Crítica teatral: Alícia ja no viu aquí, al Teatre Tantarantana

Regresa al teatre Tantarantana Alícia ja no viu aquí (la dona a Espanya, 1939-1981), un éxito histórico-musical “diferente” de la temporada pasada.

18 de julio de 1936. Ese día, Barcelona se preparaba para iniciar las Olimpiadas Populares, creadas en contraposición a los juegos organizados en Berlín por Hitler. Lamentablemente, esa fecha no pasó a la historia por esos juegos: se iniciaba uno de los episodios más tristes de este país, con el alzamiento de los militares frente a la legalidad republicana, y que desembocaría en la dictadura franquista, casi 40 años que tiñeron de gris las vidas de la población española. Ése es el punto de partida de la obra Alícia ja no viu aquí. La dona a Espanya 1939-1981, de 1 hora y 30 minutos de duración y estrenada el 4 de febrero en el Teatre Tantarantana.
Definir Alícia ja no viu aquí es ciertamente complicado. ¿Es un musical? No, pero las actrices cantan en directo. ¿Es una comedia? No, pero hay situaciones muy divertidas. ¿Es un drama? No, pero hay momentos emotivos. ¿Es teatro histórico? Tampoco, pero es evidente que, sin el período histórico como protagonista, esta obra no existiría. Lo único cierto es que Alícia ja no viu aquí es un sentido homenaje a las mujeres, a aquéllas que lucharon por la libertad durante la guerra civil y que vieron sesgadas sus propias libertades durante la dictadura.

La obra utiliza a Alícia como metáfora de la mujer que, supuestamente, vivía en “el país de las maravillas”, tal y como desde el poder se pretendía hacer creer a la población que era éste. De esta manera, y gracias al fantástico trabajo de las siete actrices, nos trasladamos a la España de finales de los 30, y así avanzamos por las diferentes décadas hasta llegar a principios de los 80, habiendo comprobado la evolución que, afortunadamente, protagonizó el país.

En Alícia ja no viu aquí se escenifican situaciones que vivieron las mujeres durante el franquismo; de esta manera, conocemos a mujeres sometidas al hombre, a quien debían satisfacer por ser él quien traía un sueldo a casa, otras resignadas a dedicar sus esfuerzos al hogar, mujeres desesperadas acudiendo al consultorio de Elena Francis, niñas marcadas por las monjas de las escuelas, mujeres refugiadas en el confesionario de la iglesia, otras asombradas con la llegada de mujeres europeas, … Cada escena finaliza con una canción característica de la época; así, el público puede disfrutar de canciones tan variadas como Perfidia, La novia, Un rayo de sol, Fumando espero, La, la, la (en la versión en catalán), o Què volen aquesta gent (momento álgido que logra poner la piel de gallina al patio de butacas)…

La obra requiere un gran esfuerzo por parte de las siete actrices, quienes consiguen hacer un retrato creíble de la mujer y de una época que para ellas resulta lejana: todas son nacidas durante la década de los 80, por ello seguro que tuvieron que recurrir a madres y abuelas para dar credibilidad a sus actuaciones; sea como sea, las siete demuestran que la juventud no está reñida con el talento en el escenario. Además, el esfuerzo es mayor si se tiene en cuenta que también son las mismas actrices quienes cantan en directo las canciones de la obra, logrando con ello momentos ciertamente emotivos.

En definitiva, Alícia ja no viu aquí. La dona a Espanya 1939-1981 es un magnífico trabajo de memoria histórica, imprescindible para todo aquél que crea que en este país siempre se ha vivido con la misma libertad que existe en el siglo XXI.

Alícia ja no viu aquí” se representa en el Teatre Tantarantana hasta el 12 de diciembre de 2010.

Dramaturgia: Josep Galindo y Pablo Ley
Dirección: Josep Galindo
Dirección musical: Javier Gamazo
Intérpretes: Helena Bagué, Anna Elías, Marina Fita, Sílvia Martín, Mar Monegal, Sílvia Montells y Alba Pérez
Investigación Dramatúrgica: Projecte Galilei
Coreografía y movimiento: Teresa Garcia
Diseño de imágenes: Toni Roura
Espacio Escénico: Projecte Galilei
Diseño de sonido y arreglos musicales: Javi Gamazo
Iluminación: Anna Espunya
Vestuario: Projecte Galilei

Horarios: Miércoles a las 21:00 horas; jueves a las 18:00 horas; viernes y sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas.
Precios: De miércoles a jueves 15 €; resto de días 18 €
Idioma: catalán y castellano.
Duración: 90 minutos.

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Escrito por: Robert Martínez Colomé

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Crítica literaria: Jerjes, rey de los persas, de Louis Couperus.

Es curioso que de muchos episodios de la historia solo tengamos la versión de los vencedores. Este es el caso del enfrentamiento entre Roma y Cartago, de la conquista romana de Hispania, de la Guerra de Vietnam (si es que en esta guerra hay algún vencedor), o de la conquista de América por los españoles. Este es también el caso de la historia de Persia, la cual, conocemos, por desgracia, por las obras de sus más acérrimos enemigos, los griegos. Así que estamos acostumbrados a acercarnos a su glorioso pasado a través de los ojos de griegos y romanos, lo que, de seguro, nos priva de conocer las fuentes originales de su historia, que por desgracia son más bien pocas, ya que el persa no fue un pueblo al que le apeteciera demasiado legar al futuro su historia escrita.

