Crítica teatral: El Lazarillo de Tormes, en el Teatre Condal

lazarillo_facebook3Como es bien sabido, los clásicos nunca abandonan del todo los escenarios de los teatros, regresando a ellos de forma cíclica debido al vigor de su contenido y a la realidad a la que hace referencia. Y si hay algún actor vinculado a la re-visitación de los clásicos, este no es otro que Rafael Álvarez El Brujo. Y si hay una obra vinculada especialmente con el actor, esta no es otra que El Lazarillo de Tormes, un clásico de la literatura española que celebra los 25 años de la versión teatral que Fernando Fernán Gómez realizó para El Brujo.

Una obra, la del Lazarillo, que sigue el esquema habitual de las obras que interpreta Rafael Álvarez, esto es, el trabajo en monólogo del autor que nos recita diversos episodios de la novela y que al mismo tiempo los analiza en el contexto de la época en la que fueron escritos y en su relación con la actualidad. Y no se nos puede escapar que las vivencias de un joven pícaro maltratado por la sociedad y resignado por el hambre tienen puntos de contacto con la actualidad, en la que y en la misma Cataluña, un asombro alto porcentaje de niños y niñas se ven afligidos por el hambre y la exclusión social.

La versión que Fernán Gómez realizó de la obra para El Brujo, nos presenta tres escenas de la novela entre las que destacan la relación, conocida por todos, de Lázaro con el ciego mendicante y la estancia que el joven pícaro sufre en la casa del religioso avaro. La obra no necesita para avanzar más que a El Brujo, por lo que la escenografía es nimia, compuesta tan solo por varias velas y por un mínimo de atrezo. El Brujo, además, se permite entrar y salir constantemente del personaje para hablar directamente al público, con el que establece un diálogo fluido y las más de las veces humorístico. En esta dualidad de la interpretación recae la estrategia de la representación, por lo que podremos ver dos personajes sobre el escenario: el Lazarillo que nos relata sus aventuras y El Brujo que analiza las peripecias del protagonista con un agudo sentido del humor. En algunos momentos, además, la representación se pausa para dar paso al actor, que nos hablará de su relación con el teatro, con la obra y con la vida misma.

slide02El Brujo domina a la perfección una obra que representa desde hace 25 años, que  forma parte de su propia sensibilidad y que le ha dado un lugar sobre los escenarios españoles. Todo está preparado en ella para hacer resplandecer ante los ojos de los espectadores tanto al personaje del Lazarillo como al actor que lo encarna, envuelto todo con el sentido del humor propio de la obra y del actor que le da vida.

Aunque esta no será la única obra que El Brujo interpretará sobre el escenario del Condal. Una vez finalizada las representaciones del Lazarillo de Tormes, se iniciarán el 29 de abril las representaciones de Mujeres de Shakespeare, una de las últimas creaciones de El Brujo que permitirá al público barcelonés observar la evolución teatral del actor a lo largo del tiempo, y en la que sin duda repetirá el formato de El Lazarillo y La Odisea, representada también en el Condal el año pasado.

El Lazarillo de Tormes nos permite disfrutar de una de las grandes novelas de la literatura española, de una pequeña joya del teatro contemporáneo español y de uno de los actores más carismáticos de la escena madrileña. ¿Qué más se puede pedir por el precio de una entrada de teatro?

«El Lazarillo de Tormes» se representa en el Teatre Condal del 8 al 26 de abril de 2015.

Versión: Fernando Fernán Gómez
Dirección: Rafael Álvarez, El Brujo
Reparto: Rafael Álvarez, El Brujo
Iluminación: Gerardo Malla
Vestuario: Lola La Moda
Espacio sonoro: Javier Alejano
Caracterización: José Antonio Sánchez
Producción: Producciones El Brujo

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: de 24 a 28 €
Idioma: castellano
Duración: 1 hora y 30 minutos

NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

“El capital humano” de Paolo Virzì: Il nostro caro Blake Carrington

El afán por medrar en el estatus social provoca víctimas de largo alcance. ¿Cómo se recupera el nuevo rico de un descalabro económico cuando no dispone de un alma que pueda volar sola? Pues sumiéndose en una confusión irreversible, en la que la falta de escrúpulos no cede fácilmente el protagonismo.

EL CAPITAL HUMANO (IL CAPITALE UMANO) es un producto cinematográfico anodino que camufla tras unos personajes amorales y una trama accidentada el empeño de conseguir una obra entretenida de sobremesa. En la película de Paolo Virzì no hay ningún atisbo de sinceridad y sí mucho de tomadura de pelo: La exposición de su historia resulta ramplona por la falta de matices en la presentación de los personajes (los dos cabezas de familia tropiezan de manera tosca en fotogramas funcionales). El desarrollo del guión es una acumulación de golpes de efecto sin poso alguno (por ejemplo, el relato inverosímil de la ambición desemedida de Dino, que se limita a una galería de secuencias en las que chilla, gesticula y harta Fabrizio Bentivoglio).

