Os presentamos hoy en CulturaliaEl reubicado, novela que Alberto Ruiz publica en la editorial Nido de Letras, un proyecto que pretende respaldar a jóvenes escritores noveles en su actividad literaria.
El reubicado, Alberto Ruiz.
Un hombre despierta sin recuerdos en medio de un callejón y tras varios días vagabundeando, le detiene la policía y le lleva al manicomio de donde se supone, ha escapado. Una vez encerrado allí, contacta con quienes le vieron la noche que perdió los recuerdos a través de un chat. Tras mucho forzarles, el protagonista consigue que accedan a quedar de nuevo con él y huye de nuevo para descubrir qué pasó. Cuando escapa, llega hasta un parque donde aparece un coche negro que le invita a entrar. Acepta y el coche se aleja en una lluviosa noche. Adentrándose en las calles, llegan hasta una mansión en la que le obligan a entrar y le atan para interrogarlo y descubrir si trabaja para el enemigo. El protagonista, atónito, no sabe que responder. Él iba con preguntas y ahora se han cambiado las tornas. Tras mucho investigar, la organización que secuestra al asustado paciente del manicomio llega a la conclusión de lo que ha pasado. Nathan, el protagonista, no es quien creé que es. Es otra persona habitando un cuerpo ajeno. El del propio Nathan. Sin saber cómo, Nathan descubre que el ritual para el que se presentó voluntario la noche en cuestión, salió mal. Y ahora debe ayudar a la organización a evitar un peligro aún mayor mientras intenta descubrir quién es en realidad.
La novela está disponible a partir del 7 de septiembre en redes de descarga digitales como Amazon, Kindle, La casa del libro y La Llar del llibre además de en las principales librerías. También se podrá obtener por encargo a través de la página web y la página de Facebook de Editorial Nido de Letras a través de Paypal.
Título:El reubicado Autor: Alberto Ruiz Editorial:Nido de Letras Idomas disponibles: castellano, catalán e inglés Páginas: 422 Precio:
18 € – venta en librería.
18 € – venta por encargo a través de la web.
8 € – Descarga a través de Amazon, Kindle y demás redes digitales.
4 € – encargar copia digital a la editorial. Similar a Kindle.
Como ya saben, el teatro se deja influenciar por todo lo que acontece en la vida de los espectadores y, sobre todo, en la de los profesionales de la dramaturgia y la interpretación. Por eso no es de extrañar que series de éxito y con solera en la televisión sirvan de gancho para producir y promocionar una obra de teatro. Este es el caso de La vida resuelta, una comedia sobre la vida y las reflexiones de un grupo de treintañeros que compiten por obtener la única plaza libre para el año que viene de la guardería donde quieren apuntar a sus hijos respectivos. Un producto teatral creado por los guionistas de series como 7 Vidas o Aída, e interpretada por jóvenes caras conocidas de la televisión como Carlos Santos, Berta Hernández, Javier Mora, Adriana Torrebejano y Cristina Alcázar.
La Vida resuelta nos traslada a lo que podría ser un capítulo de televisión de cualquiera de las dos series mencionadas, y nos presenta una situación cotidiana, la voluntad de conseguir una plaza en la mejor guardería del barrio por parte de un grupo de padres y madres, una ocasión que nos permitirá conocerlos y ser testigos de sus estados emocionales, los propios de una generación intermedia entre el pasado y el futuro que no ha sabido encontrar su lugar y que poseen existencias convencionales.
Una situación, como pueden intuir, que es una clara obertura para el desarrollo de la comedia. Dos parejas y una madre soltera en competición por el futuro de sus hijos (imagínense!!), en la sala de espera de una guardería y con perspectivas de enfrentarse, al menos dialectalmente, los unos con los otros. Si bien la obra pretende ir por otros derroteros, como son los de realizar un análisis generacional de los protagonistas en clave de humor, claro está, a partir del cual irán generándose los continuos enredos y las situaciones cómicas a lo largo de la representación.
Sin embargo, aunque la obra arranca y tiene sus momentos e incluso sus sorpresas, no acaba de alcanzar un vuelo alto y plácido. Algo que no se debe ni a la situación que se nos plantea, que se asemeja al típico vodevil «sin puertas» y con un sofá substituido por mesitas y sillitas de guardería, ni a las interpretaciones de los actores y actrices, que creo que tienen una buena frecuencia de comedia. Seguramente el elemento que no acaba de funcionar en la representación es la previsibilidad de la obra y del humor que esta contiene. Esto es, el ingenio de los guionistas de 7 Vidas y Aída ha quedado patente a lo largo de años de humor que han invadido las ondas hercianas con un alto nivel de éxito. Si bien, Aída, el spin off de 7 vidas, mostraba ya en sus últimas etapas una falta de brío humorístico, una exageración de las actuaciones y sobre todo una predictibilidad que en parte cercenaba el efecto global del humor de la serie. Y eso es lo que pasa en la obra de teatro. El público puede prever la mayoría de los gags de la obra, ya que tiene experiencia como espectador de un estilo de hacer humor que no ha cambiado en su transfiguración de los sets de televisión al escenario teatral.
