Coneixeu el “Jo mai mai”? Per qui no sàpiga de què parlo diré que és un d’aquells jocs que triomfen en les reunions entre amics, i que ens fa explicar els nostres secrets i conèixer els dels altres acompanyats d’una copa: si has fet allò que algú proposa, has de beure un glop; si no, no beus. L’èxit d’aquest popular joc va fer que l’actor Joan Dausà pensés que seria un bon títol per a un disc, així que dit i fet: el passat 14 de febrer va sortir a la venda Jo mai mai, el debut de Joan Dausà i Els Tipus d’Interès, un treball que es va començar a gestar fa gairebé dos anys mentre Dausà feia una barbacoa amb uns amics d’allò més interessants: Martí Maymó i Arnau Vallvé (dels Manel), Axel Pi (bateria de Sidonie) i Carol Duran (de La Carrau), uns amics que no van dubtar ni un instant a oferir-li el seu suport en la seva aventura com a cantant.
Conegut pels seus treballs en televisió (on ha participat en sèries com Ventdelplà o Porca Misèria), la veu de Joan Dausà se’ns va fer habitual quan va doblar el personatge de Xavi Masdéu, el protagonista modernet d’Arròs covat, la magnífica sèrie d’animació creada per Juanjo Sáez l’any 2009. Mentre treballava com a actor, la música només era una afició per a Dausà, qui ja a l’adolescència es va iniciar tocant temes de Lluís Llach i Joan Manel Serrat, fins que l’any 2010 va guanyar el Premi de la Votació Popular del Concurs de Maquetes Sona9 amb les cançons que ara publica.
Joan Dausà
Produït per Santos Berrocal i Florenci Ferrer (productors de grups com Sidonie o Love Of Lesbian) Jo mai mai conté onze cançons que pretenen emocionar, un treball marcat per la malenconia i la nostàlgia, amb un so íntim i sense artificis, que parla d’històries quotidianes, de parella, de sentiments personals, fins i tot de tristesa, però sense recrear-s’hi, ja que el músic de Sant Feliu recomana ser positiu davant les adversitats.
De les onze cançons cal destacar Martina, un preciós exercici imaginatiu en què Dausà evoca la joventut de La Tieta de Serrat, quan no podia imaginar que envelliria tota sola; M’hauria agradat, on s’expliquen desitjos que no es fan realitat; El señor Sommer i l’ós polar, la preferida de l’autor, una faula basada en el llibre de Patrick Süskind; 1979, que l’autor dedica a la seva mare, que va morir pocs dies després de néixer ell; i la cançó que dóna nom al disc, Jo mai mai, una història d’amor que es resumeix en un sopar on es juga a aquest joc, i que ve acompanyat d’un videoclip fantàstic en què Joan Dausà es reuneix amb els seus amics (Els Tipus d’Interès) per fer un cafè i jugar, i on trobarem les curioses confessions de Pep Cruz, Carles Flavià, Agnès Busquets, Marc Angelet, Juanjo Sáez, Clara Segura (que també col·labora a Encara hi som a temps), Miqui Puig, Anna Moliner,…
La gira de presentació de Jo mai mai va començar de forma exitosa a la sala Heliogàbal de Barcelona, on va esgotar totes les entrades per a la triple cita que va oferir a finals de febrer. Per a aquestes actuacions en directe (la propera, a Terrassa el 8 de març), i davant la impossibilitat de comptar amb Els Tipus d’Interès originals per problemes d’agendes, Joan Dausà ha reunit un nou grup que l’acompanyarà dalt de l’escenari, amb els músics Pere Ruiz, Eloi Isern, David Romero i Ferran Resines.
Títol: Jo mai mai
Autor: Joan Dausà i Els Tipus d’Interès
Discogràfica: Cameo
Data de publicació: Febrer 2012
Més informació: www.joandausa.com
No es una exclusiva comunicativa el constatar que el Teatre Gaudí Barcelona está llevando a cabo, desde hace tiempo, una programación de carácter «generacional» (en el sentido de generación, de grupo de edad), ni aseverar que, además, la calidad y el acierto están siendo elementos tenidos muy en cuenta. Y supongo que tampoco es un notición afirmar que los responsables de la programación artística se están «luciendo» a la hora de materializar textos, escenografías e ideas de una forma próxima, amena y actual.
Pues perdónenme ustedes, pero si esto no es un notición en el ámbito de la escena teatral de la ciudad, no sé lo que lo puede ser. Sobre todo si tenemos en mente que el teatro en cuestión no es uno de los principales de la ciudad en lo que se refiere a los «mimos» que recibe de la administración (o al menos, eso pienso yo!!), como tampoco lo es el circuito escénico que configura de forma conjunta con el Versus Teatre.
No hace falta, así, escudriñar demasiado en el pasado para ver que numerosas de las últimas producciones representadas en el Gaudí (Pasta Fullada, Dos punkis i un Vespino, In on It, o Mediocres) han sido todo un acierto en el aspecto artístico, al que hay que esperar que haya acompañado el éxito de público.
Este es, también, el caso de Oxigen, la obra escrita y dirigida por Mar Monegal e interpretada por Helena Bagué, Francesc Ferrer, Albert Mèlich y Betsy Túrnez y que analiza, en tono de tragi-comedia, las consecuencias que tiene para dos parejas jóvenes la búsqueda y la llegada de la descendencia. Un escenario y una trama cercanos a la mayoría de nosotros y que se puede convertir en un momento crítico en la existencia de cualquier pareja.
Y esta es la cuestión que trata la obra de Monegal. La directora utiliza un caso doble (y diverso) para acercarse al mundo de las relaciones, del amor y de la reproducción. Dos parejas en muchos aspectos opuestas y en muchos otros muy parecidas. Una de ellas, la formada por Marta (Betsy Túrnez) y Alex (Francesc Ferrer), es más convencional, más hecha a la antigua y mantienen una relación de amor/desamor, aunque, en realidad, se necesitan y se quieren demasiado el uno al otro. La otra, la formada por Ona (Helena Bagué) y Roger (Albert Mèlich), es una pareja más moderna, más actual, «algo más alternativa» que vive su vida al momento.
Todo esto cambiará, se transformará cuando ambas parejas, por motivos diferentes, se dispongan a tener un hijo. Esta «dramática» decisión, que transforma muchas veces a una pareja en una familia, tendrá amplias consecuencias en la vida de los cuatro protagonistas, pondrá en tensión a las dos relaciones y mostrará el «modo de ser» real de cada uno de ellos. Los preparativos de los padres; la adaptación del espacio familiar para recibir al nuevo miembro; la fecundación a veces más complicada de lo que debería; las interminables compras; los inevitables antojos; los continuos cambios de humor; las eternas discusiones de como se ha de hacer esto o como se ha de realizar lo otro; la necesidad de compromiso; las renuncias, las infidelidades, el sexo…
Las vicisitudes de estas dos parejas permiten a Monegal desplegar un muestrario más amplio de las consecuencias y las secuelas de la toma de tan importante decisión. Si en el caso de Marta y Alex asistimos a las respuestas dadas por una pareja más tradicional, en la cual Alex delega gran parte de la actividad familiar y doméstica de forma sumisa en manos de Marta, auténtico motor y director de la relación, en el caso de Ona y Roger parece que dos espíritus gemelos se han encontrado, lo que ha hecho crecer el mundo compartido por ambos. Un verdadero amor que embarga sus personalidades. Aún así, la decisión de tener un hijo afectará a ambas relaciones y las someterá a las tensiones y las presiones más impetuosas a las que se habían enfrentado hasta el momento. Todo un reto!!
