenari per tal de potenciar el clima íntim, proper, que necessita una delicada història com aquesta i que tan bé li escau al projecte. I el públic, refet del sensacional impacte final, no pot fer altra cosa que premiar amb aplaudiments entusiastes l’espectacle que li acaben de regalar.

Com dir-ho? es representarà a l’Almeria Teatre a partir de l’1 de març de 2013.

Autor: Josep Maria Benet i Jornet
Direcció: Xavier Albertí
Intèrprets: Jordi Boixaderas, Clàudia Benito
Ajudant de direcció: Victor Alvaro
Escenografia: Victor AlGo, Jordi Soler
Vestuari i Caracterització: Núria Llunell
So: Jordi Bonet
Fotografies: Clàudia Serrahima
Disseny Gràfic: Dilogic
Promocions: Guida Uyà
Producció executiva: Savina Figueras

Horaris: dimecres, dijous, divendres i dissabte a les 20:00 hores, i diumenge a les 17:00 hores
Preu: de 20 € a 22 €
Idioma: català
Durada: Una hora i deu minuts

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Escrit per: Robert Martínez Colomé

Teatro

Crítica teatral: La signatura 400, al Círcol Maldà

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Signatura_400

Què hi ha darrere d’una bibliotecària? Què li passa pel cap? ¿Què opina de la seva feina? I dels usuaris que cada dia circulen pel seu “territori”? L’escriptora Sophie Divry es va plantejar totes aquestes qüestions, i d’aquest treball imaginari en va sortir La signatura 400, el text que estrena el Círcol Maldà amb Lluïsa Mallol –realment esplèndida– en la pell d’una dona que ha convertit el soterrani de la biblioteca municipal en què treballa en el seu refugi particular, un lloc on gairebé no hi entra la llum exterior i amb el qual manté una estranya relació, entre l’amor i l’odi, un espectacle de petit format molt ben rebut pel públic que ja ha vist aquesta delicada declaració d’amor als llibres que ens envolten a la sala del barri Gòtic barceloní.

Un dia més, la nostra soferta protagonista arriba ben d’hora a la biblioteca per a endreçar els llibres que van quedar damunt les taules la tarda abans. Avui, però, no serà un dia qualsevol: en encendre els llums descobrirà un lector que es va quedar adormit en la seva secció, la de geografia, un inesperat convidat que ella no deixarà escapar sense que l’ajudi en la seva tasca. Així, i mentre posen ordre al seu departament –la seva obsessió per l’ordre és malaltissa–, la dona compartirà les seves reflexions més íntimes amb aquell home silenciós, qui descobrirà una dona que parla amb passió de la seva feina, a la qual ha dedicat els millors anys de la seva vida, una lectora habitual de Maupassant i de Simone de Beauvoir que odia especialment els arquitectes, observadora silenciosa dels flirtejos que succeeixen en aquell soterrani, desencantada per no poder fer-se càrrec de les seves seccions preferides –la d’història i la de literatura– per enveges de les companyes, etc.

En el seu discurs, la bibliotecària assegura que “aquell qui està envoltat de llibres no està mai sol”, una afirmació que ella mateixa s’encarrega de desmuntar al mostrar la seva frustració en l’amor –va arribar a aquesta ciutat per un home que la va deixar per una enginyera nuclear, mentre que en l’actualitat està enamorada platònicament d’un historiador amb qui només ha parlat una vegada–, el seu desencís en sentir-se invisible a ulls dels altres, el dolor per haver dedicat els seus esforços als llibres i haver descuidat les seves relacions personals, la ràbia en veure com se li escapa la vida sense poder fer res per a evitar-ho i la sensació de ser només una presonera entaforada en aquell racó obscur.

Sota la direcció de Joan Peris, La signatura 400 es presenta com un monòleg atípic, més aviat podem definir-lo com un diàleg amb un interlocutor que no parla en cap moment –el lector, tot i ser sempre present–, un discurs que permet brillar, un cop més, Lluïsa Mallol, una magnífica actriu que aquí es transforma en una bibliotecària veterana amb certs impulsos obsessius-compulsius respecte a la correcta disposició de les coses, transitant amb desimboltura en estats d’ànim contradictoris: tan bon punt escridassa l’home com li prega que es quedi, tan aviat riu i s’il·lusiona amb el clatell del seu estimat Martin com plora en comprovar que mai podrà estar amb ell, aconseguint que l’espectador s’identifiqui amb el seu patiment. En escena, però, Mallol no està sola: Joan Gibert és l’usuari que ha passat la nit a la biblioteca, i té el difícil paper de donar la rèplica a la seva companya sense paraules; els seus gestos, les seves reaccions, esdevenen una feina silenciosa que ell realitza amb gran habilitat.