Tampoco los actores pueden lucirse a pesar de que sus figuras viajen por escenas de lo más variadas ya que sus trajes (esto es, los personajes con los que les toca vestirse) están fabricados sin gracia ni estilo: Valeria Bruni Tedeschi irrita nuevamente como pazguata llorona; Fabrizio Gifuni parece salido de un “remake” de “Dinastía” y Valeria Golino no es más que un holograma fílmico porque se ve y no se ve según las ganas del espectador de seguir su rastro en el metraje. Esto último sí que es una lástima: Ella es la única con indicios de una buena interpretación pero, al carecer su “Roberta” de relevancia, se echa a perder.

En resumidas cuentas, el guión de Virzì, Francesco Bruni y Francesco Piccolo es mediocre y no logra sacar provecho del batiburrillo de temas que apunta. Ni siquiera el múltiple enfoque en el punto de vista que da a entender el supuesto carácter de obra coral resulta convincente porque ninguno de los protagonistas en que se centra la película a cada tramo está tratado con un mínimo de rigor.

Lo que sí consigue, en cambio, la película es que sustituyamos por un par de horas la pantalla del televisor para ver en formato panorámico un “episodio de serie” con conflicto “actual” y resolución “satisfactoria”: Nada cambiará al final. Los buenos seguirán siendo los que más fortuna derrochan para pasmo y admiración de televidentes siervos.

Por Juan Marea

EL CAPITAL HUMANO se ha estrenado en España el 10 de abril de 2015.

 

Crítica: Arde Roma. La caída del emperador Nerón y su ciudad, Stephen Dando-Collins, ed. Ariel.

arde-romaExisten algunos episodios de la historia que por su importancia y trascendencia, no solo han pasado a la posteridad sino que, por una razón u otra, son conocidos por la mayoría. Es habitual en estos casos que lo que se sabe de estos hechos sea tópico y común, y que su pervivencia a lo largo del tiempo haya favorecido la transmisión de toda una serie de equívocos potenciados por la literatura y, sobre todo en los últimos tiempos, por el cine y la televisión. Y si hay un caso de estos en la historia de Roma, no es otro que el del gobierno de Nerón y el incendio que sufrió la ciudad de Roma en el año 64 d.C. Por ello es importante la publicación de libros como Arde Roma, de Stephen Dando-Collins, editado por Ariel, cuyo objetivo es proveer de una mayor luz científica al acontecimiento y construir, a partir de tópicos y típicos, una visión histórica del acontecimiento.

El libro de Dando-Collins comienza con el relato de la fabricación de la “leyenda negra” sobre el incendio de Roma, y de como la historiografía, tanto la antigua como la moderna, ha desarrollado el relato de la tragedia centrándose en las acusaciones que se han ido sumado sobre la figura de Nerón. Para ello el autor da paso al relato histórico comenzando su narración con el inicio del reinado de Nerón, mostrándonos de esta forma las etapas de su gobierno y la Roma previa al gran incendio. Es en este apartado donde podremos ser conscientes de las circunstancias que llevaron al incendio y a la culpabilización de Nerón.

Tras ello Dando-Collins nos relata cómo se desarrolla el incendio, cuyas causas principales en ningún momento apuntan a Nerón. El relato histórico que hace el autor nos permite conocer cómo se sucedieron los acontecimientos, siempre desde el punto de vista de las fuentes antiguas como Suetonio, Tácito o Dion Casio, algunos de los cuales vivieron de cerca el trágico incendio. Es en este apartado donde el ardor se apodera del lápiz del autor y la narración se convierte más en un relato novelado, siempre, como he dicho antes, fiel a los textos históricos existentes. Y es, asimismo, donde podemos evidenciar la escasa relación que Nerón tuvo con el incendio, en un momento en el que el emperador estaba ausente de la ciudad.

Stephen Dando-Collins
Stephen Dando-Collins

Tras la narración del incendio Dando-Collins nos relata las consecuencias del mismo y el periodo de persecuciones que caracterizó la etapa final del reinado de Nerón, haciéndonos partícipes de la serie de ajusticiamientos que este llevó a cabo preso del miedo a una conjura contra su persona. El libro finaliza analizando la conspiración que puso final al reinado de Nerón en el 68 d.C. y que dio paso al año de los cuatro emperadores (esto es, el año en el que gobernaron sucesivamente Galba, Otón, Vitelio y Vespasiano) y a la instauración de la dinastía Flavia en Roma.

