Crítica teatral: Copacabana, a la Biblioteca de Catalunya.

“No juguis amb el menjar”, ens deia la mare a casa quan érem petits. Doncs precisament això, jugar amb el menjar, i també amb els espectadors, és el que fan els tres intèrprets de Copacabana, uns estrambòtics cuiners que s’esforcen per elaborar un menú ben especial als seus clients, amb l’humor com a ingredient principal de la recepta, en un eclèctic show estrenat a la Biblioteca de Catalunya el passat 4 de novembre.

Per a aquesta ocasió, la Biblioteca de Catalunya s’ha transformat en un restaurant, però no un de qualsevol: allà s’hi ha establert tres peculiars cuiners, descendents del prestigiós xef de l’antic circ Bimil, però sense gaire fortuna, ja que no hi entra mai ningú a menjar. Aquest fet fa que el desànim s’apoderi d’ells, les seves il·lusions i projectes s’esvaeixen, així que deixen de preocupar-se de la neteja i el manteniment del restaurant fins a permetre que es torni un lloc rònec i decrèpit. Una nit, però, s’hi presenta un nombrós grup de clients, tota una sorpresa pels joves cuiners que, malgrat no tenir res per a oferir als visitants, faran mans i mànigues per aconseguir que tots marxin mitjanament sopats i amb la satisfacció d’haver assistit a una experiència única.

Copacabana és un espectacle inclassificable, en ell convergeixen gairebé totes les arts que podríem trobar al desaparegut circ Bimil però des d’un punt de vista més d’estar per casa, hi ha des de números de cabaret i revista en petit format fins a mim, passant per divertits gags on les ombres xineses ens mostren una dama força peluda, bell canto o una simpàtica referència a La dama y el vagabundo, fins i tot ens trobarem un circ minimalista on una ceba realitza les funcions de mestre de cerimònia, i tot això mentre els tres xefs, uns sapastres amb pentinats impossibles que desafien la llei de la gravetat, improvisen un particular menú amb tot allò que troben per la vella cuina: crispetes, verdures, espagueti i copa de xocolata salada, un tiberi comestible malgrat el seu aspecte, que només deixarà satisfet als comensals que siguin menys exigents.

Aquest és un espectacle benintencionat que compensa amb originalitat i imaginació els pocs mitjans dels quals disposen, i és de justícia reconèixer el gran mèrit que té aquest fet, però el cert és que els diferents gags que ens proposen són una mica irregulars, fent que la funció resulti a estones divertida, però no tant com a priori un podia imaginar: aquesta és una obra basada en essència en el teatre gestual, sense diàlegs, fet que al principi descol·loca una mica a l’espectador més convencional, que de seguida es veu obligat a canviar el xip; a més, el secret de la seva comicitat radica, gairebé en exclusiva, en la interacció dels actors amb el públic, i fer d’això l’eix principal d’un show és tot un risc, ja que no tothom accepta col·laborar fàcilment en aquests tipus d’espectacles, ni per descomptat cap de nosaltres té prou talent per seguir el joc dels cambrers. Sigui com sigui, els tres actors, una mica histriònics i amb una innocència gairebé infantil, ofereixen un ampli ventall de registres (uns playbacks ben aconseguits, juguen a donar vida als productes del sopar, utilitzen el seu cos com a principal eina de comunicació) que no permeten que el públic s’avorreixi, aconseguint que tots els espectadors acabin col·laborant en cada funció.

En definitiva, si vostè vol gaudir d’un menú humorístic ben especial, si gaudeix interactuant en el teatre i vol veure un espectacle que s’allunya dels clixés habituals del que és una típica funció de teatre, Copacabana és l’obra que estava esperant.

Copacabana” es representa a la Biblioteca de Catalunya fins el 5 de desembre de 2010.

Direcció: Sergi Ots
Intèrprets: Natàlia Méndez, Emilie De Lemos i Sergi Ots
Guió: Emilie De Lemos i Sergi Ots
Coreografia: Sheila Ferrer
Escenografia: Jordi Dorado
Vestuari: Espe Pascual
So: Erin Ruiz
Il·luminació: Quim Aragó y Francis Baena
Efectes especials: Marcos Díaz

Horari: dimecres i dijous, a les 21 h; divendres i dissabte, a les 20 h i a les 23 h; diumenge, a les 19 h
Precio: 18 €
Durada de l’obra: 90 minuts

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Escrit per: Robert Martínez Colome

Estreno teatral: La resclosa, en la Nau Ivanow.

