Ennio Morricone y John Williams reciben el premio Princesa de Asturias de las Artes 2020 por una extensa y exitosa carrera musical, por lo innovador de sus propuestas y por ensalzar «el valor fundamental de la creación musical para el cine», lo que les ha proporcionado una popularidad no habitual en los compositores de bandas sonoras.
El norteamericano John Williams comenzó como pianista de jazz, mientras que el italiano Ennio Morricone ha compuesto música sinfónica y coral. Pero es el cine el género que les ha otorgado el reconocimiento internacional. En el caso de Williams, asociado a los directores George Lucas y Steven Spielberg, por sus innegables virtudes a la hora de orquestar la música de pelícutas tan famosas como las sagas de la Guerra de las galaxiias, Indiana Jones o Superman.
En el caso de Morricone, por su uso innovador de ritmos, sonidos e instrumentos en su etapa vinculada a Sergio Leone y el spaghetti western en que empleó los contrapuntos, los silbidos y la armónica y el arpa de boca. Pero Morricone, cuya obra alcanza más de 500 películas, ha trabajado también con directores como Pier Paolo Pasolini, Bernardo Bertolucci, Elio Petri, Dario Argento, Terrence Malick, Brian De Palma, Giuseppe Tornatore y John Carpenter, entre otros y ha musicado films que van desde el cine de autor a la intriga política, el giallo italiano o el terror estadounidense.
Williams, con participación en unas 130 películas, inició su carrera en la televisión, aún como Johnny Williams, y dio el salto al cine de gran aparato en la segunda mitad de los 70 con El coloso en llamas, Tiburón, La guerra de las galaxias, Encuentros en la tercera fase y Superman.
Un galardón merecido para dos grandes de las soundtracks, que han musicado algunas de las escenas fílmicas más famosas e impactantes de la historia del cine. Felicidades para ambos!!
Hoy criticamos en CulturaliaEl congreso, una película de ciencia-ficción diferente dirigida por Ari Folman, basada en parte en la novela El congreso de Futurología (1971) de Stanislaw Lem e interpretada por Robin Wright, Harvey Keitel, Danny Huston, Paul Giamatti, Kodi Smit-McPhee.
«La necesidad de dinero, lleva a la actriz Robin Wright a firmar un contrato según el cual los estudios harán una copia digital de ella y la utilizarán para hacer películas. Años más tarde, Wright es invitada a un congreso de futurología, que se desarrolla en un mundo que ha cambiado completamente».
El congreso es, como decía, una película diferente porque Stanislaw Lem es diferente, a lo que se suma la visión propia del director Ari Folman que da forma a un film de reflexión sobre el futuro dividido en dos partes: la primera se centra en la comercialización de la imagen digital de una actriz para su posterior explotación comercial, un debate este que puede ser real en un futuro no muy lejano. La segunda parte especula sobre la quimización de la sociedad, un medio para conseguir la libertad del individuo y algo que podría vincularse en la actualidad con la fabricación de realidades paralelas en el ámbito de internet y las nuevas tecnologías.
Como veis, dos temas de reflexión futurológica en un mundo, el nuestro, que avanza a un ritmo cada vez más vertiginoso. Dos reflexiones que se plasman en la pantalla de dos formas diferentes: la comercialización de la imagen digital de la actriz se realiza con personajes de carne y hueso y con un aspecto que mezcla la decadencia y la tecnificación, mostrándonos, además, imágenes muy bellas en la escena de la digitalización. En esta parte los personajes que destacan son los interpretados por Robin Wright y Harvey Keitel, que da vida a su manager.
En la segunda parte del film la realidad de carne y hueso se transforma en animación y es en esta parte donde el adn Lem se reconoce mucho más claramente. Un formato que se adapta muy bien al surrealismo de la novela de autor polaco y que nos muestra un futuro en el que la contaminación química ha hecho posible que todos vivamos en un mundo de libertad y posibilidades cumplidas. Todo se puede hacer y todo se puede ser, tan solo hacen falta la serie de reacciones químicas apropiada que produzca en el individuo la alucinación adecuada.