Pero no teman. Lo que les explico, y que en algunos casos se puede convertir en una aguda crisis de pareja, se transforma en una tragicomedia que equilibra la interpretación de los dos actores y las dos actrices. Si las situaciones «padecidas» por Marta y Alex provocan un torbellino de hilaridad y de carcajadas, el día a día de Ona y Roger nos mostrará una reflexión más interior y espiritual, en la cual podremos observar como la aportación de cada miembro de una pareja a la relación no es ni mucho menos equitativa. Mientras que Ona se ha retirado a la vida familiar conjunta, Roger no ha abandonado del todo su vida «independiente» anterior, y sus obligaciones como padre desbordarán las más de las veces sus pocas aptitudes naturales.
Oxigen es una obra donde el humor está muy presente, una herramienta ésta que nos permite ver que nada en la vida es totalmente blanco o totalmente negro, ya sea en el día a día de dos parejas o en la existencia de cualquiera de nosotros, en la que, normalmente, predominan los grises de tonos más o menos vivos.
La obra se compone de una actuación coral a ocho manos. Sobre el mismo escenario se crearán desde casi la nada los hogares de las dos parejas, que se irán alternando uno tras otro en base a la necesidades de la representación, y se irán materializando con ayuda de los mismos intérpretes. Veremos pasar las semanas, los meses e incluso los años de la vida de los protagonistas de una forma fugaz pero nítida, lo cual nos revela el dominio de la textura escénica por parte de la directora, de los actores y del equipo artístico. Es una interpretación coral y con cierto grado de feedback entre los actores y el público, lo que nos hará pensar que más que estar en el teatro estamos visitando a unos conocidos. Otro acierto de la producción, el acercamiento entre el público y la representación.
Pero si entre las cuatro interpretaciones tuviera que destacar alguna, me quedaría, sin duda, con los chispazos que generan la pareja de Marta (Betsy Túrnez) y Alex (Francesc Ferrer), auténticos amperios de humor que comunican a sus personajes un altísimo grado de comicidad y «realismo doméstico». Aún así, y vuelvo a repetirlo, sería injusto valorar una o dos de las actuaciones por encima del resultado global que quiere dar a la obra su directora.
Oxigen, un título que hace referencia a aquello más básico que necesitamos para vivir, es un respiro de aire «teatral», de aquellos que todos requerimos de tanto en tanto. Una obra que habla de nuestro día a día, de los objetivos que nos marcamos en la vida y de los recursos que invertimos en su consecución. Es un drama, el de la vida, y es comicidad, que emana también de la vida misma, y nos provee de una buena dosis de oxigeno con el que desconectar de nuestros propios problemas y «disfrutar» de los problemas de los otros (que al mismo tiempo son los nuestros). Un soplo de aire fresco que, sabiendo como está la cosa «ahí fuera», todos deberíamos aprovechar.
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«Oxigen» se representa en el Teatre Gaudí de Barcelona del 27 de enero al 25 de marzo de 2012.
Dramaturgia y dirección: Mar Monegal
Intérpretes: Helena Bagué, Francesc Ferrer, Albert Mèlich y Betsy Túrnez
Compañía: Teatre Gaudí
Espacio sonoro: Javi Gamazo
Diseño de luces: Dani Gener
Espacio escénico: Mar Monegal
Fotografías: Josep Aznar
Horario: de jueves a sábado a las 20:45 horas y domingo a las 18:00 horas Precio: 18 € Idioma: catalán Duración: Una hora y veinte minutos
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Gracias al estreno del film La legión del águila el mes de abril del año pasado y la reedición, por parte de la editorial Plataforma, de la novela El águila de la novena legión, de Rosemary Sutcliff, en la cual se basa la película, Blog Culturalia ha podido iniciar y finalizar un viaje de análisis a través del mundo de ficción histórica creado por la autora inglesa en los años 50 del siglo XX. Un viaje que repasa, a través de las peripecias de la familia Aquila, la historia de Britania desde el siglo II al V d.C. y que revive, en forma de ficción histórica, la conquista y la dominación romana de la isla.
Esta tercera entrega de la saga, titulada Los guardianes de la luz, publicada originalmente en el año 1959 (y editada en español por Plataforma editorial también en el año 2011), posee un alto grado de finalización en lo que respecta al mundo romano establecido en la isla y tiene un acentuado carácter de inicio en relación a la fase medieval de la historia de las islas británicas.
Nos hemos de situar, pues, a mediados del siglo V d.C., cuando, debido a la crítica situación política que atravesaba el Imperio romano, el todopoderoso general Aecio decide retirar las últimas tropas romanas presentes en Britania ubicadas en la costa este, en el fuerte de Rutupiae, dejando, de esta forma, a la isla indefensa ante los ataques de los pueblos germánicos (anglos, jutos y sajones), que iniciarán el saqueo y la conquista del territorio britano.
Marco Flavio Aquila, decurión de la caballería romana de origen britano optará, ante la marcha de las águilas, por la deserción y por permanecer en la isla, junto a su familia, su padre y su hermana Flavia, y hacer frente a la invasión y a la inminente destrucción sajona. Ésta no se hará esperar y traerá la desgracia a la familia Aquila. El ataque germano acabará con la villa familiar, la muerte de su padre y el rapto de su hermana por parte de los sajones.
Aquila sobrevive al ataque germano para ser esclavizado por un joven juto, que lo llevará a tierras escandinavas donde servirá como esclavo. El destino, sin embargo, permitirá a Aquila volver a tierras britanas, donde podrá escapar y ponerse en contacto con las fuerzas de Ambrosio Aureliano, el líder celto-romano que capitaneará la resistencia frente a la invasión germana.
Sutcliff nos sitúa, literariamente hablando, en el cierre del periodo de dominación romana sobre la Britania antigua y nos ubica en un nuevo comienzo, el de la historia medieval de la isla, que la autora había escuchado tantas veces narrar a su madre. Un mundo donde la leyenda, la fábula y el heroísmo estarán muy presentes, no en vano nos adentramos en la época en la que se ambientan las leyendas del Rey Arturo y sus caballeros, presentes también en esta novela, si bien de una forma bastante más «realista» a la que estamos acostumbrados.
La autora, como decía, se zambulle en este ambiente de decadencia y de crisis política del poderío romano para concebir, seguramente, algunas de las escenas más emotivas de toda la saga. La primera es la de la deserción del propio Aquila, con el faro de Rutupiae y la marcha de las galeras romanas como símbolo final de la dominación romana y como leitmotiv que reaparecerá a lo largo de la novela. Toda una escena que nos sitúa rápidamente en lo que va a ser la trama histórica y que nos muestra el terror, las emociones y la fidelidad que Flavio mantiene no solo con su patria sino también con su familia. Una brecha que prefigura de alguna forma la rotura política entre la isla británica y el poderío romano continental.
La segunda, un poco menos verídica según mi opinión, es la llegada de los grupos de saqueadores sajones a la villa familiar de los Aquila, que acaba de poner fin al mundo romano que había desarrollado Sutcliff en sus dos novelas anteriores y que nos muestra claramente la brutalidad y la irracionalidad de la nueva época que se abría paso en la isla. Una visión muy propia de los autores y del público, de la primera mitad del siglo XX, y si me apuran, también en la actualidad.
Los guardianes de la luz se convierte en un episodio literario más que nos describe la historia de la Britania romana. La meta de Sutcliff, sin embargo, no era nada fácil, no solo por la falta de información histórica a la que pudo tener acceso la escritora, sino por la «legendarización» de todo el periodo de la mano, como he indicado anteriormente, de las leyendas artúricas y de la universalización de la figura del rey Arturo, que hemos de ubicar, más o menos, en esta época. Aún así Sutcliff opta, como ya hiciera en los dos volúmenes anteriores de la trilogía, por un ambiente mucho más histórico del que estamos acostumbrados. La autora nos relata la llegada de los sajones y su asentamiento en la isla y los esfuerzos de los britanos, los descendientes de la tradición romana, por defender su territorio. Es aquí donde aparecen personajes como Ambrosio Aureliano y Vortigern, dos caudillos britanos de época post-romana; Hengest, el cabecilla sajón que liderará la acometida germana en tierras britanas; e incluso Artos, personaje este último que prefigura al legendario rey Arturo.
