La compañía de teatro postdramático PVZ os propone una radiografía de cuerpos y vidas atrofiadas con el estreno el próximo viernes 29 de julio de Mors Moris.
Mors Moris es una poesía con alambre de espinos, un testimonio de la disolución del ser humano. Los protagonistas inician una trayectoria en los sentidos más profundos de lo que es conciencia, ser, devenir, en un conflicto entre sus vicios y la necesidad de auto salvación. ¿Qué es la vida sino una muerte diaria?”
El mundo es un cementerio decadente de cuerpos y almas agotadas. Me alimento del éxtasis social y respiro muerte. Compro, compro, compro, pago facturas, tasas del banco, hipoteca, coche, aparcamiento, asistencia social, colegio, universidad, máster, impuestos, comisiones, sgae. Durante el día engullo mi cuerpo con cafeína, bebidas energéticas, quemador de calorías, cola zero zero zero, durante la noche compro mi sueño con somníferos y pongo la tele para cubrir el silencio. Compro, compro. Mi alma esta agotada. La engaño en encuentros carnales, pero fallo en llenar el vacío con amor. Decadente. Aún tengo esperanza. Que mi vida es más que un sacrificio con fines efímeros y vuelo roto entre cuatro paredes. Mi alma esta agotada. Respiro muerte.
PVZ no está subvencionada por ninguna administración.
“Mors Moris” se representará en La Riereta Teatre los días 29 y 30 de julio de 2011.
Autor y director: Mad Pirvan
Reparto: Maria Griñó, Marta Sanz, Montse Jiménez, Oscar Vinilo y Mad Pirvan
Compañía: PVZ
Horarios: 21:30 horas Precio: 9 €; 7 € en Atrápalo
El Gran Teatre del Liceu presenta este mes de julio en siete únicas funciones la adaptación de la opera Carmen de Bizet realizada por Calixto Bieito e interpretada por Béatrice Uria-Monzon, Fabio Armiliato, María Bayo, Jossie Pérez, Neil Shicoff y Ainhoa Arteta.
Carmenes un verdadero arquetipo del género, de una popularidad sin parangón, objeto de admiración de músicos y artistas, y base de un gran número de adaptaciones. Innovadora por su concepción, tiene la grandeza que le proporciona una historia muy bien trabada y la extraordinaria inventiva melódica, armónica e instrumental de su música.
El enfrentamiento entre, por un lado, la gitana que defiende con pasión su personal sentido de la libertad, y por el otro, la mentalidad posesiva y convencionalmente masculina del soldado navarro, desemboca en una tragedia que supera con mucho el contexto argumental, que fácilmente habría podido hacerlo caer en el tópico de una Andalucía de toreros y castañuelas. La nueva puesta en escena que dirige Calixto Bieito está basada en la creación que presentó en el Festival de Peralada.
“Carmen” Opéra-comique en cuatro actos. Libreto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy basado en la novela de Prosper Mérimée. Música de Georges Bizet. Estrenada el 3 de marzo de 1875 en la Opéra Comique de París.
Estrenada en Barcelona en el Teatre Líric el 2 de agosto de 1881. Estrenada en el Gran Teatre del Liceu el 26 de enero de 1888.
Retransmisión de una función en julio en la playa y en el Palau Robert.
“Carmen” se representará los días 21, 22, 24, 25, 27, 28 y 30 de julio de 2011.
Dirección musical: Marc Piollet
Dirección de escena: Calixto Bieito
Reparto: Béatrice Uria-Monzon, Fabio Armiliato, María Bayo, Jossie Pérez, Neil Shicoff, Ainhoa Arteta y otros.
Escenografía: Alfons Flores
Vestuario: Mercè Paloma
Iluminación: Xavier Clot
Nueva coproducción: Gran Teatre del Liceu / Teatro Massimo (Palermo) / Teatro Reggio (Turín) Orquesta Sinfónica y Coro del Gran Teatre del Liceu Cor Vivaldi-Petits Cantors de Catalunya
Horarios: los días 21, 22, 25, 27 y 28 de julio a las 20:00 y el día 24 de julio a las 17:00 horas. Precio: de 9,50 a 194 €.
El Círcol Maldà programa del 15 al 24 de julio Oblideu-vos de nosaltres, una obra que de la mano de Evelyn Arévalo reconstruye el cosmos político e ideológico del poeta y dramaturgo Tadeusz Różewicz.