Folman nos presenta una pequeña joya del cine de fantasía y ciencia-ficción que sirve de entretenimiento visual, con especial atención a la animación tan sui genereis de la segunda parte del film que hace notar de forma fastuosa el grado de alucinación al que se somete a la población.
En el apartado de la actuación el registro es positivo. En las escenas de ficción real destacan de nuevo las interpretaciones de Robin Wright y Harvey Keitel, a tener en cuenta el discurso de este último en la escena de la conversión digital.
El congreso es una muy correcta propuesta de reflexión cinematográfica sobre el futuro y, por qué no, sobre el presente. Y no os penséis que es una película lenta o aburrida, al contrario. Incluso la parte animada de la cinta es una explosión de luz y de color poco habitual en el cine comercial. Y qué decir de la base de todo, la novela de Lem, una obra complicada, compleja pero también una crítica afilada a un posible futuro en el que la apariencia y la voluntad de saciar las expectativas y los deseos de cada uno de nosotros pueden llevar a la autodestrucción de la sociedad y del mundo en el que habita.
El congreso es una coproducción europea en la que han participado Francia, Israel, Bégica, Polonia, Luxemburgo, Alemania.
Título:El congreso Año: 2013 Duración: 122 minutos País: Francia, Israel, Bégica, Polonia, Luxemburgo y Alemania Dirección: Ari Folman Guión: Ari Folman (Novela: Stanislaw Lem) Música: Max Richter Fotografía: Michal Englert Reparto: Robin Wright, Harvey Keitel, Danny Huston, Paul Giamatti, Kodi Smit-McPhee, Michael Landes, Sami Gayle, Matthew Wolf, Jon Hamm, Michael Stahl-David Producción: Bridgit Folman Film Gang, Pandora, Filmproduktion, Opus Film, Paul Thiltges Distributions, Entre Chien et Loup y Liverpool Género: Ciencia ficción | Drama | Animación
NOTA CULTURALIA: 7 NOTA ABANDOMOVIEZ: 6,94 NOTA IMDB: 6,5 NOTA ROTTEN TOMATOES:
• Crítica: 73%
• Audiencia: 53%
La crisis del coronavirus COVID-19 ha afectado de pleno al cine en todos sus ámbitos, ya sea en la producción, la distribución o la exhibición. Uno de los ejemplos más claros ha sido Onward, la última propuesta de Pixar, que se estrenó a nivel mundial a principios de marzo, en los cines españoles el 6 de ese mes, una semana antes de que se aprobara el estado de alarma. Esta situación, como es lógico, ha afectado al recorrido y a la recaudación de la película dirigida por Dan Scanlon y doblada en las voces originales por Tom Holland, Chris Pratt, Julia Louis-Dreyfus y Octavia Spencer.
«Dos hermanos elfos adolescentes, Ian y Barley Lightfood, se embarcan en una aventura en la que se proponen descubrir si existe aún algo de magia en el mundo en el que viven que les permita pasar un último día con su padre, que falleció cuando ellos eran aún muy pequeños».
Onward es una producción Pixar y contiene mucho del adn de esta productora. La idea de la película está basada en las vivencias del propio director Dan Scanlon (Monstruos University, 2013) que perdió a su padre cuando era pequeño, de ahí el sustrato emocional del film. Y de ahí también el contexto de fantasía urbana de la película, en el que solo un atisbo de la antigua magia permitirá a los dos jóvenes hermanos elfos volver a estar, al menos un día, con su padre fallecido.
La película sobrepone un mundo real, o todo lo real que puede ser un mundo de elfos, al mundo de la magia ancestral que los protagonistas tendrán que descubrir para alcanzar su meta. Los dos jóvenes hermanos elfos son muy diferentes entre ellos, uno lanzado y atrevido ante la vida y otro miedoso y emocionalmente afectado aún por la ausencia de su padre. Será a través de los restos de magia contenida en los juegos de rol que ambos personajes se conocerán a sí mismos e intentarán superar juntos los obstáculos vitales a los que se enfrentan.