La Sala Ivanow presenta la primera obra de la compañía Arenal Teatre, La resclosa, un drama sobre la cárcel, las presidiarias y sobre la vida perdida en el interior de un recinto penitenciario.

Ha pasado 16 años en la cárcel. Ha sufrido el cierre, la soledad, el deterioro de su cuerpo, la pérdida de su feminidad, la impotencia, la humillación…
Mañana será el día de su liberación. ¿Qué le espera, fuera?
Hoy recibe un telegrama anunciándole la muerte de su madre. La última persona que la quería, la única que podía apoyarle y devolverle la confianza perdida, acababa de desaparecer.
Está en la celda de las liberadas, una esclusa, aquel espacio entremedias, entre el ayer y el mañana, entre el interior y el exterior, entre el encarcelamiento y la libertad.
Imposible dormir. Tiene tanto miedo. Para luchar contra la ansiedad, libera las palabras. Se desencadenan los recuerdos: el tribunal, el viaje a la prisión, el aislamiento, la jerarquía, las compañeras, las visitas de sus hijos…
Surgen las emociones: la culpabilidad, la impotencia, el odio, la ternura, los deseos, los desencantos, la resignación, los remordimientos, las frustraciones, los miedos.
Pronto todos aquellos años quedarán atrás, cerrados, “en el depósito”.
“Pronto será re-lanzada a un lugar que ya no le pertenece, que continuó viviendo sin ella, que no la esperó y que, seguro, no la necesita”.

Michel Azama estudia literatura moderna y se forma como actor en la Escuela Internacional de Jacques Lecoq. Ha sido autor asociado al Centro Dramático Nacional de Dijon y fundador y redactor en jefe de Cahiers de Prospéro. Fue presidente de la asociación de escritores de teatro (EAT), catedrático de Literatura moderna y teatro, e inspector académico a la Academia de Caen hasta junio del 2010. Sus obras han sido traducidas a más de quince idiomas y representadas en todo el mundo.

Llega a Éditions Théâtrales, donde ya se puede ver su afán de universalidad y la exigencia política. Militando y comprometido con la causa de los autores de teatro, ha desarrollado una obra abierta sobre el mundo, sin tabúes, en la cual, de forma a menudo dialogada, se abre camino al margen de la familia y del individuo, revisitando los mitos y las creencias comunes.

La compañía Arenal Teatro arranca de la mano de Robert Torres, Montse Alcoverro y Óscar Barberán. Es el inicio de un nuevo equipo que, a pesar de tener una larga vida profesional en paralelo, han decidido unir las fuerzas para crearla y poner en marcha esta cruzada con La Resclosa como primer hijo.

La Resclosa” se representa en la Nau Ivanow del 5 al 28 de noviembre de 2010.

Dirección y adaptación: Robert Torres
Traducción: Ferran Lahoz
Actriz: Montse Alcoverro
Escenografía: Llorenç Corbella
Diseño luces: Maria Domènec
Vestuario: Mariel Soria
Espacio sonoro: Bárbara Granados
Espacio visual: Robert Torres
Coreografía: Noelia Liñana

Horarios: De miércoles a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas.
Precio: 18 €; Amigos de la Nau, 15 €.
Idioma: catalán.
Duración de la obra: 70 minutos.

Próxima inauguración de la Sala Atrium en Barcelona

Nace en Barcelona la Sala Atrium, un nuevo espacio polivalente para la exhibición de las artes escénicas en Barcelona. El sello distintivo de su programación será el teatro de texto de pequeño formato, clásico y contemporáneo, y arrancará la nueva temporada con cuatro producciones propias.

El próximo mes de enero se incorporará al mapa de teatros de la capital catalana un nuevo espacio polivalente de pequeño formato, Sala Atrium, ubicada en el Eixample barcelonés (Consell de Cent, 435) y en la cual convivirán estudio, creación, producción y exhibición de espectáculos de teatro, danza, música y audiovisuales.

Por el tratamiento del proceso artístico completo, desde la creación hasta la exhibición, y por su oferta formativa estable a nivel superior ligada a Atrium Estudio, la nueva sala quiere cubrir un vacío en el mapa teatral de Barcelona, que no cuenta con centros profesionalizados que ofrezcan cursos de posgraduados y de reciclaje para profesionales del sector ligado a una sala con una programación estable de espectáculos.