Aún así, la obra funciona a momentos aunque sea utilizando tópicos y fórmulas vistas y revistas en la televisión. Y en gran parte funciona por el saber hacer de sus protagonistas que tienen experiencia en el ámbito de la interpretación televisivo-teatral. De ahí que nos hallamos ante unos caracteres definidos aunque como les comentaba, previsibles. La primera pareja está interpretada por Carlos Santos y Berta Hernández, ella una profesional de éxito y él un periodista que abandonó su trabajo para cuidar de su hijo; la segunda pareja está encarnada por Javier Mora y Adriana Torrebejano, él separado de su primera mujer pero aún enamorado y ella una joven que aunque parece poseer pocas luces, será el personaje que muestre una sagacidad más afilada. Finalmente Cristina Alcázar da vida a una madre soltera que aparenta mucho más de lo que en verdad es. Todo ello cocinado por Juan Pedro Campoy, que no se ha salido de la raya en una dirección marcada por un guión de comedia televisiva con elementos de vodevil.
La vida resuelta es una comedia que no pretende más que eso, ser una comedia y hacer reír. Y les hará reír si son fieles seguidores de las comedias televisivas made inMediaset. No esperen ir más allá y disfruten con las peripecias y los sinsabores de un grupo de padres y madres que sin duda desean lo mejor para sus hijos, aunque en verdad no sepan cómo conseguirlo.
«La vida resuelta» se representa en el Teatre Borràs del 3 de septiembre al 12 de octubre de 2014.
Autores: Marta Sánchez y David S. Olivas
Director: Juan Pedro Campoy
Reparto: Carlos Santos, Laura Domínguez, Javier Mora, Adriana Torrebejano y Cristina Alcázar
Diseño de Iluminación: Pedro Vera
Diseño de Vestuario: Cristina Rodríguez
Escenografía: Juan Antonio Sánchez
Producción: Cía La Ruta Teatro
Horarios: de miércoles a viernes a las 21:00 horas; sábados a las 18:30 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:30 horas. Precio: 19 – 25 € Idioma: castellano Duración: 90 minutos
——
Les “arts escèniques” deixen de ser una expressió forçada quan alleugen el component artificiós i es propaguen entre el públic per recrear-se amb ell.
Si l’artista entén que la seva obra no és un producte etiquetat i envasat al buit, l’espectador s’hi podrà atansar no només per mirar el preu o asegurar-se que no té efectes secundaris.
Quan el creador accepta que el seu treball és també una proposta, aquell que acudeix a la platea dirà la seva. I sense adonar-se’n, es trobarà ajudant el primer a ampliar l’enfocament. No només amb l’aplaudiment o amb el seu absentisme, sinó que farà notar a l’artífex que sumen esforços, com també bateguen alhora la il·lusió de tots dos vivint el fet escènic.
Aquest any, he vibrat a Tàrrega amb la irregularitat de la programació. M’ha desconcertat el desplegament de projectes diversos. He deixat de somiar mentre feia escenari amb les companyies. Hem crescut contrastant neguits i equilibrant emocions.
Deia la ballarina Claire Ducreux que “van caure al fang els prejudicis i les creences” i que “tan sols es va quedar la consciència de la meva ignorància.” Sense obrir la boca. Però desfilant amb gest exquisit pel TeatreAteneu i engreixant l’abric de la seva delicada vagabunderia. Va ser per a nosaltres una “Refugiée Poétique” enmig d’una plaça targarina reconstruïda a l’escenari del solemne espai teatral. L’asil el trobà en les nostres ganes de vagarejar amb ella. I és que, més enllà de la gràcia de les seves acrobàcies i de la dolcesa del seu moviment corporal; més enllà fins i tot de la seva contemporània concepció etèria de la dansa, Ducreux aplica una saviesa escènica que commou: Perquè l’espectacle el fa amb el seu públic en sentit literal. I quan tria parella de ball, no busca lluir-se, sinó fer pinya: La ignorància de què ens parlava, llavors, s’esmuny i acaba al fang amb els seus moradors oficials.
Endinsant-me en la temptadora provocació escènica, arribo a “África” amb el meu mapa europeu del territori ben obert i l’escopeta carregada per si l’he de fer servir. Davant aquesta fera que rugeix amb subtilesa, tinc tres opcions: Prémer el gallet, sortir corrent o bé afluixar la corretja del salacot. Els papers queden repartits ràpidament: la Companyia de Luis Biasotto és la que dispara. Des del començament i disparant contra el procés de civilització (la fascinant domesticació d’un home en zebra); la dificultat de créixer pel llast constant del passat (les noies que intenten donar-se a conèixer mitjançant el que han estat al llarg de temps a la pista de ball, encertat plantejament sobre l’artista que també és persona); el procés d’emmascarament amb fang progressiu de dos individus sense entitat definida (terrorífic quadre plàstic que colpeix per la seva ambigüitat situant-se als límits de l’horror quotidià a través del “gore” escènic); l’afany de bandejar allò que ens impedeix avançar (la noia-pissarra voluntariosa però poc convincent); i, al final, les diferents “performances” queden lligades per una trama delirant i, ensems, coherent, que a més ironitza amb el cretinisme artístic del teatre avantguardista egocèntric. Surten corrents un grapat d’espectadors i ho fan seguint un “tempo” meravellós: progressivament al llarg de la representació. I afluixem la corretja els que ens quedem, encuriosits per l’astúcia de Biasotto guiant-nos quan pensàvem que volia que ens perdéssim.