La trama de Onward alterna de esta forma la realidad elfa más pausada y convencional con momentos de acción y aventura que le dan al film un ritmo variado pero in crescendo hasta llegar al final, con escenas que nos recordaran películas como Willow, o las saga de Indiana Jones y, evidentemente, El señor de los anillos.
Un film ingenioso e inventivo en su propuesta y conmovedor en varios momentos, sobre todo en su desenlace final, y en el que la familia y los lazos familiares están muy presentes, no por otra es un film made in Hollywood. Todo ello tratado desde el sentido del humor típico de este tipo de producciones. Otro aspecto que destaca de la película es la calidad y el realismo de la animación, que provee al relato, dentro de su fantasía, de un toque de veracidad que le va muy bien.
La buena acogida de la película en la prensa se ha centrado, además, en la química del doblaje original de los dos protagonistas principales, los jóvenes elfos Ian y Barley, o lo que es lo mismo, las voces de Tom Holland y Chris Pratt. Si bien en la versión española no hemos podido gozar de esa interpretación, el doblaje del film mantiene la calidad a la que Pixar nos tiene acostumbrados, siendo las voces de los protagonistas las de los dobladores Mario García y Guillermo Romero.
En resumen, un film cuyo recorrido se ha visto tristemente afectado por la situación de confinamiento provocada por el COVID-19, pero que vale la pena ver, sobre todo en familia. Aprovechad pues vuestro tiempo obligado en casa para ver Onward, seguro que no saldréis decepcionados.
Título original:Onward Año: 2020 Duración: 102 minutos País: Estados Unidos Dirección: Dan Scanlon Guión: Dan Scanlon, Jason Headley y Keith Bunin Música: Jeff Danna y Mychael Danna Animación: Sharon Calahan y Adam Habib Reparto (voces): Tom Holland, Chris Pratt, Julia Louis-Dreyfus, Octavia Spencer, Mel Rodriguez, Kyle Bornheimer, Lena Waithe Productora: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures Género: Animación | Aventuras | Comedia | Fantástico | Magia | Cine familiar
NOTA CULTURALIA: 8 NOTA ABANDOMOVIEZ: 7,03 NOTA IMDB: 7,5 NOTA ROTTENTOMATOES:
• Crítica: 88%
• Audiencia: 95%
Mucho antes que los populares Glee o Billy Elliot, la película Famecautivó a millones de personas por todo el mundo con las historias de los jóvenes artistas que ansiaban ser admitidos en la reputada High School of Performing Artsde Nueva York.
La televisiva institución de enseñanza se llama hoy «Fiorello H. LaGuardia High School», tras haberse unido con otra institución en el año 1984. Con más de 3.000 estudiantes, el centro ha sido descrito como un «salvavidas» o «el mejor sitio en la faz de la tierra» por las personas que pasaron buena parte de su adolescencia en sus aulas, aprendiendo a bailar, cantar, actuar, pintar, esculpir o fotografiar.
Es el mismo colegio que inspiró al productor estadounidense David De Silva para crear el film Fame, que llegó a las salas de cine por primera vez el 12 de mayo de 1980 con una trama dinámica y una banda sonora pegadiza y que, con el éxito cosechado, se transformó luego en una serie de seis temporadas que en los años 80 arrasó en la pequeña pantalla.
La cinta contaba los estragos de los aspirantes a bailarines y actores Coco Hernández (Irene Cara), Bruno Martelli (Lee Curreri), Lisa Monroe (Laura Dean) o Leroy Johnson (Gene Anthony Ray), entre otros, en un intento de reflejar la cruda realidad de las decenas de miles de personas que han pasado por las aulas de LaGuardia y que se mueven en un mundo extremadamente competitivo.
Entre sus pupilos en la vida real, el colegio se muestra orgulloso de haber formado a figuras de la talla de Jennifer Aniston, Adrien Brody, Nicki Minaj o Sarah Michelle Gellar, junto con estrellas más recientes como Timothée Chalamet, Ansel Elgort, Azealia Banks, Awkwafina o Zazie Beetz.