Así, como decía, estamos acostumbrados a leer libros de historia, novelas históricas, e incluso a ver películas de temática persa o donde aparecen los persas como El León de Esparta (1961) y la más reciente 300 (2007), desde el punto de vista occidental, o más bien dicho griego. Por lo que de tanto en tanto es muy agradable a los ojos del lector poder acceder a este periodo de la historia desde un punto de vista diferente, o lo que es lo mismo, desde el punto de vista persa. Este es el caso de la novedad de la editorial Edhasa Jerjes, rey de los persas, novela escrita en el año 1919 por Louis Couperus, una de las figuras literarias más importantes de la literatura holandesa.

Couperus sitúa su novela en el que es, seguramente, el episodio histórico más conocido de la historia de los persas, es decir, durante las Guerras Médicas que enfrentaron a los Aqueménidas con los estados y las poleis griegas a principios del siglo V a.C. La acción da inicio durante los primeros años del reinado del monarca persa Jerjes, que tras la derrota de la Primera Guerra Médica (492-490 a.C.) dirigida por su padre Darío contra los helenos, se dispone a vengar tal humillación. Asistiremos, pues, a los inmensos preparativos que Jerjes llevó a cabo para asegurar su victoria: la construcción de un puente de barcos que unió por primera vez en la historia a Asia y Europa a través del Helesponto, actual estrecho de los Dardanelos; la excavación de un gran canal que atravesaba la península del Monte Athos en el norte de Grecia, para permitir el seguro paso de la flota aqueménida por las traicioneras aguas de la zona, y la reunión de uno de los más grandes ejércitos que recuerdan los historiadores griegos, con más de 5 millones de hombres y millares de naves de guerra. Couperus nos relata toda la acción militar que representó la campaña persa poniendo hincapié, como su título indica, en la posición persa. La afamada batalla del paso de las Termópilas y la muerte de Leónidas y sus célebres trescientos espartanos; el avance sobre Grecia y la destrucción de Atenas; la defensa helena del Peloponeso y la conocidísima ofensiva naval que finalizó con la derrota persa en la batalla de Salamina (480 a.C.); la continuación de la actividad militar persa por parte del general Mardonio en la Grecia continental y la definitiva derrota aqueménida en Platea (479 a.C.).

Louis Couperus

La originalidad de la novela radica entre otras cosas en que en ella no son los intérpretes Temístocles, Leónidas, la marina naval ateniense o la afamada infantería militar espartana. En la obra de Couperus son Jerjes y su estado mayor, sus hermanos, primos y familiares, sus generales y sus aliados los que llevan el peso de la novela. Podremos ver como se hacía política en la corte persa, como la voluntad de un rey absoluto (no hemos de olvidar que la designación oficial de los monarcas aqueménidas era la de Rey de reyes) se imponía sobre el resto de sus súbditos. A este respecto son destacables las páginas del libro dedicadas al harén real, en la que nos moveremos a través de la actividad diaria y el sólido protocolo establecido entre las diversas esposas, reinas y familiares femeninas del soberano.

Hemos de ser conscientes, como decía al inicio de esta reseña, que es poco lo que conocemos en la actualidad de la historia persa, casi exclusivamente aquellos episodios en los que estaban involucrados los griegos que nos relataron su visión “del asunto”. Aún así, este conocimiento, aunque limitado, es mucho más amplio hoy en día de lo que se conocía a principios del siglo XX, en la época que escribió Couperus, por lo que el autor no pudo salirse demasiado de los acontecimientos y episodios ya conocidos por todos. Para dar un ejemplo, poco es lo que se conoce del reinado de Jerjes, uno de los más importantes monarcas persas, una vez derrotado por los griegos en el año 479 a.C.

Otro hecho a tener en cuenta es que la fecha de realización de la novela también dejó su rastro en ella, mostrándonos a los atenienses luchando por su libertad, aunque de forma a veces bastante difuminada (un claro ejemplo de ello es la ambivalencia política del ateniense Temístocles), y por su joven y laureada democracia, que “seguramente” no lo fue tanto. Por su parte Jerjes se nos muestra como un rey absolutista, todopoderoso y de voluntad ilimitada, gobernando un decadente y “degenerado” imperio persa que en breve iniciaría un decaimiento general, típica visión que ha existido del Oriente antiguo desde el Occidente moderno.

Aún así la Jerjes, rey de los persas es una novela motivadora, un pequeño soplo de historia vista desde el “lado correcto”. Podremos conocer un poco más las costumbres persas y la realidad de un imperio ampliamente desconocido por parte del público en general. Durante la narración de Couperus podremos escoger nuestro bando: nos podremos poner de parte de “los de siempre”, de los griegos, atenienses y espartanos, y organizar la defensa terrestre y marítima ante el ataque de uno de los ejércitos más temidos de la antigüedad; o arriesgarnos y pasarnos a las filas persas, y sumarnos al ejército de el Gran rey Jerjes e iniciar una gran aventura a través de un territorio desconocido y plagado de enemigos. Tendremos de nuestra parte la grandeza, el atrevimiento y la majestuosidad aqueménida y seremos testigos, a través de nuestra derrota, del origen del siglo de oro heleno, el siglo de Pericles, el siglo de Atenas.