Arde Roma es uno de esos ejercicios de lectura que pretenden poner los puntos sobre las íes en lo que respecta a la historia, y más en episodios tan conocidos por el público y por ello, normalmente, tan alejados de lo realmente acontecido. Aunque el título parece indicar un interés especial por parte del autor en el incendio de Roma del año 64, el libro es más una biografía de Nerón que le dedica un amplio capítulo a la catástrofe y a las consecuencias de la misma.

Como elemento a destacar cabe indicar las páginas que dedica Dando-Collins a relatarnos la llegada y la coronación que Tiridates, el rey parto de Armenia, recibió de manos de Nerón en Roma en el año 66 d.C., una anécdota que, aunque interesante, normalmente no ocupa demasiadas líneas en las obras que tratan sobre la época. El autor, además, se recrea en la política del momento y en el carácter y los gustos de Nerón, sobre todo su inclinación por las artes escénicas (de carácter griego), algo que como os podéis imaginar no fue bien visto por todos en la época, y mucho menos por la aristocracia romana. Asimismo, se ha de felicitar al autor y al traductor porqué el libro está bien narrado y bien traducido, algo que, y esto es preocupante, no es algo tan habitual como debiera.

Arde Roma es un libro pequeño, 315 páginas, pero en él reside la fuerza de aquellos empeños que pretenden aclarar las cosas para el gran público. Si a su intención le sumamos el buen hacer del autor, un esfuerzo de documentación que se nota importante y el interés que puede generar un acontecimiento y un personaje como los que trata el libro, Arde Roma se convierte en una oportunidad de descubrir de forma amena y agradable lo cierto de la historia que se nos explica, y aprovechar para derribar los tópicos que no hacen nada más que enturbiar el conocimiento histórico.

Título: Arde Roma: La caída del emperador Nerón y su ciudad
Autor: Stephen Dando-Collins
Traductor: Ana Herrera Ferrer
Edirorial: Ariel
Fecha de publicación: 01/03/2012
Nº de páginas: 328
Idioma: Español
Formato: 14,4 x 23 cm.
Presentación: Rústica con solapas
ISBN: 978-84-344-7057-6
Precio: 21,90 €

NOTA CULTURALIA: 8

Jorge Pisa

Novetat editorial: 17. Vivir, revivir, sobrevivir, d’Àlex Santaló

9788490940822

Als disset anys a l’il·lustrador Àlex Santaló (Santa Coloma de Gramanet, 1977) li van diagnosticar un càncer als testicles; als trenta-quatre, i quan la malaltia ja estava superada, la situació es va repetir. Un doble revés com aquest marca la vida de qualsevol, així que, seguint els consells dels seus amics, el dibuixant va decidir explicar la seva experiència en un còmic a mode de catarsi, i el resultat és 17. Vivir, revivir, sobrevivir, una història –amb pròleg de l’exfutbolista Éric Abidal– que convida a l’esperança en moments tan delicats com els que ha viscut, i que ha volgut convertir en «una carta d’agraïment a la gent que tenia al meu voltant, als 17 i als 34 anys, família, amics i metges».

Santaló confessa que al principi era reticent a escriure aquesta peça, però que un dia va decidir començar a fer un esbós del guió i, gairebé sense adonar-se, ja el tenia acabat; més tard va consultar la família i els amics per afegir aquells fets que a ell se li escapaven, i d’aquesta manera va anar completant aquesta història, dibuixada gairebé en la seva totalitat en blanc i negre perquè, en la seva opinió, reflectia millor la cruesa de la realitat (tot i no recrear-s’hi, no ha volgut amagar el patiment que el càncer provoca), relegant el color als moments de fantasia i ciència-ficció. Així, a l’obra hi aboca tots els referents que van modelar la seva personalitat ja des de l’adolescència, incloent els còmics (Akira), la ciència-ficció (Alien) i la música (Queen, Pink Floyd) que van esdevenir el seu refugi particular.

El dibuixant Àlex Santaló, acompanyat de Pep Prieto i Marc Pastor, durant la presentació del còmic
El dibuixant Àlex Santaló, acompanyat de Pep Prieto i Marc Pastor, durant la presentació del còmic

A la presentació de 17. Vivir, revivir, sobrevivir Santaló va estar envoltat de nombrosos familiars i amics, i va cedir la paraula als escriptors Pep Prieto i Marc Pastor; amb ells manté una complicitat especial i tots tres van convertir l’esdeveniment en una presentació alegre i festiva, gens ortodoxa, amb molt humor, constants rialles i l’imprescindible punt d’emotivitat que l’ocasió mereixia. Prieto i Pastor van mostrar públicament l’admiració vers el seu amic per la forma amb què va afrontar la situació –«Ara el meu superheroi és l’Àlex», va confessar el primer, mentre que al segon se li trencava la veu al definir-lo com un «cabró entranyable que dibuixa molt bé i és el meu millor amic»– i per la seva capacitat de riure’s d’ell mateix en uns moments tan delicats com els que afortunadament ja ha deixat enrere.

