En total, 34 conciertos de artistas de la talla de James Blunt, Simply Red, Rosario, Blaumut, Jehtro Tull, Diego El Cigala, Andrés Calamaro, Patti Smith, Els Amics de les Arts, Raphael, Nile Rodgers & CHIC, Madness, Tom Jones, A-HA, LP, The Beach Boys, Jorge Drexler, Crowded House, IL Divo – Tributo a Carlos Marín, Pablo Alborán, Alan Parsons, Agnes Obel, Paul Anka, George Benson, Juanes, Loquillo, Yann Tiersen, Kool & The Gang, Jessie J, Gilberto Gil, Ben Harper, Diana Krall y Crystal Fighters.
Os dejamos, aquí, el cartel del Festival. Una propuesta que no puede faltar en el caluroso verano de la ciudad condal.
Hoy os presentamos en Culturalia Hollywood contra España de Esteban Vicente Boisseau, un interesante análisis de la imagen que Hollywood ha dado de nuestro país a lo largo de su historia, sumándose, de esta forma, a la legendaria y fraudulenta Leyenda Negra.
El cine bélico surgió en 1898 con motivo de la guerra que Estados Unidos provocó contra España. La prensa, los cineastas y los políticos justificaron esa agresión recurriendo a los clichés de la Leyenda Negra, que ha sido utilizada por Hollywood y el cine británico para perpetuar la vindicación de los continuos ataques anglosajones a España durante siglos para arrebatarle dominios y riquezas.
Hollywood contra España profundiza en esa utilización «negroleyendista» de la imagen, desde los grabados del siglo xvi hasta las películas de cine y televisión, los documentales, los cómics o los videojuegos. Grandes éxitos de compañías de Hollywood, como Disney, incluyen estereotipos sobre España tales como conquistadores, inquisidores, galeones atacados por piratas, la fiesta, el flamenco y los toros. Es recurrente la imagen de una España católica, fanática, cruel y atrasada cultural y científicamente que se contrapone al mundo anglosajón, al francés, al flamenco, a los judíos, a Al-Ándalus y a las civilizaciones indígenas americanas, menoscabando sistemáticamente los éxitos de la ciencia española, la amplia actividad protectora de la Corona de España y de la Iglesia en favor de los indios o el importante papel hispano en la lucha por la independencia de las colonias angloamericanas y para derrotar a los ejércitos napoleónicos.
Escena de El Cid (1961)
Ese enfoque antihispano repleto de lugares comunes ha sido difundido en célebres sagas fílmicas como Indiana Jones, Piratas del Caribe, Misión Imposible y Harry Potter, en famosas franquicias de videojuegos trasladadas al cine como Tomb Raider, Assassin’s Creed y Uncharted y en populares series televisivas como Los Simpson. Y lo más grave es que todavía pervive en muchas naciones y en una parte de la sociedad española.
Esteban Vicente Boisseau estudió en el Liceo Francés en Barcelona y Valencia y luego en la Universidad de París II, donde se licenció en Derecho Internacional y Europeo, obtuvo un Diploma de Estudios Avanzados (DEA) en Derecho Comunitario y se doctoró con una tesis sobre el foralismo y la subsidiariedad en España desde el Antiguo Régimen hasta el Tratado de Maastricht. Obtuvo un máster de Historia Contemporánea en la UNED de Madrid con el estudio «La imagen de la presencia de España en América (1492-1898) en el cine británico y estadounidense», que fue distinguido con el Premio Defensa de Trabajos de Estudio e Investigación de 2018. Hollywood contra España es su primer libro.
Título:Hollywood contra España. Cien años perpetuando la Leyenda Negra Autor: Esteban Vicente Boisseau Editorial: Espasa Colección: No Ficción Temática: Actualidad Presentación: Rústica con solapas 15 x 23 cm. / Epub 2 Número de páginas: 520 Fecha de publicación: 01/06/2022 Idioma: Español ISBN: 978-84-670-6599-2 Precio: • Rústica con solapas: 21,90€ • eBook2: 8,99€
Un musical de Broadway siempre es un musical de Broadway, y cuando uno de sus artífices es Stephen Sondheim, lo es aún más. Y por suerte el pasado mes de mayo Company llegó al teatro Apolo de Barcelona de la mano del Soho CaixaBankde Antonio Banderas.