«No mentiré
No formo ninguna unidad he sido destrozado y desnudado
Quién entonces se inclinará quien se interesará por estos fragmentos» Tadeusz Różewicz
Un espectáculo de amor y guerra a partir de textos del poeta polaco T. Rozewicz. Una dramaturgia conmovedora de Evelyn Arévalo sobre los supervivientes de la Segunda Guerra Mundial y la reconstrucción de una Europa que ya nunca volverá a ser igual.
Parte de un presente, de un ahora y reconstruye, desde la cotidianidad, desde los fragmentos del día a día de personajes rotos, su historia, la historia de una Europa que desaparece o que intenta aparecer después de haber desaparecido.
“Oblideu-vos de nosaltres” se representará en el Círcol Maldà del 15 al 24 de julio de 2011.
Dramaturgia y dirección: Evelyn Arévalo
Intérpretes: Arnau Puig, Mireia Sanmartin y Evelyn Arévalo
Audiovisual: Setzenou
Traducción poemas: Josep-A. Ysern i Lagarda
Técnico: Edgar Paulinho
Producción: Marina Marcos
Horarios: jueves, viernes y sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas. Precio: 15 €
L’Associació d’Actors i Directors Professionals de Catalunya (AADPC) presenta el seu projecte de gestió i pla d’usos de la fàbrica de creació La Escocesa, una antiga fàbrica del barri de Poblenou reconvertida en centre de creació teatral, que esdevindrà un espai cultural neuràlgic de Barcelona, a imatge d’altres ja existents dedicats a diferents disciplines (la Central del Circ, el Centre de Creació de Dansa de l’Illa Philips, La Seca o la Fabra i Coats), complementant el mapa d’equipaments culturals de la ciutat que ha impulsat l’ICUB de l’Ajuntament de Barcelona els darrers anys.
Aquest centre de creació i formació per a actors i directors, dirigit i gestionat per l’Associació d’Actors i Directors Professionals de Catalunya (AADPC), serà el projecte de futur d’una associació que enguany celebra 30 anys i busca nous horitzons: per aconseguir que la societat cregui cada cop més en la necessitat de consumir teatre, és imprescindible teixir una pedrera de futur i posar a l’abast dels actors i directors del nostre país totes aquelles eines necessàries per què puguin seguir trobant noves maneres d’explicar històries.
Aquesta idea es farà realitat a La Escocesa, un laboratori d’idees que aportarà unes condicions òptimes per al suport de la creació actoral i escènica, un centre d’investigació i recerca de nous llenguatges on prevalgui l’acció, el risc, l’experimentació, la formació, la pràctica, l’assaig, la repetició i l’actuació. Es crearà doncs un espai estable i definitiu per a la trobada, fonamentat en dues línies essencials: la de l’actor i la del director.
El compromís de l’AADPC és la reflexió i el debat per a la creació de sinergies i acords que enforteixin el sector, impulsant les activitats que col·laborin a elevar el nivell cultural, artístic i professional. Amb La Escocesa, els objectius passen a un pla tant material com teòric: oferir un espai en condicions òptimes que estimuli la creació contemporània i, per l’altra, capacitar els actors i directors per què puguin adaptar-se als nous temps i a les noves demandes. Permetrà, en definitiva, compensar l’actual desequilibri entre la vocació professional i les oportunitats reals.
Objectius:
– Generador de projectes. Plataforma que inverteixi, atregui, descobreixi, desenvolupi i exposi talent.
– Aparador. Escenari de les propostes dels professionals del sector que estiguin treballant en projectes teatrals i no estiguin sotmesos als circuits comercials. La exhibició d’aquests projectes no és comercial sinó per confrontar experiències i enriquir-se de les opinions dels companys.
– Trampolí al món laboral. Motor de foment de l’ocupació i treball per a actors i directors professionals.
– Pont entre el producte experimental i el producte comercial.
– Residències, aules de formació, punt de trobada.
Atès que l’espectador és l’element que tanca el cercle de la creació escènica, els actors i directors disposaran d’un escenari que els permetrà mostrar, internament, tots aquells treballs que s’hagin creat a La Escocesa, ja siguin productes acabats o works in process. Aquest escenari estarà situat a la principal sala d’assaig de La Escocesa, un multi-espai perfectament equipat.
La Escocesa és a més un espai de relació obert al barri, als veïns, als ciutadans, al públic consolidat i al públic nouvingut. Vol acostar el procés de creació teatral, els seus diferents mètodes i llenguatges a la ciutadania mitjançant una pedagogia ben definida i vertebrada, a partir d’un programa d’activitats didàctiques, formatives i lúdiques.