Su línea de programación artística combinará fundamentalmente propuestas de autores clásicos, revisadas, y obras de dramaturgos actuales. La primera temporada arrancará con cuatro producciones propias: A porta tancada, de Sartre, con dirección de Raimon Molins; Hamlet …, de Jules Laforgue y dirección de Jordi Prat i Coll; Himmelberg, de Juan Mayorga, con dirección de Raimon Molins y Jaz de Koffi Kwahulé. Se completará con ejemplos de las otras líneas de actuación: teatro familiar, grupo residente de música de cámara, algunos espectáculos de danza, talleres y cursos.

El teatro Atrium está impulsado por Raimon Molins, coordinador general del proyecto; Carles Duran, jefe de marketing y publicidad; Mireia Trias, producción; Patricia Mendoza, adjunta a la dirección y responsable de las relaciones con los ‘Amics d’Atrium’.

La sala quiere consolidarse como referente cultural del barrio y arraigarse en la comunidad en la cual se ubica, con acciones de proximidad y fidelización de públicos, canalizados mediante los ‘Amics d’Atrium’. Sus precios al público irán de 12 a 18 €.

El proyecto Atrium, una iniciativa compleja, ambiciosa e integral alrededor de las artes escénicas y la gestión cultural, se consolida con la apertura de esta sala en la nueva temporada escénica 2010 – 2011, completando los cuatro ejes que la conforman:

  • Formación: Atrium Estudi. Escuela de posgrado y entrenamiento de actores, con una larga y consolidada trayectoria.
  • Servicios: Atrium Produccions. Producción y gestión ejecutiva de espectáculos y proyectos escénicos.
  • Producción propia: Companyía Projecte Atrium, que será el vértice de la programación de la nueva sala
  • Sala Atrium: un espacio estable de producción, creación y exhibición de las producciones propias y compañías residentes o invitadas.

Sala Atrium es un espacio de pequeño formato, polivalente, para unos 70-80 espectadores, con un equipamiento técnico ajustado a las necesidades y un reducido equipo de gestión. Abrirá de forma estable al público y con una programación centrada en:

Producciones propias de la Compañía Atrium, a ritmo de dos o tres espectáculos por temporada
Compañías invitadas de teatro
Programación musical, de pequeño formato, propuestas del grupo de cámara residente
Programación familiar estable, y con una compañía estable residente
Danza contemporánea y de pequeño formato

Estudio Atrium:
Exhibición de talleres y trabajos finales de los cursos de perfeccionamiento
Clases Magistrales y trabajos finales con acceso para el público

Más información: http://www.atrium.cat/

Crítica televisiva: Hispania, la leyenda. Capítulo cuarto, El rescate de Bárbara.

Un nuevo capítulo de la serie Hispania la leyenda, y sin duda el más dramático de los cuatro que ha emitido Antena 3. Una entrega que se ha centrado en la represalias tomadas por Galba contra la familia de Viriato y que ha llevado a un desenlace inesperado. Pero hagamos un poco de resumen:

El capítulo emitido el pasado miércoles y titulado El rescate de Bárbara ha dado comienzo con otro fracaso romano, y de los importantes: la pérdida de la soldada, de la paga de los legionarios, de nuevo a manos de los rebeldes de Viriato. Galba, cada vez más enojado con los constantes errores de su legado Marco, decide, nuevamente, tomar represalias en el poblado lusitano, pero esta vez con un carácter más personalizado: la recriminación a Teodoro sobre las amistades de su hija Helena (con Viriato) y el pago de una alta suma de dinero por su vida, y la captura de Bárbara, hermana de Viriato y mujer de su amigo Sandro.

Al mismo tiempo Darío y Paulo han iniciado una expedición por territorio lusitano para sumar más hombres a su causa, lo que les ha hecho hablar con algún jefe de poblado y con grupos de indígenas sobrevivientes de los ataques romanos. Mientras tanto Teodoro amenazado por el propio Galba, ha proseguido su política en el poblado para conseguir hacerse allí con el poder en el Consejo, para lo que no ha dudado en amenazar al jefe de la tribu y padre de Darío.

Una vez resumido, brevemente, el argumento podemos pasar a analizar la historicidad de la trama. Un primer tema a tener en cuenta es el de la soldada de los legionarios. Este era un asunto muy serio que un general en campaña tenía que saber controlar, sobre todo en época imperial, cuando los ejércitos eran profesionales y por lo tanto recibían un salario del Estado. En el periodo en el que está ambientada la serie, en la época republicana anterior, los ejércitos romanos estaban compuestos por ciudadanos, que aunque si que eran pagados con un stipendium, este era considerado como una compensación por sus obligaciones militares más que como un salario. Si bien el botín conseguido durante una campaña militar o tras la toma de una ciudad enemiga contribuía a redondear los “ingresos” de un soldado romano durante el tiempo que éste dedicaba a sus deberes militares. Que no llegará, pues, la soldada, lo que demostraba la poca capacidad del general de turno, en este caso Galba, podía poner a éste en una situación muy problemática, como ya explicamos que podía pasar con lo víveres y la logística, y favorecer las actitudes rebeldes de la soldadesca.