«¿Es mejor vivir soltero o en compañía? Esta es la pregunta que se hace Bobby el día de su cumpleaños, mientras sus mejores amigos le preparan una fiesta sorpresa que no lo es tanto. Bobby siempre ha sido un soltero de oro y no le faltan oportunidades para casarse, pero hasta ahora no se ha atrevido a dar el paso definitivo. ¿Acaso es demasiado tarde? ¿Existe un tiempo límite para encontrar la felicidad? A lo largo de una serie de encuentros cómicos y melancólicos con las parejas que le rodean en su ámbito más cercano y con las tres mujeres con las que suele salir, Bobby reflexionará sobre los pros y los contras de asentar una relación».
Company es un musical completo en el que no falta de nada. La música de Sondheim, el libreto de George Furth y el protagonismo, sí también, de la ciudad de Nueva York y sus residentes. Así, la obra se centra en la reflexión de Bobby que ha cumplido los 35 años, un logro que le hará replantearse que ha hecho con su vida: soltero y sin una relación estable cuando la mayoría de sus amigos, si no todos, tiene pareja y han creado familias más o menos funcionales. Así, pues, Bobby iniciará una introspección vital en la que las relaciones que ha establecido a lo largo de la vida estarán muy presentes: parejas rotas, parejas bien avenidas, parejas en la que la necesidad pesa más que el amor… De esta forma, Company analiza la vida amorosa de los neoyorkinos de la década de los 70, evidenciado como la realidad de la pareja había evolucionado en esa época.
Banderas, el director del espectáculo, vuelve a acertar con la versión de la obra, en una representación muy coral en las que las interpretaciones, las voces, y la dirección musical están muy afinadas. El malagueño sabe muy bien que es lo que quiere hacer y como lo debe de hacer, a la hora de decidir que proyectos dirige y al materializarlos sobre el escenario. El reparto es amplio, en el que cada uno de los actores y de las actrices han sido apropiadamente escogidos para la ocasión. Entre ellos destaca Roger Berruezo que interpreta a Bobby y sus vicisitudes vitales. Pero en esta ocasión su protagonismo queda relegado por la actuación del resto del reparto, que da el do de pecho en sus actuaciones, con una orquesta también bien afinada.
El escenario nos muestra una azotea de la Gran Manzana que como arte de magia se puede transformar en cualquier otro espacio de toque neoyorquino, y que se adapta para ello a la perfección.
La única pega es, tal vez, su larga duración, 180 minutos, si bien la magia musical sondhemiana convierte el escenario en un caleidoscopio de luz, de música y de color que nos permite disfrutar de Nueva York y de sus criaturas y de las extrañas relaciones que establecen los unos con los otros. Una nueva oportunidad para comprobar la estrella de Banderas y para disfrutar con un musical a lo grande, que nos hará disfrutar también a lo grande.
«Company» se representa en el teatre Apolo del 2 de mayo al 12 de junio de 2022.
Autores: Stephen Sondheim, George Furth Libreto: George Furth Dirección: Antonio Banderas Reparto: María Adamuz, Carmen Barrantes, Roger Berruezo, Albert Bolea, Lorena Calero, Lydia Fairén,Robert González, Dulcinea Juárez, Silvia Luchetti, Anna Moliner, Julia Möller, Paco Morales, Marta Ribera, Carlos Seguí, Rubén Yuste, Nando González, Beatriz Mur, Mariola Peña, Ángel Saavedra Traducción: Roser Batalla Adaptación: Ignacio García May Dirección musical: Arturo Díez-Boscovich Escenografía: Alejandro Andújar, Alejandra González Iluminación: Juan Gómez-Cornejo, Carlos Torrijos Sonido: Roc Mateu Caracterización: Sandra Lara Vestuario: Antonio Belart, Maria Maraver Coreografía: Borja Rueda Producción: Teatro del Soho CaixaBank
Horarios y precios:Web Teatre Apolo Duración: 170 minutos Idioma: Castellano NOTA CULTURALIA: 8,5 ——
Hoy os presentamos en Culturalia Nadie de lo sabe, de Tony Gratacós, una nueva novela histórica que trata de los misterios de la aventura de exploración que acometieron los hombre liderados por Magallanes y Elcano.
