Wakefield Poole: Visiones y revisiones, de Mauricio González
Jueves 21, viernes 22 y sábado 23 de mayo, 21 h
Wakefield Poole es el nombre de uno de los pocos bailarines americanos que formó parte de los Ballets Rusos de Montecarlo, coreógrafo y colaborador de The Factory, es también el precursos del «porno chic» y director de clásicos del cine erótico gay. Su film Boys in the Sand (1971), recibió reconocimiento inmediato y marcó, en términos de lenguaje y codificación, el futuro del género pornográfico gay y del porno en general.
Wakefield Poole: Visiones y Revisiones es un estudio comparativo entre dos obras que el bailarín-director conoce muy bien. Por un lado, el segundo acto de “El lago de los cisnes” que Wakefield bailó innumerables veces con los Ballets Rusos y, de la otra, su primera película Boys in the Sand del año 1971, un icono del cine erótico gay. Mauricio González comparte con el público, en formato de conferencia-performance, su visión coreográfica de estas piezas que le identifican.
Mauricio González. Formado en danza académica, trabajó en el Ballet de Zaragoza, el Ballet Royal de Wallonie (Bélgica) y el Ballet Nacional de España. Después empezó sus propios trabajos, alejándose del lenguaje académico y realizando también creaciones videográficas y trabajos como actor.
Culturalia en colaboración con LaCostaComunicació te ofrece 2 entradas dobles para asistir a la representación de Wakefield Poole: Visiones y revisiones, de Mauricio González en la Sala Hiroshima el próximo viernes 22 de mayo a las 21:30 horas.
• Enviar un mail a concurso_culturalia@hotmail.es antes del jueves 21 de mayo a las 20:00 horas. En el asunto del mensaje has de indicar Concurso Hiroshima y en el correo has de indicarnos tu nombre completo y tu número de móvil.
Los 2 primeros que envíen el mail obtendrán una entrada doble para asistir a la representación de Wakefield Poole: Visiones y revisiones, de Mauricio González el próximo viernes 22 de mayo a las 21:30 horas en la sala Hiroshima.
“El nombre de los ganadores aparecerá publicado en nuestro blog”
Que los superhéroes están en pleno apogeo es un hecho constatable. La última película de Los Vengadores ha batido todos los records de público en su primer fin de semana en cartelera en España. El teatro de pequeño formato también se ha acercado a este mundo vitalista y colorista como pudimos ver No ens fa falta tenir poren el Versus Teatre, aunque fuese de pasada, y ahora nos sumergimos más en la temática heroica con la obra Utilitat Programa de la compañía La Hydra.
Seis jóvenes viven encerrados desde que nacieron en una especie de búnker y no pueden salir al exterior. Constantemente vigilados por cámaras se culturizan a través de tutoriales en una intranet cerrada y una vez por semana una inquietante y misteriosa tutora les trae alimentos y les cuida. No saben de dónde proceden, aunque son activos, inquietos, impulsivos y van a descubrir que tienen poderes. Además ansían el saber y la libertad. Un cóctel que puede llegar a ser explosivo…
Utilitat Programada juega y saca partido a los diferentes caracteres del grupo de adolescentes sin necesidad de profundizar demasiado en cada uno ellos. Todos tienen su punto divertido y de locura. Los diálogos son rápidos como sus movimientos, lo que hace que la obra tenga ritmo. ¡Incluso cantan! Las apariciones de la tutora, muy bien interpretada por Miriam Alamany, hacen de contrapunto y varían el ritmo de la obra. Los cinco actores, aunque se les nota aún su juventud teatral, defienden bien sus papeles. El día de la función no pudimos disfrutar de la interpretación de la cada vez más conocida Julia Molins, aunque estuvo presente entre el publico.
El decorado esta compuesto por viejos electrodomésticos y cableado que cuelga por todas partes, hecho que genera esa sensación de lugar cerrado y sin luz natural que la obra necesita. Los trajes superheroicos no es que lo sean demasiado, algo que seguro es un guiño cómico al género.