Durante los 40 años que han pasado desde que el «LaGuardia» se convirtiera, gracias a la cinta, en el centro de secundaria «más famoso de EE.UU.», el colegio no ha tenido ningún miedo en aceptar su asociación con «Fame», como atestigua la banda sonora de la película que se puede escuchar al llamar por teléfono al centro educativo.
Para celebrar este 40 aniversario de «Fame», «LaGuardia Arts» había programado toda una serie de eventos y espectáculos durante el 2020, pero hasta el momento sólo se pudo proyectar en enero la película a todos los estudiantes, antes de la llegada del coronavirus.
Ahora, señala Schneider, siguen preparando una «celebración muy especial» con una gran producción teatral, quizá para julio o agosto, aunque dada la situación en Nueva York, es complicado darle una fecha exacta a la festividad.
El cine de intriga y suspense nunca ha dejado de estar de moda. Al cabo del año no son pocos los estrenos en cines y televisiones en los que el crimen es cometido y/o perseguido. Lo extraño es que los protagonistas de estas tramas tengan una edad, como diría, avanzada, más de 75 años, como es el caso de La gran mentira, film dirigido por Bill Condon, e interpretado por Helen Mirren e Ian McKellen.
«Roy Courtnay (Ian McKellen) es un estafador profesional que no puede creer su suerte: ha conocido online a la adinerada viuda Betty McLeish (Helen Mirren). A medida que ella le abre su corazón, Roy se sorprende a sí mismo al darse cuenta de que alberga sentimientos hacia ella, convirtiendo lo que debería ser una estafa fácil y sencilla en una de las situaciones más complejas de su vida».
La película adapta la novela de Nicholas Searle plagada de intriga y de misterio, que se irán desarrollando a lo largo del film. Lo que en un principio parece una simple estafa más se irá complicando en una trama repleta de giros y contragiros, que incluso se vincularán con el pasado histórico de la Alemania nazi.
Como decía, uno de los aspectos que más destacan en el film es la edad de los protagonistas, algo no demasiado habitual en el cine actual en el que predomina la juventud de actores y actrices. En este caso la elevada edad de los protagonistas está obligada por las raíces históricas de la trama, permitiendo a Helen Mirren e Ian McKellen desplegar sus encantos en la interpretación. Ella como una viuda reciente de vida gris pero con un patrimonio muy destacable. Él como un estafador sin ningún tipo de escrúpulo que se verá afectado emocionalmente por la estafa que está llevando a cabo. A ellos les acompañan Russell Tovey como el hijo de la viuda Betty McLeish y Jim Carter como el socio en las estafas de Roy Courtnay.
La gran mentira es una película que está bien, que juega con la intriga en todos sus ámbitos y con los giros y contragiros tan habituales en el cine y las series actuales. Y es una buena ocasión para ver a una actriz y un actor maduros protagonizando un thriller criminal, un género en el que se imponen habitualmente edades y perfiles muy diferentes.
Título:La gran mentira Año: 2019 Duración: 109 min. País: Estados Unidos Dirección: Bill Condon Reparto: Helen Mirren, Ian McKellen, Russell Tovey, Jim Carter, Mark Lewis Jones, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Phil Dunster, Laurie Davidson, Michael Culkin, Aleksandar Jovanovic, Athena Strates, Bessie Carter, Celine Buckens, Sonia Goswami, Ruth Horrocks, Nell Williams, Stefan Kalipha, Dino Kelly, Jag Patel, Lily Dodsworth-Evans, Stella Stocker, Julian Ferro Guión: Jeffrey Hatcher (Basada en la novela de Nicholas Searle) Música: Carter Burwell Fotografía: Tobias A. Schliessler Productora: Bron Studios / New Line Cinema / Creative Wealth Media Finance Distribución: Warner Bros. Género: Intriga | Crimen | Drama
NOTA CULTURALIA: 6 NOTA ABANDOMOVIEZ: 6,8 NOTA IMDB: 6,6 NOTA ROTTENTOMATOES:
• Crítica: 63%
• Audiencia: 85%
Hoy os presentamos en CulturaliaHollywood rueda en España 1955-1980, un documental que trata sobre una época en la que las productoras y las estrellas americanas dieron forma a una forma de hacer cine en España.