Los guardianes de la luz, título que hace una clara referencia a la resistencia britana, es una novela de lucha y de supervivencia, que nos narra el choque «literario» entre dos mundos diferentes, la tradición britano-romana y la nueva realidad que representaban los invasores germanos, en la novela principalmente sajones, y que con el tiempo daría forma a la Inglaterra medieval.
Rosemary Sutcliff, la autora.
El espacio delimitado por la autora es el de un mundo en descomposición, el romano-britano, que ha de unirse para luchar contra los salvajes e inhumanos sajones. El marco es el que ya conocemos de la saga: una historia donde un joven miembro de la familia Aquila, en este caso Flavio, militar de profesión, es el protagonista, y de cómo, a través de su experiencia se materializa la transformación de la isla y de su historia. Flavio, tras la pérdida de su familia, de su lealtad (a las águilas romanas) y de su libertad a manos de los sajones, hallará la esperanza en la figura del líder britano-romano Ambrosio, donde residirá el futuro de los aterrorizados britanos. Una clara referencia a la transmutación de la identidad de la isla.
La tercera parte de la saga la podríamos considerar, también como en el caso de las dos entregas anteriores, como ejemplo de las novelas juveniles aptas, claro está, para todos los públicos. En ella estará presente la violencia, los valores, el compromiso y la esperanza, aunque se hallan ausentes las emociones amorosas, un hecho que sorprende ya que es en esta tercera novela donde por primera vez el protagonista mantiene una relación sentimental (en algunos tramos una relación de amor/odio) con una joven celta llamada Ness, hija de un caudillo britano. Aún así, el componente más afectivo de la relación está ausente, algo que podemos entender en base al público (juvenil) al que estaba dedicada la obra, y a la experiencia vital de la autora, la cual, debido a la enfermedad de carácter artrítico que sufrió desde muy joven, se vio pronto reducida a una silla de ruedas. Sutcliff no se casó nunca y no tuvo hijos, hecho que ayuda a explicar, en parte, esa ausencia de contenido sentimental y emotivo en sus obras, algo que no impidió que sus novelas triunfaran, no solo en su país sino también en el extranjero.
Los guardianes de la luz es una obra que nos permite echar un vistazo, en clave de «aventura» histórica, a un mundo convulso, donde el lector se verá reclutado por parte de las escasas y desprovistas huestes britanas y donde seguiremos los pasos de Flavio y de los nuevos referentes históricos de la isla, ya sea el líder britano Ambrosio o su gran oponente Vortigern, cuya malicia nos será mostrada ya desde muy pronto a través de su alianza con las bandas de guerreros sajones, que traerán la muerte y la destrucción al territorio britano.
La autora mantiene a lo largo de toda la novela el estilo grato, entretenido y emotivo, al que ya nos tiene acostumbrados en la saga y se nota que nos explica una historia muy querida por ella. Una historia que posee un marco en el que la decadencia está muy presente: la decadencia del poder romano o la decadencia de la romanidad, que se mostrará plenamente en la escasas descripciones que la autora realiza de las ciudades britano-romanas. En ellas se huele y se nota el declive y la falta de recursos que hacen que los centros urbanos decaigan, que vayan envejeciendo poco a poco. A esto se suma un cambio de escenario. Si en las anteriores novelas las ciudades estaban muy presentes en la trama, en esta tercera entrega siguen existiendo, si bien la acción no se desarrolla en ellas. El relato es más rústico, más agreste, ambientado sobre todo en los asentamientos celtas de carácter más rural. Una perspectiva ésta que, como dije, prefigura una visón más «medievalizante» de la historia.
Los guardianes de la luz es una novela de transición, una novela entre dos mundos, entre el romano y el medieval, una novela que abrió el camino a otras aproximaciones de Sutcliff a la épica medieval de la historia de Britania, que de una forma u otra también tendrían a la familia Aquila como protagonista. Es, en definitiva, un cierre de la autora a unos personajes y a un ambiente muy apreciados por ella. Una buena clausura para una trilogía que hizo las delicias de millones de lectores y que, gracias a Plataforma editorial, hará también, las delicias del público español gracias a su reedición en lengua castellana.
Título:Los guardianes de la luz Autora: Rosemary Sutcliff Año de publicación: 2011 Traducción: Ángel Jiménez Colección: Novela Histórica Formato: Rústica con solapas ISBN: 978-84-15115-03-8 Páginas: 371 Precio: € 19.95
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El proper 2 de març s’estrena la pel·lícula Any de Gràcia, la història d’un jove que deixa el seu poble natal per emprendre una nova vida a Barcelona, un film que significa l’esperat retorn a la comèdia de Ventura Pons per al qual ha comptat amb Rosa Maria Sardà i Oriol Pla en els papers principals.
Fotograma de la pel·lícula
El David és un jove de vint anys que arriba a Barcelona carregat d’il·lusions i bones intencions. El noi trobarà allotjament a la casa de la Gràcia, una dona que ja ha superat els seixanta anys i que li ofereix una habitació a canvi de companyia i atenció. La convivència, però, no serà gens fàcil: ell busca la manera de fer realitat tots els seus somnis, mentre que ella, desencantada de la vida, ja ha abandonat qualsevol esperança de convertir-los en realitat.
Ventura Pons (Mil cretins) dirigeix Any de Gràcia, una pel·lícula rodada als carrers del barri de Gràcia que mostra la difícil relació entre un jove acabat d’arribar a la ciutat i la dona que l’acull a casa seva, conflictes generacionals que tots dos intentaran solucionar amb bones dosis d’humor i tendresa. En aquesta ocasió, el director català ha tornat a confiar en Rosa Maria Sardà (Anita no perd el tren) per al paper de la dona rondinaire, mentre que Oriol Pla debuta en cinema interpretant el noi que busca una oportunitat a la gran ciutat. Santi Millan (Bruc, el desafiament), Amparo Moreno (Morir (o no)) i Diana Gómez (Eloïse) completen un repartiment de luxe en què fins i tot hi ha lloc per a la cantant Núria Feliu.
Any de Gràcia s’estrenarà als nostres cinemes el 2 de març de 2012.
Títol: Any de Gràcia
Gènere: Comèdia
Any: 2011
Durada: 90 minuts
Director: Ventura Pons
Guió: Jaume Cuspinera, Carme Morell, Ventura Pons
Intèrprets: Rosa Maria Sardà, Oriol Pla, Santi Millan, Amparo Moreno, Diana Gómez, Alex Maruny, Ricard Farré, Lluis X. Villanueva, Núria Feliu
El Versus Teatre nos invita con República Bananera a una reflexión acerca de la democracia y de su funcionamiento, en un momento, como el actual, de crisis económica y política generalizada. Un debate acalorado y vigente de la mano de la compañía de teatro La Barroca.
El Versus Teatre nos ofrece una seductora experiencia teatral con la programación de esta mezcla de musical y teatro de reflexión política y social escrita por Joan Yago, dirigida por Israel Solà y protagonizada por Mercè Boher, Cinta Moreno y Arnau Puig. Una oportunidad para reflexionar, en clave de comedia-musical, sobre la democracia y la justicia, y sobre si es posible que los seres humanos, alguna vez o en algún lugar, podamos llegar a alcanzarla tan altas metas.