El nou equipament també vol establir un circuit regular de produccions: creacions amb segell distintiu de qualitat que permetin la vinculació de totes les propostes que generi amb els diferents festivals i fires de teatre de Catalunya, Espanya i Europa.
Llega a la cartelera barcelonesa una nueva versión de Romeo y Julieta, la gran tragedia amorosa escrita por William Shakespeare readaptada, actualizada y situada en el ambiente más contemporáneo de las luchas de bandas de la calle de la mano de D’Block, The On Stage Company.
Este mes de julio se estrenan en Barcelona (quién sabe si por casualidad) dos revisiones escénicas del Romeo y Julieta de William Shakespeare. De ellas el espectáculo que nos interesa en esta reseña es la adaptación que de este clásico ha realizado la compañía D’Block, The On Stage Company, una revisión musical y coreografiada que traslada la trama de la obra desde finales del siglo XVI a principios del siglo XXI.
No voy a descubrir nada nuevo si digo que Romeo y Julieta debe de ser una de las piezas más revisada de la historia del teatro, pues hemos visto adaptaciones de ella en todos los media habidos y por haber, ya sean los más clásicos como los más modernos. D’Block, no ha sido menos y ha querido presentarnos su versión del hito shakesperiano que no ha constado tan solo, se lo aseguro, de la simple sustitución en su título de la “y” por un signo de “+”. Su adaptación recupera la obra en un siglo que parece que vive continuamente dirigiendo su mirada al pasado, alimentándose de aquello “ya hecho” para fundamentar lo “por hacer”.
Esta versión como decía traslada el drama amoroso ideado por Shakespeare a nuestro entorno, una ciudad, y a nuestro ámbito social, en donde las dos dinastías veronesas, los Montesco y los Capuleto, se transforman en dos bandas callejeras rivales, cuyo lenguaje vital no es otro que la danza urbana y la música. D’Block ha seguido los pasos, así, de West Side Story, la ya clásica adaptación realizada en Hollywood en el año 1961, dirigida por Robert Wise y Jerome Robbins, con música de Leonard Bernstein y letras de Stephen Sondheim. Aún así, podríamos decir, que el espectáculo presentado en el Teatre Gaudí es una adaptación de las dos obras, del original “inglés” y el original “americano”. En definitiva, como una suma, tal y como nos indica el signo “+” entre el Romeo y la Julieta del título.
Nos ahorraremos explicar aquí la trama, conocida casi universalmente por todos y, si les parece bien, analizaremos un poco la producción presentada por D’Block. Lo primero que nos puede sorprender es la juventud que irradia la obra, tanto en el estilo como evidentemente en la edad de los protagonistas/bailarines. Otro elemento que nos puede chocar es la inexistencia (o casi inexistencia) del texto en el espectáculo, que es sustituido por los pasos de danza urbana, los cuales dominan los miembros de la compañía. Y es ésta la gran apuesta de D’Block, la traslación de la historia de amor más famosa del mundo al ámbito de la danza urbana.
Entraremos pues en un espacio donde las palabras dejan paso al cuerpo y el pasado cede su preeminencia a lo moderno, a la actualidad. El baile y el movimiento de los cuerpos de los miembros de la compañía está acompañado, evidentemente, de música, entre la que el hip hop y los ritmos pop y disco dominan sin discusión (disculpen si mi conocimiento de estilos musicales no es todo lo actual que debería…). Son, pues, los pasos de baile y la electricidad escénica lo que se impone desde un buen principio. Y se impone de tal forma que las palabras no hacen falta.
D’Block ha sabido darle al clásico una nueva esencia y un nuevo aroma que acerca al público más joven, y a veces al más apartado de los escenarios, a una obra de teatro, y con un éxito notable, si nos basamos en el constante clamor del público y los repetidos aplausos que coronaban un número de baile tras otro.
De entre todos ellos destacan, a mi forma de ver (personal, claro está) tres momentos: El primero la escena de la fiesta en la que un escabullido y aturdido Romeo acude para enamorarse de Julieta; el duelo decisivo entre Montescos y Capuletos en el que se plasma toda la tensión y la rivalidad contenida en la obra y en la que participa todo el público asistente (todo un acierto, si señor!!) y finalmente el baile/noche de amor plasmado en el escenario entre Romeo (Cristian Jiménez) y Julieta (Aina Lanas) en la que esta última se nos presenta de una forma excesivamente sensual (y digo excesivamente de una forma muy positiva!!).