La farsa i un intel·ligent desenvolupament del binomi espectacle-espai distingiren la Fundación Collado – Van Hoestenberghe i Piero Steiner amb el seu pla d’enderrocament de La Farinera per subministrar-nos, totxo a totxo, i amb una frescor de vegades insultant, la seva reflexió punyent sobre com les ciutats anul·len la capacitat de madurar de l’individu convertint-lo en poca cosa més que una instal·lació dependent i frustrada. A “Constructivo”, el perseverant Ernesto Collado i el desimbolt Piero Steiner juguen subtilment amb el procés creatiu qüestionant les seves regles més en voga recorrent a un eficaç humor fonamentat en la caricatura i el simplisme per entrellaçar-lo hàbilment amb un dispositiu complex quant al contingut del seu discurs (crític encara que pugui semblar pamfletari; molt interessant acostant art escènic i edificació urbana) però fallen en les formes a l’hora d’executar la metateatralitat dels seus personatges (poc definits) i quan mostren l’artifici de la seva posada en escena (a mig gas per la manca de fermesa de la seva estructura narrativa).
Un año más, y ya van ocho, la editorial RBA daba el pistoletazo de salida al nuevo curso literario con la entrega del Premio Internacional RBA de Novela Negra, un galardón que el pasado 4 de septiembre recibía Personal, el nuevo thriller del escritor Lee Child (Coventry, 1954), antiguo guionista de televisión que, tras ser despedido, se reconvirtió en autor de género, una decisión acertada a tenor del éxito cosechado por sus novelas (casi sesenta millones de libros vendidos). Con su debut, Killing Floor (1997), nacía también su personaje estrella, Jack Reacher, un rocoso ex policía militar de un metro y noventa y cinco centímetros, ciento trece kilos y con un cuarenta y siete de pie capaz de derribar cualquier obstáculo que se cruce con él. Aprovechando la concesión del premio al escritor inglés, en Culturalia recuperamos El camino difícil (publicada por primera vez en 2006), la décima entrega protagonizada por Reacher que será la excusa perfecta para conocer a este carismático héroe y a su creador.
A pesar de nacer a mediados de la década de los noventa, la popularidad de este personaje de aspecto imponente creció con el cambio de siglo, una circunstancia que a nadie debería sorprender: el pánico tras el 11-S y la consecuente amenaza terrorista establecieron un clima de terror entre los ciudadanos de Estados Unidos, país en el que Child sitúa las andanzas de Jack Reacher, una especie de “caballero andante, nómada, que protege a las poblaciones y a su gente”, como lo define su padre literario. Así, el lector de El camino difícil encuentra en Reacher a un personaje de vida errante y modales expeditivos, con un infalible reloj interior, sin interés por las nuevas tecnologías, obsesivo con los detalles más pequeños, con un acuciado sentido del honor en busca de la verdad y la justicia –“Todos deberían saber lo que les sucedió (…). Alguien tiene que salir en su defensa”, afirma para explicar su empeño por esclarecer el caso–, experto en el manejo de las armas y sin temor alguno a la lucha cuerpo a cuerpo –¿quién sería tan insensato como para pelear con alguien de su envergadura?–, y para quien el dinero de la recompensa es una herramienta con la que hacer el bien y compensar el mal sufrido por las víctimas de esta historia.
El escritor inglés Lee Child, en una imagen promocional
El camino difícil comienza en el instante en el que Jack Reacher presencia el robo de un coche de lujo; en él estaba el dinero que el empresario Edward Lane tenía preparado para pagar el rescate de su esposa, secuestrada unas horas antes. Reacher, con la extraña virtud de estar siempre en el lugar equivocado a la hora equivocada, pondrá al servicio de Lane su experiencia como policía militar para resolver el secuestro. Con todo, el pasado militar de Reacher no es la única referencia al ejército en esta novela: Child demuestra cierta familiaridad con las estructuras de seguridad de estado –el Pentágono, la CIA, el FBI, soldados de Operaciones Especiales…–, términos a los que el imaginario de la sociedad norteamericana suele estar más habituado de lo que lo está la europea. Por otra parte, El camino difícil sirve para denunciar los efectos más drásticos y desconocidos de la guerra, los negocios sucios protagonizados por mercenarios, las mutilaciones a las que son sometidos los presos en determinados países y la dificultad de los ex combatientes para ser aceptados en la sociedad cuando regresan a casa tras un servicio.
Admirador confeso de Raymond Chandler y Agatha Christie, Lee Child (cuyo verdadero nombre es Jim Grant) eligió su pseudónimo para quedar situado entre ambos en las librerías. Sin duda, los dos verían con buenos ojos su compañía en los estantes, ya que Child, con un notable pulso para los diálogos heredado de su anterior oficio, ha demostrado su buen hacer a la hora de crear tramas vigorosas y originales en las que ubicar a su imponente héroe e inteligencia para darle la vuelta a la historia y sorprender, como es preciso en este género, a sus seguidores más fieles, lectores que evidentemente están hoy de enhorabuena: su nuevo libro, la premiada Personal, verá la luz en octubre. Empieza la cuenta atrás.