«Yo ahora lo sé. Creí a los que regresaron de la primera vuelta al mundo…, a los de la expedición Magallanes. Pero Juan Sebastián Elcano me mintió. Yo, discípulo del cronista más poderoso del imperio de Carlos V, confié en su palabra y me engañó. He tratado de conocer la verdad. He luchado por ella. Pero resulta demasiado grande, demasiado peligrosa… aun para alguien tan ambicioso como yo. Solo me queda la pluma para desnudarlos a todos con mis palabras antes de que sea demasiado tarde.»
Cuando Diego de Soto finaliza sus estudios universitarios en Valladolid es requerido por uno de sus profesores, el gran cronista real Pedro Mártir de Anglería, para que sea su discípulo y lleve a cabo su primer encargo como ayudante: Diego debe viajar a Sevilla para recabar datos de las expediciones a ultramar y completar así sus crónicas. Pero este viaje le depara mucho más de lo que puede imaginar. Lo pondrá en la pista del viaje de Magallanes, considerado un traidor por muchos, y descubrirá que lo que cuentan los pocos que regresaron de esa épica expedición que consiguió llegar hasta las islas Molucas y dar la primera vuelta al mundo, entre ellos el nuevo héroe Elcano, no coincide con las crónicas oficiales. Esta revelación le hará dudar de todo lo que se ha dicho del portugués hasta ese momento.
Porque ¿qué pasa si la historia miente?
Una aventura única que nos sumerge en una de las épocas más esplendorosas y fascinantes de la historia de España y que esconde un emocionante secreto que ha tardado quinientos años en salir a la luz.
Tony Gratacós es licenciado en Periodismo por la Universidad de Navarra. Su posterior formación académica en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) le permitió adentrarse en el sector audiovisual, donde ha ocupado puestos de responsabilidad en Antena 3 TV, y en The Walt Disney Company participando en el lanzamiento de Disney Channel en España y Portugal como director de Programación y Producción. Nadie lo sabe es su primera novela.
Título:Nadie lo sabe Autor: Tony Gratacós Editorial: Ediciones Destino Colección: Áncora & Delfín Páginas: 624 Fecha de publicación: 02/03/2022 ISBN: 978-84-233-6102-1 | Formato: 13,3 x 23 cm. | Tapa dura con sobrecubierta Precio: • Tapa dura: 21,90€ • eBook: 9,99€
El pasado 17 de marzo el teatro La Latina estrenó Ser o no ser, una comedia que trata sobre el nazismo y en la que Hitler es uno de sus personajes. Una obra, por cierto, creada para el cine por Ernst Lubitsch y Edwin Justus Mayer en el año 1942 y versionada en el año 1983 por Mel Brooks, algo que ya de por sí nos puede dar una idea del tipo de obra a la que nos referimos.
«Varsovia, agosto de 1939. La Compañía teatral del matrimonio Tura se instala en un teatro para ensayar ¡Gestapo!, un obra que satiriza la amenaza mundial que suponen Hitler y el nazismo. A la vez, representan Hamlet, cuyo verso “ser o no ser” será la clave de un affaire extraconyugal. Pero los problemas se les multiplicarán tras la invasión alemana de Polonia. Los actores de la Compañía tendrán que ingeniar una doble trama teatral, de guardarropía y suplantación, para desactivar la entrega de un documento a las autoridades nazis que puede acabar con la Resistencia y para huir de Polonia a Inglaterra».