El documental Hollywood rueda en España. 1955-1980, producido en el año 2017 y dirigido por Francisco Rodríguez, realiza un recorrido por los veinticinco años en los que España se convirtió en un inmenso plató del cine americano.
El documental inicia su repaso histórico a partir del rodaje de Alejandro Magno en el año 1955, analizando las diferentes razones por las que las productoras americanas decidieron trasladar aquí sus rodajes, recordando los lugares donde se realizaron algunas de las películas más espectaculares de Hollywood y añadiéndo información desconocida hasta ahora sobre el periodo y lo que significó aquella época de fascinación cinematográfica.
El documental obtuvo 10 nominaciones a los premios Goya 2019.
Una buena ocasión para hacer memoria sobre una época, un cine y unas películas que seguro que aún están en la retina cinematográfica de muchos y muchas.
Título:Hollywood rueda en España. 1955-1980 Tipo: Documental País: España Año: 2017 Duración: 93 min Director: Francisco Rodríguez Guión: Francisco Rodríguez y Manuel Espín Martín Producción: Sateco Documentalia, Radio Televisión de España, Telemadrid
Arte en Pantalla llega en exclusiva a la Sala Virtual de Cine con algunos de sus títulos más exitosos. Los espectadores ya pueden ver desde sus casas los primeros títulos de la colección Los Grandes del Arte en el Cine que incluye títulos como Pintores y reyes del Prado, dirigida por Valeria Parisi y con la participación de Jeremy Irons, Frida. Viva la vida dirigida por Giovanni Troilo y con participación de Asia Argento, la exitosa Caravaggio: En cuerpo y alma de Jesús Garcés Lambert, y Michelangelo de David Bickerstaff.
El público podrá acceder a las películas mencionadas por 4,99€, sólo 3,95€ aplicando el cupón de uno de los cines participantes. De esta forma, la Sala Virtual de Cine sigue sumando contenido, con la colaboración de los cines adheridos a la iniciativa, que de momento suman más de 80.
Además de las nuevas incorporaciones, también está disponible La Pasión en el arte, el nuevo título de la Temporada de arte 2019-2020. Una conmovedora película que narra no solo la mejor historia jamás contada, sino posiblemente la mejor historia jamás pintada. En este caso, La Pasión en el arte, al ser estreno reciente, está disponible en la Sala Virtual de Cine a precio de entrada normal de cine, 6,95€. También se puede ver a través de las plataformas digitales de Vodafone, Rakuten TV y Huawei Video.
La Sala Virtual de Cine está disponible en la propia web y en la App de Android, Android TV, Apple TV, IOS (con AirPlay) y en la App para iPhone e iPad. Próximamente se sumarán a la iniciativa Amazon Fire TV, LG TV y Samsung Smart TV. Los usuarios podrán alquilar las películas en www.salavirtualdecine.com, y reproducirlas en la propia web o a través de las aplicaciones (Apps) antes mencionadas, durante 72 horas y hasta en 4 dispositivos.
Sala de Cine Virtual es un espacio creado para que el público, desde sus dispositivos móviles y de forma online, pueda ver los estrenos cinematográficos programados para estrenarse en salas de cine convencional, cuyo nivel de actividad es impredecible en las próximas semanas. Es una iniciativa de A CONTRACORRIENTE FILMS, en colaboración con cuantas salas y circuitos de exhibición decidan adherirse a la misma.
De esta forma, el espectador tendrá la oportunidad de poder ver los próximos estrenos cinematográficos directamente desde sus televisores, ordenadores, tablets o teléfonos móviles sin tener que salir de sus casas, dada la situación de confinamiento recomendada en este momento por las autoridades de nuestro país.