Enamorada de la literatura, Lluïsa Mallol va començar la carrera de Biblioteconomia i Documentació; anys més tard, l’actriu va descobrir aquest text de Sophie Divry sobre una bibliotecària que comparteix les seves frustracions amb el públic, un relat en què s’unien dues de les seves grans passions, els llibres i el teatre, i va decidir fer-ne l’adaptació i buscar un lloc on representar-la. El Círcol Maldà ha estat l’escollit per a instal·lar La signatura 400, un notable espectacle, entre l’humor, el drama i l’erudició, que no només reflexiona encertadament sobre el paper de la cultura en la societat actual –tan necessària malgrat els esforços d’alguns per a arraconar-la–: també parla de la solitud, de l’amor, del desamor, de la frustració pels somnis no aconseguits,… De la vida, en definitiva.

La signatura 400 es representarà al Círcol Maldà del 20 de febrer al 10 de març de 2013.

Autora: Sophie Divry
Traducció i adaptació: Lluïsa Mallol
Direcció: Joan Peris
Intèrprets: Lluïsa Mallol, Joan Gibert
Escenografia: Herminia Carulla
Vestuari: Antonio Belart
Perruqueria: Toni Santos
Disseny de llums: Daniel Gener
Disseny de so: Aurélie Raoût
Producció executiva: Cristina Raventós

Horaris: dimecres, dijous, divendres i dissabte a les 21:00 hores, i diumenge a les 19:00 hores
Preu: de 17 € a 22 €
Idioma: català
Durada: Una hora i deu minuts

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Escrit per: Robert Martínez Colomé

Cine

Crítica cinematográfica: Terrados, de Demian Sabini

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Día tras día aparecen en los medios de comunicación numerosos expertos en economía vaticinando un futuro desalentador para todos nosotros, palabras que, quizás sin pretenderlo, consiguen arrebatarle al ciudadano de a pie lo único que aún le queda: la esperanza. Sin embargo, también los hay que utilizan tópicos optimistas, frases como “la crisis agudiza las ideas” para animarnos a probar suerte y llevar a buen puerto, con mucha voluntad, nuestros proyectos sin que esta situación ponga trabas a nuestras ilusiones. Demian Sabini forma parte del segundo grupo, del que intenta hacer realidad su sueño al margen de la difícil coyuntura económica que azota al país en la actualidad; así, pensó que la desocupación que padecen los jóvenes alrededor de la treintena (como él mismo), una generación sobradamente preparada –carreras universitarias, masters, doctorados,…– que pierde su empleo y no encuentra otro a pesar de presentar un currículum impecable, merecía ser denunciada utilizando una buena película como altavoz. El resultado es Terrados, un film en el que Sabini ejerce de productor, director, guionista y actor con apenas 12.000 € de presupuesto –rodada en 21 días con actores que no cobraron– en el que esos jóvenes en paro buscan refugio en los terrados de Barcelona, lugares que les sirven para huir de la realidad y tomar distancia de sus dramas personales.

La idea de la película surgió de una anécdota real de Carolina Cabrerizo (Elsa en la película), quien comentó a Sabini como, en sus tiempos de estudiante y de vuelta a casa tras una noche de juerga, se colaba en algunos terrados para ver amanecer. Al director le pareció que ese escenario sería un refugio ideal para aquellos jóvenes en paro que no saben a qué dedicar las horas muertas mientras esperan que alguna empresa responda a los currículums enviados. De esta manera nacieron en su imaginación los protagonistas de la historia: Leo, Mario, Elsa, Pablo y Nachete, cinco muchachos –que bien podríamos ser cualquiera de nosotros– que no encuentran trabajo a pesar de su experiencia laboral, así que recorren la ciudad en busca de un terrado en el que pasar el rato, jóvenes sin posibilidades reales de formar una familia (alguno se ve obligado a vivir con sus padres), con uno de sus protagonistas (Leo, interpretado por Sabini) confuso al ver tambalear su relación de pareja al mismo tiempo que el desencanto se apodera de su realidad diaria.