El texto de la obra es de Marc Rosich, del cual no sabemos si es aficionado a los cómics, pero Utilidad Programada bebe y juega con las ideas más innovadoras del género superheroico en el cómic, como por ejemplo en The Boys de Garth Ennis y Darick Robertson en lo referente a mezclar la propia industria del cómic con superhéroes que existen realmente, la ocultación de sus descuidos sexuales… aunque sin llegar, claro, a los extremos de la perversión del genero que destila este cómic. La obra también tiene un poco de Gen 13 de Jim Lee y Brandon Choi, por lo de los jóvenes algo alocados y porque al tutor de los chicos, el Coronel John Lynch, también le faltaba un ojo y tenía un aire espectral. Como no podía ser de otra forma aparece el leitmotiv que hace de Spiderman lo que es, junto a otros, en un buen momento de la representación.
La obra trata temas como el temor a revelarse, el miedo a los cambios, o a lo mucho que dependemos de móviles y otros dispositivos electrónicos. Su mayor baza humorística es la utilización de expresiones castellanas en su representación en catalán, aunque abusa de ello en algunos tramos. Al final la obra gira hacia el relato de ciencia ficción, volviéndose más oscura y precipitándose a un final que puede no convencer demasiado, debido a la trayectoria que ella misma había ido surcando.
Dramaturgia: Marc Rosich
Director: Míriam Escurriola
Reparto: Miriam Alamany, Lídia Casanova, Júlia Molins/Cristina López, Iñaki Mur, Maria Salarich y Mario Silva
Música original y diseño de sonido: Mario G. Cortizo
Escenografía: Sarah Bernardy
Diseño de iluminación: Marc Creus
Vestuario: Alba Prats
Producción: LA HYDRA
Horarios: miércoles a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas. Precio taquilla: miércoles a viernes 15€ | sábados y domingos 18€ Precio web: Desde 10€ Idioma: catalán
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Culturalia en colaboración con entradasymás te ofrece 2 entradas dobles para asistir al estreno de la película ‘Una Nueva Amiga’ y al coloquio con su director, el francés François Ozon el próximo 13 de mayo a las 20:00 horas en los Cines Palacio de la prensa (Madrid).
Enviar un mail a concurso_culturalia@hotmail.es antes del lunes 11 de mayo a las 20:00 horas. En el asunto del mensaje has de indicar Concurso Una Nueva Amiga y en el correo has de indicarnos tu nombre completo y tu número de móvil.
Los 2 primeros que envíen el mail obtendrán una entrada doble para asistir al estreno de la película ‘Una Nueva Amiga’ y al coloquio con su director, el francés François Ozon el próximo 13 de mayo a las 20:00 horas en los Cines Palacio de la prensa (Madrid).
«El nombre de los ganadores aparecerá publicado en nuestro blog»
Ven al pase privado de la comedia española ‘Cómo sobrevivir a una despedida’ con los actores de la película y su directora Manuela Moreno. Los ganadores verán la película de una forma exclusiva y podrán conocer al equipo.
Cuando: 14 de mayo Lugar: Cines Palacio de la prensa (Madrid) Participa hasta: domingo 10 a las 23.59 horas Viaje + hotel incluido
La sala Atrium es un seguro, hoy por hoy, de un teatro contemporáneo que se apropia de la realidad que nos rodea para analizarla sobre el escenario y hacernos reflexionar sobre nosotros mismos. Un nuevo ejemplo de ello es Coses nostres, la primera obra escrita y dirigida por Ramon Madaula y que nos habla del teatro, de la crítica y de la interactuación entre ambas disciplinas.
«El director de un teatro público y un reputado crítico se encuentran para hablar de «sus cosas». En el transcurso de la conversación aparecen varias cuestiones: ¿Cómo y quién determina la calidad artística? ¿La crítica tiene prejuicios? ¿El éxito o el fracaso de un espectáculo puede depender del tratamiento que le da la prensa? ¿Las ayudas públicas pueden dormir el genio? ¿Qué es más importante para un artista, el coraje o talento? Todas las preguntas tienen un “depende” como respuesta, pero todas son necesarias para ellos. Los dos hombres se necesitan. ¿Llegarán a algún tipo de pacto?»