La obra da inicio tras un conflicto bélico de liberación en Guatemala, que afecta a la apacible vida de los turistas occidentales en la isla de San Jorge, obligando a las potencias europeas a iniciar la evacuación apresurada, en medio de la noche, de todos sus ciudadanos en la zona. Aunque no todos los turistas estarán dispuestos a dejar la isla, un auténtico paraíso terrenal. Dos mujeres y un capitán de la marina comercial se niegan a interrumpir su descanso y deciden permanecer en el lugar, donde están dispuestos a crear un nuevo Estado, un nuevo país, que respete todos los derechos inalienables de todos los ciudadanos. Un imperioso y bienintencionado objetivo que con-moverá los espíritus de los tres residentes.
Este primer impulso humanista se irá debilitando y degradando a medida que las diferencias de carácter, de opinión y de objetivos vayan haciendo brecha en el ánimo y en las voluntades de los tres únicos habitantes del nuevo Estado. Unas diferencias que comportarán desastrosas consecuencias y que nos mostrarán bien a las claras lo difícil de la vida política y lo imposible de hacer realidad los deseos de TODAS las personas.
La Barroca nos ofrece una lección reflexiva sobre la idea del bien, de la justicia y de los derechos y de su aplicación en la realidad humana que nos engloba. República Bananera, cuyo título ya nos indica por donde pueden ir los tiros, nos propone una clara y definitiva contradicción entre los aspectos más ideales y platónicos que guían la existencia de (la mayoría) de los seres humanos y su transmutación práctica en el mundo real. Si bien la obra comienza con una gran declaración de ideales y de objetivos tras la conflagración bélica que pone en inicio la representación, la propia puesta en marcha del proyecto de Estado y de ciudadanía «ideales» muestra bien a las claras uno de los grandes retos a los que se ha enfrentado, se enfrenta y se enfrentará la humanidad a lo largo de los siglos: ¿es posible hallar una estructuración política que permita a todos los ciudadanos realizarse como personas y hacer uso de sus derechos y prerrogativas sin menoscabo de los derechos de los demás? ¿Nos puede servir para ello el sentido común?
No sé qué opinión tienen ustedes (la mía me la guardo ya que creo que es demasiado pesimista para el tono que le quiero dar a esta reseña!!), aunque lo que nos propone La Barroca es una cuestión difícil, si bien no aburrida o pesada. La obra está concebida con un vigoroso sentido del humor. Ya los mismos contrastes entre los propios personajes marcarán una pauta cómica: Mercè Boher es una acaudalada aristócrata que está de vuelta de todo y, sobre todo, de las continuas constricciones que la sociedad del momento (mediados del siglo XX) le impone como ciudadana y como mujer; Cinta Moreno caracteriza a una joven bobalicona que aunque inicialmente se mantiene en la isla por la falta de respeto y las impertinencias de aquellos que llevaban a cabo la evacuación de la isla, irá adoptando cada vez una visión más glamurosa y clasista de lo que ha de ser su «paraíso terrenal». Por último Arnau Puig encarna a un seductor capitán de marina que ha viajado por todo el mundo dejando tras de sí una estela de corazones rotos en cada puerto. La divergencia de opiniones y de visiones del mundo generarán los primeros problemas entre los ciudadanos de República Bananera, que sin duda se irán ampliando y profundizando a medida que avanza la obra.
La trama y los personajes están aderezados por el tono musical de la obra. Su director, Israel Solà, le ha dado un toque sinfónico a la obra alternando la trama «político-social» con temas musicales con sonidos y ritmos de la época: chachachá, habaneras… Un ingrediente que sin duda, le resta efectividad al asunto. Y me explico. Es posiblemente la combinación de los dos géneros (teatro de denuncia-reflexión con teatro humorístico-musical) lo que le sustrae más puntos a la obra. Si como elementos separados ambos estilos muestran una buena realización (un dilema reflexivo acerca de la libertad, del sentido común y de los derechos y las obligaciones de los ciudadanos y sobre quién está capacitado para imponer su visión de los bueno y lo correcto a los demás), el tono jocoso y cómico de los temas musicales (que lo son y mucho) rompen el mensaje para convertir a la obra en un producto de entretenimiento. La reflexión y la crítica quedan, así, en un segundo plano, casi simbólico al final de la representación, momento en el cual el tono humorístico crece en exceso, si lo que se proponía la compañía era «hacer pensar» a los espectadores.
Una pega, ésta, que le resta mérito al producto global. Sin embargo, deja un buen sabor de boca al público asistente, marcado por unos diálogos y unas situaciones a veces hilarantes y unos temas musicales que llegan, incluso, a sonrojar al respetable. Una pena ya que la cuestión que nos propone República Bananera es un tema actual y jugoso que podría haber dado mucho más de sí tratado de otra forma.
República Bananera es así, un buen espectáculo musical y de humor que se queda a medias como producto de crítica política y social, en un momento en el que necesitamos tanto del humor como de la reflexión, y sobre todo, de la acción en consecuencia!! Ven como ya me pongo pesimista!!
La obra, por otra parte, es un producto teatral mucho más que correcto. En ella se suma originalidad, ideas, buenas actuaciones y divertidos temas musicales. Aunque recuerde, es más una comedia musical que una excusa para la reflexión y la meditación. Si es consciente de este hecho disfrutará con la representación de República Bananera. Y es posible, que luego, un poco más tarde piense: ¿Es posible un mundo mejor para todos? ¿O estamos condenados a ser humanos para siempre?
«República Bananera» se representa en el Versus Teatre del 3 de febrero al 18 de marzo de 2012.
Texto: Joan Yago
Dirección: Israel Solà
Intérpretes: Mercè Boher, Cinta Moreno y Arnau Puig
Escenografía: Albert Pascual y Elisenda Rodríguez
Vestuario: Albert Pascual
Iluminación: Elisenda Rodríguez
Música: Gori Matas
Compañía: La Barroca
Horarios: de martes a sábado a las 21:00 horas,domingo a las 18:00 horas Precio: 16 € Idioma: catalán Duración: Una hora y veinte minutos
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Pocos son los libros que se publican a lo largo del año que por su características y peculiaridades, se diferencian del resto de novedades bibliográficas, y menos aún en el campo de la historia. Por eso la publicación el año pasado del libro 428 después de Cristo. Historia de un año de Giusto Traina, editado por Akal, es una novedad digna de destacar por varios motivos.
El libro, como su nombre indica, está dedicado a la historia de un año, o mejor dicho, a la historia de un periodo corto de tiempo que se ubica en el 428 y en los años inmediatamente anteriores y posteriores, y pretende realizar una «instantánea» de un momento concreto de la historia del Imperio romano, por lo que se aleja de la narración diacrónica de la historia, para ofrecernos un estudio sincrónico de la misma. O lo que es lo mismo, el autor no pretende estudiar la fase histórica que conocemos como Antigüedad tardía, sino que pretende analizar un momento histórico preciso y concreto de ella.
Lo más curioso del intento es que la fecha escogida no es una de esas que «pretendidamente» marcan un antes y un después en la historia, o en los que piensan que la historia depende de momentos y de acciones singulares, sino que es un año «en blanco», casi lo podríamos considerar un año vacío o con poca transcendencia, sino es porque fue precisamente ese año, el 428, cuando el reino de Armenia, una de las causas principales de la lucha entre Roma y Persia, dejó de ser un estado independiente en manos de un rey de la dinastía arsácida, y se constituyó como un marzbanato o provincia dentro del imperio persa sásanida.
Si bien éste es un hecho de notable relevancia para el Oriente romano, algunos lectores de esta reseña se preguntarán en qué afectó este suceso a la historia del Imperio romano, que es el tema principal al que está dedicado el libro. Yo, por mi parte, considero la selección de Traina una excusa, como otra cualquiera, para analizar una época histórica apasionante como es la Antigüedad tardía, y más concretamente el siglo V d.C., de una forma global e interrelacionada. Es, posiblemente, más interesante para el lector conocer la historia de un Estado como el romano durante un año «cualquiera», que en una fecha «crítica» en la que parece que todo ha de cambiar, que todo está en transformación «de un estado a otro». Hemos de tener presente, además, que Giusto Traina es un autor especializado en la historia de Armenia, por lo que no es de extrañar que sea un hecho «armenio» el que escoja como punto de partida para analizar un momento histórico en concreto.