Título:Por el camino dificil Autor: Lee Child Editorial: RBA Páginas: 445 páginas Fecha de publicación: Mayo 2009 ISBN: 9788498675337
En un verano monopolizado por películas en las que la acción es el recurso principal –desde mercenarios con alergia a la jubilación a autobots salvadores del mundo, pasando por héroes que dan el salto del cómic a la gran pantalla sin perder el sentido del humor–, resulta gratificante que una comedia musical logre hacerse un hueco y plantarles cara a todos esos actioners vigorosos, y eso es exactamente lo que ha conseguido Begin again, la nueva propuesta de John Carney que regresa a un territorio explorado con anterioridad –en Once (2006) la música ya era protagonista– con un argumento que juega con la comedia romántica y los musicales, y en el que dos caras conocidísimas –excelentes Keira Knightley y Mark Ruffalo– buscarán salvarse de su particular naufragio en la gran ciudad.
Begin again se inicia con el típico chico-conoce-chica: tras una jornada nefasta, Dan se refugia en un bar para emborracharse y olvidar su infeliz existencia, y allí encontrará a Gretta, una delicada muchacha que interpreta una canción con más resignación que entusiasmo; para él, capaz de ver más allá de lo que lo hacen el resto de espectadores –en sus ensoñaciones etílicas consigue imaginar los arreglos que necesita ese tema para convertirse en una pieza extraordinaria, una escena resuelta de forma sensacional–, ella es la última oportunidad para salvar su carrera como productor y, de esta manera, salir del pozo autodestructivo en el que se encuentra. Sin embargo, Dan no dispone de medios técnicos para grabar el disco, por lo que propondrá a Gretta una fórmula imaginativa: hacerlo en las calles de Nueva York, y para ello iniciarán una aventura musical en la que la pasión será el ingrediente principal.
Con todo, esa amistad tan solo es una excusa para reflejar la importancia de la música en nuestras vidas, en nuestros estados de ánimo, un elemento capaz de transformar la realidad según el ritmo que suene en cada instante, como demuestra Carney en el paseo nocturno de la pareja escuchando a Frank Sinatra y Stevie Wonder. Además, el director dublinés utiliza la historia para dejar entrever una crítica a la actual industria discográfica, conservadora en sus apuestas, más interesada en vender sus productos sin alma que en la calidad de los intérpretes que mantienen en cartera.
Así, Dan y Gretta deberán hacer frente a las dificultades logísticas para sacar su álbum al mercado, grabando en los andenes del metro, en cualquier callejón e incluso en una azotea frente al Empire State Building, escenas que nos harán sonreír y nos emocionarán de igual manera. No hay duda que el film se beneficia de la indiscutible química existente entre los protagonistas, con Ruffalo ejerciendo de crápula sin expectativas vitales pero con un talento especial para la música, y Knightley sorprendiendo en su nueva faceta como cantante indie que sufre de desamor –acompañados de Adam Levine y CeeLo Green–, convirtiendo Begin again en un luminoso y optimista alegato a favor del “Do It Yourself” (“Hágalo usted mismo”) y con una conclusión evidente: con entusiasmo, ganas, disciplina y profesionalidad, cualquier sueño está a nuestro alcance.
Título: Begin again
Director: John Carney
Intérpretes: Keira Knightley, Mark Ruffalo, Hailee Steinfeld, Adam Levine, James Corden, CeeLo Green, Catherine Keener, Mos Def
Guión: John Carney
Año: 2013
Duración: 104 minutos
El amor que más nos gusta es el retrógrado. Ese que nos recuerda una y otra vez que es imposible de alcanzar. Lo malo es que, en lugar de practicar juntos el salto de altura, nos empeñamos en hacer maratones. Cada uno por su carril. Y así, cuando llegamos a la meta, acabamos siendo un puñado de sudor, lágrimas y frustración: ¡Raras veces nos espera allí el ser deseado! Porque las más de las veces le dejamos atrás al adelantarle sin piedad cuando sonó el pistoletazo de salida.
Querríamos ser amados. Incluso nos repetimos una y otra vez que lo que más nos apetece es amar. Y mientras tanto, a nuestro alrededor, las consignas son justamente las opuestas: «¡Resignaos, estáis condenados a no entenderos!»
La escena barcelonesa se está convirtiendo en una pasarela muy proclive a arraigar ese conservadurismo: “Lo tuyo y lo mío” emocionó durante meses en el Club Capitol con un edulcorado recital sobre chico que encuentra a chica y no contento con ello la repudia a ritmo de baladas pegajosas. El Teatre Gaudí desempolvó este verano “Per sobre de totes les coses”, folletín sobre un amor homosexual cercenado por la intransigencia religiosa y con partitura de efectista ópera-rock. Y ahora vuelve al Poliorama la más conseguida de las tres: la reposición dirigida por Elisenda Roca de una simpática colección de historietas manidas pero muy bien resueltas por sus cuatro protagonistas con la elegante aportación musical de Gerard Alonso y Pere Bardagí. Ahora se trata, de nuevo, de ilustrar esa serie de tópicos que sepultan las cosas de dos cuando quieren ser las de todos nosotros.