Madaula nos propone, en su estreno como dramaturgo, un debate sobre el teatro que nos abastece de temas interesantes sobre los que reflexionar y una mirada recelosa hacia la crítica. Todo tiene lugar en el espacio de creación de un teatro público donde se han citado su director y un reconocido crítico. De ahí que se traten temas de debate que parecen ya clásicos: ¿Qué es el arte? ¿Cómo se establece la calidad artística? o si las subvenciones han amortiguado el talento artístico. Madaula trata estos temas poniéndose en parte «a favor» del creador, como no podría ser de otra forma, y aguijoneando al crítico, del que poco a poco iremos conociendo cuáles son sus desvelos y carencias, lo que nos hará dudar sobre si la crítica es objetiva o no.
De todo ello posiblemente la reflexión más interesante sea la de que, en verdad, el arte tan solo necesita que haya alguien que tenga algo que decir, un razonamiento interesante y eficaz. Si bien, la representación adopta un toque algo maniqueo, sobre todo en su segunda parte, cuando la integridad del crítico se irá resquebrajando ante nuestros propios ojos con aquel razonamiento, seguramente cruel y clásico, de que detrás de todo crítico hay un escritor frustrado. Es aquí donde el debate, hasta ese momento casi entre iguales, se convierte en la oportunidad de Madaula para desquitarse con la crítica, los juicios de la cual han afectado y afectan la carrera de cualquier artista. Algo que queda patente en el acto final de la obra, innecesario y que le roba parte de su madurez creativa.
Algo en lo que el texto tampoco acaba de atinar es en la visión que Madaula da al poder de la crítica en la actualidad. En la obra se entrevé un ecosistema de la crítica, con el gran crítico todopoderoso, que creo, y esta es una valoración personal, que o ya no existe o cada vez existe menos, ya que cada vez más la clásica crítica unidireccional y vertical se está transformado, gracias a las nuevas tecnologías, en una crítica compartida y horizontal, hecho este que le roba parte de veracidad al texto a las alturas del siglo XXI en el que estamos.
Para encarnar a los personajes de su primera obra, Madaula ha escogido a Raimon Molins que interpreta al joven director de teatro asaeteado por la última crítica recibida y a Albert Pérez, siempre correcto, en el papel del crítico, un personaje principal en el que es difícil de ver. Ambos interactúan sobre el escenario dándole a la representación el realismo que requiere. La mano de Madaula, por su parte, se deja en un texto muy personal y en la capacidad de los dos actores para apoderarse de la situación escénica.
Coses nostres es un ejercicio de análisis sobre el teatro y la crítica que aunque pone acertadamente el dedo en la llaga, no acaba de ser lo merecidamente neutral que debería, convirtiéndose, a medida que avanza la representación en algo parecido a una «pataleta» de Madaula en contra de una crítica que no siempre está a la altura de su cometido. Aún así vale la pena asistir a su representación y observar cuáles son las preocupaciones de un actor (y ahora director) con una larga carrera teatral a sus espaldas, y por tanto con algo qué decir al respecto. Diga lo que diga la crítica.
Autor: Ramon Madaula
Director: Ramon Madaula
Reparto: Raimon Molins y Albert Pérez
Puesta en escena: Ramon Madaula
Técnico luz y sonido: Xavier Alabart
Producción: Intent Produccions
Obra ganadora del premio Recull 2014
Horarios: de miércoles a sábado a las 21:00 horas y los domingos a las 19:00 horas. Precio: 19 € / Existencia de descuentos Idioma: catalán
Así, a primera vista, sorprende que en Barcelona se estrene una obra de teatro en castellano basada en La Plaça del Diamant, clásico de la literatura catalana del siglo XX escrito poer Mercè Rodoreda. Aunque la cosa se comienza a aclarar cuando descubrimos que la única protagonista es Lolita y que el director es Joan Ollé, con experiencia previa en la adaptación teatral de la novela.
«La plaza del Diamante, de Mercè Rodoreda, se desarrolla en los años de la posguerra. Cuenta la historia de Natalia «La Colometa» una chica que se siente perdida en el mundo. Huérfana de madre, verá partir y morir a sus seres queridos, pasará hambre y miseria y se verá muchas veces incapaz de sacar adelante a sus hijos. Lolita Flores interpreta, con su característica fuerza en los escenarios, este duro monólogo interior, costumbrista y desgarrador, lleno de simbolismos».