Claudia y sus esclavas

Hemos visto también, las confianzas que Claudia comienza a tomarse con su esclava lusitana Nerea, la prometida de Paulo, lo que nos permite introducir el tema de la sexualidad en el mundo antiguo. En principio podríamos decir que el que un dominus o una domina utilizaran a sus esclavos para obtener placer sexual no era algo inhabitual en Roma, ya que estos últimos eran considerados propiedades obtenidas para el uso y disfrute, si este era el caso, de sus dueños. Además no podemos trasladar los parámetros sexuales impuestos a partir del siglo III y IV d.C. por el cristianismo, que perviven en parte en la actualidad, a una época en la cual los comportamientos morales y sexuales eran más naturales y menos doctrinarios, y donde más que la diversidad y la tipología de los actos y las prácticas sexuales lo que importaba era el rol que el hombre (y la mujer) tomaban en él. Por otra parte, y a no ser que sea por la “publicidad engañosa” de la cadena, no entiendo muy bien la existencia de una escena “censurada” en la que Claudia besa en la boca a Nerea, ya que este momento televisivo comparado con la programación habitual de las cadenas nacionales e internacionales (véase Sálvame, Belén Esteban, y la miasma de personajes y personajillos que nos explican diariamente y en horario infantil inclusive, sus comportamientos mayoritariamente inmorales, sexuales y si me lo permiten, presuntamente aborrecibles) adopta una forma casta e incluso grata a los ojos del que estas líneas escribe.

Darío y Paulo buscan ayuda para su causa

Un comentario especifico haré sobre la escena en la que Galba le explica a su lugarteniente Marco, la información llegada a él de que en Roma se representa una comedia en la cual se mofan del pretor y de su política llevaba a cabo en Hispania. Era muy corriente, al menos en época imperial, e incluso antes, la escenificación en Roma, y en el occidente romano, de comedias y de obras de mimo y de pantomima, donde se podía hacer mofa de de situaciones de la vida cotidiana o los asuntos relevantes del momento e incluso de temas mitológicos. Aunque la comedia y la tragedia, heredadas de Grecia, también tuvieron su espacio en Roma, estas acabarían siendo substituidas por estas obras basadas en la comicidad y que caricaturizaban a personajes y hechos históricos, mitológicos o de la política del momento. Un ejemplo de esto lo podíamos observar en la serie Roma, producida por las cadenas BBC, HBO y la RAI, en la que veíamos como, incluso, Julio César presenciaba una obra de teatro de este tipo.

Por parte indígena también hemos sido testigos de un ritual de observación de los augurios a través del examen de las entrañas de un animal, si no me equivoco de una cabra, después del sacrificio del mismo llevado a cabo por un sacerdote lusitano. Era muy propio del mundo antiguo, sobre todo del mundo etrusco y romano, el interés por la observación de los indicios de la voluntad de los dioses a través del estudio de las entrañas y las vísceras de animales sacrificados, como el ejemplo que vemos en la serie. Un estudio que podía, según se creía en la época (recordemos que una era en el que la ciencia, el conocimiento científico y las explicaciones sobre la naturaleza de las cosas no estaba tan desarrollado como en la actualidad, por lo que existía un espacio ampliamente abierto a las supersticiones y la “magia”), permitía a los sacerdotes obtener información sobre la voluntad de los dioses. Otro tema a tener en cuenta, y mencionado también en el capítulo, es el de los sacrificios humanos, realizados también por el sacerdote rebelde en cuestión. Según nos informa Estrabón, geógrafo e historiador griego de finales del siglo I a.C. e inicios del I d.C., los lusitanos realizaban predicciones a través de la observación de las entrañas de los prisioneros de guerra y de la forma en la que caían los cuerpos al suelo después de ser golpeados por un adivino. Un hecho reseñado pues, correctamente, en la serie, aunque, y como no podía ser de otra forma, este era un ritual religioso no diario y general sino practicado en contadas ocasiones.