Sin embargo el acierto de la obra no reside tan solo en la actuación/baile de sus principales protagonistas sino en la suma del esfuerzo y el vigor “bailístico” de toda la compañía que incluye a Mario Jiménez, Kiko López, Elena Carvajal, Marc Costa, Susanna Ayllón, Susanna Garcés, Esther Camacho, Sara Yermak, Samuel Faye y Sandra Macià (creo que no me dejo a ninguno!!) y su representación en el escenario central del Teatre Gaudí, lo que hace de Romeo + Julieta un espectáculo musical integral con la tensión y la fuerza necesaria para merecerse, este caluroso mes de julio, un espacio en la cartelera barcelonesa.
Será cuestión, pues, de comprobar como le sienta a una historia escrita en el siglo XVI un envoltorio del siglo XXI. Y si, la obra de Shakespeare es tan vigente, hoy en día, para que una compañía joven catalana de danza urbana se arriesgue a adaptarla y darle ese toque personal y actual que nos ofrece D’Block, The On Stage Company. Aunque, y esto se lo aseguro, solo lo podrá comprobar yendo al teatro y reviviendo una tragedia que nos habla de la rivalidad, el odio, la intransigencia y el miedo a lo otro (y también del amor), algo que, por suerte o por desgracia, no ha dejado de acompañar al hombre hasta nuestro aventajado, orgulloso y postmoderno siglo XXI.
“Romeo + Julieta” se representa en el Teatre Gaudí Barcelona del 3 al 31 de julio de 2011.
Autor: William Shakespeare
Autor revisión y producción: D’Block, The On Stage Company
Coreografía y montaje musical: Diversos coreógrafos (D’Block, The On Stage Company)
Bailarines: Cristian Jiménez, Aina Lanas, Mario Jiménez, Kiko López, Elena Carvajal, Marc Costa, Susanna Ayllón, Susanna Garcés, Esther Camacho, Sara Yermak, Samuel Faye y Sandra Macià
Intérpretes musicales femeninas: Aisha Fay y Elena Carvajal
Voz Rap: Efrén González (Al Margen)
Escenografía: Jordi Montaño
Diseño de luces: Jordi Montaño
Horarios: de miércoles a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 19:00 horas. Precio: 18 € Duración del espectáculo: 1 hora y 15 minutos
Llega al espacio escénico de la Biblioteca de Catalunya la adaptación teatral de Luces de Bohemia de Valle-Inclán, realizada por la compañía La Perla 29 y dirigida por Oriol Broggi, un repaso a la vida literaria y a la sociedad española de principios del siglo xx.
Max Estrella, el escritor, artista, quizás un payaso que vive al margen del sistema, se pasea por Madrid en un itinerario que pasa por cafés, tabernas y prisiones y que es, de hecho, un cruel repaso a la vida literaria y a la sociedad española de principios del siglo xx. La decadencia de un país y sus ciudadanos son los protagonistas de la obra, donde Valle-Inclán proyecta su ácida mirada a través de los ojos de un miserable poeta que, en su ceguera, es el único que logra ver con claridad más allá de la uniformidad que lo rodea.
Valle-Incánescribió Luces de bohemia desde una actitud crítica radical respecto a la España oficial de su tiempo, siendo muy consciente que el sistema político de la restauración estaba agotado y que por un lado iban los políticos y por otro la realidad social. Denunció los excesos del sistema, a través de la sátira. Y la obra realmente fue más allá, explicando una manera de entender la cultura española y al mismo tiempo proponiendo una visión muy trágica de la existencia. Entre la sátira y la elegía grotesca encontramos el recorrido completo del Esperpento. Max Estrella encarna al artista bohemio del cambio de siglo anterior, para pasar revista al fracaso de sus ideas y a sus contradicciones, con un cierto tono elegíaco…Valle-Inclán tiene la habilidad de sintetizar elementos diversos y concretos, a la vez que puede plantear grandes preguntas.
Es así como Luces de bohemia es un repaso de la actualidad política y social española, y una profunda reflexión sobre la cultura española y, a la vez, sobre la existencia.
“Yo estoy arrepentido de haber cultivado tanto tiempo la literatura por la literatura, el arte por el arte. Por eso dedico ahora mis esfuerzos a una literatura especial que llamo de los Esperpentos. Actualmente en la vida ya no se observan más que eso: esperpentos.” R. De Valle- Inclán.