Aunque la primera reacción del espectador, como digo, puede ser de sorpresa, todo se explica si analizamos los ingredientes de la obra y vemos el resultado del esfuerzo de producción. Lo primero que hemos de tener en cuenta es que Ollé, como he dicho, tiene experiencia en la adaptación de la obra, ya que en el año 2004 versionó con éxito la obra de Rodoreda en el Festival Castell de Peralada. De aquí que el proyecto quede en manos de un director capaz en sintonía con la novela. A ello se suma el que la obra está construida enteramente para Lolita, que se transfigura a sí misma para dar vida a la Colometa y lo hace con gran acierto, en lo que podría considerarse la clave del éxito del proyecto.
La obra se nos presenta como un monólogo, en el que una Colometa ya madura nos narra su vida. Aquí se puede observar el trabajo de filigrana que tanto Carles Guillén como Joan Ollé han realizado en la adaptación, y que da como resultado, también, la transfiguración del texto. La puesta en escena, si bien algo estática, provoca que la atención del público se centre en Lolita y en su narración: sobre el escenario lo único que veremos es un banco de calle y una simple guirnalda de luz que se enciende y apaga acompañando el relato de la historia. Una disposición escénica que recuerda a la anterior versión de la obra realizada por Ollé y que si bien consigue enfocar la atención del público, resulta excesivamente minimalista para el escenario en el que está.
Y por lo que respecta a la historia poco se puede añadir a lo sabido. La novela de Rodoreda nos narra el advenimiento de la Segunda República, la Guerra Civil y los años de la posguerra a través de los ojos y de la sensibilidad de una mujer, la Colometa, que padece los giros de la época en un carácter que suma a la fragilidad emotiva la solidez de un espíritu que respira la vida a bocanadas. Y es aquí donde se observa mejor el esfuerzo de Lolita, con una imagen física muy diferente, casi opuesta, a la Colometa mostrada en la novela, y su transformación para encajar en la piel del personaje y hacernos sonreír y padecer los episodios más felices y tristes de su vida, una culminación debida, sin duda, al duro trabajo de creación interpretativa de Ollé/Lolita.
La Plaza del diamante es, así, una muestra de lo bien que se pueden hacer las cosas cuando hay una idea y se poseen las aptitudes necesaria para llevarla a cabo. Muestra de lo cual es el inmenso aplauso al final de la representación el día del estreno, que sin duda, se repite al cierre de cada actuación.
Autora: Mercè Rodoreda
Adaptación: Carles Guillén y Joan Ollé
Traducción: Celina Alegre y Pere Rovira
Dirección: Joan Ollé
Reparto: Lolita Flores
Espacio escénico y vestuario: Ana López Cobos
Iluminación: Lionel Spycher
Música original: Pascal Comelade
Producción: Teatro Español Basada en el espectáculo original La Plaça del Diamant de Bitó Produccions
Horarios: de miércoles a sábado a las 20:30 horas y los domingos a las 18:00 horas. Precio: 29 € Idioma: catalán
De todos es conocido que la cultura occidental le debe mucho al mundo antiguo, sobre todo a las civilizaciones griega y romana. De ahí que el conflicto que los primeros mantuvieron con los persas y que les insufló del vigor político y social para resplandecer durante los siglo V y IV a.C., sea un tema al que los historiadores hayan recurrido de una forma u otra para estudiar la conformación del estilo de vida griego en la Antigüedad.
Y en esta ocasión ha sido el historiador Richard A. Billows quien se ha aventurado a tratar de nuevo el tema, con una hipótesis de trabajo que queda muy clara en el título original del libro: Marathon, How One Battle Changed Western Civilization. O lo que es lo mismo, ¿fue la batalla de Maratón el hito militar que dio vida a la Grecia clásica que todos conocemos y que se convirtió en la base en la que se fundamenta la Civilización Occidental?