Otro elemento que inspira confianza en el devenir de la serie es la actividad de reclutamiento llevada a cabo por Darío y Paulo entre los pueblos lusitanos para conseguir más apoyo en su “pequeña” guerra contra Roma. Como ya dije en un comentario anterior, los cinco rebeldes del grupo de Viriato, son muy pocos para poner en jaque a la maquinaria militar romana. Esperemos que la transformación de Viriato de un simple bandolero a un auténtico rebelde se vaya materializando poco a poco.

Crecen los problemas de Teodoro

Finalmente quiero comentar algo sobre la relación entre Helena y su padre Teodoro. En principio y como regla general hemos de tener en cuenta que en épocas tan remotas las relaciones de autoridad y de poder que se establecían dentro de una familia, ya fuera romana, indígena o de cualquier otra adscripción, eran mucho más estrictas y autoritarias que en la actualidad, donde la libertad de comportamiento y de consciencia está, a veces por desgracia, ampliamente consolidadas. El padre tenía pleno poder sobre todos aquellos que estaban bajo su autoridad familiar, llegando incluso a poder decidir, en las épocas más remotas, sobre la vida y la muerte de los miembros de la misma, autoridad esta que se fue debilitando con el paso del tiempo, al menos en el mundo romano, aunque no llegó, ni mucho menos, a mostrar las amplias libertades que conocemos en la actualidad. Por eso la actitud de Helena, la hija de un aristócrata lusitano,  ante su padre y sobre todo, en referencia a su boda con Alejo, negándose incluso en algún momento a la materialización de su enlace matrimonial, me parecen muy alejadas de la realidad histórica, algo, que, como era de temer, no era el objetivo de la serie, que actualiza y “presentiza” unas relaciones y comportamientos sociales (léase Paulo) que reflejan más a la sociedad actual que a la lusitana que pretende representar.

Pues nada más por hoy, tendremos que esperar a ver un nuevo episodio de la serie, para seguir “aprendiendo” algo más sobre la historia de España (Hispania) y la de Roma.

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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Estreno teatral: El último tren, en el Teatre del Raval.

El Teatre del Raval estrena hoy la obra El último tren, un análisis de la adolescencia y de los sueños y fracasos de los jóvenes, presentado en la 15ª Mostra de Teatre de Barcelona.
Dos adolescentes pierden el último tren que pretendían coger el día en que se escapan de casa. Eso les conlleva a esperar en la estación toda la noche a que salga el primer tren de la mañana. En la espera conocerán a otro peculiar adolescente y juntos harán lo que sea para matar el tiempo.

El último tren es un pequeño espectáculo que transcurre en una estación muerta de cualquier lugar. El cowboy solitario es una de las referencias masculinas que se dan en la adolescencia como mito de madurez y aventura. Escapar, cambiar el destino y vivir de otra manera, es temporalmente la obsesión de estos tres neuróticos que sueñan con tiempos mejores, mientras se debaten entre el niño y el adulto.

El Último tren es un proyecto que durante años Compañía Nocturna estuvo intentando traer a escena, pero tenía una dificultad, era imprescindible que los actores fueran adolescentes. No ha sido hasta ahora, una vez realizado el casting adecuado, que se ha podido llevar a cabo.

Se trata de un montaje sencillo de pequeño formato. Una historia de adolescentes que queríamos que fueran actores de la misma edad de los personajes los que pudieran hacer los papeles. Esto ha sido posible gracias al proyecto Compañía Nocturna – Formació escènica. El proyecto nació hace tres años a partir de la experiencia de un grupo de profesores de teatro, que tras trabajar unos años para escuelas, centros cívicos y empresas decidieron emprender la aventura de crear una propuesta diferente dónde la especialización en las artes escénicas tuviera un lugar básico en las escuelas.

La Compañía Nocturna se dedica a crear espectáculos y proyectos dónde las artes escénicas son una fuente de servicios, difusión y aprendizaje.

El último tren” se representa en el Teatre del Raval del 11 al 20 de noviembre de 2010.

Autor: Isaac Badia
Dirección: Isaac Badia
Intérpretes: Sergi Manel Alonso, David Polo y Javi Rodríguez
Música: Claude Boling
Producción: Compañía Nocturna

Horarios: De jueves a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:30 horas.
Precio: Jueves 16 €; viernes, sábados y domingos 18 €.
Idioma: castellano
Duración de la obra: 1 hora

Estreno teatral: Federico de Paseo, drama fotográfico, en el Brossa Espai Escènic

El Brossa Espai Escènic estrena el próximo miércoles 10 de noviembre Federico de Paseo, drama fotográfico, una investigación dentro del universo más contemporáneo y desconocido de Federico García Lorca, centrado en las relaciones amorosas vistas desde una perspectiva marcadamente trágica y surrealista.
Se trata de un compendio de escenas teatrales y textos poéticos de uno de los autores más relevantes y reconocidos de las letras castellanas y, sin duda, de toda la literatura europea y universal.