Pues bien, a través de las páginas del libro nos trasladaremos al año 428 d.C., e iniciaremos un viaje por los territorios que formaban parte de Roma, de su imperio, y aunque de forma secundaria, por los territorios de Armenia e incluso del Imperio persa, al que el autor dedica un último capítulo. Y la visión sincrónica que les comentaba nos permitirá observar las interconexiones y las relaciones que existían no tan solo entre regiones y lugares, sino entre personajes, entre procesos y entre acontecimientos históricos, unos nexos que podían pasar algo desaparecido a través del estudio diacrónico de los hechos al que estamos acostumbrados. Y es seguramente este punto de vista estático y global el que le da al libro su baza bibliográfica más importante.
A todo ello hay que sumar el especial interés que el autor muestra a lo largo de la obra por los temas religiosos cristianos; a los obispos, y a las herejías; a las luchas por el poder en la Iglesia y por establecer la ortodoxia cristiana, un contenido que viste la mayoría de los capítulos del libro. Un peso que, en algunos momentos, puede ser algo desmesurado si pensamos que el objetivo del libro no es el estudio de la Iglesia cristiana sino del Imperio romano del siglo V d.C. Si bien, es un claro recuerdo del protagonismo cada vez mayor que el cristianismo, y sobre todo, la Iglesia, iba acumulando en esa época.
Giusto Traina
El estudio es, como decía, un análisis histórico global, si bien se divide en diversos capítulos que van avanzando geográficamente por las diversas regiones que constituían el Imperio romano. En este aspecto funciona más como una breve introducción a las diversas «piezas» territoriales del imperio, aunque desde una perspectiva ampliamente académica. Traina tiende a presentarnos al Imperio romano de la segunda década del siglo V d.C. aún como una unidad «conceptual» de funcionamiento, aunque administrativamente estaba dividido en dos partes (o en dos «Estados») en aquellos momentos, la Occidental y la Oriental. Una visión, la suya, en la que no están de acuerdo todos los especialistas.
El autor demuestra un amplio conocimiento de la realidad histórica del momento, sobre todo de la zona oriental del Imperio. De esta forma, podremos constatar cuales eran las condiciones y las problemáticas de los diversos territorios sobre los que gobernaba aún Roma (y Constantinopla) en el año 428, que, como es normal, dependían muchas veces de acontecimientos y características locales, como podían ser, por ejemplo, los efectos de las migraciones germanas en el limes del norte, o la relación con el reino persa en la frontera oriental. Elementos que diferenciaban grandemente las derivas históricas de ambas partes del imperio.
El texto está acompañado, además, de una extensa batería de notas a pie de página y de una amplia bibliografía, que le dan a la obra un relevante perfil académico y que permiten al lector no solo conocer las fuentes de las afirmaciones del autor, sino también las obras donde hallar cualquier información relacionada. Es por tanto un libro no demasiado útil para una primera aproximación a la época (atención lectores menos avezados!!) sino más bien una obra que proporciona una visión estructuradora y ordenadora de conocimientos previos.
Si en una cosa destaca el libro es en la rica galería de personajes tratados en el texto, lo cual resulta en un relato más cercano, más humano y más cotidiano del que estamos acostumbrados a leer, sobre todo en lo referente a esta época dominada por las grandes personalidades políticas y religiosas y por los grandes hechos. Hallaremos a personajes como los generales Flavio Constancio y Aecio, a la emperatriz Gala Placidia, al emperador Teodosio II, o a los religiosos San Agustín, Nestorio, Cirilo de Alejandría, Hidacio, o el anacoreta Simeón el Estilita, que irán pasando, junto a otros, a lo largo de las páginas escritas por Traina.
Todo lo cual nos provee de un corte estratigráfico y cronológico de primera magnitud de una época infravalorada durante mucho tiempo pero que, con obras como las de Giusto Traina, es cada vez más conocida por el amplio público y valorada en su justa medida, ni más ni menos, rompiendo, así, ese odioso velo que la situaba como el primer acto de la mal llamada Edad Media, considerado, indecorosamente, como uno de los períodos más oscuros de la historia europea.
Título:428 después de Cristo. Historia de un año Autor: Giusto Traina Editorial:Akal Año edición: 2011 Colección: Universitaria Traductor: Manuel J. Parodi Álvarez Materia: Historia ISBN: 978-84-460-2791-1 Dimensiones: 14 x 22 N.° páginas: 208 Precio: 19,50 €
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Claudio Biern Boyd es licenciado en derecho y técnico de publicidad. Fue miembro fundador y vicepresidente de la Academia de Televisión. Fundó en 1972 la compañíaBRB Internacional que empezó como agencia de merchandising y de gestión de derechos de populares series animadas extranjeras para al poco lanzarse a la producción de sus propias series de dibujos animados. Series que han sido éxitos y que son imperecederas. Series que han marcado a varias generaciones porque los guiones eran buenos y la animación también. Biern es el responsable de que un sábado del lejano año 1985 acabáramos niños y mayores con un nudo en el estómago y lágrimas en los ojos viendo el desenlace de la serie David el Gnomo. Algo perdonable por los cientos de buenas horas animadas que nos ha hecho pasar.
BRB Internacional sigue al pie del cañón produciendo series propias y licencias derivadas, usando las nuevas tecnologías. La compañía Screen 21, impulsada por él mismo, crea unas cinco series anuales. Han realizado largometrajes animados y ¡de imagen real! Actualmente se han introducido en los musicales teatrales con montajes que rememoran sus éxitos animados. Recientemente han colgado buena parte de su catalogo de series para ver gratuitamente en Internet.
Iniciamos la entrevista.
¿Qué series de dibujos te gustaban de joven?
TOM Y JERRY
En la España de los sesenta la animación se usaba más para el campo de la publicidad con los Estudios Moro a la cabeza. ¿Qué opinas de esta tradición que se ha perdido?
No se ha perdido, aún se utilizan con frecuencia (Danone, Cola- Cao, fabricantes de juguetes etc.)
¿Cómo te interesaste por el mundo de los dibujos animados y como llegaste a fundar tu compañía, todo un referente en este campo? Algo que tiene merito porque en alguna entrevista has mencionado que apenas sabes dibujar…
Siempre me habían atraído los dibujos y sobre todo el mundo infantil. (Tengo 6 hijos). Empecé como agente de Merchandising de productoras europeas y americanas. Luego distribuí series y por último decidí producir por mi cuenta.
Cuándo fundas tu compañía ya existía una muy veterana desde 1963, Estudios Cruz Delgado, artífices del primer éxito en una serie animada española: Don Quijote (1979). ¿Ahí ya sospechaste el éxito de animar grandes clásicos de la literatura universal?
Tenía que usar éxitos de la literatura Universal por dos motivos: 1) Porque de pequeño devoraba los libros de Julio Verne, Salgari, Zane Grey, Dumas y los tebeos españoles. 2) Porqué eran conocidos a nivel internacional. Y facilitaba su comercialización.
En los inicios distribuías series internacionales como la abeja Maya o El Bosque de Tallac… ¿Os esperabais el éxito de las mismas o os pillaron por sorpresa?
El Bosque de tallac. 1977
Sabíamos que serían éxitos porque venían de triunfar en otros países de Europa.
“Bola de Drac” fue una de las series más populares en Cataluña y durante muchos años no tuvo nada de merchandising. ¿Los derechos y licencias japonesas eran difíciles de adquirir antes y en la actualidad?