El reparto al completo de Los Goonies, el film de aventuras juveniles estrenado el año 1985, se reunió el pasado lunes en un encuentro especial desde sus casas emitido por YouTube en el que también participaron Steven Spielberg, productor de la película y Cyndi Lauper, cantante que interpretó el tema principal de la banda sonora del film compuesta de Dave Grusin.
El impulsor del encuentro Reunited Apart (Reunidos Aparte) fue el actor Josh Gad, quien da voz al personaje de Olaf en Frozen. Desde sus casas se conectaron por videollamada Sean Astin, Corey Feldman, Martha Plimpton, Jeff Cohen, Jonathan Ke Quan, Kerri Green y Josh Brolin, mientras que al final de la emisión aparecieron Robert Davi y Joe Pantoliano, que interpretaban a los malvados hermanos Fratelli en el film.
Dirigida por Richard Donner, también presente en la reunión, Los Goonies fue una comedia juvenil en la que un grupo de niños buscaba un tesoro escondido para salvar el barrio en el que vivían, que con el tiempo se ha convertido en una de las películas de culto de los años 80.
Entre anécdotas del rodaje, Spielberg habló sobre una posible secuela de la cinta, una idea que reconoció haber planteado en varias ocasiones. «Hemos tenido muchas conversaciones sobre esto, cada par de años tenemos una idea pero luego no se materializa», aseguró el cineasta. Según Spielberg, la versión original de The Goonies puso el listón tan alto que aún no han dado con un proyecto que lo supere.
Durante la emisión se habilitó un enlace para hacer donaciones a organizaciones solidariaspor la crisis del coronavirus. El reencuentro fue el primer episodio de la serie Reunited Apart, puesta en marcha por el propio Gad durante el confinamiento, quien aunque bromeó con que sería el «primero y último» también ofreció la posibilidad de servir de plataforma para organizar encuentros entre el reparto de otras películas.
Sí, es verdad, en BlogCulturalia no nos hemos zambullido en el mundo Stephen King. En diez años de existencia tan solo hemos criticamos la novela Mr. Mercedes en 2015, el musical Carrie basado en su novela y estrenado en el Teatre Gaudí en 2018, y hemos reseñado este mismo año la serie La Niebla, basada también en otra de sus novelas. Por ello, hoy analizamos Doctor sueño, la secuela de El resplandor (Stanley Kubrick, 1980) estrenada el año pasado.
«La historia transcurre algunos años después de los acontecimientos de «El Resplandor», y sigue a Danny Torrance (Ewan McGregor), traumatizado y con problemas de alcoholismo por los hechos vividos en su infancia en el hotel Overlook. Danny deberá ayudar a una niña de nombre Abra Stone, a quien debe rescatar de un grupo de viajeros que se alimentan de los niños que poseen el don de «el resplandor».
Doctor Sueño representa una continuación, una actualización y un cambio con respecto a la trama de El resplandor, no solo porque seguimos la vida de Danny Torrance en época adulta sino porque la esencia de la trama se ha modificado. Pasamos de un relato más psícológico e intimista, plagado de hechos misteriosos acontecidos en el hotel Overlook, a una historia más de thriller, misterio y fantasía, algo que seguro no ha sido del agrado de todos los fans de King.
El film está relacionado con El resplandor, pero en muchos aspectos es casi totalmente independiente de su predecesora. Stephen King y Mike Flanagan, responsable de la aclamada La maldición de Hill House (serie que, por cierto, mantiene ciertas similitudes en su planteamiento con Doctor Sueño), han hilvanado una historia en la que el terror no está provocado por un lugar, por un pasado o por unas presencias oscuras, sino por un grupo o secta que se alimenta del resplandor de los niños con poderes psíquicos, contra los que Danny Torrance ha de luchar para salvar la vida de la joven Abra Stone.
De ahí que la película se inicie con la resolución de los problemas del joven Torrance y de su redención como persona, gracias a la ayuda de su amigo Billy Freeman, interpretado por Cliff Curtis, para convertirse después en un thriller fantástico en el que el protagonista tendrá que luchar contra el grupo de «devoradores de resplandor».