Malgrat que no és un còmic eminentment humorístic, l’humor hi és present perquè és una qualitat inherent al seu autor, tal i com afirma Marc Pastor: «Quan em va explicar que tornava a patir càncer, estava convençut que el venceria perquè té moltíssima empenta, hi posa molt humor a tot, i això es pot veure al còmic». Per la seva part, Àlex Santaló no vol ser un referent per a ningú, només pretén oferir un punt d’humor a la situació perquè, encara que reconeix que és difícil, el càncer es pot viure d’una manera menys dramàtica de la que s’acostuma a vendre, i així passa millor i més ràpid.

Títol: 17. Vivir, revivir, sobrevivir
Autor: Àlex Santaló
Editorial: Panini
Col·lecció: Evolution
Data de publicació: Març 2015
ISBN: 9788490940822
Preu: 16,00 €

Novedad editorial: People from Ibiza, de José Corbacho y Juan Cruz

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La complicidad entre José Corbacho y Juan Cruz es sobradamente conocida: amigos desde tiempos inmemoriales, juntos han hecho teatro, han dirigido películas y series de televisión, han escrito guiones… Ahora dan un paso más en su próspera sociedad con la publicación de su primera novela conjunta: People from Ibiza (Plaza & Janés en castellano, Rosa dels Vents en catalán), una novela coral que toma prestado el título del famoso tema popularizado por Sandy Marton en 1984 para explicar, en clave de comedia, cómo diversos personajes afrontan las vacaciones estivales en un escenario sensacional, la isla de Ibiza.

En verano Ibiza se convierte en un hervidero de gente, turistas que buscan un lugar en el que transformarse en aquel que desearían ser. People from Ibiza muestra a un grupo de personajes que ansían dejar de ser ellos mismos por un tiempo, historias cruzadas en las que encontraremos a una familia de L’Hospitalet del Llobregat que llegan a su destino con la suegra y el perro incluidos, un chef francés que pretende olvidar la intoxicación que provocó en su restaurante, un director de museo berlinés que se va a casar con un famoso presentador de televisión, un párroco italiano, un grupo de hinchas del Liverpool que pasean las cenizas de su amigo, un cómico salmantino enamorado de la rica heredera de una cadena hotelera y una popstar cansada de serlo.

José Corbacho y Juan Cruz, en una imagen promocional
José Corbacho y Juan Cruz, en una imagen promocional

Fascinados por la isla blanca desde hace muchos años, Corbacho y Cruz coincidieron en convertirla en la protagonista de su primera novela por su capacidad para atrapar a todo aquel que pasa unos días en ella, turistas que encuentran allí mucho más que desenfreno discotequero: también descanso familiar, relax en el campo, ambientes frecuentados por hippies… Además, ambos afirman con rotundidad que la magia ibicenca permite dividir el mundo en dos facciones: «Todos aquellos que han estado alguna vez en Ibiza y los que se mueren de ganas por ir». Así, People from Ibiza relata las ilusiones, sueños y desengaños de sus protagonistas en su hilarante periplo por la isla, una novela que nació siendo un guión cinematográfico, pero que finalmente modificaron para convertirlo en este libro.

Título: People from Ibiza
Autor: José Corbacho y Juan Cruz
Editorial: Plaza & Janés (castellano) / Rosa dels Vents (catalán)
Páginas: 256 páginas
Fecha de publicación: Marzo 2015
ISBN: 9788401343582
Precio: 15,90 €

Crítica literaria: Segundo (Biografía de un piso), de Rubén Señor

Segundo

Hace apenas unas semanas os presentábamos Segundo (Biografía de un piso), la segunda novela de Rubén Señor que él mismo optó por autoeditarse. Una vez concluida su lectura no dejo de preguntarme por qué ninguna editorial se ha decidido a publicar esta agradable sorpresa que parece surgida de la mente privilegiada de Rafael Azcona, una apuesta segura por su finísimo sentido del humor, por la emotividad de algunos pasajes, por lograr definir la mayoría de los personajes en pocas páginas –apenas el piso y la pareja de porteros tienen largo recorrido en el relato– y por realizar, casi sin pretenderlo, una radiografía del ciudadano medio de este país y de los cambios que ha vivido en los últimos setenta años. En palabras de su autor suena todavía mejor: «Es un libro que puede que no te cambie la vida, pero te hará pensar en sus pequeños “detalles colaterales” que la adornan».