La novela no nos decepcionará. Viajaremos a través de los territorios recorridos a lo largo de ella; nos situaremos en medio de las acciones y las batallas militares del enfrentamiento entre persas y griegos y nos acercaremos a las grandes figuras, y a las no tan grandes también, protagonistas del conflicto. Podremos, pues, conocer un poco más a uno de los grandes secundarios de la historia, los persas, que se convierten en protagonistas de la narración, y podremos ponerle cara y averiguar algo más sobre un imperio que fue, en su momento, el mayor que el hombre había erigido jamás.

¿Desaprovecharás una oportunidad como ésta?

Título: Jerjes, rey de los Persas
Autor:
Louis Couperus
Editorial: Edhasa
Fecha de publicación: junio 2010
Colección: Narrativas historicas
Páginas: 320 págs.
Precio: 19 €
ISBN: 9788435061780
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Crítica televisiva: Hispania, la leyenda. Capítulo quinto, Asesinos.

Un nuevo capítulo de la serie Hispania la leyenda y, como no, un nuevo análisis del mismo en Culturalia. Y así, como el que no quiere, podemos decir que sin duda, en el aspecto de interpretaciones y de realización, seguramente la de esta semana es la mejor entrega de las cinco que hemos visto. Pasaremos, pues, a resumir brevemente el capítulo.

Las primeras escenas de la quinta entrega nos muestran a un Viriato abandonando a los suyos tras la muerte de su hermana Bárbara. Parece que la dureza de la actividad romana ha acabado con la energía del líder rebelde. Sin embargo la inicial renuncia de Viriato generará algunos problemas de lideraje entre sus hombres, originados por la voluntad de algunos de ellos de ocupar su lugar. Por su parte Galba ha planeado una nueva estratagema: sus soldados han atacado diversas caravanas de comerciantes indígenas vestidos y armados como lusitanos, con el objetivo de hacer creer a todos que son los hombres de Viriato los culpables de tal agresión, haciéndole, así, perder apoyos entre la población lusitana.

En el campamento romano las cosas han empeorado entre Galba; Claudia, su mujer y Marco; el legado romano. Las noticias de la muerte del padre de Claudia y la posterior confirmación de que su marido ha estado involucrado en ella, ha empujado a ésta a intrigar abiertamente contra la vida de su propio esposo. La lucha entre el pretor y su esposa ha arrastrado, como siempre, a sus esclavas, Nerea y Sabina, e incluso a Marco, que tras las continuas ofensas de Galba hacia sus responsabilidades como legado militar y sus continuos errores, ha decidido sumarse a los esfuerzos de Claudia. Nerea ha podido por fin salir del campamento y ver a su prometido, Paulo, y ser la mensajera de Claudia para encontrarse con Viriato y pactar la muerte de su esposo durante la celebración de la fiesta de la fertilidad que se celebra en Caura.

Aquí, en el poblado, Teodoro ha proseguido maniobrando para hacerse con las riendas de Caura, en cuya actividad ha contado con la ayuda de su futuro cuñado Alejo, que ha demostrado desenvolverse muy bien ante la persona del pretor. El atentado contra Galba ha fracasado, hecho que ha provocado el arresto de Darío, que no se ha salvado de la muerte hasta el final del capítulo y la revelación de las estratagemas del pretor romano.

Alejo y Teodoro recriminando su actitud a Helena

Como era lógico de pensar Galba ha continuado maniobrando para conseguir vencer a Viriato, por lo que no es de extrañar su estratagema contra los comerciantes lusitanos. Una fechoría a pequeña escala que puede hacerle conseguir grandes triunfos. Su actitud hacia Claudia ha empeorado, sobre todo desde la muerte de su suegro. Como ya hemos dicho varias veces, el juego político entre el patriciado podía llevar a situaciones como esta, en la que las mujeres de la familia podían ser usadas como lazos políticos entre diversas familias nobles romanas, como fue el caso con César y Pompeyo y Augusto y Marco Antonio. En Roma no sería raro que las mujeres de las familias más ricas participaran también, conocieran e incluso fueran instigadoras de los asesinatos y complots políticos del momento.

El abandono momentáneo de Viriato ha tenido un peso dramático importante en el quinto capítulo y nos ha proporcionado dos asuntos de los que hablar. El primero es el lideraje entre los lusitanos. Con Viriato desaparecido las riñas entre sus hombres han tardado poco en aparecer, algo muy propio del lideraje personal que poseía Viriato. Sus hombres luchan con Viriato y bajo su autoridad, una vez desaparecida ésta, su desempeño comporta rivalidad entre sus hombres. El que demuestre ser más apto para sustituirlo obtendrá el éxito. No hemos de pensar, así, en el grupo rebelde de Viriato como en un estamento “oficialmente” organizado, con rangos férreamente establecidos, sino más como hombres y grupos de hombres que luchan bajo las órdenes se un caudillo, que los guía en su actividad de resistencia contra el dominio romano.

El otro aspecto a tener en cuenta es del sueño de Viriato, en el que hemos visto a las tres mujeres más importantes para él, su mujer, su hija y su hermana. La espiritualidad y trascendentalidad del sueño han sido muy bien conseguidos y nos muestra un aspecto que era muy real en la época: la importancia que se le daba a los sueños y a todo aquello sobrenatural que acompañaba la vida de los hombres y de las mujeres de la época, en la que la ciencia y el conocimiento científico del momento, como sabemos, aún no tenía explicación para todo.

