Crítica teatro: Avinguda Nacional, en la Sala Beckett

Regresa el teatro a la Sala Beckett tras el cierre de la actividad escénica el pasado octubre debido a la puesta en marcha de las medidas anticovid aprobadas por la Generalitat, y lo hace con Avinguda Nacional del dramaturgo checo Jaroslav Rudiš, una propuesta que no dejará indiferente a nadie dirigida por Martí Torras Mayneris e interpretada por Josep Julien, Patrícia Bargalló, Babou Cham, y Oriol Roca.

“Se hace llamar Vandam. Como Jean-Claude van Damme. Es un héroe. Un guerrero. Lo sabe todo de los combates. Tiene una opinión sobre todo. La política. Las mujeres. El mundo… En 1989, en Praga, marchó por la Avenida Nacional, donde el 17 de noviembre tuvo lugar una manifestación que llevó a la caída del régimen comunista en la antigua Checoslovaquia. Ahora, su segunda casa es el bar Severka. Este es su mundo. Es aquí donde discute de política, donde reniega, donde a veces levanta el brazo derecho, evocando el saludo de los romanos, da lecciones sobre la vida o rompe los dientes a alguien”.

Avinguda Nacional es una obra dura, no apta para todas las sensibilidades, un texto despiadado que nos traslada al infierno personal en el que sobrevive un ser devastado. En ella se habla de la vida pero de una forma atroz, o lo que es lo mismo, a través de los ojos de Vandam (Josep Julien), un personaje al que la existencia ha maltratado y que por lo tanto se cree con el derecho a maltratar a los demás.

La dirección de Martí Torras Mayneris nos presenta un escenario desolado, en el que Vandam nos irá abriendo su alma al mismo tiempo que nos relata su pasado y su presente. Alguien que se ha pasado la vida mintiendo e imponiéndose a los demás, las más de las veces a través de la violencia, la cual conoce muy bien, hecho este que le permitirá, incluso, dar lecciones sobre ella.

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Josep Julien encarna brillantemente a ese ser oscuro y violento y le da vida de una forma que, por momentos, da miedo. La personificación es perfecta, hasta tal punto que el actor consigue desaparecer de escena para poder mostrar las obscenas y repulsivas entrañas del personaje que interpreta. Un acierto que, sin duda, se debe tanto al actor como a la dirección. El resultado es una obra impecable e implacable que permite al publico reflexionar no solo sobre la violencia en sí sino también sobre actitudes cívicas en las que el furor contra los diferentes, contra los que no opinan igual o contra los que no son iguales tiene un papel destacado.

Pero Vandam no está solo en escena, aunque en la obra se imponga el monólogo al diálogo. A Julien le acompañan sobre el escenario los actores Patrícia Bargalló y Babou Cham, que dan la réplica al personaje desde su misma sustancia y el músico Oriol Roca, que interpreta el hilo musical minimalista de la representación e encarna, también de forma minimalista, al hijo de Vandam.

Así, pues, la Beckett retoma su programación escénica con una pequeña joya, a la que ha dado forma el dramaturgo checo Jaroslav Rudiš, ha adaptado Martí Torras Mayneris y ha elevado casi a la perfección Josep Julien, una reflexión sobre la violencia y las causas que nos llevan irremisiblemente hacia ella, personalmente y como sociedad.

Avinguda Nacional es una producción de la Sala Beckett en el contexto del proyecto Fabulamundi. Playwriting Europe, que quiere promover el conocimiento y el intercambio de textos y autores entre los diferentes países miembros. La Sala Beckett forma parte desde 2017 conjuntamente con teatros de Alemania, Austria, Francia, Italia, Polonia, República Checa y Rumanía.

“Avinguda nacional” se representa en la Sala Beckett del 24 al 29 de noviembre de 2020.

Autor: Jaroslav Rudiš
Traducción: Naila Rami Oms
Dirección y adaptación: Martí Torras Mayneris
Reparto: Patrícia Bargalló, Babou Cham, Josep Julien y Oriol Roca
Escenografía: Judit Colomer
Iluminación: Gane Gil
Vestuario y caracterización: Fàtima Campos
Espacio sonoro: Oscar Villar
Música: Oriol Roca
Producción: Sala Backett

Horarios: de martes a sábado a las 20:00 horas y domingo a las 19:00 horas.
Precio: de 10€ a 18€
Duración: 1 hora y 25 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 9

Naturaleza encendida en el Real Jardín Botánico de madrid

Llega la Navidad y con ella cuando el sol se pone, florece la magia en el Real Jardín Botánico de Madrid.