“Luces de Bohemia” se representa en el espacio escénico de la Biblioteca de Catalunya del 22 de junio al 24 de julio de 2011.
REESTRENO: La obra se repone en el espacio escénico de la Biblioteca de Catalunya del 20 de septiembre al 2 de diciembre de 2012.
Autor: Ramón María del Valle-Inclán
Dirección: Oriol Broggi
Intérpretes: Lluís Soler, Xavier Boada, Màrcia Cisteró, Manel Dueso, Camilo García, Marissa Josa, Jordi Martínez y Jacob Torres
Espacio: Oriol Broggi y Sebastià Brossa
Iluminación: Pep Barcons
Vestuario: Berta Riera
Sonido: Jordi Agut
Técnico: Guillem Gelabert
Producción: La Perla 29 con la colaboración del Grec 2011 Festival Barcelona.
Horarios: de martes a sábado a las 20:30 horas y los domingos a las 18:30 horas. Precio: 22 €. Idioma: castellano. Duración de la obra: 120 minutos.
El Club Capitol estrenó el pasado 2 de junio Corrüptia, una sátira política cuya frase promocional (“Todos los políticos tienen un precio. Los nuestros están de rebajas”) ya indica el cariz que tomará en su desarrollo, en una función representada por la compañía de Teatre de l’Enjòlit.
Corrüptia explica una historia que bien podría estar basada en la realidad: en los últimos tiempos hemos comprobado cómo se suceden en los medios de comunicación los casos de corrupción que salpican a nuestros políticos. Aquí, los miembros de Teatre de l’Enjòlit presentan el caso de Richard, miembro del Partido Regional del Este, que se encuentra implicado en una trama de corrupción junto a otros cargos del gobierno, un escándalo que hará tambalear su prometedora carrera política.
De esta manera, y con la intención de salvaguardar el buen nombre del Partido Regional del Este, uno tras otro se sucederán una serie de personajes que intentarán no caer en la trampa ideada por los asesores del partido con la intención de ofrecer una víctima a la opinión pública que les solucione la papeleta. ¿Les suena de algo?
Corrüptia carga en tono de tragicomedia contra aquellos políticos bajo sospecha, algo que no ha gustado a algunos miembros de la clase política de este país, tal y como los componentes de Teatro de l’Enjòlit han comprobado en sus propias carnes: el PPV censuró la obra en Xàtiva al creer que el argumento de la obra se había inspirado en un caso real, el caso Gürtel.
Corrüptia se representará en el Club Capitol hasta el 10 de julio de 2011.
Dirección: Carles Fernàndez Giua
Texto: Josep Lluís Fitó
Intérpretes: Albert Alemany, Elies Barberà, Jenny Beacraft, Arnau Marín, Marta Montiel
Compañía: Teatre de l’Enjòlit Horarios: de miércoles a sábado a las 22:30 horas y domingo a las 20:30 horas Precio: de 19 a 21 € Idioma: catalán
El espacio escénico de la Nau Ivanow programa del 30 de junio al 10 de julio No sóc Dean Moriarty, de Joan Yago, la nueva producción de la compañía Waltzing Teatre.
No sóc Dean Moriarty es un juego entre dos amigos. El espacio donde transcurre la acción es un bar cualquiera, perdido en algún lugar, donde trabajan dos jóvenes que al cerrar las puertas y quedarse solos juegan a ser Sal Paradise y Dean Moriarty, los personajes de On the road, de Jack Kerouac. Admiran a estos personajes porque son un referente vital: la aventura, el riesgo, el viaje, la carretera, las mujeres, las fiestas, el alcohol, la forma de vivir, la manera de afrontar la vida, las ambiciones, los proyectos de futuro… y, sobre todo, el presente, siempre desconocido, espontáneo y al límite. Las vidas de estos dos jóvenes son todo el contrario: estables, aburridas, duras, previsibles, rutinarias. Juegan porque se lo pasan bien; de alguna manera, sentirse por un momento Sal Paradise o Dean Moriarty hace que por unas horas olviden sus vidas y puedan vivir una ficción que representa, exactamente, el proyecto de vida que comparten desde hace tiempo. Pero la noche en la cual se centra la historia, esta noche, uno de los dos jóvenes no quiere jugar más. Quiere vivir. Y este conflicto hará que estalle una tormenta entre los dos amigos.