Para ello Billows nos presenta un libro de tan solo 282 páginas que se organiza en diversos apartados. El primero se centra en el desarrollo de la leyenda de Maratón a lo largo del tiempo hasta llegar a la creación de la prueba del maratón en los primeros Juegos Olímpico modernos. Una sección esta en la que el autor explica de forma sencilla y amena la mítica y la ficción que rodeó desde la Antigüedad la memoria de la batalla.
El segundo apartado es una introducción a la historia tanto de Grecia como del Imperio persa desde el siglo VII a.C. Esta sección si bien necesaria, sobre todo para aquellos lectores menos avezados en la temática, se hace excesivamente lenta y abarca no tan solo un desmesurado espacio de tiempo para presentar la batalla, sino que ocupa la mayor extensión del libro, nada menos que 104 páginas, por lo que este queda algo desequilibrado.
A esta sección le siguen los apartados que seguro más interesan al lector, que no son otros que la escalada de violencia entre griegos y persas y como no, el desarrollo de las hostilidades. Es en esta parte donde Billows analiza a fondo la cuestión: el ascenso de los persas, la conquista de los griegos de Asia Menor, la Revuelta jonia y los acontecimientos previos al enfrentamiento militar entre atenienses y persas. Tras ello el autor nos relata cómo y en qué circunstancias se produjo la batalla de Maratón. Hay que decir que si en el episodio introductorio el relato posee un estilo muy de «manual«, en esta sección, la de la propia batalla, el texto del autor alcanza su máxima tensión, y consigue narrarnos, casi minuto a minuto y desde una perspectiva ateniense, cómo se originó y desarrollo la batalla, de una forma muy accesible. Este es, por tanto, uno de los mejores relatos de una batalla antigua que he leído a nivel de difusión que consigue, además, enganchar al lector.
Para finalizar el libro el autor nos propone un ejercicio de historia-ficción: ¿Qué habría pasado si los persas hubieran vencido a los atenienses en esta batalla de Maratón? Un desarrollo interesante con el que se puede estar de acuerdo o no (ya se sabe que es difícil valorar lo que nunca ha pasado) y que nos permite entrever cuáles fueron las consecuencias del episodio militar narrado en el libro.
Billows demuestra, pues, ser un buen conocedor de la época, no por otra es especialista en el mundo mediterráneo antiguo y autor de obras como Kings and Colonists: Aspects of Macedonian Imperialism (1994), Antigonos the One-Eyed and the Creation of the Hellenistic State (1997), o Julio César. El coloso de Roma(Gredos, 2011). Sin embargo la traducción no está, en diversos momentos, a la altura de la obra, algo que puede afectar al esfuerzo de lectura de aquellos más sensibles al respecto. Si bien es cierto, que el estilo y la habilidad del autor al narrarnos los hechos históricos y militares que rodean a la batalla de Maratón, consiguen meter al lector en el tema, sobre todo en los capítulos que se centran en la batalla misma.
El libro incluye, además, mapas situacionales, una amplia cronología y glosario de términos que ayudarán al lector a situarse correctamente en la época y un amplio, también, índice analítico al que se suma una bibliografía extensa.
Maratón, el origen de la leyenda, de Richard A. Billows, es una excelente excusa para regresar a una batalla que, aunque cuando se la compara con Salamina y Termópilas puede parecer algo modesta, sin duda significó un hito en la historia de la libertad griega y por consiguiente, en la configuración de la Civilización Occidental.
Como es bien sabido, los clásicos nunca abandonan del todo los escenarios de los teatros, regresando a ellos de forma cíclica debido al vigor de su contenido y a la realidad a la que hace referencia. Y si hay algún actor vinculado a la re-visitación de los clásicos, este no es otro que Rafael Álvarez El Brujo. Y si hay una obra vinculada especialmente con el actor, esta no es otra que El Lazarillo de Tormes, un clásico de la literatura española que celebra los 25 años de la versión teatral que Fernando Fernán Gómez realizó para El Brujo.