El sueño de Viriato

La actitud de Galba ha provocado lo que se veía venir, la oposición y rebeldía de Claudia y, lo que es más importante aún, la sombra de rebelión entre sus tropas, personificada en la actitud de Marco. Este asunto era de vital importancia en el ejército romano, y, si se me permite, en todo ejército que exista. La actitud rebelde de una legión o de parte de ella podía hacer fracasar una campaña romana, y lo que es peor, acabar con la vida de su estado mayor. En la historia de Roma seria, por desgracia, algo muy común la rebelión y la usurpación política originada en los diversos cuerpos legionarios distribuidos sobre el territorio dominado por Roma. Un problema que no tan solo no pudo solucionar el Estado romano sino que, en parte, llevo a la caída de su poder en el siglo V d.C.

En referencia al poblado lusitano, en el capítulo del pasado miércoles hemos asistido a la representación de la “Fiesta de la Fertilidad”, la que parece peligrosamente parecida a la “fiesta mayor” de cualquier pueblo en la actualidad: Música, comida, divertimento en general… cosa bastante alejada del concepto de celebración en la antigüedad donde el culto a los dioses, los sacrificios y el hecho religioso dominaba por completo estas “festividades”. Un error de la serie, seguro, a la hora de documentarse y construir la trama del capítulo. Por otra parte, la presencia del gobernador romano en la “fiesta” es, como poco, bastante descabellada…

El verdadero culpable de los asesinatos de comerciantes

Por el contrario, la referencia a las leyes del Caura a la hora de juzgar y castigar a Darío, el hijo de Césaro, es un acierto. Roma no intentó, en ningún momento, ni en Hispania ni en ninguna otra provincia, asimilar y homogeneizar el territorio conquistado, sino que respetó, hasta cierto punto, las formas de vida y la organización política de los pueblos conquistados, solo eliminando aquello que se oponía a su poder indiscutible. Por eso las diferentes tribus y pueblos firmaban acuerdos o foedus con los generales romanos que les permitían mantener su “autonomía” hasta cierto punto. Tan solo las colonias creadas por Roma se organizaban a imagen de ella, aunque, aún así, siempre existían diferencias con la metrópolis. De ahí que la mención a las leyes del poblado sean correctas, unas leyes que tardarían, seguro, muchas décadas en desaparecer. Aunque el comportamiento “democrático” del consejo de Caura, y la presencia en él, según me ha parecido ver, de mujeres, es como mínimo anacrónico. La democracia, el derecho a expresar las opiniones libremente y la actividad representativa y “democrática” en un consejo ciudadano no pertenece, ni mucho menos, a la realidad política y social de los pueblos indígenas de la península Ibérica en la Antigüedad.

Aciertos y errores; errores y aciertos que iremos viendo a lo largo de las emisiones de los próximos capítulos de la serie, y que intentaremos desgranar y analizar aquí en Culturalia.
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Estreno teatral: El cas Kuleshov, en el SAT! Teatre

La compañía de danza Lanònima Imperial estrena en el SAT!El caso Kuleshov“, su nueva propuesta que analiza la relación entre música, teatro, danza y cine en el contexto de la imagen y de las emociones.

Una de las compañías de danza catalanas más internacionales, Lanònima Imperial, estrena en el SAT! una nueva propuesta coreográfica llena de experimentalismo y conceptualización basada en los experimentos del cineasta soviético Kuleshov.

Durante los días 9, 10, 11 y 12 de diciembre tres bailarines, un trombonista y un director traerán al escenario del SAT! un nuevo espectáculo de Lanònima, una nueva aventura estética de la compañía de Juan Carlos García que parte del estudio del efecto Kuleshov, teoría según la cual a partir del montaje y la intercalación de imágenes diversas con un mismo primer plano de una cara inexpresiva, ésta se podía dotar de diferentes cargas emocionales en función de la escena u objeto que la precedía.

En “El cas Kuleshov“, Juan Carlos García, director del espectáculo (Premio Nacional de Danza y Premio Ciudad de Barcelona), pone en escena un montaje que cuenta con elementos como la proyección cinematográfica, la coreografía, la oratoria y la música en vivo de un trombón.

El espectáculo, presentado por primera vez en Buenos Aires el mes pasado, representa una investigación que plantea las relaciones entre música, teatro, danza y cine en las vanguardias históricas que se esconde detrás del velo de la extraña belleza estética de las producciones de Lanònima Imperial. Una propuesta que se suma a la continua búsqueda y remodelación conceptual de la danza contemporánea que la compañía persigue con cada nueva producción.

Lanònima Imperial, que celebrará 25 años durante el 2011, es una de las compañías de danza catalanas más internacional. Ha presentado sus trabajos a importantes teatros y festivales de toda Europa, América y Asia y cuenta con una larga trayectoria que la han llevado a investigar y explorar caminos y proyectos experimentales que lo han convertido en una de las compañías más importantes del panorama actual.

El cas Kuleshov” se representará en el SAT! Teatre del 9 al 12 de diciembre de 2010.