Joan Yago Ha escrito varias piezas para teatro Feísima enfermedad y muy triste muerte de la reina Isabel I (2010), No sóc Dean Moriarty (2009), El Bosc dels Ferrerets (2008) y Part per Part (2005); ha versionado y adaptado textos como La boda dels petits burgesos (2010) o El Cercle de guix caucasià (2008); ha dirigido el espectáculo Onatge de la compañía Disperses (2010) y ha hecho de asistente de dirección de Carles Alfaro en el montaje de Traició de Harold Pinter en el Teatre Lliure (2009). También es coguionista del largometraje Altres direccions (2009) de Aarón Sánchez. Trabaja de profesor en el grupo de teatro de Elisava Escuela Universitaria y en el Encontre de Teatre a la secundària d’Artà.
La compañía Waltzing Teatre nace de la necesidad de expresarse. De expresarse en sintonía. De expresarse en compañía. Por eso sus fundadores Maria Rodríguez, Gerard Iravedra y Pep Ambròs decidieron un día dejar de hablar sobre las ganas de explicar historias para empezar a hacerlo. Así nace Waltzing Teatre para explicar historias. Trozos de vida que se plantean encima de un escenario con la voluntad de sugerir o hacer reflexionar con temas que nos implican a todos.
“No sóc Dean Moriarty” se representa en el espacio escénico de la Nau Ivanow del 30 de junio al 10 de julio de 2011.
Autor: Joan Yago
Dirección: Gerard Iravedra
Ayudanta de dirección: Maria Rodríguez
Reparto: Pep Ambròs y Guillem Gefaell
Diseño de iluminación, escenografía y figurinismo: Gina Bernadó y Gala Chaparral
Sonido: Joan Yago y Gerard Iravedra
Producción: Waltzing Teatre
Duración: 1 hora y 10 minutos aprox. Horarios: de jueves a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 19:00 horas. Entrada: 12 €; Amics de la Nau 10 €.
Hasta el próximo 26 de junio el Teatre Gaudí Barcelonarepresenta Teoria de Castàstrofes, una ágil reflexión sobre la ciencia, sobre la tecnología y sobre las consecuencias de su uso y de su mal uso en la sociedad actual.
El Teatre Gaudí Barcelona ha programado este mes de junio una propuesta teatral de pequeño formato que abarca un amplio abanico de temas que nos remiten a la actualidad más presente. Una propuesta que tiene como uno de sus personajes centrales un puente, o más concretamente un puente caído.
Y este es el origen de la trama: cuáles son las consecuencias y cuáles son las causas de la caída de un puente. Serán tres los personajes que nos llevarán a reflexionar sobre el tema. Uno es el ingeniero que diseñó el proyecto del trazado del puente; el segundo es un colega de la profesión que pretende aprovecharse de las horas bajas profesionales de su amigo y la tercera es una joven, un tanto extraña, cuya existencia parece ligada, de alguna forma, a la existencia del puente.
Un puente caído puede representar, y representa, normalmente mucho. Representa un grave problema de seguridad para la sociedad que lo construye; un drama que puede generar y genera normalmente víctimas mortales y un motivo de indagación y de búsqueda de responsabilidades del por qué una estructura construida con los recursos de una sociedad “avanzada” como la nuestra ha caído en su enfrentamiento contra la naturaleza, o más concretamente, en su enfrentamiento contra la catástrofe. Aunque para el ingeniero protagonista de la obra significa más cosas: significa descubrir su incapacidad como técnico; el peligro que constituye una responsabilidad de tan alto nivel; su derrota frente a la tenue y insobornable naturaleza, una fuerza abstracta e irracional pero con la fuerza necesaria para acabar con cualquier proyecto que el hombre disponga sobre ella.
Aunque no es solo eso. Su derrota es la derrota de la sociedad a la hora de llevar un proyecto de este tipo a cabo. Con la conversación entre el ingeniero “culpable” del derrumbamiento de puente y su colega podremos transmutar un fracaso personal, laboral en un fracaso común. El texto de Teoria de catàstrofes nos lleva a reflexionar no sobre la infraestructura en concreto sino sobre la construcción de los puentes, y, más diría yo, sobre la sociedad que los construye. Una sociedad en gran parte corrupta que en muchos casos solo mira hacia el beneficio (si es personal y egoísta mucho mejor), que enmascara la sed de riqueza y de promoción tras grandes palabras como progreso y avance, palabras que quedan vacías cuando la naturaleza habla y se hace sentir.