Señor se define con modestia como un simple aprendiz en diversos ámbitos: creativo publicitario, realizador, fotógrafo y ahora escritor, aunque el adjetivo que considera más adecuado a su persona es el de soñador, un soñador cuyo objetivo fue siempre el de dar la vuelta al mundo; finalmente dio el paso junto a su compañera Lucía Sánchez e invirtieron un año en esa aventura, y fue en ese viaje, curiosamente tan lejos de Madrid, cuando dio forma a Segundo (Biografía de un piso), aprovechando cada impasse, en estaciones, aeropuertos y vuelos de 15 horas, para realizar esta biografía ficticia con alma de novela costumbrista centrada en la familia –las numerosas de hasta once miembros de los años cincuenta son casi, casi un recuerdo lejano en la actualidad–, el amor, la inocencia infantil y la convivencia bajo un mismo techo.

El escritor y bloguero de viajes Rubén Señor
El escritor y bloguero de viajes Rubén Señor

Como es evidente, el gran protagonista de este relato es Segundo, un piso situado en la Plaza de la Cebada número 4 de Madrid; su protagonismo va más allá de ser un mero notario inanimado que rememora nostálgico sus días poco antes de desaparecer: el gran acierto de su autor es convertirlo en un narrador magnífico, con una ironía sutil, siempre curioso, un espectador pasivo que sufre por sus tuberías malolientes y que no pretende hablar con objetividad sobre quienes habitaron en él a lo largo de su vida, con una predilección especial (que a buen seguro compartirá el lector) por el travieso Conrado Cifuentes y los JositosJosé y Josefina–, una pareja de porteros tan entrañables como fogosos.

Además, siete décadas de vida convierten a su protagonista en un inmejorable testigo de los grandes cambios que ha experimentado este país, y Rubén Señor saca provecho de ello para repasar fechas tan importantes como la primera emisión de TVE (28 de octubre de 1956, todo un acontecimiento en la comunidad) o la muerte de Franco (20 de noviembre de 1975, recibida con vítores por la familia Antúnez), pero de una forma más vivencial, menos enciclopédica, para mostrar la esencia de cada instante: el desfase de los 80, la impotencia frente al 11-S, la angustia por la crisis de nuestros días…

La pretensión de Rubén Señor es convertir Segundo (Biografía de un piso) en una minifuente de financiación para su proyecto viajero algoquerecordar. En este sentido animo a Señor a que siga viajando de un lado a otro, por supuesto, pero que no descuide su faceta de escritor: sus lectores se lo agradecerán.

Título: Segundo (Biografía de un piso)
Autor: Rubén Señor
Editorial: Autoedición (Lucía Sánchez)
Fecha de publicación: Febrero 2015
ISBN: 9788461720248
Precio: 15,60 €

Más información: http://algoquerecordar.com/segundo/

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Escrito por: Robert Martínez

Second chance: Els veïns de dalt, en el Teatre Romea

els veins de daltNo digo nada nuevo si afirmo que aunque los vecinos no nos son mostrados a la hora de comprar o alquilar una vivienda, su existencia puede llegar a ser un verdadero hándicap para el sostenimiento de la frágil, a veces, salud familiar. De esto, en parte, nos habla Els veïns de dalt, obra estrenada en el Teatre Romea el pasado 23 de marzo, dirigida por Cesc Gay e interpretada por Pere Arquillué, Àgata Roca, Nora Navas y Jordi Rico, una tragicomedia sobre la crisis de la pareja y la relación con los vecinos «de arriba».

Els veïns de dalt es una comedia con una alta graduación de tragedia que nos habla del mundo de la pareja, aquel en el que, de una forma u otra, acaban morando la mayor parte de los mortales, y nos permite ser testigos de los últimos momentos de una relación sentimental, aquellos presididos por la inercia, los reproches y las ganas de dañarse mutuamente. Gay construye además, su historia con muy poco y nos lleva, como el operario de una pequeña montaña rusa, de un extremo a otro de la tragicomedia justo en el momento de la representación que él quiere.