Doctor Sueño es una película larga, unas dos horas y media, como las novelas de King, que desfallece en gran parte de su metraje. Uno espera ver una película de King con una textura parecida o vinculada a El resplandor de Kubrick, pero se encuentra un producto que está lejos de eso, aunque las escenas finales del mismo estén rodadas en el mítico Hotel Outlook.
La dirección de Flanagan es solo la correcta y las interpretaciones están bien, de eso no hay duda, si bien McGregor no acaba de trascender en su papel protagonista, en el que su principal rival, Rebecca Ferguson, la líder de la secta de «devoradores de resplandor» se impone claramente. Y el terror, más que terror es intriga con toques fantásticos, una lucha entre superpoderes que se asemeja en algunos momentos más a un producto Marvel que a una producto King. El contexto de la trama sí que posee ese ambiente folk propio de las novelas de King y la música, de The Newton Brothers, especializados en bandas sonoras de películas oscuras, le da un toque propio a la propuesta. Destacan también los efectos especiales que enriquecen el relato y una fotografía oscura como el relato de la mano de Michael Fimognari.
Si bien, Doctor Sueño es en parte una decepción por su precedente y su procedencia y porque uno espera ver algo que no le decepcione y le permita decir que no es verdad aquello de que «las segundas partes nunca son buenas», aunque en esta ocasión se quede a medias.
Título: Doctor Sueño Año: 2019 Duración: 151 min. País: Estados Unidos Dirección: Mike Flanagan Guión: Akiva Goldsman, Mike Flanagan (Basada en la novela de Stephen King) Música: The Newton Brothers Fotografía: Michael Fimognari Reparto: Ewan McGregor, Rebecca Ferguson, Kyliegh Curran, Zahn McClarnon, Carl Lumbly, Alex Essoe, Bruce Greenwood, Jacob Tremblay, Catherine Parker, Robert Longstreet, Carel Struycken, Emily Alyn Lind, Selena Anduze, Jocelin Donahue, Chelsea Talmadge, Juan Gaspard, Deadra Moore, David Michael-Smith, Kevin Petruski Jr., Mistie Gibby, Met Clark Productora: Warner Bros. / Intrepid Pictures / Vertigo Entertainment. Distribuida por Warner Bros. Género: Terror | Thriller psicológico | Sobrenatural
NOTA CULTURALIA: 6,5
NOTA ABANDOMOVIEZ: 7,81 NOTA IMDB: 7,4 NOTA ROTTENTOMATOES:
• Crítica: 77%
• Audiencia: 89%
Hace ya algunos día RTVE se sumó a la convocatoria #YoMeQuedoenCasa abriendo su fondo de producción propia para que todos y todas podamos disfrutar de él desde nuestras pantallas y de forma gratuita.
El portal Somos Cine incluye más de 60 de las mejores películas del cine español reciente, entre ellas cintas galardonadas en los premios Goya como Campeones, Tarde para la ira o Truman y otras de directores consagrados, como Julieta de Pedro Almodóvar o Un día perfecto de Fernando León de Aranoa. También ofrece películas con actores premiados con el Goya, como El olivo, A cambio de nada o Verano del 93 y algunas de las películas de más éxito de taquilla como La llamada, 1898: Los últimos de Filipinas o Verónica.
Es importante evitar el contagio del coronavirus y por eso tenemos que quedarnos en casa. Los días se hacen más largos y parece que el reloj no avanza y por eso hay que buscar vías de escape. El cine, nuestro cine, es una buena opción porque nos abre la puerta a otros mundos y a otras historias.
Si ya empieza a hacer mella el cansancio por el confinamiento puedes disfrutar de las películas participadas por TVE gratis y online en el portal Somos Cine, con propuestas para toda la familia sin coste alguno.
Ya lo sabéis, una oportunidad estos días para disfrutar con nuestro cine desde casa y protegernos a nosotros mismos y a todos!!
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