Roca adorna el conjunto con unas hermosas imágenes de Paula Bonet y coordina con mucha eficacia el desparpajo de Mercè Martínez (magnífica como anciana que liga a su pesar en un velatorio y sobrina directa de la gran Lloll Bertran), la clase de Xavier Mestres (ejemplar padre cretino primerizo especializado en probar peluches-antibebé), la versatilidad de Muntsa Rius (maravillosa como solterona borracha con olfato crematístico e irresistible como divorciada cavando su tumba por internet en el momento más arriesgado del espectáculo) y refrescante Jordi Llordella (dinámico, encantador y carismático). Los cuatro cantan y bailan también un repertorio de canciones amables y algo casposas. Y aunque asome la ironía por alguna esquina (el sketch sobre cómo rentabilizar la primera cita es un delicioso ejemplo de ello) nunca llega a hacer mella pues de lo que se trata es de afianzar roles sociales y de entretener a raudales. Y en eso, Joe di Pietro sabe encontrar el punto justo con réplicas chispeantes y moralina encantadora, como Jimmy Roberts perfila una partitura ligera tomando de baladas añejas (“Ja m’he fet a tot” recuerda mucho a “I remember it well” de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe cantada por Maurice Chevalier y Hermione Gingold en “Gigi”) y esparciendo el peor tufillo a los “clásicos” Disney en los momentos más supuestamente tiernos.
¿Pero quién gana al final la carrera? Pues Roca, que desatiende cualquier plegaria de encontrar el amor verdadero para alzarse con la copa jaleada por el júbilo ancestral del público.
Yelmo Icaria establece desde el próximo 16 de septiembre los martes como el día de CINE CLUB, en los cuales programará grandes películas a precios asequibles y con criterios cíclicos.
Los cines Icaria han conseguido afianzar su propuesta en la ciudad de Barcelona. La calidad de la programación y la insistencia en la línea de trabajo marcada desde el inicio ha permitido a la cadena consolidar nuevos públicos y adaptarse a las nuevas épocas en la evolución de la proyección cinematográfica.
Ahora Yelmo Icaria programará cada martes sus ciclos de Cine Club en versión original y con subtítulos en castellano. La programación estará organizada en ciclos: Septiembre lo dedica al cine de grandes directores como Pedro Almodóvar, Woody Allen o Clint Eastwood. El mes de Octubre realiza una retrospectiva del thriller más exitoso y de culto de los últimos 30 años. En Noviembre realizará un repaso de la cultura pop de los 80’s con grandes éxitos de público y para finalizar el cuatrimestre Yelmo Icaria programará una colección de grandes musicales made in Hollywood.
Esta selección estará disponible para todos los cinéfilos que quieran volver a disfrutar de los grandes éxitos del cine y para todos aquellos que quieran gozar con otro tipo de programación cinematográfica que hace hincapié en la calidad de las películas que se programan.
Las películas del ciclo Cine Club se programan en Yelmo Icaria los martes a las 20:30 horas y a un precio especial. Una oportunidad para volver gozar del cine en uno de los complejos cinematográficos más carismáticos de la ciudad!!
Si eres de los que te gusta a rabiar el buen cine, y no sólo el actual, si no el de toda la vida, el que te ha ido emocionando año tras año desde que eras pequeño, Yelmo Cine Club es para ti.
Yelmo Cine Club Horarios: todos los martes a las 20:30 horas.
Este viernes llegó a las pantallas españolas Hércules, la segunda visión cinematográfica del héroe griego que se estrena este año, y parece ser, a esperas de la llegada en diciembre de Exodus: Dioses & Reyes de Ridley Scott, la recreación de la historia de Moisés y la liberación del pueblo judío de Egipto, la mejor de las reconstrucciones históricas estrenadas este año. Con ello no vayan a pensar tampoco que estamos ante la película del año: IMDB le da una puntuación de 6,4, mientras que en Rotten Tomatoes alcanza un 61% de aprobación. Aún así, la propuesta destaca de entre sus predecesoras estrenadas este año por una idea interesante y una plasmación atractiva de la historia del personaje, basada, claro está, en el cómic Hercules: The Thracian Wars.
Para variar vale la pena recalcar, como hago en cada uno de los estrenos de cine histórico, que nadie espere ver una fiel reconstrucción histórica del personaje y de la época. Como siempre, para los productores y directores actuales de películas ambientadas en la Grecia y la Roma antiguas, estas dos épocas forman un conglomerado que les parece único e indivisible, por lo que vemos en cualquier película ambientada en la Antigüedad un poti poti de tópicos que mezcla elementos de ambas. En este caso el mundo heroico de Hércules se transforma en un contexto clásico con gigantescos templos, teatros y magníficos palacios en piedra y en el ámbito militar observamos la presencia de algo parecido a las falanges, unidades militares inexistentes en la Grecia Homérica que además utilizan una técnica parecida a la de la testudo, típicamente romana. Pero bueno, que todo sea por darle un atractivo aspecto visual a la película y para proveerla de ese toque grandilocuente que espera cualquier espectador en una película «de romanos».