Fotograma de la película
Fotograma de la película

Sin recrearse en dramatismos (de hecho, también hay lugar para el humor), Terrados muestra de forma sincera la realidad de una generación que ve cómo el presente se le escapa de las manos sin poder evitarlo, jóvenes abrumados por las continuas noticias negativas y tan desanimados que apenas prestan atención a su aspecto. Además, para ellos la calle se ha vuelto un lugar hostil en el que solo encuentran incomprensión (incluso por parte del entorno más cercano, que les acusa de no afrontar los problemas como correspondería a un adulto) en contraposición a los terrados, donde nadie les juzga, el grupo se muestra unido y solidario con sus compañeros de penurias, aquellos que sí entienden realmente lo que les atormenta, una extraña situación laboral que les ha arrebatado su razón de ser ya que, en palabras de Elsa, “… el derecho al trabajo sea el derecho de la ciudadanía por excelencia, el primer derecho. Por ello, quien pierde el trabajo ve mermado su derecho”, algo que nuestros gobernantes han olvidado por completo.

Lejos de ser una exaltación del dolce far niente, con esas reuniones pretenden sentirse menos solos y encontrar, así, la manera de salir de esa espiral de negatividad en la que se hallan. En su discurso encontramos una crítica al capitalismo –parece que nuestro presente inevitablemente deba reducirse al “gasto, luego existo”–, a la poca utilidad de la universidad –“estudia una carrera y no te faltará nunca el trabajo”, decían nuestros padres sin imaginar que, en un momento como el actual, aquello no sería más que un papel mojado–, a quienes piensan que los meses de paro son unas vacaciones pagadas –siempre que tengas un buen colchón monetario detrás, claro– y, por qué no, a una parte de esta generación que, frágil e idealista, cuando las cosas no salen como lo había planeado se ofusca en la negatividad y no encuentra salida. Sin embargo, en la película se vislumbra algo de esperanza en el futuro, la vida siempre nos depara una segunda oportunidad y hay que aprovecharla, aunque sea reinventándose y dejando atrás lo que, hasta el momento, consideraban que era lo suyo.

Rodada poco antes de que se iniciara la acampada del movimiento 15-M en Plaça Catalunya –finalmente el desencanto de los jóvenes se transformó en indignación–, Terrados es una buena muestra de cine necesario, aquel que no ignora los problemas de la gente y que considera que una película debe ser algo más que un mero entretenimiento; además, es el ejemplo de que una buena historia y las ideas claras compensan con creces la falta de recursos –si no fuera así hubiera sido imposible contar con una canción de Macaco en su banda sonora, “Con la mano levantá”, un tema publicado hace más de seis años que ya advertía que «el futuro pende de un hilo»–, de tal forma que incluso recibió el premio del público del Seminci de Valladolid, que valoró su compromiso con la cruda realidad del momento. Con todo, Demian Sabini no lo tuvo fácil para proyectar en los cines su obra: tan solo el Maldà de Barcelona programó su estreno el 19 de octubre, por lo que debemos felicitar a BTV por emitir en televisión el pasado 30 de noviembre esta excelente película, especialmente recomendada, tal y como refleja la dedicatoria final, para “todo el que, en algún momento de su vida, no ha sabido quién era”.

Título: Terrados
Director: Demian Sabini
Intérpretes: Demian Sabini, Alain Hernández, Carla Pérez, Carolina Cabrerizo, David Resplandí, Pablo Molinero, Jessica Alonso, Álex Molero, Anna Bertran, José María Blanco, Carol Groot, Jesús Rodríguez, Magda Puig, Óscar Aragonés, Jesús Comaposada, Pablo Sola
País: España
Año: 2011
Duración: 76 minutos

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Escrito por: Robert Martínez Colomé

Cine

Estreno cinematográfico: Los niños salvajes, de Patricia Ferreira

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El próximo 25 de mayo se estrena Los niños salvajes, un film que sigue las desventuras de tres adolescentes incomprendidos por la gente que les rodea, una película que se convirtió en la gran triunfadora del pasado Festival de Málaga al recibir cuatro premios, dirigida por Patricia Ferreira y protagonizada por Marina Comas, Albert Baró y Àlex Monner.