La situación nos es presentada con el regreso de Juli (Pere Arquillué) a casa finalizada la jornada laboral. Anna (Àgata Roca) le recuerda que han invitado a los vecinos de arriba, Laura (Nora Navas) y Salva (Jordi Rico) a un pica a pica para agradecerles su ayuda durante su traslado e instalación en el piso. Las excusas y las estrategias de Juli para evitar la velada y las referencias a los molestos ruidos de los vecinos, nos mostrarán los primeros problemas visibles en la pareja. La reunión y la revelación de las prácticas sexuales «liberales» que mantienen los vecinos de arriba llevarán a Juli y a Anna a un viaje de recriminaciones y descubrimientos en el que las dos parejas se sincerarán.

els veins de dalt 2Las claves de la obra son pues la constatación de los problemas en la relación entre Anna y Juli, mostrándosenos unas veces en clave de comedia y en otras con un tono más bien trágico, y el descubrimiento de las singulares prácticas sexuales de los vecinos. Gay ya tiene experiencia narrando los problemas cotidianos de las parejas, solo hace falta recordar sus años de guionista en la series Jet lag (2001-2006) o la dirección del filme Una pistola en cada mano (2012) para ser consciente de su habilidad en la temática. Si a eso le sumamos el voltaje cómico que posee la confesión de las prácticas íntimas de los vecinos y la confrontación entre las relaciones que mantienen ambas parejas, obtendremos el mix de comedia y de melodrama que os comentaba antes.

Sin embargo, la obra decae algo hacia el final de la representación, cuando una reunión más o menos realista entre vecinos en clave de comedia, se convierte en una poco creíble sesión de terapia de pareja, en la que la acción se desarrolla de forma «facilona» para llegar, por fin, a la conclusión de la obra con un aceptable final feliz. Es esta parte de la representación la más predecible y la que alarga una trama que hasta ese instante había avanzado con firmeza.

Las interpretaciones están todas muy en el tono de la tragicomedia que vamos a ver. En ellas destacan las de la pareja protagonista principal: Àgata Roca se nos presenta como una mujer que ha perdido la esperanza en su relación pero que la mantiene por inercia. Luce, además, un modelo que realza con mucho su atractivo físico. Pere Arquillué, por su parte, lleva el peso de la comicidad en la obra. Jordi Rico y Nora Navas se compenetran a la perfección como pareja moderna, liberal y sin prejuicios que intentará ayudar a sus vecinos a superar sus agudos problemas. La escenografía nos introduce en el ámbito del diseño contemporáneo, como indicándonos la universalidad de los problemas de pareja que se nos relata.

En resumen, una buena oportunidad para echarse unas risas viendo los problemas de los otros (que a veces son también los nuestros) y para ser conscientes de lo singulares y cómicos que, como vecinos, seguro podemos parecer a los demás si les explicamos nuestras interioridades emocionales y comportamentales. Una comedia algo trágica sin mayores expectativas que les hará pasar un rato agradable para poder escaparse, de nuevo, de sus problemas más acuciantes.

Els veïns de dalt” se representa en el Teatre Romea hasta el 17 de mayo de 2015.

Autor y director: Cesc Gay
Reparto: Pere Arquillué, Àgata Roca, Nora Navas y Jordi Rico
Escenografía: Alejandro Andújar
Vestuario: Anna Güell
Iluminación: Carlos Lucena
Producción: Elefant, Teatre Romea, Mola Produccions, ICEC (Generalitat de Catalunya) i la colaboración del Teatre La Sala de Rubí

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: de 18 a 28 €
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 25 minutos

NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa

Crítica literaria: Mr Mercedes, de Stephen King

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¿Es posible dar un giro en tu carrera y sorprender a tus seguidores cuando eres un escritor conocidísimo, con más de cincuenta títulos a tus espaldas? Probablemente Stephen King (Portland, Maine, 1947) se repitiera esta cuestión una y otra vez antes de escribir Mr Mercedes, su último libro publicado en nuestro país, mucho más que una novela, un reto para él: aparca momentáneamente la temática que tan bien domina (la del terror) para explorar un territorio nuevo, el de la novela policíaca, y lo cierto es que debuta con muy buena nota con esta historia sobre la sempiterna lucha entre el bien –representado por Billl Hodges, un policía de la vieja escuela con algo de sobrepeso– y el mal –ese Mr Mercedes del título, un joven que pasa totalmente desapercibido en su día a día, aquel vecino en el que nadie se fijaría nunca–, un juego perverso entre el ratón y el gato con giros argumentales sorprendentes y que cuenta con un último tramo sensacional.

King no pretende desafiar las habilidades deductivas del lector, no le plantea la duda sobre quién es el personaje que una madrugada de abril de 2009 utilizó un Mercedes-Benz SL500 de doce cilindros para embestir a un grupo de parados que esperaban lograr un empleo y convertirlos en «mermelada de fresa». Esa no es su intención ya que la identidad del asesino queda desvelada en las primeras cincuenta páginas, por lo que el interés del relato recae en el enfrentamiento entre ese desequilibrado escurridizo y el viejo inspector, ahora ya jubilado, que fue incapaz de darle caza en su día. Apenas un año después del suceso, los dos están retirados de sus “actividades”, así que, en cierto modo, ambos se necesitan mutuamente: el primero porque pretende sentir de nuevo la emoción de manipular a la gente a su antojo, siempre con fines siniestros, por supuesto, mientras que el segundo busca huir del tedio en el que se convirtió su vida desde que entregó su placa de policía, además de tratar de solventar los errores que cometió en aquella investigación.