Dicho esto, cabe decir, que Hércules representa una bocanada de aire fresco en el ámbito, que mimamos en Culturalia, de los estrenos de cine histórico, debido a la historia que nos presenta (aunque con una historicidad mucho más que dudable) y por el desarrollo de un guión interesante. El film nos narra las aventuras de Hércules y su grupo de mercenarios cuando acuden en ayuda del rey Cotis de Tracia para luchar contra el malvado Reso, que se ha rebelado contra su autoridad y ha asolado el territorio tracio. Hércules y sus compañeros se verán obligados a formar al ejército del rey Cotis para enfrentarse a las fuerzas de Reso y salvar el reino de Tracia de la barbarie y la destrucción.
Brett Ratner, director de películas como Hora punta (1998), El dragón rojo (2002) o X-Men. La decisión final (2006) nos presenta una película interesante por varias razones. La primera por cómo trata al personaje mitológico. Desde el principio al final el film pretende desvelar al espectador cómo se generaban las leyendas en el mundo antiguo, por lo que la narración nos mantendrá en vilo acerca de la naturaleza de Hércules, hijo de Zeus, de las andanzas de su grupo de mercenarios y del tipo de aventuras que protagonizarán. Al respecto son interesantes las escenas de presentación del personaje y la relación entre realidad y leyenda que se mantiene a lo largo de la película.
Otro elemento a su favor es la misma trama, a través de la cual el film mantiene un nexo entre las aventuras históricas y el misterio-terror al presentársenos al malvado Reso como un personaje maligno, que utiliza los hechizos y la brujería en su rebelión contra el rey Cotis. Un ingrediente que genera interés y tensión en el espectador y que sin duda proviene de los cómics creados por Moore. La trama incluye, además, algún giro, que puede proporcionar al film un mayor atractivo para el público.
Si bien, en su contra podemos anotar la ahistoricidad de gran parte de la historia que nos narra (Rey Cotis; imagen clásica del mundo de Hércules; uso de la infantería, la falange arcaica y la estrategia romana de la testudo; repertorio de armas que se utilizan en la película, o la actitud y el comportamiento de Ergenia (Rebecca Ferguson), la hija del rey Cotis…) y un final poco innovador y que recuerda, con mucho, el del film Hércules, El origen de la leyenda, dirigido por Renny Harlin e interpretado por Kellan Lutz.
En el apartado de las interpretaciones todo está más que correcto. Estamos ante una película «histórica» de acción basada en una novela gráfica, por lo que uno ya es consciente de que las interpretaciones van a ser lo que son. Aún así, creo que la mayoría de ellas están más que correctas. Dwayne Johnson da la talla como el coloso héroe por su impresionante físico y por la interpretación para nada exagerada y más que comedida; Aksel Hennie también lo hace bien al encarnar a un ser trastornado medio hombre medio animal y Reece Ritchie da vida al joven bardo que relata y mitifica las aventuras de Hércules. Sin embargo John Hurt que interpreta al necesitado rey Cotis, creo que es el que peor sale parado en el ámbito de la interpretación. Por lo que respecta a las actrices Ingrid Bolsø Berdal da vida a Atalanta, la amazona guerrera compañera de Hércules y Rebecca Ferguson encarna a Ergenia, la hija de Cotis, aunque el presentismo de su carácter le priva de cualquier grado de credibilidad.
Hércules es una película de acción histórica, eso ha de quedar claro al espectador, sobre todo a los que buscan algún grado de historicidad en el cine, pero es una propuesta interesante y que mantiene al público atento e intrigado acerca de lo que pasa en el film. Y quedará a merced de los espectadores el decidir si el Hércules que se nos muestra en la película era un simple mortal o, por el contrario, fue el semidios hijo de Zeus que nos narra la épica griega.
Título: Hércules Dirección: Brett Ratner
Basada en «Hercules» de Steve Moore (Radical Comics) Producción: Flynn Picture Company y Radical Studios Distribución: Paramount Pictures y Metro-Goldwyn-Mayer Pictures Reparto: Dwayne Johnson, Ian McShane, Rufus Sewell, Joseph Fiennes, Peter Mullan, John Hurt, Aksel Hennie, Ingrid Berdal, Reece Ritchie, Tobias Santelmann, Rebecca Ferguson, Isaac Andrews e Irina Shayk. Guión: Ryan J. Condal y Evan Spiliotopoulos Música: Fernando Velázquez Fotografía: Dante Spinotti País: Estados Unidos
Reseñar un Asimov no es una tarea fácil, debido a la calidad “de género” del autor, a la cantidad abrumadora de sus obras y al éxito que llegó a alcanzar con ellas. En verdad parece que Asimov escribió, de una forma u otra, sobre casi todo y además normalmente lo hizo muy bien. Aún así intentaré llevar a buen puerto esta crítica, siendo consciente de lo arduo de la tarea y del paso del tiempo desde que la novela fue escrita. Y es que de eso trata El fin de la eternidad, del tiempo o del uso del fluir temporal en la sociedad del futuro. La novela la tenía en uno de los estantes de mi biblioteca desde que hace años unos amigos me la regalaron, sabiendo lo que me gustan las tramas temporales, en la fácilmente reconocible colección Biblioteca de Ciencia Ficción de tonos azulados y grises que editó Orbis allá por los años 80.