Fotograma de la película

Álex, Gabi y Oki son tres adolescentes que viven en una gran ciudad. Tienen la sensación de ser unos desconocidos para sus padres, para sus profesores e, incluso, para ellos mismos. Están desorientados, emocionalmente aislados en esa selva urbana, así que buscarán una vía de escape a esa soledad que tendrá consecuencias inesperadas, tanto para el grupo como para el resto de la sociedad.

Los niños salvajes es la nueva propuesta de Patricia Ferreira (Para que no me olvides), una película que pretende ser un retrato de los adolescentes que residen en una gran ciudad, un proyecto para el que Ferreira ha contado con Marina Comas (Pa negre), Albert Baró (Les veus del Pamano) y Àlex Monner ([REC]3 Génesis) para interpretar a los muchachos protagonistas, y a quienes acompañan secundarios de lujo como Aina Clotet (Elisa K), Montse Germán (Atlas de geografía humana), Francesc Orella (Mil cretins), José Luis García Pérez (8 citas) y Clara Segura (Los ojos de Julia), entre otros.

Los niños salvajes se estrenará en nuestros cines el 25 de mayo de 2012.

Título: Los niños salvajes
Título Original: Els nens salvatges
Género: Drama
Nacionalidad: España
Año: 2012
Duración: 100 minutos
Director: Patricia Ferreira
Guión: Patricia Ferreira, Virginia Yagüe
Intérpretes: Marina Comas, Albert Baró, Àlex Monner, Aina Clotet, José Luis García Pérez, Montse Germán, Francesc Orella, Clara Segura, Marc Rodríguez, Eduardo Velasco, Emma Vilarasau, Lluís Villanueva, Mercè Pons, Ana Fernández

Cine

Novedad cinematográfica: La sombra de la traición, de Michael Brandt

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El próximo 18 de mayo se estrena el thriller La sombra de la traición, una película de espionaje en la que un joven del FBI deberá formar equipo con un agente jubilado de la CIA para dar caza a un antiguo criminal soviético, un film dirigido por Michael Brandt y que cuenta con Richard Gere, Topher Grace y Martin Sheen en los papeles principales.

Fotograma de la película

El asesinato de un senador de los Estados Unidos obliga a Paul Shepherdson, un agente retirado de la CIA, a retomar las investigaciones que dejó cuando se jubiló; él sospecha que el autor de la muerte es “Cassius”, un asesino soviético a quien persiguió durante toda su carrera y que daba por muerto. Por su experiencia, Shepherdson resulta ser la persona idónea para ayudar en su investigación a Ben Geary, un agente novato del FBI. Sin embargo, a medida que van surgiendo nuevos datos sobre el asesinato van apareciendo pistas que indican que “Cassius” podría no ser quienes ellos pensaban, algo que pondrá en peligro sus propias vidas.

Dirigida por Michael Brandt (El tren de las 3:10), La sombra de la traición muestra cómo dos policías de métodos muy distintos deberán unir fuerzas para enfrentarse a un peligroso asesino, una película protagonizada por Richard Gere (Los amos de Brooklyn), Topher Grace (Predators), Martin Sheen (Love Happens) y Odette Annable (La semilla del mal), y en la que también tienen un papel los televisivos Stana Katic (Castle) y Stephen Moyer (True Blood).

La sombra de la traición se estrenará en nuestros cines el 18 de mayo de 2012.

Título: La sombra de la traición
Título Original: The Double
Género: Thriller, Drama
Nacionalidad: USA
Año: 2011
Duración: 95 minutos
Director: Michael Brandt
Guión: Michael Brandt, Derek Haas
Intérpretes: Richard Gere, Topher Grace, Martin Sheen, Odette Annable, Stana Katic, Stephen Moyer, Chris Marquette, Nicole Forester, Tamer Hassan, Jeffrey Pierce, Ele Bardha, Yuriy Sardarov, Jimmy Ortega, Michael B. Clark, Nina Kircher

 

Cine

Estreno cinematográfico: Un lugar donde quedarse, de Paolo Sorrentino

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El próximo 11 de mayo se estrena Un lugar donde quedarse, una historia de venganza en la que su extravagante protagonista intentará acabar el trabajo iniciado por su padre, una película presentada en el pasado Festival de Cannes, dirigida por Paolo Sorrentino y que cuenta con Sean Penn, Frances McDormand y Judd Hirsch en los papeles principales.