Dramaturgia, dirección y fotografía: Juan Carlos García
Idea original: Jacobo Sucari y Juan Carlos García
Interpretación y creación: Inma Asensio, Romina Pedroli, Marco Purcaro, Frédéric Filiatre y Juan Carlos García
Música: Frédéric Filiatre
Dirección técnica e iluminación: Manu Martínez
Vestuario: Ariadna Papión
Vídeo creación: Jacobo Sucari
Escenografía: Juan Carlos García y Manu Martínez
Textos: Dylan Thomas, Ernesto Sábato y Juan Carlos García

Horarios:
Jueves y viernes  a las 21:00 horas; sábado a las 21:30 horas y domingo a las 18:30 horas.
Precio: 14 €
Duración del espectáculo: 1 hora

Más información:
Web de Lanònima Imperial: http://www.lanonima.com

Crítica cinematográfica: La noche del terror ciego, de Armando de Ossorio

Zombies Made in Spain

La noche del terror ciego” es un caso excepcional en el panorama del fantástico español: no sólo es una de las pocas pelis de zombies que se han realizado en España (género poco explotado y siempre con el gran referente de “No profanar el sueño de los muertos” de Jorge Grau), si no que (fenómeno insólito) generó tres películas más, creando así la conocida como saga de los Templarios (de Amando de Ossorio). El planteamiento es sencillo y a la vez seductor: “pervirtiendo” las leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer, “La noche del terror ciego” nos habla de unos templarios del siglo XIII que al volver de viaje por tierras foráneas, traen consigo conocimientos prohibidos y el placer por practicar rituales satánicos (¡no podía faltar el sacrificio de una macizorra!) lo cual provoca que los habitantes del pueblecito portugués de Berzano se harten de ellos y decidan colgarlos. Una vez muertos, los cuervos se dan un festín con sus ojos (de ahí lo del terror ciego). Ya en la actualidad, los templarios reviven para volver a aterrorizar al personal.

Primero de todo hay que aclarar que esta película, como pequeña joya trash que es, merece ser vista con MUCHO cariño para poder apreciar sus miserias y sus bondades. La película está plagada de personajes simplones e incluso directamente chorras (la palma se la lleva el tarado, que no Taradete, de la morgue) y sazonada con historias que no despiertan demasiado interés (un triangulo amoroso de los protagonistas, flashback lésbico incluido, o un erudito en el tema de los templarios atormentado por las actividades delictivas de su hijo macarrilla-marca-paquetón). La dirección (más que torpe y con poco sentido del ritmo) y las actuaciones (entre horribles y risibles) no ayudan demasiado a una historia ya de por sí raquítica (unos muertos se levantan de la tumba y atacan a cualquiera que se cruce por su camino). Pero también hay que reconocer que los templarios se convierten en un enemigo impactante visualmente hablando y que sus apariciones son lo mejor de la cinta. A destacar también el detalle de que su ceguera les obliga a perseguir a sus víctimas a través del ruido (detalle más desarrollado en las siguientes entregas). Hay que reconocerle a Amando de Ossorio la inventiva y los redaños de realizar una película de estas características con cuatro perras y mucha pasión.

En sucesivas entregas continuaremos con la saga de los Templarios. Próximamente… “El ataque de los muertos sin ojos” (título grandilocuente donde los haya).

A destacar: la creación de un icono del terror español, icono bastante olvidado y pendiente de una más que justa reivindicación. Aunque se acaba abusando del efecto, los templarios cabalgando al ralentí es una imagen cautivadora. Sorprende que aún nadie no se haya atrevido a realizar un remake (¿tal vez los yanquis se animen?).

A olvidar: el reparto, a cual más ostiable. Especialmente irritante la escena del maquinista de tren rescatando a una posible víctima.

Si tienes tiempo libre: busca a Amando de Ossorio realizando un cameo como jefe de la estación de tren.
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Escrito por: Nexus6cat


Estreno teatral: No som res, en el SAT! Teatre

El SAT! Teatre estrena en Barcelona No som res, el nuevo espectáculo de los exTeatre Guerrilla después del éxito en el festival Temporada Alta de Girona/Salt.

Del 19 de noviembre hasta el 6 de diciembre se podrá disfrutar de una roadmovie teatral llena de humor con el divertido retrato casero de Carles Xuriguera y Rafel Faixedas. Una obra que llega por primera vez a Barcelona con texto escrito por el Premio Nacional de literatura, Francesc Serés.

La historia de dos primos que van al entierro de su abuelo y que durante el trayecto en coche tienen una avería que les obliga continuar a pie el camino es el disparo de salida de “No som res“. Un espectáculo que nos hablará de la vida y la muerte pasadas por el filtro del humor, a veces sutil, a veces más directo, bajo un punto de vista irónico y esperanzado.

Los dos actores encargados de la historia son Carles Xuriguera y Rafel Faixedas, conocidos para ser ex componentes de la reconocida compañía catalana Teatre de Guerrilla, que durante doce años ha presentado cinco espectáculos teatrales, con dos adaptaciones al castellano, actuando en festivales internacionales en Paris y Lisboa, con más de 1000 representaciones en toda la península. También han hecho colaboraciones televisivas como Casting, El Club con Albert Om, pasando por colaboraciones como Romans a la catalana, Fent amics, Set de nit, Jo vull ser, Caçadors de Bolets o Villaguerrilla. Así como cinco años participando a Els matins de RAC1 con Albert Om, Xavier Bosch y Jordi Basté.