Una obra, la del Lazarillo, que sigue el esquema habitual de las obras que interpreta Rafael Álvarez, esto es, el trabajo en monólogo del autor que nos recita diversos episodios de la novela y que al mismo tiempo los analiza en el contexto de la época en la que fueron escritos y en su relación con la actualidad. Y no se nos puede escapar que las vivencias de un joven pícaro maltratado por la sociedad y resignado por el hambre tienen puntos de contacto con la actualidad, en la que y en la misma Cataluña, un asombro alto porcentaje de niños y niñas se ven afligidos por el hambre y la exclusión social.
La versión que Fernán Gómez realizó de la obra para El Brujo, nos presenta tres escenas de la novela entre las que destacan la relación, conocida por todos, de Lázaro con el ciego mendicante y la estancia que el joven pícaro sufre en la casa del religioso avaro. La obra no necesita para avanzar más que a El Brujo, por lo que la escenografía es nimia, compuesta tan solo por varias velas y por un mínimo de atrezo. El Brujo, además, se permite entrar y salir constantemente del personaje para hablar directamente al público, con el que establece un diálogo fluido y las más de las veces humorístico. En esta dualidad de la interpretación recae la estrategia de la representación, por lo que podremos ver dos personajes sobre el escenario: el Lazarillo que nos relata sus aventuras y El Brujo que analiza las peripecias del protagonista con un agudo sentido del humor. En algunos momentos, además, la representación se pausa para dar paso al actor, que nos hablará de su relación con el teatro, con la obra y con la vida misma.
El Brujo domina a la perfección una obra que representa desde hace 25 años, que forma parte de su propia sensibilidad y que le ha dado un lugar sobre los escenarios españoles. Todo está preparado en ella para hacer resplandecer ante los ojos de los espectadores tanto al personaje del Lazarillo como al actor que lo encarna, envuelto todo con el sentido del humor propio de la obra y del actor que le da vida.
Aunque esta no será la única obra que El Brujo interpretará sobre el escenario del Condal. Una vez finalizada las representaciones del Lazarillo de Tormes, se iniciarán el 29 de abril las representaciones de Mujeres de Shakespeare, una de las últimas creaciones de El Brujo que permitirá al público barcelonés observar la evolución teatral del actor a lo largo del tiempo, y en la que sin duda repetirá el formato de El Lazarillo y La Odisea, representada también en el Condal el año pasado.
El Lazarillo de Tormes nos permite disfrutar de una de las grandes novelas de la literatura española, de una pequeña joya del teatro contemporáneo español y de uno de los actores más carismáticos de la escena madrileña. ¿Qué más se puede pedir por el precio de una entrada de teatro?
Versión: Fernando Fernán Gómez
Dirección: Rafael Álvarez, El Brujo
Reparto: Rafael Álvarez, El Brujo
Iluminación: Gerardo Malla
Vestuario: Lola La Moda
Espacio sonoro: Javier Alejano
Caracterización: José Antonio Sánchez
Producción: Producciones El Brujo
Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas Precio: de 24 a 28 € Idioma: castellano Duración: 1 hora y 30 minutos
Existen algunos episodios de la historia que por su importancia y trascendencia, no solo han pasado a la posteridad sino que, por una razón u otra, son conocidos por la mayoría. Es habitual en estos casos que lo que se sabe de estos hechos sea tópico y común, y que su pervivencia a lo largo del tiempo haya favorecido la transmisión de toda una serie de equívocos potenciados por la literatura y, sobre todo en los últimos tiempos, por el cine y la televisión. Y si hay un caso de estos en la historia de Roma, no es otro que el del gobierno de Nerón y el incendio que sufrió la ciudad de Roma en el año 64 d.C. Por ello es importante la publicación de libros como Arde Roma, de Stephen Dando-Collins, editado por Ariel, cuyo objetivo es proveer de una mayor luz científica al acontecimiento y construir, a partir de tópicos y típicos, una visión histórica del acontecimiento.
El libro de Dando-Collins comienza con el relato de la fabricación de la “leyenda negra” sobre el incendio de Roma, y de como la historiografía, tanto la antigua como la moderna, ha desarrollado el relato de la tragedia centrándose en las acusaciones que se han ido sumado sobre la figura de Nerón. Para ello el autor da paso al relato histórico comenzando su narración con el inicio del reinado de Nerón, mostrándonos de esta forma las etapas de su gobierno y la Roma previa al gran incendio. Es en este apartado donde podremos ser conscientes de las circunstancias que llevaron al incendio y a la culpabilización de Nerón.