A los japoneses, como a todos, les gusta el dinero… osea…
Uno de los grandes recuerdos de chaval eran los álbumes de cromos de Danone. ¿Nos puedes hablar un poco sobre ellos? ¿Participabais de alguna manera en el producto o lo hacían empresas ajenas a la vuestra?
Fueron el gran impulsor del consumo de yogures en los hogares españoles. Lo hacíamos a través de terceros y se llegaron a fabricar millones de álbumes.
Tu primer logro animado llega en 1980 con “Ruy, el pequeño Cid” o las aventuras de Rodrigo Díaz de Vivar de niño. Una serie española y la primera de una larga colaboración con Nippon Animation. ¿Cómo se organizaba el trabajo de producción?
Muy difícil. No había ni fax (por supuesto no existía Internet, ni móviles, ni nada de nada). Sólo había Telex (teletipo) que no permitía mandar imágenes. Había que crear todo el material personajes, diseños, fondos, documentación, guiones, story-boards, etc… en España y tener personas con carácter fijo en el país de producción. Luego toda la post-producción en España.
Después vinieron las exitosas D´Artacan y los tres Mosqueperros (1982) y La vuelta al mundo de Willy Fog (1983). ¿Por qué el uso de personajes animales antropomorfos?
D´Artacan y los tres Mosqueperros. 1982
Son más simpáticos para los niños y más fáciles de animar.
¿Cuánto tiempo llevaba hacer una de estas series? ¿Cuántos profesionales trabajaban en ella?
Mínimo dos años. Unas 350 personas.
El año 1985 es especial para ti pues creas cierta serie (David el Gnomo) en una espera en un aeropuerto…
Al volver de viaje a Asia en la escala del avión en Ámsterdam vi el libro en el kiosco del Aeropuerto. Me atrajo tanto que lo compré (estaba en holandés) y de ahí vino lo demás.
En Wikipedia se afirma que para la versión americana de esta serie se tuvieron que rebajar los pechos de la mujer de David o quitar las escenas en que amamantaba a sus bebes. ¿Es cierto?
Se quitaron 3 escenas: a) Cuando Lisa amamanta a sus bebés, b) cuando un gnomo orina contra un árbol y c) cuando 2 gnomos jóvenes ordeñan las ubres de una vaca.
¿Nos puedes explicar algo sobre la creación de las sintonías de las series? Todo un éxito entre los chavales de entonces y un recuerdo mágico para los adultos de ahora.
Soy un gran aficionado a la música y especialmente al cine musical. Además los niños/as se quedan enseguida con la música. Contacté con grandes músicos: Guido y Mauricio de Angelis, Albert Hammond, Teo Carralda, etc.. E intérpretes: Mocedades, Marta Sánchez, etc.… Y consiguieron crear melodías que aún hoy en día se recuerdan y se cantan:
¿Y En relación al doblaje de vuestras series?
Con actores tan buenos nunca hubo el más mínimo problema.
¿Fue difícil competir en Europa y en el mundo a principios de los 80 con una empresa de animación para televisión establecida en España?
David el Gnomo. 1985
Pues mucho pero tuvimos suerte y acierto en las series que produjimos.
Algunos dibujantes de cómics mencionan que en los noventa hubo crisis en el 9º arte y muchos se pasaron a la animación. De hecho vuestro estudio realizo Mortadelo y Filemón (1994) y Zipi y Zape (2000) ¿Es difícil trasladar personajes de cómics a los dibujos animados captando su esencia? ¿Lees o te gustan los cómics?
Me encantaron, me encantan y me encantarán los comics. No es difícil pero hay que ser muy fiel al autor.
En estos años también hubo segundas partes de las series de D´Artacan o Willy Fog que no tuvieron tanta repercusión como sus predecesoras. ¿Tal vez el tipo de animación a lo D´Ocon Films tuvo algo que ver?
La animación era la misma que las primeras partes y fueron de mucho éxito de ventas ya que las emisoras que habían comprado la primera parte compraron la segunda.
¿Existe alguna idea, algún personaje o alguna serie que se haya quedado en el tintero a lo largo de todos estos años?
Sí, varias. Incluso alguna serie inició su producción pero no se llevó a cabo por falta de aceptación o financiación.
En la actualidad los niños crecen más rápido, están más estimulados y tienen menos paciencia. El ritmo pausado semanal de una serie ya casi no existe. Los cambios de las franjas horarias televisivas y la creación de los canales temáticos de dibujos animados han afectado, seguro, a la producción de dibujos animados para la televisión. Sin embargo pensamos que si alguna cadena potente le dedicase a una serie animada la franja horaria de las 3:30 los sábados y domingos podría lograr el éxito. ¿Qué piensas?
TOTALMENTE DE ACUERDO ¡!!!!!!!
Ahora más que nunca, vuestras producciones están dirigidas a una audiencia mundial. ¿Es muy diferente hacer una serie para un niño de los 80 que para un niño del siglo XXI?
La vuelta al mundo de Willy Fog. 1983
Sí. El niño actual tiene a su disposición muchísima oferta para elegir: TV, consolas, móvil, Internet, etc.. y dentro de cada uno de estos medios de transmisión tiene decenas si no cientos de ofertas.
El lema de vuestro estudio ha sido “educar con la diversión y el entretenimiento y hacer felices a los niños”. Series didácticas de vuestro sello como “los Sabios” lo avalan. ¿Viendo la sociedad en la que vivimos y de la que poco a poco se va apropiando la generación a la que se dirigían las series de BRB Internacional en los años 80, crees que el objetivo educativo se ha conseguido también? ¿Faltan o ya no tiene cabida series didácticas?
Las emisoras comerciales quieren audiencia y el didactismo no les atrae.
Es indudable que en la actualidad los recursos y la calidad visual / técnica a la hora de crear series de dibujos animados han evolucionado mucho. Pero ¿crees que los contenidos de las series de dibujos animados han mejorado también?
Como hay muchas más producciones hay más mediocridad pero sigue habiendo series muy creativas.
¿Qué piensas de series como “South Park” o “Padre de Familia”?
En mi opinión son más para adultos que para niños.
¿En que situación está en la actualidad la industria animada televisiva en España? ¿A dónde se dirige?
Muy mal por falta de apoyo no solo institucional sino privado. Los canales temáticos para niños están en manos de empresas extranjeras que dan preferencia a sus series.
Sábado 3:30. El musical. 2011
Hoy en día una persona o un grupo con pocos medios puede montarse su serie animada, ahí tenemos el éxito en Internet de Calico Electrónico. Sin embargo han tenido que cerrar… ¿Internet ayuda o perjudica?
Creo que Internet ayuda mucho a que gente con pocos medios pueda desarrollar su profesionalidad que de otra manera no podría.
En los últimos años habéis apostado también por transportar la magia de vuestras series a los escenarios. ¿Cómo surgió la idea? ¿Cuál ha sido el resultado de esta experiencia teatral?
Por mi afición a los musicales. La experiencia ha sido positiva a nivel personal ya que he conocido un mundo distinto y he estado en contacto directo con los padres y los hijos. A nivel económico no tanto.
¿Qué serie animada es la que ha aportado más beneficios económicos a BRB Internacional y cuál es tu favorita?
David el Gnomo la más exitosa. Y como digo siempre mi favorita es la que estamos produciendo ahora.
¿Nos puedes adelantar algún nuevo proyecto?
Largometrajes para cine de BERNI y D’ARTACAN.
Qué puedes decir brevemente de los siguientes directores de animación: CHUCK JONES: Creativo al máximo y divertidísimo. HANNA BARBERA: Los conocí a los dos personalmente y a sus mujeres (todos grandes personas). Grandes dibujantes y creativos. Sorprendidos por su éxito TEX AVERY: Creatividad U.S.A. WALT DISNEY: El primero y único.