El escritor Stephen King, en una imagen promocional
El escritor Stephen King, en una imagen promocional

Mr Mercedes cuenta con el sello propio de su autor, ese humor negro tan habitual en su literatura, además de dar forma a otro personaje demente y obsesivo que no desentona con sus anteriores criaturas literarias. Asimismo, King dibuja diversas escenas que evidencian su fascinación por el horror: desde la descripción minuciosa de la masacre que origina la historia a un episodio concreto de la infancia del criminal junto a su madre y su hermano pequeño (de una crueldad terrible), sin olvidar ese clímax final convertido en una carrera contrarreloj que dejará al lector sin aliento. Celebremos, pues, la irrupción de este nuevo Stephen King, un escritor renovado que sin duda se ha sentido muy cómodo en su nueva faceta, tanto que ya tiene a punto la segunda parte de esta trilogía policíaca protagonizada por el inspector Hodges bajo el título de Finders Keepers, a la venta a mediados del 2015.

Título: Mr Mercedes
Autor: Stephen King
Editorial: Plaza & Janés
Páginas: 492 páginas
Fecha de publicación: Noviembre 2014
ISBN: 9788401343117
Precio: 23,90 €

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Escrito por: Robert Martínez

Crítica teatral: Las amistades peligrosas, en el Teatre Goya.

Las amistades peligrosas_1Existen textos, como Las amistades peligrosas, escrita por Pierre Choderlos de Laclos en 1782, que resurgen de forma continuada a lo largo del tiempo, adaptándose en formatos diversos, tanto en el cine (con aquellas dos versiones consecutivas, Las amistades peligrosas, de Stephen Frears en 1988 y Valmont, de Miloš Forman en 1989), en la televisión como en el teatro y que nos hacen recordar que la obra sigue generando interés después de más de 230 años de existencia. Con todo ello no resulta extraño que Las amistades peligrosas se haya vuelto a estrenar en el Teatre Goya con una versión algo especial.

«Carmen Conesa en el papel de la ‘Marquesa de Merteuil’ y Edu Soto como el ‘Vizconde de Valmont’ juegan a la seducción en la irreverente y sensorial versión de Las amistades peligrosas. El discurso libertino y sensual del clásico de Choderlos de Laclos, su combinación de amor, humor, perversión y poder, está enhebrado en este montaje dirigido por Darío Facal con música en vivo. Todo un ‘collage’ escénico en el que los actores interpretan en directo rock, heavy, jazz y ópera».

La compañía Metatarso nos provee de una nueva versión de la obra que pretende ser una actualización de la novela, si bien no intenta trasladar la acción, como es habitual en gran número de adaptaciones, de la Francia pre-revolucionaria a cualquier otro contexto histórico, sino que juega con los formatos para proveer a la obra de un toque más moderno. Y esto lo consigue a través del escenario desnudo que acoge a la obra y del uso de la música en directo. Con el primero la obra descontextualiza la acción que se desarrolla sobre el escenario y con la segunda el proyecto consigue actualizarse a través del uso de instrumentos y melodías que nada tienen que ver con el siglo XVIII y sí mucho con el XX, como pueden ser el rock, el jazz, el punk o el heavy. Como ven todo esto le da a la representación un toque de originalidad que la vincula más a los públicos modernos, sirviéndonos una historia que pretendía ser testimonio del libertinaje y la bajeza moral de la aristocracia de los años previos a la Revolución Francesa.

Asimismo, el espectáculo conserva su estructuración epistolar, propia de la novela original, lo que le permite nadar entre dos corrientes adversas, las propias de la obra escrita a finales del XVIII y las que pertenecen a un siglo, el nuestro, en el que la innovación y la novedad se imponen.

Las amistades peligrosas_2Aunque no todo concuerda de la misma forma con las voluntades creativas del proyecto. A la versión de Darío Facal le falta una buena dosis de ritmo que hace encallar la historia en diversos momentos y no todo el reparto está a la altura de las circunstancias. Mientras Carme Conesa sí que le sabe dar a su interpretación ese toque de perversión e inmoralidad que su personaje requiere, Edu Soto no acaba de coger el punto a un Valmont mitificado por Malcovich en el cine en la versión de Stephen Frears. El resto de los actores y actrices están más que correctos en sus papeles respectivos, tanto Lucía Diez y Mariano Estudillo como los jóvenes amantes sobre los que recaerá la acción perversa de Merteuil y Valmont; Iria de Río que encarna a Tourvel, otro de los objetivos de seducción de Valmont y Lola Manzano que interpreta a Madame de Volanges.