Tras ello Dando-Collins nos relata cómo se desarrolla el incendio, cuyas causas principales en ningún momento apuntan a Nerón. El relato histórico que hace el autor nos permite conocer cómo se sucedieron los acontecimientos, siempre desde el punto de vista de las fuentes antiguas como Suetonio, Tácito o Dion Casio, algunos de los cuales vivieron de cerca el trágico incendio. Es en este apartado donde el ardor se apodera del lápiz del autor y la narración se convierte más en un relato novelado, siempre, como he dicho antes, fiel a los textos históricos existentes. Y es, asimismo, donde podemos evidenciar la escasa relación que Nerón tuvo con el incendio, en un momento en el que el emperador estaba ausente de la ciudad.
Stephen Dando-Collins
Tras la narración del incendio Dando-Collins nos relata las consecuencias del mismo y el periodo de persecuciones que caracterizó la etapa final del reinado de Nerón, haciéndonos partícipes de la serie de ajusticiamientos que este llevó a cabo preso del miedo a una conjura contra su persona. El libro finaliza analizando la conspiración que puso final al reinado de Nerón en el 68 d.C. y que dio paso al año de los cuatro emperadores (esto es, el año en el que gobernaron sucesivamente Galba, Otón, Vitelio y Vespasiano) y a la instauración de la dinastía Flavia en Roma.
Arde Roma es uno de esos ejercicios de lectura que pretenden poner los puntos sobre las íes en lo que respecta a la historia, y más en episodios tan conocidos por el público y por ello, normalmente, tan alejados de lo realmente acontecido. Aunque el título parece indicar un interés especial por parte del autor en el incendio de Roma del año 64, el libro es más una biografía de Nerón que le dedica un amplio capítulo a la catástrofe y a las consecuencias de la misma.
Como elemento a destacar cabe indicar las páginas que dedica Dando-Collins a relatarnos la llegada y la coronación que Tiridates, el rey parto de Armenia, recibió de manos de Nerón en Roma en el año 66 d.C., una anécdota que, aunque interesante, normalmente no ocupa demasiadas líneas en las obras que tratan sobre la época. El autor, además, se recrea en la política del momento y en el carácter y los gustos de Nerón, sobre todo su inclinación por las artes escénicas (de carácter griego), algo que como os podéis imaginar no fue bien visto por todos en la época, y mucho menos por la aristocracia romana. Asimismo, se ha de felicitar al autor y al traductor porqué el libro está bien narrado y bien traducido, algo que, y esto es preocupante, no es algo tan habitual como debiera.
Arde Roma es un libro pequeño, 315 páginas, pero en él reside la fuerza de aquellos empeños que pretenden aclarar las cosas para el gran público. Si a su intención le sumamos el buen hacer del autor, un esfuerzo de documentación que se nota importante y el interés que puede generar un acontecimiento y un personaje como los que trata el libro, Arde Roma se convierte en una oportunidad de descubrir de forma amena y agradable lo cierto de la historia que se nos explica, y aprovechar para derribar los tópicos que no hacen nada más que enturbiar el conocimiento histórico.
Título:Arde Roma: La caída del emperador Nerón y su ciudad Autor: Stephen Dando-Collins Traductor: Ana Herrera Ferrer Edirorial:Ariel Fecha de publicación: 01/03/2012 Nº de páginas: 328 Idioma: Español Formato: 14,4 x 23 cm. Presentación: Rústica con solapas ISBN: 978-84-344-7057-6 Precio: 21,90 €
No digo nada nuevo si afirmo que aunque los vecinos no nos son mostrados a la hora de comprar o alquilar una vivienda, su existencia puede llegar a ser un verdadero hándicap para el sostenimiento de la frágil, a veces, salud familiar. De esto, en parte, nos habla Els veïns de dalt, obra estrenada en el Teatre Romea el pasado 23 de marzo, dirigida por Cesc Gay e interpretada por Pere Arquillué, Àgata Roca, Nora Navas y Jordi Rico, una tragicomedia sobre la crisis de la pareja y la relación con los vecinos «de arriba».