Pero Teoria de catàstrofes también nos habla de las consecuencias vitales de un fracaso de este tipo. De las consecuencias que la caída puede tener en la existencia de las personas que viven el acontecimiento muy de cerca. Aunque a veces las consecuencias son difíciles de diferenciar de las causas, o es al revés…
¿Cuáles son las causas de una catástrofe? ¿Cuáles las de una discusión? ¿Cuáles las de una muerte? Teoria de catàstrofes también nos presenta estas preguntas a la espera de que se las podamos responder. Aunque, seguro, que cada uno de los espectadores tendrá una respuesta propia y subjetiva a cada uno de los interrogantes que le hace la obra.
Como ven toda una serie de reflexiones que Teoria de catàstrofes nos propone en base a una obra pequeña si bien propietaria de un texto muy grande. Todo ello nos llega a través de las actuaciones de Abel Coll, Óscar Intente y Laura Aubert, que son los tres únicos intérpretes de la obra. Unas actuaciones en las que veremos reflejadas la profesionalidad ultrajada del defensor de la ciencia personificada en Abel Coll; una visión humanista, libertaria y mística de la vida encarnada en Laura Aubert y una despiadada pero genial interpretación por parte de Óscar Intente de un ingeniero-empresario-triunfador, de aquellos que se han rendido ante la ignominia y la corrupción que infecta gran parte del sector de los negocios (no tranquilos!!, no es un banquero ni un financiero!!, pueden llevar a sus hijos menores a ver la obra!!) de cada una de nuestras ciudades.
A través de sus dudas, sus sentimientos encontrados, sus búsquedas, sus auto-inculpamientos y también de sus defensas (de su obra y de su comportamiento) avanza una obra que, aunque a veces pierde algo del ritmo necesario, nos plantea preguntas y soluciones muy contemporáneas y muy actuales. Tan solo hace falta recordar la crisis ecológica que un terremoto y un tsunami provocaron hace poco en el Japón, una de las sociedades más occidentalizadas e industrializadas del mundo. No nace falta irse tan lejos para tener en la mente las consecuencias estructurales que el pequeño terremoto de Lorca provocó en la mayoría de las viviendas de la zona.
Y cuando recordamos estos sucesos nos damos cuenta de lo poco que es el hombre, y las sociedades que este crea, ante algo tan cercano y a veces tan olvidado como es la naturaleza. Y si a ésto le sumamos las consecuencias que la corrupción, el capitalismo mercantil y la idea del beneficio provoca en nuestra sociedad, tenemos un cocktail al que podríamos llamar “teoría de catástrofes”.
Una oportunidad que no se pueden perder por varías razones. Para disfrutar de una pequeña gran obra de teatro, casi un monólogo interpretado por dos actores (Abel Coll y Óscar Intente)y una actriz (Laura Aubert); para reflexionar sobre lo que pasa sobre el escenario y fuera de él; y para participar en un debate más amplio que a día de hoy pertenece cada vez con mayor grado a nuestras calles y a nuestras plazas, y es, y con el perdón del Teatre Gaudí Barcelona, una reflexión sobre el presente y el futuro de nuestras sociedades occidentales “democráticas” y sobre los objetivos que nos han de guiar individual y colectivamente hacia un futuro que puede ser mejor, aunque, y por desgracia, también puede ser peor, una auténtica catástrofe.
“Teoria de catàstrofes” se representa en el Teatre Gaudí Barcelona del 20 de mayo al 26 de junio de 2011.
Autor: Toni Cabré
Director: Moisés Maicas
Intérpretes: Laura Aubert, Abel Coll y Óscar Intente
Espacio escénico y Diseño de luces y de sonido: Pep Gàmiz
Imágenes: Albert Casanovas
Compañía: Cia.Teatre Gaudí
Horarios: de jueves a sábado a las 20:45 horas y domingos a las 19:30 horas. Precio: 18 €. Duración: 1 hora y 30 minutos. Idioma: catalán.
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El Versus Teatre también nos ofrece una programación doble este mes de junio, antes de la llegada de su programación más estival del mes de agosto. Cavalls salvatges no m’arrancarien d’ací, una historia sobre el crecimiento personal de la juventud perdida en el mundo del bienestar y la sobreprotección; y Anguilas, un monólogo de Andrés Cavallín, colaborador habitual del colectivo Comediants, sobre la memoria y la emigración.
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Cavalls salvatges no m’arrancarien d’ací, Cía. Cavalls.