Después de estos doce años dejan la compañía Teatre de Guerrilla y empiezan una nueva línea, manteniendo su particular forma actoral próxima al payaso pero con el deseo de incorporar dramaturgias de otros autores de acuerdo con el sello que los caracteriza.

El autor, Francesc Serés (1972), Premio Nacional de Literatura, es autor de la trilogía De fems i de marbres (2003). Éste 2010 le ha sido concedido el Premi Ciutat de Barcelona de Literatura por su último libro Contes russos. Su obra ha sido premiada en diversas ocasiones.

La música va a cargo del músico catalán Sanjosex, que ha publicado tres discos y ha participado en festivales como el Primavera Club, el BAM, MMVV o PopArb.

No som res” se representa en el SAT! Teatre del 19 de noviembre al 6 de diciembre de 2010.

Autor: Francesc Serés
Intérpretes: Carles Xuriguera y Rafel Faixedas
Asesoramiento artístico: Hans Ritcher
Luces, sonido y efectos: Cesc Pastor, Dani Tort y Jordi Vilà
Música: Dr.Mashirito y Sanjosex
Diseño pantalla: Miquel Casals y Ernest Forts
Compañía: Xuriguera/Faixedas

Horarios: Jueves y viernes a las 21:00 horas; sábados a las 21:30 horas y lunes y domingos a las 18:30 horas.
Precio: 16 €.
Idioma: Catalán
Duración de la obra: 1 hora y 20 minutos

Crítica de la obra en CULTURALIA: https://cinelatura.wordpress.com/2010/12/19/critica-teatral-no-som-res-al-sat-teatre/

Nueva publicación: La ría de los afrancesados, de Ascensión Badia

El próximo día martes 23 de noviembre se presentará en Bilbao la novela histórica “la ría de los afrancesados“, escrita por Ascensión Badiola y publicada por editorial Txertoa, que recrea el Bilbao afrancesado de finales del siglo XVIII.

Los caballeritos de Azkoitia, Carlos III, Pignatelli, y más de una docena de personajes de ficción nos muestran los problemas de una época desaparecida. Los aguaduchos de la villa, el problema de la vivienda, los conflictos burgueses, la mentalidad del siglo, los cambios venidos de la nueva Francia revolucionaria, la Inquisición y la vida de tres mujeres de distintas clases sociales que han de sobrevivir a la entrada en Bilbao de los soldados de la Convención francesa componen esta ópera prima.

La ría de los afrancesados es una novela ambientada en el Bilbao de finales del siglo XVIII. Un Bilbao con problemas, como las inundaciones, la especulación del suelo o la pugna con otras anteiglesias y villas de Bizkaia a cuenta del férreo monopolio que ejerce sobre el puerto y también un Bilbao afectado de lleno por lo que está ocurriendo en Europa. La brisa de las ideas ilustradas, acogidas con esperanza, por lo que suponen de palanca para modernizar el país, atenazado por el absolutismo, no tardará en tornarse en huracán, sumida en la Revolución y la guerra. En este marco en el que conviven una serie de personajes que representan una amplia gama de posturas y de sentimientos, cobran especial protagonismo un grupo de mujeres de diferente clase y condición que trabajan para abrirse paso en una sociedad que las tiene absolutamente relegadas.

Ascensión Badia, la autora
Ascensión Badia. La autora

Ascensión Badiola nació en Bilbao. Es licenciada en Ciencias Económicas y Empresariales y diplomada en Estudios Avanzados de Historia. Hasta ahora ha colaborado en revistas especializadas en Historia Contemporánea y trabaja como auditora de cuentas, pero “La ría de los afrancesados” es su debut como autora de literatura de ficción.

La presentación del libro tendrá lugar en la librería Elkar de Licenciado Poza (en la plaza Bizkaia, frente a la Alhondiga, a las 12:00 horas.

Presentación y firma de libros el miércoles 24 de noviembre a las 19:00 horas.

Título: la ría de los afrancesados
Autor: Ascensión Badiola
Editorial: Txertoa
Colección: Larrea
ISBN: 978-84-7148-497-0

Para más información:

http://www.txertoa.com/

http://www.escritoresnovelahistorica.blogspot.com/

Crítica en culturalia: https://cinelatura.wordpress.com/2011/02/12/critica-literaria-la-ria-de-los-afrancesados-de-ascension-badiola/

 

Crítica de cómic: Zombi. Guía de supervivencia. Ataques registrados, de DeBolsillo editorial

Max Brooks es un nombre reconocido entre los aficionados a la llamémosle literatura zombi gracias a su libro “Zombi: Guía de supervivencia” (2003) y a “Guerra Mundial Z” (2006). El primero, como su nombre indica, es un manual para sobrevivir en el caso de una invasión zombi, con consejos e utilidades efectivas y extrapolables a cualquier situación de guerra real o similar. “Guerra mundial Z” es una novela que se compone a base de ficticias entrevistas que intentan recomponer todo lo que ha pasado en una larga guerra contra los zombis.