La novela, bien definida desde el principio por su mismo título, nos sitúa en una multirealidad sin tiempo. La humanidad ha alcanzado el nivel tecnológico necesario para viajar y actuar en el tiempo y para ello ha creado la Eternidad, una institución que permite no tan solo que las diferentes épocas se ayuden y comercien entre ellas, sino que desarrolla una actividad terapéutica temporal: lleva a cabo cambios temporales sobre las diversas realidades para evitar coyunturas negativas en ellas. De esta forma, conociendo los resultados de los cambios realizados sobre la realidad temporal, la Eternidad controla la evolución de la humanidad a lo largo de los milenios y corrige los sucesos más dañinos. Sin embargo los efectos de la interrelación entre los miembros de la Eternidad y la realidad humana puede provocar enormes daños. Prueba de ello lo tenemos en Andrew Harlan ejecutor de cambios temporales en la Eternidad que se enamorará de Noys, una ciudadana de la realidad, una relación que pondrá en peligro la propia existencia de la Eternidad y permitirá descubrir algunos de los secretos de la organización.
Esta es una de aquellas novelas en las que la acción comienza justo en la primera línea. Harlan, su protagonista principal, pone rápidamente en marcha la acción movido por sus propios intereses, que como pueden imaginar no son, ni mucho menos, los mismos que los de la Eternidad. Los propios actos del protagonista permiten, así, a Asimov, presentarnos un juego de multirealidades interrelacionadas que será el ingrediente estrella de su novela. Y no solo eso, sino que además le permite reflexionar sobre la relación que existiría entre causas y efectos en el caso en el que existiera una diversidad infinita de planos temporales conectados entre sí.
¿Cómo puede afectar a una realidad pasada los hechos que ocurren en la Eternidad atemporal? ¿Pueden existir periodos de la historia de la humanidad que estén en contra de la actividad temporal de la Eternidad? En una realidad temporal interconectada de este tipo ¿cuál sería la causa y cuál el efecto de las acciones que se llevan a cabo?
Asimov nos muestra a través de su novela una multirealidad temporal que va descomponiéndose página a página y que ofrece al lector argumentos para la reflexión sobre el hombre y la humanidad. No solo seremos testigos de la corrupción temporal en la Eternidad, provocada por las propias pasiones humanas, sino que podremos reflexionar sobre el hecho de que una organización, léase corporación o multinacional, con unos intereses concretos y particulares, pueda actuar sobre una realidad humana cualquiera fruto de su propia evolución histórica. Y lo más interesante es la disquisición final sobre el espíritu humano que realiza el autor.
La humanidad evoluciona cuando se enfrenta a situaciones que le obligan a invertir ingentes recursos con el objetivo de superar esa coyuntura. ¿Si se eliminan quirúrgicamente esas situaciones problemáticas a las que debe de hacer frente la humanidad para crecer, para evolucionar, qué es lo que queda?, ¿Qué es la vida de cada uno de nosotros sino un continuo esfuerzo para superar cada uno de los problemas con los que individualmente nos enfrentamos, y que nos hacen ser tal como somos? Un tema de reflexión interesante en una época, la actual, en la que se invierte una gran cantidad de recursos para evitar a los ciudadanos (de Occidente, claro está) cualquier tipo de inconveniente que les pueda suponer una molestia, debilitando, de esta forma, la capacidad de reflexión y respuesta de los individuos ante situaciones dañinas y quebrantando el espíritu de superación que todos deberíamos poseer. Y eso que solo estamos a principios del siglo XXI. Como ven una propuesta que hace lo que hace la buena ciencia-ficción, especular sobre la propia esencia humana y en este caso en el ámbito de lo temporal.
Pero no se piensen que El fin de la eternidad es, por tanto, una novela aburrida o densa. Todo lo contrario. Es una historia en la que la acción y las consecuencias temporales de ella están muy presentes, como también lo está la multidimensión temporal y sus consecuencias en la misma estructura de la trama.
No afirmo nada nuevo al decir que El fin de la Eternidad posee parte de la genialidad que Asimov confiaba a cada una de sus novelas. Con el estilo y la elegancia formal propia del autor norteamericano que nos muestra no tan solo una formulación argumental solida y una gran creatividad y originalidad, sino también un trazo literario perfilado y consistente, propio de un autor que no solo creó un enorme caudal de obras sino que también consiguió un gran éxito crítico y comercial con ellas.
Y como gran clásico de la novela contemporánea de ciencia-ficción y referente literario de varias generaciones, es acostumbrado hallar continuas reediciones de sus obras. Este es el caso de la edición de Debolsillo de 2004 o la más reciente de La Factoría de ideas de 2007, un recordatorio del interés que mantienen aún las obras de Asimov entre las editoriales y los lectores.