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Entrevista realizada por: Culturalia y El Rincón del Taradete.
¿Qué tienen en común el mito de la caverna de Platón, el cuento de la tortuga y la liebre, una taberna, la letra del himno de un club de futbol y el teatro? La solución podría ser casi todo o casi nada. La verdad la pueden contemplar sobre el escenario del SAT! Teatre, que programa desde el pasado 17 de febrero la obra Ara estem d’acord estem d’acord, un esfuerzo creativo y reflexivo de la compañía de teatro Indi Gest, dirigido por Jordi Oriol e interpretado por él mismo y Jofre Carabén, Isak Férriz, Carles Pedragosa y Jordi Santanach.
Al redactar la reseña de una obra como Ara estem d’acord estem d’acord cuesta, al menos a un servidor, escribir sobre el tema que trata o sobre las ideas o los sentimientos que transmite. Primero porque esto siempre es complicado, en cada análisis de cada obra. Segundo, porque el propósito en este caso es altamente imposible. Solo hemos de tener en cuenta uno de los principios creativos de la compañía: lleva a cabo un «proceso de creación que comienza desde cero y en el que no existe ningún tipo de limitación creativa aparente«.
Es así que Indi Gest nos presenta un espectáculo teatral en el que el espectador, y cada uno de una forma personal e intima, ha de darle significado a aquello que ven sus ojos, a lo que oyen sus oídos y, en general, a lo que perciben sus sentidos. Pues nada más y nada menos que de ello va la función. Me intentaré explicar dejando claro, ya desde el principio, que la obra se dirige a cada uno de los espectadores presentes en la platea de una forma única, y les obliga a reflexionar y a crear parte del contenido del espectáculo que ellos mismo estás contemplando.
La acción da inicio en una taberna mítica en la cual los ocupantes viven una falsa existencia dominada por las sensaciones y por las representaciones, que podemos resumir en la ingesta de alcohol (que altera, sin duda, nuestros sensores) y la visualización de una gran pantalla de televisión que retransmite un partido de futbol de uno de los equipos de la ciudad (alusión al opio del pueblo). Parece que la vida en la taberna (en el mundo de las sensaciones) está sometido a esas reglas de juego. Todo cambia cuando uno de los seres en cautividad, una tortuga, es «accidentalmente» expulsada del mundo de las falsas sensaciones (de las sombras de figuras en la pared de la cueva) para acceder al mundo real, al de las ideas, al que el nuevo ocupante tendrá que acostumbrarse y del que tendrá que aprender cuáles son sus reglas de existencia. En el mundo real la tortuga se topará con personas «de verdad» integrantes del club de la esencia y del club de la inocencia, cuyos objetivos, parecidos pero al mismo tiempo contrarios, nos mostrarán la relatividad de los falsos principios que ordenan y vehiculan la razón y el entendimiento de las personas y de las sociedades. Y nos veremos inmersos en una carrera del conocimiento, donde solo uno de los dos clubs podrá vencer. Aunque en realidad ambos clubs pueden perder… Algo que parece muy real y muy humano…
Esta excusa, creativa, de eso no hay ninguna duda, permite a los componentes de la compañía Indi Gest reflexionar sobre la realidad, sobre la sociedad en la que vivimos (o malvivimos) y sobre el mundo de las ideas, y de rebote, de aquellos que las piensan.
Es aquí donde el lenguaje, la técnica y el desarrollo de la obra contactan de forma íntima y personal con cada uno de nosotros. ¿Cuál es el mundo en el que vivimos? ¿De qué se compone? ¿De qué nos sirve el conocimiento? ¿Conocemos la realidad en la que vivimos? ¿Qué es más valioso el conocimiento en sí, la inocencia y la naturalidad, o el mundo de las falsas sensaciones donde existimos y donde algunos desean persistir?
La respuesta no es clara, y como les decía es personal. Indi Gest utiliza un método de creación abierto que como tal, permite y potencia un sistema de recepción abierto también. No se esperen hallar un texto o una representación lineal convencional. La función avanza, vuelve, tuerce hacia un lado, luego a otro, y da vueltas sobre los puntos y los argumentos que más le interesan, siempre desde el sentido del humor y desde la construcción grupal más ecléctica.
La obra se representa en un doble escenario, en el cual el espacio de la mítica taberna, un cuchitril animado tan solo por las imágenes de una pantalla de televisión, se alternará con el territorio árido de la verdad, y entre los cuales irá avanzando la representación con continuos traspasos de un nivel de la existencia al otro.
Un esfuerzo colectivo orquestado por Jordi Oriol, que actúa como maestro de ceremonias, y materializado por él mismo y el resto de los miembros de la compañía: Jofre Carabén e Isak Férriz, estos dos en actitud más actoral, y Carles Pedragosa y Jordi Santanach, estos dos últimos no tan solo actuando, sino aportando una interpretación musical con un aire jocoso y cómico. Una dirección, por otra parte, que me arriesgo a afirmar que, en realidad es bastante coral, como la creación de la obra, y que no es más que la suma de los esfuerzos, de las sensibilidades y de las ideas de todos los actores y profesionales que intervienen en la obra…
En lo que respecta a la actuación, y sabiendo que la de Ara estem d’acord estem d’acord es grupal, no puedo dejar de destacar, sin embargo, el esfuerzo interpretativo que realiza Isak Férriz tanto en su papel dentro de la «taberna mítica», agudo paralelo de la cueva del mito de Platón, como el que representa en la cruda y espesa realidad.
Soy consciente de que no he dado demasiada información sobre la trama de la obra, la cual, recuerden, es abierta y personal. Pero creo que es necesario ver la obra para entenderla (o dejarla de entender) en su totalidad, y además creo que esta crítica se me está haciendo algo extensa… Lo que sí que les puedo avanzar es que la obra toca y recapacita sobre la vida misma, y reflexiona, sobre todo, acerca de las representaciones y las opiniones que nosotros, simples humanos, nos hacemos de ella. Pero como les decía, este producto teatral está hecho para que cada uno de ustedes le confiera el cierre adecuado, e interactúen dramática y emotivamente con él. Así, pues, bon appétit!!
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“Ara estem d’acord estem d’acord” se representará en el SAT! Teatre del 17 de febrero al 4 de marzo de 2012.
Autor y director: Jordi Oriol
Intérpretes: Jofre Carabén, Isak Férriz, Jordi Oriol, Carles Pedragosa y Jordi Santanach
Escenografía: Silvia Delagneau
Iluminación: Raimon Rius y Alex Aviñoa
Técnico de luces: Alex Aviñoa
Arreglos musicales: Carles Pedragosa y Jordi Santanach
Coproducción: Indi Gest y Teatre Lliure
Horarios: viernes a las 21:00 horas; sábado a las 21:30 horas y domingos a las 18:30 horas. Precio: 16 €. Duración de la obra: 1 hora y 10 minutos. Idioma: Catalán.
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El próximo mes de marzo la sala Porta 4 renueva su programación teatral; aquí os presentamos los espectáculos que se podrán ver en la pequeña sala de Gràcia en las próximas semanas.
Bingo!, de la Compañía Interfans
Dos actrices coinciden en un tren después de haber realizado el mismo casting. Candela Olmedo, una actriz consagrada y de vuelta de todo que no vive su mejor momento profesional, se ve obligada a compartir el trayecto con Didi Moulin, una aspirante a actriz, ingenua y llena de sueños que ha sido admiradora suya toda la vida. A lo largo del viaje saldrán a la luz las diferentes visiones que ambas tienen del mundo del show business, dos maneras contrapuestas de ver la vida mostradas en forma de comedia.