Echanove se atreve con una comedia en la que el auge del nazismo y los inicios de la Segunda Guerra Mundial están muy presentes y en donde los equívocos y las situaciones comprometidas son la clave de la trama. De esta forma veremos como lo grave de la situación política y militar de Europa a finales de los años 30 del siglo pasado se entremezcla con la actividad de la resistencia polaca y con los líos de faldas propios de la compañía de teatro Tura, un mix este que, evidentemente, generará la comicidad de la propuesta.
Ser o no ser se basa, así, en el humor dentro de lo trágico, de una compañía de teatro que intenta sobrevivir en una situación muy complicada, con la intención de abandonar lo antes posible el país. El humor, así, está servido, y la comedia no dejará de ser un in crescendo de acciones y reacciones que pondrán constantemente en peligro a todos los miembros de la compañía.
Hasta aquí, la trama, todo está bien. La contrariedad comienza con el reparto. No vamos a poner en duda el saber hacer de Echanove, que da vida a Joseph Tura, el personaje principal de la representación, pero la vis cómica del actor no es, seguramente, la más adecuda para una comedia de enredos de este tipo. Este hecho provoca que la propuesta quede tocada. A lo que se suma una adaptación y una escenografía que dificultan al espectador seguir la acción, sobre todo en la consumación final de la trama. El resultado, así, queda afectado escénicamente, aunque en parte es compensado por la pericia y el buen hacer del resto de la compañía, que consigue elevar, ahora sí, el tono humorístico de la obra.
Ser o no ser es una propuesta que gustará, no lo dudo, pero que no acaba de explotar todas las posibilidades de una comedia que tanto Lubitsch como Brooks consiguieron plasmar en todas sus posibilidades. Y es también una oportunidad para confirmar que el humor puede con todo, incluso al adentrarse en una época y en un contexto, el del nazismo, y salirse airoso del intento.
«Ser o no ser» se representa en el teatro La Latina de Madrid desde el 17 de marzo de 2022.
Autoría: Ernst Lubitsch y Edwin Justus Mayer Director: Juan Echanove Adaptación: Bernardo Sánchez Reparto: Juan Echanove, Lucía Quintana, Ángel Burgos, Gabriel Garbisu, David Pinilla, Eugenio Villota, Nicolás Illoro Diseño de escena y vestuario: Ana Garay Diseño de iluminación: Carlos Torrijos Técnico de sonido y video: Natalia Moreno Vestuario: Peris Costumes Maquillaje y peluquería: Chema Noci Música: Jose Recacha
Horarios: Miércoles a viernes a las 20:00h; Sábados a las 18:00h y 21:00h y Domingos y festivos a las 19:00h Precios: Platea: de 24,00€ a 28,00€ Club: de 20,00€ a 24,00€ Anfiteatro: de 17,00€ a 20,00€ Precios reducidos los miércoles
Duración: 100 minutos Idioma: castellano NOTA CULTURALIA: 7 ——
Hoy os hablamos en Culturalia de la exposición Gladiadores, los héroes del Coliseum, una muestra que analiza y presenta uno de los aspectos más conocidos de la sociedad romana antigua.
‘Gladiadores, héroes del Coliseo’ es una exposición internacional impulsada por la Diputación de Alicante a través del MARQ, Museo Arqueológico de Alicante, y la Fundación C.V. MARQ. La muestra tiene como objetivo mostrar el fascinante mundo de la gladiatura marcado por la especialización, el entrenamiento, la disciplina, las reglas y los peligros, pero también por la esperanza, la fama, la redención e incluso la riqueza y la libertad.
Actualmente sigue ejerciendo una considerable fascinación la imagen heroica del gladiador, tal como se nos presenta habitualmente, obligado a luchar y a menudo a morir en la arena por la voluntad feroz y tiránica de emperadores despóticos ante miles de espectadores excitados por los combates. Su figura y vida, fijada en el imaginario popular por el cine y la literatura, es sin embargo poco conocida desde el punto de vista histórico para la mayoría de la población.