Estos dos libros han sido un éxito de ventas para este guionista de programas como Saturday Night Live, actor de series de televisión y que incluso ha puesto voces a diversas series de dibujos animados como Batman del Futuro y la Liga de la Justicia. Sus padres son nada más y nada menos que el director de cine Mel Brooks y la actriz Anne Bancroft.

Vayamos al cómic en cuestión: Ataques Registrados.
En el citado libro “Zombi: Guía de supervivencia” había un apartado, casi al final, en el que se narraban supuestos ataques zombi en diferentes momentos de la historia. Esto es en sí este cómic.
Iniciando el viaje en el 60.000 A.C. en África Central hasta 1992 D.C. en el Parque Nacional de Joshua Tree, pasaremos por 10 periodos históricos más y lugares como el Japón Feudal del año 1611 o la Unión Soviética en1960. Cada época tiene su ataque zombi y el cómic narra en historias cortas pero con todo lujo de detalles escabrosos lo que sucede ante éstos.

Ibraim Roberson es el encargado de dibujar las 144 páginas de este cómic en un intenso blanco y negro. La fuerza de este cómic esta en sus imágenes con grandes dosis de violencia y escenas dantescas más que en la calidad de las historietas. El dibujo de Roberson es directo y sin concesiones. El cómic no tiene ni un solo globo de diálogo y se apoya en los recuadros de texto pero la planificación y los variados encuadres de las viñetas los hacen de lectura fluida.

 

Página del cómic

A destacar la primera historia con ¡zombis ya en la prehistoria! o el ataque a la colonia romana en la Britania del 121 D.C. mezclando hábilmente los hechos de la realidad histórica con la ficción. Tal vez la mejor en plan lucha sin cuartel sea la que acontece en el Norte de África (1893). Hay historias que se intentan alejar del típico ataque en masa Zombi, con planteamientos originales pero no quedan muy redondas. Utilizar a Zombis en paracaídas  como fuerza de choque en guerra esta bien, pero es algo que los seguidores de Hulk ya habíamos visto cuando lanzan al gigante verde desde una avión como arma literal de destrucción masiva.

Un cómic solo recomendado para completistas e incondicionales de la temática zombi o del terror con escenas gore. Relatos fríos sin ningún atisbo de esperanza ni mucho menos humor.

Título: Zombi Guía de Supervivencia.ATAQUES REGISTRADOS.
Autor: Max Brooks
Dibujo: Ibraim Roberson
Colección: BestSeller Cómic
Número de páginas: 144 páginas
PVP: 11,95 euros
Editorial: DeBolsillo

Podéis leer más cositas como esta en El Rincón del Taradete.

Crítica teatral: Pasta fullada, al Teatre Gaudí Barcelona

¿Cómo se vive la vida de familia cuando se llega a la sesentena? ¿Cómo evoluciona una relación de pareja con el paso del tiempo? ¿Y la amistad entre dos parejas que se conocen desde hace mucho? Unas preguntas que intentan ser respondidas en Pasta Fullada, la obra creada por Ever Blanchet que se representa en el Teatre Gaudí Barcelona desde el pasado 1 de octubre, dirigida por Òscar Molina e interpretada por Margarida Minguillon, Carme Sansa, Josep Minguell y Carles Sales.

El final de una cena entre dos parejas de amigos en la casa de una de ellas da comienzo a una historia de amistad, de sentimientos, de vida y, también, de deseos y de pasión. Cuatro amigos que se conocen desde hace mucho tiempo, aunque cada uno de ellos no lo sabe todo sobre los demás. Cuatro personas que han creado una nueva familia entre ellos donde la amistad y la confianza es, en parte, la moneda de cambio, pero donde la mentira también tiene un lugar propio.

A través de diversas escenas de la vida en pareja y de la vida en común entre los cuatro amigos asistimos a una obra que nos habla de la realidad de la existencia cuando el tiempo ha pasado y sigue pasando, de la cotidianeidad de la experiencia humana, pero no desde la filosofía de la reflexión, sino desde los problemas y los aciertos diarios. Una realidad que, como siempre en la vida, está dominada por el sexo. Por el sexo que tuvieron, por el sexo que tienen y por el sexo que tendrán. Un elemento muy a tener en cuenta cuando el cuerpo ha dejado de tener la flexibilidad, la autonomía y el rigor de antaño y la realidad física es mucho más precaria.

Veremos, pues, como nuestros cuatro personajes se ven afectados por la relación con el otro: por la relación propia de su pareja, por la relación con el resto de la familia, sobre todo los hijos, y, también, por la relación con los amigos. En este planteamiento la sexualidad tendrá un papel primordial. Así pues, el sexo, en este caso maduro, toma el protagonismo, lo que hará escandalizarse, aunque solo sea un poco, a parte del público asistente. Pocas veces se habla de una forma tan clara de la actividad sexual de los que podrían ser, por edad, nuestros padres, e incluso, y espero que no se lo tomen a mal los actores, nuestro abuelos. Se habla de una forma abierta y constante de la sexualidad, pero con una elegancia y una delicadeza extremas, propia, por así decirlo, de una “pequeña y gentil obra maestra”. De una forma, en definitiva, que no debe ni puede herir las sensibilidades del público, de una forma que deja un regusto en la boca, o mejor dicho, en la memoria, que permanece una vez bajado el telón, y que seguro que nos hará pensar en nuestra vida, en nuestro sexo, tengamos la edad que tengamos, en nuestro periplo vital y en las personas que nos acompañan en él.