La adaptación de Facal contiene un claro elemento de humor, que sigue al que ya existiera en el texto original, y que no solo apreciaremos a través del recitado, sino también en las actitudes de los actores y actrices. Facal acierta en el hecho de actualizar la propuesta no solo con ligeros toques modernizantes en el vestuario, sino también en la forma de actuar de los actores y actrices, que utilizarán micrófonos para recitar y para cantar. Asimismo, es todo un acierto de sutilidad el hecho de rebajar las escenas algo más subidas de tono con la interpretación de temas musicales, como en el primer encuentro sexual entre Valmont y Cecile, que transcurre en medio de un ejercicio de batería.

El Teatre Goya y Metatarso Producciones nos muestran un proyecto bien cocinado a medias, en el que las ideas parecen estar claras pero la realización de las mismas no dan el resultado requerido. Aún así vale la pena observar cómo puede el teatro del siglo XXI revisitar, de una forma fresca y saludable, un clásico teatral del siglo XVIII, que nos permite advertir las costumbres y los privilegios de una nobleza en vísperas de la Revolución Francesa, a punto de ser esquilmada por el avance ciego de la historia.

«Las amistades peligrosas» se representa en el Teatre Goya hasta el 5 de abril de 2015.

Versión: Javier L. Patiño y Darío Facal
Dirección: Darío Facal
Producción: Metatarso
Reparto: Carme Conesa, Edu Soto, Iria de Río, Lucía Diez, Mariano Estudillo y Lola Manzano

NOTA CULTURALIA: 6
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Jorge Pisa

Galeria Johnson: una nova sala d’exposició fotogràfica a Barcelona

Galeria Johnson

Els aficionats a la fotografia de temàtica musical estan d’enhorabona: el passat 6 de març va obrir les seves portes la Galeria Johnson, un nou espai cultural que arriba a Barcelona de la mà del galerista francès Phil Delécluse i que estarà dedicat a l’exhibició i venda de fotografies d’icones del rock i el blues dels últims 50 anys, imatges que han il·lustrat discos o han estat portada en revistes com Esquire, GQ, Rolling Stones o Vogue.

La sala rep el seu nom del músic Robert Johnson (1911-1938), un pioner del blues que en va tenir prou amb només una trentena de cançons per influir a músics tan reconeguts com Jimi Hendrix, The Rolling Stones, ZZ Top o Led Zeppelin, a més d’inaugurar l’anomenat “Club dels 27”, edat en què va morir. Per a Delécluse, la importància d’aquest músic de Hazlehurst (Mississipí) va ser definitiva en el desenvolupament de la música que ell pretén homenatjar: «Sense ell, ni el blues ni el rock’n’roll existirien». Potser per això també se’l coneix com l’Avi del Rock and Roll.

David Bowie i Mick Ronson esmorzen en un tren, una imatge signada per Mick Rock
David Bowie i Mick Ronson esmorzen en un tren, una imatge signada per Mick Rock

Així, Phil Delécluse ha triat una trentena de fotografies d’autèntics referents de la història del rock i el blues: David Bowie, Iggy Pop, Lou Reed, Slash, Freddie Mercury, The Clash, B.B. King o Freddie Mercury són alguns dels protagonistes d’aquesta exposició que serveix per a donar a conèixer la feina dels fotògrafs Mick Rock, George Dubose, Knapp, Adrian Boot i Desi Estévez. El responsable de la sala confia trobar un públic que comparteixi amb ell la fascinació per aquest tipus de fotografies, una atracció que ell explica d’una manera molt senzilla: «Al final, la fotografia de rock s’assembla molt a la música rock: no es centra tant en la tècnica sinó en l’emoció que destil·la cada instantània».

The Clash, en una imatge de 1976 realitzada per Adrian Boot
The Clash, en una imatge de 1976 realitzada per Adrian Boot

A la Galeria Johnson es podran trobar edicions limitades d’aquestes peces, numerades, signades i emmarcades, a preus que oscil·laran entre els 300 € i els 5.000 €. Delécluse espera consolidar el seu projecte ben aviat, i ja valora noves idees amb què atraure els aficionats: exposicions cada tres mesos, fotos a la carta per a regals especials, etc.

Galeria Johnson
Pg. del Rector Oliveras, núm. 4
08009 Barcelona.
De dilluns a dissabte, de 9:30 h a 13:30 h i de 16:00 h a 20:00 h

Més informació: http://www.galeriajohnson.com/

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Sobre Monstruos Reales y Humanos Invisibles

El rincón con mis relatos de ficción, humor y fantasía por Fer Alvarado