Els veïns de dalt es una comedia con una alta graduación de tragedia que nos habla del mundo de la pareja, aquel en el que, de una forma u otra, acaban morando la mayor parte de los mortales, y nos permite ser testigos de los últimos momentos de una relación sentimental, aquellos presididos por la inercia, los reproches y las ganas de dañarse mutuamente. Gay construye además, su historia con muy poco y nos lleva, como el operario de una pequeña montaña rusa, de un extremo a otro de la tragicomedia justo en el momento de la representación que él quiere.
La situación nos es presentada con el regreso de Juli (Pere Arquillué) a casa finalizada la jornada laboral. Anna (Àgata Roca) le recuerda que han invitado a los vecinos de arriba, Laura (Nora Navas) y Salva (Jordi Rico) a un pica a pica para agradecerles su ayuda durante su traslado e instalación en el piso. Las excusas y las estrategias de Juli para evitar la velada y las referencias a los molestos ruidos de los vecinos, nos mostrarán los primeros problemas visibles en la pareja. La reunión y la revelación de las prácticas sexuales «liberales» que mantienen los vecinos de arriba llevarán a Juli y a Anna a un viaje de recriminaciones y descubrimientos en el que las dos parejas se sincerarán.
Las claves de la obra son pues la constatación de los problemas en la relación entre Anna y Juli, mostrándosenos unas veces en clave de comedia y en otras con un tono más bien trágico, y el descubrimiento de las singulares prácticas sexuales de los vecinos. Gay ya tiene experiencia narrando los problemas cotidianos de las parejas, solo hace falta recordar sus años de guionista en la series Jet lag (2001-2006) o la dirección del filme Una pistola en cada mano (2012) para ser consciente de su habilidad en la temática. Si a eso le sumamos el voltaje cómico que posee la confesión de las prácticas íntimas de los vecinos y la confrontación entre las relaciones que mantienen ambas parejas, obtendremos el mix de comedia y de melodrama que os comentaba antes.
Sin embargo, la obra decae algo hacia el final de la representación, cuando una reunión más o menos realista entre vecinos en clave de comedia, se convierte en una poco creíble sesión de terapia de pareja, en la que la acción se desarrolla de forma «facilona» para llegar, por fin, a la conclusión de la obra con un aceptable final feliz. Es esta parte de la representación la más predecible y la que alarga una trama que hasta ese instante había avanzado con firmeza.
Las interpretaciones están todas muy en el tono de la tragicomedia que vamos a ver. En ellas destacan las de la pareja protagonista principal: Àgata Roca se nos presenta como una mujer que ha perdido la esperanza en su relación pero que la mantiene por inercia. Luce, además, un modelo que realza con mucho su atractivo físico. Pere Arquillué, por su parte, lleva el peso de la comicidad en la obra. Jordi Rico y Nora Navas se compenetran a la perfección como pareja moderna, liberal y sin prejuicios que intentará ayudar a sus vecinos a superar sus agudos problemas. La escenografía nos introduce en el ámbito del diseño contemporáneo, como indicándonos la universalidad de los problemas de pareja que se nos relata.
En resumen, una buena oportunidad para echarse unas risas viendo los problemas de los otros (que a veces son también los nuestros) y para ser conscientes de lo singulares y cómicos que, como vecinos, seguro podemos parecer a los demás si les explicamos nuestras interioridades emocionales y comportamentales. Una comedia algo trágica sin mayores expectativas que les hará pasar un rato agradable para poder escaparse, de nuevo, de sus problemas más acuciantes.
Autor y director: Cesc Gay
Reparto: Pere Arquillué, Àgata Roca, Nora Navas y Jordi Rico
Escenografía: Alejandro Andújar
Vestuario: Anna Güell
Iluminación: Carlos Lucena
Producción: Elefant, Teatre Romea, Mola Produccions, ICEC (Generalitat de Catalunya) i la colaboración del Teatre La Sala de Rubí
Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas. Precio: de 18 a 28 € Idioma: catalán Duración: 1 hora y 25 minutos