La exposición es fruto de la colaboración con algunas de las instituciones culturales más importantes de Italia como el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles y el Museo Nacional Romano de Roma. Participa también el Parque Arqueológico del Coliseo en Roma, el Parque Arqueológico de Paestum e Velia, el Parque Arqueológico del Anfiteatro Romano y Antiquarium “Alda Levi” de Milán, el Museo Arqueológico Nacional de Aquileia, el Museo Civico de Rieti y la Sopraintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio per la città metropolitana di Bologna, e le province di Modena, Reggio Emilia e Ferrara.
La muestra se centra, entre otros aspectos, en la desarrollo de los juegos gladiatoriales, en la vida de los gladiadores y en cómo podía ser un día de lucha en la arena. También dedica atención a la imagen que el cine nos ha ofrecido de los juegos ofrecidos en el Anfiteatro.
Exposición:Gladiadores, los héroes del Coliseum Museo Arqueológico de Alicante Plza. Dr. Gómez Ulla, s/n. 03013 Alicante Cuándo: Abril – octubre de 2022
Horarios: Del 16 de septiembre de 2021 al 15 de junio 2022 • de martes a sábado : de 10:00 a 19:00h • domingos y festivos: de 10:00 a 14:00h • lunes cerrado
Visitas guiadas exposición temporal «gladiadores. héroes del coliseo» • de martes a viernes: 12:00, 13:00, 14:00, 15:00, 17:00h • sábados. 10:30, 11:30,12:30, 13:30, 14:00, 15:00, 16:00 y 17:00h • domingos y festivos: 10:30, 11:30 y 12:30h
Regresa al Tívoli de Barcelona A Chorus Line, el musical creado por James Kirkwood y Nicholas Dante con música de Marvin Hamlisch y dirigido, en esta ocasión, por Antonio Banderas, que nos muestra los entresijos del mundo del espectáculo.
A Chorus Line es uno de aquellos grandes musicales que han cosechado un gran éxito desde el día de su estreno en el año 1975. Un musical made in Broadway que habla del espectáculo, y más concretamente de las vidas de los que se dedican al teatro, de los que forman la línea del coro.
Una propuesta, la de Banderas, esplendida desde cualquier punto de vista. Hacía tiempo que no veía un espectáculo tan completo como A Chorus Line. El musical tiene todo lo que ha que tener un buen musical. No hace falta que hable de la trama: un grupo de aspirantes a coristas en medio de una audición en un teatro de Broadway. El director quiere tomar la mejor de las decisiones, quiere conocer a las personas y las vidas que hay detrás de cada uno de ellos y de ellas. De esta forma conoceremos las experiencias y los dramas vitales que han llevado a los aspirantes hasta el teatro.
La representación nos sitúa de pleno en la prueba de selección, donde Zach (en esta ocasión Manuel Bandera), el director, se esfuerza por hacer el mejor casting entre los aspirantes, de ahí que los ensayos sean agotadores y que Bandera entre y salga de escena constantemente.
Así, pues, A Chorus Line nos permite enfocar el interés del público en la realidad y los sueños, a veces truncados, que hay detrás de las grandes producciones teatrales, y que normalmente quedan ocultos tras las bambalinas.
Para ello la producción de la obra, Soho CaixaBank, ha llevado a cabo un casting minucioso, ya que los actores de la versión española del musical no solo han de bailar y cantar bien, sino que han de interpretar bien. Y el resultado no es otro que magnífico. El elenco, demasiado amplio para ser citado aquí, canta, baila e interpreta a la perfección, sin que haya ningún momento en que se pierda la intensidad, haciendo evidente a los espectadores los dramas, los sacrificios y, también, los éxitos que dan vida a las chicas y los chicos del coro.
Banderas, además, ha afinado la dirección ya que siendo la obra coral, cualquier desequilibrio afecta al global de la representación. Y lo ha conseguido con creces. En A Chorus Line todo está muy bien afinado: la interpretación de los actores y actrices, el ritmo de la obra y la escenografía y los juegos de luces que, aunque minimalistas, envuelven y refuerzan a la perfección las historias que nos son narradas. Por lo que respecta a la música, la orquesta dirigida por Pau Baiges suena maravillosamente bien.