Un espectáculo enfocado desde una perspectiva cómica pero profundamente trágica. Un universo de personajes que transitan en el amor y que, al mismo tiempo, intentan escapar. Personajes destinados a vivir el sufrimiento de las pasiones humanas en su vertiente más críptica y oscura.

El hilo conductor se convierte en esta idea del sueño, de la imaginación como huida, ligada tan íntimamente con las vanguardias. Una especie de escapada onírica de la cruda realidad, una huida del realismo hacia el surrealismo. Eso es lo que Corcada Teatre lleva a escena: un espectáculo esencialmente y marcadamente teatral pero próximo a la estética fotográfica y cinematográfica que el autor tanto buscaba. En definitiva, una serie de fotografías que, unidas, configuran una película tridimensional.

FEDERICO DE PASEO
, drama fotográfico es
Un recorrido entre los paisajes lorquianos más desconocidos.
Un paseo de ida y vuelta entre la persona y el mito, entre el texto biográfico y la poesía,
entre la realidad y la ficción, entre el poeta y los personajes.
Una comedia trágica interpretada por Eros y Tánatos.
Un drama fotográfico.
Un paseo no cronológico y no causal con el Lorca esencial, íntimo y vanguardista.
Un autorretrato desenfocado.
Un viaje a la Luna. ¡”Pero no la luna! Los insectos, los insectos solos, crepitantes, mordientes, estremecidos, agrupados, y la luna…”.
Una ojeada curiosa en un álbum fotográfico compuesto por escenas teatrales pertenecientes a su teatro inacabado y a sus obras autonombradas “teatro imposible”, por poemas de su poesía más personal y radical (Canciones 1921-1924, Poeta en Nueva York, etc.), y por fragmentos de su producción epistolar.
Una serie de fotografías que, unidas, configuran una película tridimensional.

Corcada es una compañía teatral que dedica sus esfuerzos a la creación de espectáculos multidisciplinares a partir de la escenificación de materiales teatrales, poéticos, musicales, etc. Fundada al principio del año 2006, Corcada ha invertido todos sus esfuerzos al consolidarse como una compañía que apuesta por la producción de espectáculos de creación propia y propone una línea de trabajo atrevida y de calidad y una creación de lenguaje propio.

Corcada, hasta ahora, ha trabajado principalmente sobre los parámetros del teatro de pequeño y medio formado a partir de la adaptación de la obra de grandes autores de la literatura catalana y universal, como Blai Bonet, Miquel Bauçà, Federico García Lorca, Maurice Maeterlinck, Fernando Pessoa, o Guillem d’Efak, entre otros.

Federico de paseo. Drama fotográfico“se representará en el Brossa Espai Escènic del 10 al 28 de noviembre de 2010.

Dramaturgia y dirección: Joan Fullana y Xavier Martínez (a partir de textos de Federico García Lorca)
Intérpretes: Cinta Moreno, Pablo Rosal y Pau Sastre
Videoproyección: Toni Matamalas
Música: Gori Matas
Escenografía: Joana Martí
Vestuario: Joana Martí i Giulia Grumi
Iluminación: Joan Fullana
Producción: Corcada Teatre

Horarios: De miércoles a sábado a las 21:00 horas y los domingos a las 19:00 horas.
Precio: 16 €; día del espectador 9 €.
Idioma: castellano.
Duración del espectáculo: 90 minutos.

Recital poético: Entre bellesa i dolor. Recital de la darrera poesia de Lluís Solà, en el Brossa Espai Escènic

El próximo día 23 de noviembre el Brossa Espai Escènic acogerá la segunda velada de presentación del IV volumen de la obra poética de Lluís Solà, Entre bellesa i dolor.

El acto estará presentado, en esta segunda ocasión, por Sam Abrams, y continuará con un recital poético a cargo de Mercè Managuerra, Gemma Reguant y el mismo Lluís Solà, acompañados de la flautista Mercè Miró.