Los escándalos políticos y financieros nos han ido golpeando a lo largo de los últimos años y nos han ido descubriendo la falsedad de personas que creíamos honradas, sacando a la luz jugadas de mala fe y actos poco éticos, léase preferentes y los casos de corrupción económica y política. Toda esta falta de honestidad tiene su paralelismo, también y aunque no lo parezca, en el mundo del cómic en los hechos que narra el libro Batman Serenata nocturna El origen del caballero oscuro de David Hernando.
Son muchos los niños, jóvenes y adultos que leíamos o leemos con placer los cómics de Batman, visionamos las series antiguas y disfrutamos de las modernas películas. Muchos seguidores e incluso lectores profanos piensan que Batman fue creado por el guionista y dibujante Bob Kane. Esta es la leyenda que precede al señor de la noche, pero resulta que esto no es cierto. No es más que otro mito que se desmorona al leer la obra de David Hernando.
Batman nació en 1939, en el número 27 de Detective Cómics gracias al afán de Bob Kane de crear un éxito parecido al de Superman y poder lucrarse con él. Como suele decirse, el resto es historia… pero falsa. El libro nos habla del escritor y guionista Bill Finger, quien dio forma al característico atuendo de Batman a partir del dibujo con predomino del color rojo que le propuso Bob Kane, para más inri, calcado de otro personaje clásico del cómic. Finger es el guionista de la primera historia y de muchas más que le siguieron, así como el creador de algunos de los extravagantes y conocidos villanos de la serie. En definitiva, el que dio alma y vida a Batman.
Descubriremos en este libro y con estupor la enorme injusticia que acompañó a Bill Finger a lo largo de su vida. El no estar nunca acreditado en la creación de Batman; el estar la mayor parte del tiempo a la sombra de Bob Kane mientras este obtenía todo el éxito, el mérito y el dinero por la creación del personaje. La lectura se nos presenta en forma de relato de ficción, como si David Hernando hubiera estado ahí y nos contase todo lo que sucedió a través de un ensayo novelado.
Sabremos cómo era y qué anhelaba Bob Kane, cómo se aprovechó del buen hacer de Bill Finger y de dibujantes como Jerry Robinson, que fue ni más ni menos que el creador visual del Joker que luego desarrollo Finger. Bob Kane es el malo de la “historieta”, y con razón, pero David Hernando no carga las tintas y se limita a narrarnos los hechos. Kane fue también un adelantado a su tiempo en la visión del negocio de los derechos de autor y dirigiendo su propio estudio. Y sí, veremos como Finger era un genio como guionista, amante de la cultura y el arte, un apasionado de su trabajo, pero un desastre en otros aspectos de su vida personal.
¿Cómo actuó la editorial DC con los creadores de Batman en las diferentes épocas de la trayectoria del personaje? El libro nos narra los modos de proceder de la editorial, los problemas que tuvieron los cómics esos años y los primeros movimientos del fandom.
La verdadera historia de la creación y desarrollo de Batman no la descubre David Hernando, es algo que ya se intuía, se supo internamente desde los primeros años de existencia del cómic y ya es de dominio público entre los interesados en la materia. ¿Por qué entonces era un secreto a voces? ¿Por qué perdura, al menos oficialmente, la mentira de que Bob Kane es el único creador de Batman?
Batman serenata nocturna se lee de un tirón sin dificultades, está muy bien escrito y es muy ameno. Demuestra un gran trabajo de investigación, entrevistas y datos biográficos que quedan muy bien camuflados en el relato y se nos trasmiten sin darnos cuenta, por lo que su lectura gustará también a los curiosos ajenos a la temática del cómic. Un libro que te dejará algo compungido y conmovido por lo que cuenta y es muy posible que te emocione en algunos pasajes y descubras detalles de la creación de esta leyenda del cómic y su evolución a lo largo del tiempo.
Y aunque la injusticia inicial continúe viva hasta hoy, una vez leído el libro, como muy bien explica David Hernando, algo cambiará en la percepción del lector cada vez que lea en cualquier soporte la advertencia “Batman, creado por Bob Kane”. Además al final del libro se publica la carta con la que Kane se defendió de los primeros escritos que implicaban a Finger en la creación del hombre-murciélago. Y se añaden 8 páginas a color con fotos personales de los protagonistas implicados en la trama y una ilustración, que no tiene desperdicio, de cómo hubiera sido el Batman de Bob Kane sin la intervención de Bill Finger.
La portada del libro es una bonita ilustración del aclamado Paco Roca, autor de obras como Arrugas, El Invierno del dibujante o Los Surcos del Azar. En ella vemos al guionista rodeado de los elementos principales que necesita para crear: una máquina de escribir, su libreta de apuntes y montones de hojas, entre otros objetos.
David Hernando es autor entre otros de los libros “Batman el resto es silencio” (Editorial Dolmen) ganadora del premio de la crítica a la mejor obra teórica de 2004 y “Superman: la creación de un superhéroe” (Editorial Timun Mas). Ha sido editor de Batman y Superman en España entre 2006 y 2011.
Os presentamos hoy en Culturalia El reubicado, novela que Alberto Ruiz publica en la editorial Nido de Letras, un proyecto que pretende respaldar a jóvenes escritores noveles en su actividad literaria.
Culturalia 