Como les digo todo luce perfecto. Los número musicales, la interpretación de los actores y actrices, que conectan, seguro, con las vivencias del público, y como no la apoteosis final, en la que la línea del coro interpreta a la perfección One, el tema final, el que conocemos todos, y que ha ido sonando en un in crescendo a lo largo de la representación.
Como os podéis imaginar, no me queda nada más que quitarme el sombrero, de nuevo, ante una esplendida propuesta de espectáculo musical. No os la podéis perder, si queréis disfrutar de verdad del teatro (musical) bien hecho y si, además, queréis conocer y os queréis conmover con las vidas de los chicos y chicas de la línea del coro.
«A Chorus Line» se representa en el teatro Tívoli del 22 de abril al 29 de mayo de 2021.
Concepción, dirección y coreografía originales: Michael Bennett Reposición de la dirección y coreografía originales: Baayork Lee Libreto: James Kirkwood y Nicholas Dante Música: Marvin Hamlisch Dirección: Antonio Banderas Reparto: Manuel Bandera, Angie Alcázar, Miguel Ángel Belotto, Lucía Castro, Alex Chavarri, Aaron Cobos, Anna Coll, Daniel Délyon, Sonia Dorado, Roberto Facchin, Víctor González, Bealia Guerra, Pep Guillem, Cassandra Hlong, Fran Moreno, Estibalitz Ruiz, Lorena Santiago, Sarah Schielke, Javier Cid, Diana Girbau, Daniel Garod, Ariel Juin, Juan José Marco, Graciela Monterde, Aida Sánchez, Tomy Álvarez, Flor Lopardo, Joan López-Santos, Marcela Nava, Mario Rios, Irene Rubio Dirección musical: Pau Baiges Escenografía: Robin Wagner Iluminación: Tharon Musser y Carlos Torrijos Sonido: Javier G. Isequilla y Francisco Manuel Rubio López Caracterización: Sandra Lara Vestuario: Theoni V. Aldrege Producción: Teatro del Soho CaixaBank
Horarios y precios:Web Grup Balañà Duración: 130 minutos Idioma: Castellano NOTA CULTURALIA: 9,5 ——
Este año tenemos la suerte de contar con dos nuevas novelas históricas que tratan la figura de Julio César: La sombra de Julio César, de Andrea Frediani y Roma soy yo, de Santiago Posteguillo. Os dejamos aquí la información de ambas publicaciones por si aún no os habéis decidido por alguna de ellas.
La sombra de Julio César, de Andrea Frediani
Una novela fascinante sobre Julio César, el inicio de la leyenda.
Roma, 88 a.C. Cayo Julio César es sólo un niño cuando conoce, en las peligrosas calles de la Suburra, a Tito Labieno, con quien sella una amistad destinada a perdurar en el tiempo. El ambicioso Julio César emprenderá años más tarde una heroica carrera militar que lo llevará a combatir primero en Hispania y en las Galias, en una campaña militar repleta de éxitos siempre con Labieno a su lado. Juntos desarrollan las más hábiles estrategias y llevan a cabo extraordinarias hazañas en el campo de batalla que los hace, casi, invencibles. Sin embargo, mientras el éxito y el reconocimiento militar y político de César no para de crecer, las voces contrarias empiezan a surgir desde el Senado, y hacen peligrar su futuro. Las desavenencias con Quinto, hijo de Labieno, y los sinsabores de su relación con Servilia, su amante, no hacen más que enturbiar su campaña hacia el poder, lo que obliga a muchos, incluso a Labieno, a tomar partido. Y es muy posible que nadie salga ganando.
Título:La sombra de Julio César Autor: Andrea Frediani Editorial: Espasa Serie: Dictator 1 Colección: Espasa Narrativa Fecha de publicación: 2 de marzo de 2022 Idioma: Español ISBN: 978-84-670-6506-0 Presentación: 15 x 23 cm. | Tapa dura con sobrecubierta Precio: • Tapa dura: 21,90€ • eBook: 6,99€
Roma soy yo, de Santiago Posteguillo
Si alguna vez hubo un hombre nacido para cambiar el curso de la Historia, ese fue Julio César. Su leyenda, veinte siglos después, sigue más viva que nunca.