Quizás, al fin y al cabo, lo que intentan anunciar los poemas reunidos en el libro Entre bellesa i dolor es sólo que la belleza no está únicamente en objetos de proporciones afables o en algunos elementos de la naturaleza. Anuncian que no es así ni mucho menos. La existencia, el hecho de existir ya es una cosa inconmensurablemente, inexplicablemente bella. Existir, ser contiene una belleza que sobrepasa cualquier belleza, natural o artificial. Existir, ser contiene e impregna cualquier belleza que exista o que pueda existir y las desborda continuamente. Pero la existencia, en la condición humana, comporta también, inevitablemente, dolor. Belleza y dolor, pues, son constituyentes de nuestra condición, de nuestra situación. Pero no tenemos que aspirar al dolor. Tenemos que aspirar, a pesar de todo y contra todo, al gozo y a la belleza incontenible de la existencia.

Lluís Solà (1940) ha publicado este año Entre bellesa i dolor, el IV volumen de obra poética, al cual pertenecen los textos del recital. Es director de la revista de poesía “Reduccions“, ha escrito diversos textos de reflexión literaria y teatral, ha traducido obras de Kafka, Becket, Pessoa, Handke. Es autor de obras de teatro y ha dirigido textos teatrales clásicos y contemporáneos.

Entre bellesa i dolor. Recital de la darrera poesia de Lluís Solà” se celebrará en el Brossa Espai Escènic el próximo 23 de noviembre de 2010.

Recitan: Lluís Solà, Mercè Managuerra y Gemma Reguant
Presenta: Sam Abrams
Música a cargo de la flautista Mercè Miró

Horario:
21:00 horas.
Precio: Entrada gratuita

Crítica televisiva: The Walking Dead, piloto, en el canal Fox

Carátula de la serie

Rick Grimes, policía herido en acto de servicio, se despierta en un hospital desierto para descubrir que el mundo se ha vuelto loco y que los muertos caminan por las calles deseosos de comerse a cualquier ser vivo que se cruce en su camino. Su objetivo principal: localizar a su mujer y a su hijo, supuestamente refugiados en Atlanta. Grosso modo, esta sinopsis resume el planteamiento inicial de “The Walking Dead”, el aclamado cómic creado por Robert Kirkman junto a Tony Moore y Charlie Adlard que ahora podemos volver a disfrutar esta vez en forma de serie televisiva.

Los protagonistas

La serie, presupuestos holgados aparte, destila un cariño evidente en realizar una adaptación digna, que este a la altura del material original. Como cualquier otra adaptación,  la serie cambia / reinventa (táchese lo que no proceda) algunas situaciones sin traicionar en ningún momento la esencia del cómic. El primer capítulo, estrenado, muy acertadamente, el día de Halloween, me pareció fantástico, destacando la cuidada ambientación, un maquillaje efectivo (obra del especialista Greg Nicotero), y, por encima de todo, la gran historia que nos cuenta. Frank Darabont, showrunner de la serie y director de corte clásico (véase “Cadena Perpetua”, “La Milla Verde” o “The Majestic”), dirige con buen pulso este primer episodio y nos ofrece una historia pausada, de pocos personajes, de primeras sensaciones, que sirve como introducción para situarnos en el universo creado por Kirkman. Habrá espectadores que ante el ritmo lento de la narración y esperando hordas de zombies a cada momento se sientan decepcionados.  A los espectadores impacientes sólo puedo decirles que lo mejor aún está por venir. “The Walking Dead” no es una serie de terror al uso. Los zombies son una excusa (perfecta) para hablar de las miserias de un grupo de supervivientes, relatando su día a día en este nuevo mundo donde encariñarse con cualquier personaje es una temeridad porque, como ha comentado alguna vez el propio Kirkman, ninguno de ellos tiene el futuro asegurado.

Altamente recomendable.

A destacar: los bemoles de AMC, la cadena de televisión USA que produce la serie, que ha dado luz verde a un proyecto que tiene la firme intención de ser fiel al original, detalles escabrosos incluidos.

A olvidar: nada (por ahora).

Si tienes tiempo libre: y aún no sigues la serie de cómic, ya tardas en comprarte los 12 volúmenes editados.
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Escrito por: Nexus6cat

Estreno teatral: Un home amb ulleres de pasta, en la Sala FlyHard

La sala FlyHard estrena instalaciones y espectáculo, Un home amb ulleres de pasta, la nueva creación de Jordi Casanovas que analiza los sueños, los triunfos y los fracasos vitales y la pérdida de las aspiraciones y las ilusiones en la juventud.