Pero no solo se habla de sexo en Pasta fullada. Ni mucho menos. Se habla de la amistad, de los proyectos vitales, de la insatisfacción, de la comunicación entre las personas, de la vejez, o de la aproximación a ella, de los deseos y también de los deseos ocultos, los que nos hacen remover las tripas y nos obligan a actuar, en parte, tal y como actuamos. De la energía que nos hace levantar cada mañana alrededor de las 6:00 a.m para ir a trabajar y que nos hace irnos a dormir a las 1:00 a.m. cada noche después de cerrar un nuevo capítulo de nuestra existencia.

Poco se puede decir de los intérpretes, Margarida Minguillon, Carme Sansa, Josep Minguell y Carles Sales, cuatro actores de sobra conocidos por todos y que han desarrollado su trayectoria profesional en diversos sectores de la cultura y el entretenimiento, televisión, teatro, cine… La elegancia, y vuelvo a repetir la palabra elegancia, con la que estos actores nos transmiten la vida escrita sobre papel y dirigida por Ever Blanchet y Òscar Molina respectivamente, es extraordinaria. Unos personajes que cobran vida y se desarrollan a expensas y fuera del texto en la mente y el corazón de los espectadores, que, sin duda, se los han de hacer suyos, convirtiéndolos en amigos y familiares, en conocidos propios.

Una obra que habla de la amistad, de la evolución del amor a lo largo del tiempo, del sexo y de las personas que nos acompañan a través del dilatado recorrido vital, de la obra de teatro que cada uno de nosotros escribimos con nuestro trabajo, con nuestra familia, con nuestros deseos, con nuestros éxitos y fracasos y con todo lo bueno y lo malo que, en definitiva, nos hace ser lo que somos.

Pasta Fullada” se representa en el Teatre Gaudí Barcelona hasta el próximo 19 de diciembre de 2010..

Autor: Ever Blanchet
Director: Òscar Molina
Intérpretes: Carmen Sansa, Carles Sales, Josep Minguell y Margarida Minguillón

Horarios: De jueves a sábado a las 20:45 horas y domingo a las 19:30 horas.
Precio: 18 €.
Idioma: catalán.
Duración de la obra: 90 minutos.

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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Estreno teatral: La nit de les Tríbades, en la Nau Ivanow

La Nau Ivanow estrena el próximo 25 de noviembre La nit de les Tríbades, la segunda aventura de la compañía Teatre Portàtil, una adaptación teatro-audiovisual de una obra de Per Olov Enquist que dramatiza la vida del autor teatral August Strindberg.
El episodio describe el reencuentro entre el dramaturgo y su ex mujer, Siri von Essen, para el ensayo de una obra de teatro, el monólogo La más fuerte, y de las tensiones que surgen entre los dos a raíz de la presencia en el ensayo de María, la amante de Siri.

La compañía Teatre Portàtil nace cuando un escenógrafo (Martí), un actor (Jon) y un director (Ferran) en el año 2008 decidieron unir esfuerzos para trabajar en un proyecto propio y sacar adelante su sueño. Novecento fue el primer proyecto de la compañía. Plantearon el monólogo de Alessandro Baricco para realizarlo en los pisos, patios y azoteas de Barcelona. Esta propuesta les llevó a más de 50 espacios de Barcelona, desde jardines señoriales a porterías del Clot, pasando por el vestíbulo de Sala Beckett, asociaciones, escuelas de música o simples comedores, hasta llegar a presentar su trabajo a la Scuola Holden, que dirige el mismo Alessandro Baricco en Turín.

Con La nit de les Tríbades la compañía Teatre Portàtil quiere estudiar y experimentar con las posibilidades (dramatúrgicas, interpretativas, técnicas) de la edición en directo de una obra de teatro. Filmar, realizar y proyectar en directo una obra de teatro. Proponen, pues, un espacio de representación convencional, tres cámaras en directo, un realizador… y una pantalla de proyección entre el público y los actores. Los espectadores asisten a una representación teatral donde los actores actúan detrás de una cuarta pared real sobre la que se proyecta la filmación de lo que está pasando detrás de la pantalla. No se trata sólo de filmar una obra de teatro (a pesar de que también es eso), y es algo más que hacer cine en directo (a pesar de que conseguirlo ya sería un éxito). Quieren explorar un lenguaje intermedio, híbrido, y poner al público ante un acontecimiento audiovisual en directo, ofreciéndoles una pieza de repertorio, La nit de les Tríbades, de Per Olov Enquist. ¿Narración teatral o narración audiovisual? ¿Cine o teatro?

La nit de les Tríbades” se representará en la Sala Andy Warhol de la Nau Ivanow del 25 al 28 de noviembre de 2010.

Autor: Per Olov Enquist
Dirección: Ferran Utzet
Intérpretes: Jonatan del Vas, Fiona Rycroft, Eva Parets y Melcior Casals
Escenografía y atrezo: Martí Baltà
Vestuario: Marta Sancho
Dramaturgia: Joan Yago
Audiovisual: Marc Tardiu
Compañía: Teatre Portàtil

Horarios: De jueves a sábado a las 21:15 horas y los domingos a las 19:15 horas.
Precio: 12 €; Amigos de la Nau Ivanow 10 €.