Roma, año 77 a.C. El cruel senador Dolabela va a ser juzgado por corrupción, pero ha contratado a los mejores abogados, ha comprado al jurado y, además, es conocido por usar la violencia contra todos los que se enfrentan a él. Nadie se atreve a ser el fiscal, hasta que de pronto, contra todo pronóstico, un joven patricio de tan solo veintitrés años acepta llevar la acusación, defender al pueblo de Roma y desafiar el poder de las élites. El nombre del desconocido abogado es Cayo Julio César.
Combinando con maestría un exhaustivo rigor histórico y una capacidad narrativa extraordinaria, Santiago Posteguillo logra sumergir al lector en el fragor de las batallas, hacerle caminar por las calles más peligrosas mientras los sicarios de los senadores acechan en cualquier esquina, vivir la gran historia de amor de Julio César con Cornelia, su primera esposa, y comprender, en definitiva, cómo fueron los orígenes del hombre tras el mito.
Hay personajes que cambian la historia del mundo, pero también hay momentos que cambian la vida de esos personajes. Roma soy yo es el relato de los extraordinarios sucesos que marcaron el destino de César.
Título: Roma soy yo Autor: Santiago posteguillo Editorial: Ediciones B Colección: Histórica Páginas: 752 Presentación: Tapa dura con sobrecubierta | 163mm x 238mm Fecha de publicación: 5 de abril de 2022 Precio: • Tapa dura: 22,71€ • eBook: 11,39€ • Audiolibro: 20,69€
El TNC estrenó el pasado 21 de abril Els homes i els dies, una propuesta arriesgada que trata la vida y las reflexiones del escritor catalán David Vilaseca, vertidas en un dietario que abarca su vida desde los 23 a los 46 años.
«Xavier Albertí dirige la adaptación teatral de Josep Maria Miró de Els homes i els dies que convierte al yo, los miedos, el sexo y otras vivencias personales en literatura de alto vuelo. La novela es la autobiografía póstuma de David Vilaseca, donde encontramos una voz poderosa y una literatura provocadora y estimulante».
Una propuesta atrayente, reveladora y despiadada que nos permite contemplar la vida de Vilaseca, un joven profesor de literatura homosexual y su continuo desencanto con él mismo y con la vida que le rodea. Els homes i els dies nos transporta con una escenografía vacía, casi nula, a un mundo y una época no muy lejana en el tiempo, entre los años 1987 y 2009, pero muy diferente al mundo actual a través del dietario postumo de Vilaseca que no acaba de encontrar su lugar en el mundo. Su incómoda homosexualidad y la creencia en la falsedad de su existencia se nos muestra a través de la interpretación de los fragmentos de su obra escrita.
De ahí que la representación tenga más de monólogo, en el que el protagonista interactúa con el resto de los personajes o con los recuerdos que de ellos tenía cuando escribía su dietario. Por ello, son las reflexiones del propio Vilaseca sobre sí mismo, su vida y el mundo en el que le ha tocado vivir, las que nutren la esencia de la dramaturgia.
Así, pues, el tono de la obra tiende al pesimismo, ambiente en el que la vida de Vilaseca se movió hasta el día de su muerte, y en el que la desilusión, el fracaso, la sexualidad y la relación con su familia y con los otros son los protagonistas. Albertí y Miró, el primero en la dirección y el segundo en la dramaturgia, han sabido dotar a la obra del desanimo necesaria para acotar la interpretación de los actores y actrices, entre los que destacan Rubén de Eguía que da vida al propio Vilaseca, Mercè Aranega que interpreta a su madre y el joven Alejandro Bordanove.
El resultado final es un escenario-composición donde se muestran los claros-oscuros de la existencia humana en el que todos y todas nos movemos a lo largo de la vida y que confirma que lo más importante no son los logros y los fracasos que nos acontecen en la vida, si no la actitud que cada uno de nosotros tomamos ante ella.
Una propuesta muy interesante para re-descubrir un mundo que dejamos atrás hace tiempo, pero que siempre, mientras vivamos, estará presente en nuestras vidas.