Aina tiene treinta años y sueña ser escritora, pero no se atreve. Acaba de ser abandonada por su pareja. Laia y Òscar la quieren animar para que aproveche la oportunidad y haga realidad sueños que había aparcado: Escribir. Llevarán a cenar a casa de Aina a Marcos. El poeta capaz de enamorar con unos versos. Marcos, sin embargo, no se satisface con una cena llena de conversaciones banales, exige alimento espiritual. Actúa como un depredador. Aina, Laia y Òscar ven cómo se desmontan sus vidas. Ellos son frágiles, se han perdido en la apatía contemporánea, se han ahogado en la duda y ÉL se aprovecha.

 

Un home amb ulleres de pasta es la recuperación de uno de los temas preferidos de la compañía, las ganas de realizarse creativamente de una generación y el enaltecimiento de los falsos artistas dentro de nuestra Barcelona moderna. Un home am bulleres de pasta es una comedia generacional que desemboca de manera sorprendente en una historia de terror.

La sala FlyHard ya tiene previsto para este año la programación de otros montajes del mismo Jordi Casanovas, de Alberto Ramos y de Cristina Clemente y esta abierta a colaborar con otros espacios para tratar de difundir y estrenar textos contemporáneos catalanes y también clásicos catalanes poco habituales en la cartelera. La sala también ofrecerá lecturas dramatizadas de textos acabados inéditos durante esta temporada. La sala FlyHard es un paso más en el camino de reivindicar espacios de autoría local. Los textos representados en la sala que no estén publicados serán editados por la compañía para facilitar todavía más la difusión.

Un home amb les ulleres de pasta” se representa en la Sala FlyHard desde el 15 de octubre al 6 de diciembre de 2010.

Dramaturgia, dirección y espacio escénico: Jordi Casanovas
Intérpretes: Roser Blanch, Clara Cols, Pablo Lammers y Sergio Matamala.
Caracterización: Lorena Moró
Fotografía: Roser Blanch
Escenografía: Jordi Casanovas
Ayudante de producción: Marina Fita
Producción: FlyHard Produccions

Horarios: Lunes y viernes a las 21:00 horas y sábados a las 22:30 horas.
Precio: 5 €.

Idioma: catalán
Duración del espectáculo: 90 minutos

Para más información: http://www.flyhard.org/

Crítica teatral: La muerte es lo de menos, en el Teatre del Raval

El pasado 27 de octubre y dentro de la 15ª Mostra de Teatre de Barcelona se representó la obra La Muerte es lo de menos. Esta pieza teatral ha sido seleccionada entre más de ochenta. De hecho sólo dieciocho se representan durante este mes de octubre y hasta el 4 de noviembre en el Teatro del Raval en Barcelona.
La historia: Cinco personas muertas están esperando en un lugar no muy definido a ver que es lo que les pasa a continuación. Son una pareja, el amante de esta, el vecino y a la postre la Médium que intentaba contactar con ellos.

Al principio el enésimo “están todos muertos” puede llevar a no tener ganas de ver “la muerte es lo de menos”. Craso error porque esta es tan sólo la premisa inicial, como su título indica, para un espectáculo que provoca bastantes risas. Los cinco artistas actúan bien. Con la pareja mal avenida y su amante, para más inri argentino, se crean situaciones de comedia. Atención al logrado efecto compenetración. El vecino apocado, tímido y algo enfermo está muy bien representado. La médium que lo es medio si, medio no, con sus teorías, leyes dispares y disparatadas, intenta con tropezones averiguar que pasará…

La obra examina las relaciones humanas, claro esta, que parece que continúan una vez muertos, pero lo mejor de la función es que se tratan en clave de humor las apariciones, las posesiones (por cierto muy bien interpretada, fuera del contexto del teatro hasta podía dar miedo y todo), los exorcismos (desternillante parte), la Iglesia y el adonde mandamos a los muertos.

Un acierto el programa de TV que se integra perfectamente en la historia y el decorado. Una obra para descubrir a los nuevos valores que “se cuecen” en la cultura teatral.

La muerte es lo de menos” se representó el pasado 27 de octubre en el Teatre del Raval en el marco de la 15ª Mostra de Teatre de Barcelona.

Autora: Denise Despeyroux
Dirección: Denise Despeyroux
Intérpretes: Marta Bernal, Gloria Martínez, Pep Garcia, Rodrigo Cornejo e Iñigo Aranburu
Escenografía: Elisa Mori
Técnico: David Amengual
Producción: Teatro a la Intemperie

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