Creado, dirigido e interpretado por: Sonia Barba y Lorea Uresberueta
Imagen: Meritxell Martín
Técnica: Emma Henriquez
Escenografía: Peio Biscaia
Vídeo: Nacho Reig
Agradecimientos: Maria Luisa de la Iglesia
Horario: todos los sábados a las 20:00 horas Duración: 60 minutos Idioma: castellano Precio: 10 €
Un grupo de amigos se refugian en una villa a las afueras de Florencia; para pasar el tiempo deciden explicarse historias ingeniosas y subidas de tono, unos relatos que sirvieron a Boccaccio para denunciar la hipocresía de la sociedad de su época, obligada a mantener una imagen políticamente correcta. Del centenar de historias del texto original, la Compañía MARIPILI ha escogido solo cuatro (“La adúltera discreta”, “L’emmalaltiu de Calandrino”, “El bressol” y “El Jardinero del convento”), las que consideraron que eran las más divertidas.
Texto original: Giovanni Boccaccio
Adaptación: Compañía MARIPILI
Dirección: Juan Carlos González
Intérpretes: Pilar Jiménez, Maribel Camacho, Jordi Alberich, Óscar Navarro, Oriol Roca, Alberto Guerrero, Mercè Aulina, Carola Osorio
Horario: todos los sábados a las 22:00 horas Duración: 90 minutos Idioma: castellano Precio: 10 €
Definida como una “tragicomedia con tendencia al teatro del absurdo”, Tu i jo muestra las dudas, las desazones y las horas muertas de un hombre y una mujer que comparten la vida; el hombre se aferra a la parte física del mundo, mientras que la mujer se refugia en los sueños para buscar una realidad mejor. Tu i jo es la crónica de su vida, una obra de la Compañía fiLÒmans premiada con el 13º Premio Boira de Teatro de Vic.
Texto y dirección: Roger Simeon
Intérpretes: Jordi Pagès y Carles Sanz
Música: Jaume Tardiu y Jordi Estany
Escenografía: Rosa Vancells
Vestuario: Laia Encinas
Maquillaje: Núria Muñoz
Técnicos: Eloi Rodríguez y David Montero
Producción: fiLÒmans
Colaboradores: Marta Presas, Jordi Castella, Ricard Martin
Horario: todos los domingos a las 18:00 horas Duración: 60 minutos Idioma: catalán Precio: 8 €
Frágiles como grillos, de la Compañía la Carne Expuesta
En este drama con toques de comedia encontraremos la fragilidad humana y la frustración de unos personajes que crean sus propias jaulas y son incapaces de romperlas, al mismo tiempo que llenan su existencia de palabras cuando en el fondo saben que lo único que no nos traiciona es el silencio, un espectáculo de la joven Compañía la Carne Expuesta que mezcla lenguajes realistas y poéticos con la intención de emocionar al público, pero también de confundirlo y hacer que dude sobre aquellos conceptos que creía tener claros.
Autoras: Elaine Hervello y Daniela Poch
Director: Javier Estevez
Intérpretes: Nacho Alberto, Clara Garcés, Javier Estévez, Gloria Viguer, Dani Pulido, Iolanda Monge, Daniela Poch, Sara Vallecillo
Productora: Elaine Hervello
Escenografía: Arnau Solé
Música original: Salvatore Maldera
Montaje, luz y sonido: Toni Martínez
Diseño gráfico: Iolanda Monge
Figurinista: Gloria Viguer
Fotografías: Isidre Santacreu
Horario: todos los sábados a las 22:00 horas, domingos a las 19:00 horas (excepto el domingo 4) Duración: 100 minutos Idioma: castellano, catalán y fragmentos en inglés Precio: 8 €
En John i la caixa de música, de La Trama Produccions
Programado dentro del Petit Porta 4, En John i la caixa de música es un espectáculo familiar especialmente recomendado para los niños de 3 a 10 años, una historia ambientada en el taller de los juguetes de la Calle Estret donde el aviador John se dedica a volar cada noche; así, en una de sus rutas aéreas nocturnas descubre una muñeca autómata en una cajita de música que está desorientada, triste y un poco enfadada. Para animarla John le explicará una historia con la ayuda de un pequeño teatro de sombras chinas.
Dramaturgia y dirección: Xavier Pàmies y Carla Ricart
Intérpretes: Xavier Pàmies y Carla Ricart
Producción: La Trama Produccions
Escenografía: La Trama Produccions
Música: Carlos Cros
Vestuario: La Trama Produccions
Luces y sonido: La Trama Produccions
Diseño gráfico: La Trama Produccions
Horario: todos los domingos a las 12:00 horas Duración: 50 minutos Precio: 6 €
Este es un drama ambientado en tiempos de la Segunda Guerra Mundial. En el verano de 1943 un grupo de rebeldes es detenido en Francia tras fallar un golpe. A la espera de ser interrogados en un almacén, los muchachos se cuestionan quiénes son realmente, ya que cada uno de ellos tiene una actitud diferente ante esa misma situación. Así, y a pesar de la tensión de esos momentos, el grupo intentará soportar su cautiverio con la mejor de sus sonrisas.
Dirección: Naiara Herrero
Intérpretes: María García de Andoni, María Scherezade Garrido, Elena Ardila, David Escalada, Daniel Naya, Javier Muruzábal, Pablo de la Barrera, Juan Gutiérrez, David Alén, Txiki Blasi, Íñigo Zugadi, Gaspar González
Ayudante de dirección: María Cano
Escenografía y vestuario: Naiara Herrero
Luces: María Cano y Naiara Herrero
Sonido: Macarena Millán y María Cano
Horario: domingo 18 de marzo a las 22:30 horas Duración: 75 minutos Idioma: castellano Precio: 10 €
El próximo 24 de febrero se estrena Mi semana con Marilyn, un biopic sobre la figura de Marilyn Monroe dirigido por Simon Curtis y centrado en el romance que mantuvo la mítica actriz con su asistente durante el rodaje de El príncipe y la corista, una historia que cuenta con dos nominaciones a los premios Oscar de este año: a mejor actriz (Michelle Williams) y mejor actor de reparto (Kenneth Branagh).
Fotograma de la película
En el verano de 1956 Colin Clark empezó a trabajar como asistente en el rodaje de El príncipe y la corista, una película interpretada por Sir Lawrence Olivier y Marilyn Monroe. Por entonces Marilyn estaba casada con el escritor Arthur Miller, una situación que no impidió a la actriz comenzar una relación con el joven Clark cuando su marido regresó a Estados Unidos, una idílica semana en la que conoció los placeres de la vida británica de la mano de su asistente personal.
Dirigida por el británico Simon Curtis, Mi semana con Marilyn es un retrato íntimo de Marilyn Monroe que muestra su relación con Colin Clark y las tensiones de la actriz con Lawrence Olivier, su compañero de reparto en El príncipe y la corista, un film para el que Curtis ha contado con Michelle Williams (Blue Valentine) en el papel de Monroe, y a quien acompañan Eddie Redmayne (Las hermanas Bolena), Kenneth Branagh (Valkiria), Julia Ormond (El curioso caso de Benjamin Button), Emma Watson (Harry Potter y las Reliquias de la Muerte), Judi Dench (Jane Eyre) y Derek Jacobi (Templario).
Mi semana con Marilyn se estrenará en nuestros cines el 24 de febrero de 2012.
Título: Mi Semana con Marilyn
Título original: My Week with Marilyn
Género: Drama, Biopic
Nacionalidad: Reino Unido
Año: 2011
Duración: 99 minutos
Director: Simon Curtis
Guión: Adrian Hodges
Intérpretes: Michelle Williams, Eddie Redmayne, Kenneth Branagh, Emma Watson, Judi Dench, Julia Ormond, Derek Jacobi, Dominic Cooper, Dougray Scott, Miranda Raison, Philip Jackson, Eric Coco, Cara Bamford, Pete Noakes
Culturalia 