Dirección: Xavier Albertí Autor: David Vilaseca Dramaturgia: Josep Maria Miró Reparto: Mercè Arànega, Albert Ausellé, Paula Blanco, Alejandro Bordanove, Abdi Cherbou, Francesc Cuéllar, Luiz Felipe, Roberto G. Alonso, Rubén de Eguía, Oriol Genís, Federico Metral Escenografía: Max Glaenzel Iluminación: David Bofarull Sonido: Jordi Bonet Vestuario: Silvia Delagneau Producción: Teatre Nacional de Catalunya
Aunque ya lo hemos escrito en alguna ocasión, vale la pena repetirlo: Un Pinter siempre vale la pena. Y la ocasión se presenta en el Teatro Bellas Artes de Madrid, con el estreno el pasado 16 de marzo de El cuidador, clásico escrito por Pinter en el año 1960.
«El cuidador hace referencia de una manera ambigua tanto a la posibilidad de cuidar a otra persona como a la de cuidar un piso. Los tres personajes de la obra intentarán cuidarse y cuidar la propiedad de una manera que vista desde afuera parece un desastre propio de una comedia clásica en blanco y negro dentro de una película de intriga y suspense».
De nuevo Pinter más que una trama nos presenta una situación en la que analiza la esencia del ser humano y lo absurdo, a veces, de su existencia. Tres personajes, uno mayor y los otros dos más jóvenes, coinciden en un apartamento. A partir de aquí iremos descubriendo la historia de cada uno de ellos y los claro-oscuros que han marcado y marcan sus respectivas vidas: un anciano que malvive con trabajos en precario aunque con ínfulas de grandeza; un joven que le acoge en su apartamento con un historial de tratamientos psicológico que le han dejado secuelas y su hermano, una persona mucho más activa aunque incapaz de tomar decisiones y llevarlas a cabo.
De esta forma el autor utiliza la excusa del “apartamento” en el que conviven los tres personajes, para tratar, con un sutil sentido del humor y la ironía, la base de la existencia humana. Tres vidas perdidas o en camino de perderse, condicionadas ya sea por el pasado, por el presente o por el futuro, tres personajes que buscan compañía ante sus inconsistentes existencias con la que comunicarse, aunque a veces la comunicación sea difícil entre ellos.
El cuidador se convierte así en un tour de force entre los tres actores: Joaquín Climent encarna a un hombre marcado en la piel por el desalentador paso de la vida y que ha llegado a la vejez desconfiando de casi todos; Juan Díaz da vida al personaje más débil de la trama y Alex Barahona aporta el carácter más desenfadado de la representación, aunque incapaz e inconstante.
El escenario nos muestra un apartamento vacío sin muebles, o mejor dicho, con muchos muebles y cachivaches pero amontonados y desordenados, como la vida de los personajes, lo que permite que destaque sobre todo la actuación de los tres actores, bien dirigidos para la ocasión por Antonio Simón, que consigue recrear el efecto Pinter con una sutil dirección de actores.
El cuidador requiere atención por parte del espectador, y es que un Pinter siempre requiere un pequeño esfuerzo por parte del público, aunque una vez en línea con el trasfondo de la trama, la reflexión emana por sí misma, forzándonos a reflexionar sobre la existencia de los personajes que pululan sobre el escenario, y por qué no, sobre lo vacío de un mundo, el nuestro, en el que lo material, en este caso el apartamento, se impone a lo espiritual, en la deriva existencial que muchos y muchas nos vemos obligados a recorrer a lo largo de la vida.
«El cuidador» se representa en el Teatro Bellas Artes de Madrid del 16 de marzo al 24 de abril de 2022.
Dirección: Antonio Simón Reparto: Joaquín Climent, Álex Barahona y Juan Díaz Autoría: Harold Pinter Traducción: Juan Asperilla Escenografía: Paco Azorín y Alessandro Arganceli Iluminación: Pedro Yagüe Sonido: Lucas Ariel Vallejos Vestuario: Ana Llena
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