Fotograma de la película

Cheyenne es una decrépita estrella del rock gótico que, retirada en Dublín, vive de los derechos de autor de sus antiguas canciones. A la muerte de su padre, con quien no se hablaba desde hacía 30 años, decide abandonar su dorado retiro irlandés y regresar a Nueva York, donde descubrirá la obsesión que atormentaba a su progenitor: pretendía vengarse de un criminal de guerra nazi refugiado en los Estados Unidos, un hombre que lo humilló cuando se encontraba preso en un campo de concentración. Tras esta revelación, Cheyenne decide continuar con la búsqueda que no pudo completar su padre.

Paolo Sorrentino (Las consecuencias del amor) dirige Un lugar donde quedarse, un film centrado en los intentos del protagonista por encontrar al hombre que torturó a su padre muchos años atrás, una película en la que Sean Penn (El árbol de la vida) interpreta a ese músico que parece un clon del líder de The Cure, Robert Smith. Frances McDormand (Quemar después de leer), Judd Hirsch (Una mente maravillosa), Eve Hewson (The 27 Club), Heinz Lieven (The Final Fax) y Kerry Condon (La última estación) completan el reparto.

Un lugar donde quedarse se estrenará en nuestros cines el 11 de mayo de 2012.

Título: Un lugar donde quedarse
Título Original: This Must Be the Place
Género: Drama, Thriller
Nacionalidad: Italia, Francia, Irlanda
Año: 2011
Duración: 118 minutos
Director: Paolo Sorrentino
Guión: Umberto Contarello, Paolo Sorrentino
Intérpretes: Sean Penn, Frances McDormand, Judd Hirsch, Eve Hewson, Heinz Lieven, Kerry Condon, Harry Dean Stanton, Joyce Van Patten, David Byrne, Olwen Fouere, Shea Whigham, Liron Levo, Simon Delaney

Cine

Estreno cinematográfico: Martha Marcy May Marlene, de Sean Durkin

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El próximo 27 de abril se estrena Martha Marcy May Marlene, un thriller psicológico que explica cómo una joven intenta sobreponerse a su traumática experiencia como miembro de una secta peligrosa, una película dirigida por Sean Durkin y protagonizada por Elizabeth Olsen, John Hawkes y Sarah Paulson.

Fotograma de la película

Tras escapar de una secta y de su poderoso líder, Martha intenta poner su vida en orden, una tarea que no le resultará nada fácil. Para conseguirlo, la joven busca refugio en su hermana y su cuñado, a quienes, por miedo, no podrá revelar el verdadero motivo de su desaparición. Ese intento por recuperar su vida, tranquila y apacible, quedará enturbiado cuando sus recuerdos desencadenen en ella una aterradora paranoia: el líder de la secta podría estar buscándola, un pensamiento que hará que Martha pierda cualquier indicio de cordura y, así, ilusión y realidad quedarán confundidas sin remedio.

Dirigida por el debutante Sean Durkin, Martha Marcy May Marlene ofrece una inquietante mirada sobre el oscuro mundo de las sectas actuales, una película para la que Durkin ha confiado el papel protagonista a Elizabeth Olsen (Luces rojas), a quien acompañan, entre otros, los actores John Hawkes (Winter’s Bone), Sarah Paulson (The Spirit), Brady Corbet (Melancolía) y Hugh Dancy (Conociendo a Jane Austen).

Martha Marcy May Marlene se estrenará en nuestros cines el 27 de abril de 2012.

Título: Martha Marcy May Marlene
Género: Drama, Thriller
Nacionalidad: USA
Año: 2011
Duración: 101 minutos
Director: Sean Durkin
Guión: Sean Durkin
Intérpretes: Elizabeth Olsen, John Hawkes, Sarah Paulson, Brady Corbet, Hugh Dancy, Christopher Abbott, Maria Dizzia, Julia Garner, Louisa Krause, Adam David Thompson, Allen McCullough, Lauren Molina, Louisa Braden Johnson, Tobias Segal, Gregg Burton