Emili es un joven de veintidós años que vive solo con su hermana mayor, desde que perdieron a la madre en un accidente de tráfico (al padre nunca llegó a conocerlo), en una ciudad pequeña de provincias la cual vivió un pasado industrial esplendoroso, pero que ahora sobrevive en decadencia. Emili tiene una novia de “buena familia”, Laura, que estudia filosofía en la Universidad.
Su vida es segura y sencilla, pero él siente que se está perdiendo algo dentro de tanto bienestar. Él es un chico bastante retraído que nunca ha tenido muchos amigos y que ha vivido las más grandes aventuras a través de los libros. No ha tenido experiencias fuertes y directas con el mundo, a causa, también, de la influencia de su hermana que lo ha sobreprotegido. Emili ve que la relación con su novia va directa al compromiso y se siente ahogado, como sí caballos salvajes trotaran dentro de su pecho y lucharan para salir. Necesita vivir, tener experiencias, saber cómo es la vida fuera de la jaula donde vive para tener la información suficiente para poder elegir un tipo de vida. Por lo tanto, Emili quiere romper con su vida anterior pero no sabe como, hasta que conoce a Graciela, una chica rica, huérfana de madre también, que tiene una relación con su padre muy especial y opresora. Emili huye de casa, dejando a su hermana perdida y a su novia dolida, para vivir y buscar la cura de su tedio, junto a Graciela, pero lo que él no sabe es que las mujeres de su “familia” también empezarán un viaje hacia el conocimiento de ellas mismas.
Esta es una historia de juventud y revolución. Más bien, es una historia de cómo se tienen que hacer traiciones y concesiones para continuar creciendo sin perder la ganas de vivir y no morir intentándolo. Es una obra rabiosa y de cómo la rabia se tiene que apagar para poder recorrer la vida sin abrasar los campos por los cuales se anda. Pero también, es el cuento de como la rabia no tiene que morir del todo para enfrentarse contra las injusticias y la resignación.
“Cavalls salvatges no m’arrancarien d’ací” se representa en el Versus Teatre del 7 al 29 de junio de 2011.
Dirección y Dramaturgia: Víctor Sánchez Rodríguez
Reparto: Albert Pérez Hidalgo, Mima Riera, Laura Pla, Núria Gómez y Cinta Moreno
Escenografía, vestuario e iluminación: Nadia Balada, Aurora Moreno e Isabel Velasco
Compañía: Cavalls
Horarios: martes y miércoles a las 21:00 horas. Precio: 12 €. Idioma: catalán Duración de la obra: 1 hora y 30 minutos.
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Anguilas, de Andrés Cavallin.
El actor argentino Andrés Cavallin, integrante y colaborador habitual del colectivo Comediants, llega al Versus Teatre para presentar un espectáculo con voz propia. Una historia personal, íntima y autobiográfica pero sobre todo una comedia sobre las peripecias de un viajero, un inmigrante que desde su infancia en Río de la Plata hasta su dedicación teatral en tierras catalanas, ha acumulado una infinidad de experiencias que nos acercará con una grotesca y divertida comedia sobre la memoria, la identidad y la inmigración.
Seis relatos que nos acercan desde sus primeros recuerdos de los inmigrantes europeos que trabajaban a La Pampa, hasta su viaje disparatado a Italia en busca de sus raíces y su experiencia ya a tierras catalanas. Un viaje desde la infancia en el Rio de la Plata, Hasta el presente en la cordillera litoral de Cataluña.
Verduras: son el recuerdo de los inmigrantes europeos que trabajaban en la Pampa, y lo que aprendió de ellos. Lo que descubrió con el tiempo.
Anguilas: es un niño perdido en medio del campo, hundido en el fango, que nos cuenta sus ilusiones, sus promesas y esperanzas.
Las fotos: excusa autobiografía para rescatar, lo bueno y lo malo del pasado, para justificar la partida.
La Parentella: es un viaje disparatado a Italia, en busca de sus raíces.
Babilong Falling: un espiritual cantado aquí en Cataluña, y a 10.000 kmde distancia.
El chalequito de lana: es un recuerdo lejano que impacta en la actualidad, una jugarreta del destino.
“Anguilas” se representa en el Versus Teatre del 3 al 26 de junio de 2011.
Autor y Director: Andrés Cavallín Compañía: Andrés Cavallín Intérprete: Andrés Cavallín
Horarios: de jueves a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas. Precio: 16 €. Idioma del espectáculo: castellano. Duración: 60 minutos.
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