Estas Navidades podrás vivir una experiencia extraordinaria en un entorno lleno de sorpresas, luces y lugares ideales en los que capturar los momentos más especiales de estas fiestas. Flora es una edición de Naturaleza Encendida que consigue asombrar a todos los públicos al contemplar sus impresionantes esculturas lumínicas de flores a tamaño gigante, al escuchar las sinfonías cantadas por los árboles, o al ver cómo nuestros deseos pueden llegar a volar. Algunos de los árboles más representativos del Jardín cobran vida y conoceremos muchas de las especies que habitan esta joya de botánica del Real Jardín Botánico de Madrid.

Naturaleza Encendida es una oportunidad única para vivir una experiencia inmersiva mágica en un espacio natural. Un paseo nocturno donde tú eres el protagonista, en un emplazamiento extraordinario y tranquilo, donde la vida se ilumina en el centro de la ciudad.

Embárcate en esta aventura increíble que te invita a descubrir la naturaleza y el ecosistema ahora en Madrid. Recorre lugares llenos de sorpresas y magia, aptos para todos los públicos y en entornos seguros.

Naturaleza encendida en el Real Jardín Botánico
Del 17 noviembre de 2020 al 10 de enero de 2021
Horarios: de 18:00h a 23:00h (último acceso a las 22.00h)
Dirección: Plaza de Murillo 2, 28014 Madrid

Información y entradas: https://naturalezaencendida.com/

Crítica cine: Contagio en alta mar, de Neasa Hardiman (2019)

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Hoy llega a las pantallas españolas Contagio en alta mar, un thriller irlandés de terror náutico dirigido por Neasa Hardiman e interpretado por Connie Nielsen, Dougray Scott, Hermione Corfield y Olwen Fouere.

Contagio en alta mar es una película alejada de las grandes producciones americanas que nos pretende narrar una historia entre el thriller y el terror desde un punto de vista que podríamos considerar realista. El film nos cuenta una historia interpretada por un grupo de pescadores irlandeses que salen a faenar en el arrastrero de pesca Niamh Cinn Óir, una tripulación variopinta que trabaja como si fuera una pequeña familia, lo que seguro que hace que la historia se nos haga más cercana y por tanto, también más turbadora.

La necesidad obligará a la tripulación a arriesgarse en alta mar para obtener una gran captura. Pero la llegada de un parásito desconocido proveniente de los abismos del océano impedirá que sus aspiraciones se hagan realidad. Comenzará, así, una lucha para vencer el peligro que representa el parasito y regresar a tierra sanos y salvos, para lo que contarán con la ayuda de Siobhán (Hermione Corfield) una estudiante de biología marina que les acompaña en el arrastrero investigando los patrones de comportamiento de la fauna oceánica.

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El film presenta, así, elementos de terror, encarnados en el ser parasitario de carácter lovecraftiano que amenazará la vida de los integrantes de la tripulación, a los que se suman elementos de thriller y supervivencia marítima que nos permitirán conocer un poco más a los personajes y nos harán preguntarnos el porqué de lo que está pasando.

Neasa Hardiman, acostumbrada más al medio televisivo que al cinematográfico, ha intentado, como decía, dar a la historia un toque realista, que sin duda hará pensar al espectador en la situación actual provocada por la pandemia de Covid-19. Y es que mucho de lo que pasa en el pesquero a pequeña escala se puede trasladar a la situación que vivimos a nivel planetario en la actualidad, produciéndose en el film también una pugna entre las necesidades económicas de la tripulación y el riesgo que supone enfrentarse a la amenaza parasitaria, en la que el miedo al contagio, los efectos negativos de la cuarentena o el sacrificio por los demás estarán muy presentes en el film.

Contagio en alta mar aprueba en lo que respecta a las interpretaciones, ya que en su gran mayoría son creíbles y hacen que el espectador se meta fácilmente en una trama que incluye a muy pocos personajes, no por otra la acción se desarrolla en un pequeño pesquero en alta mar. De entre todos destacan Hermione Corfield que interperta a la joven estudiante universitaria que acompaña a los pescadores; Ardalan Esmaili que da vida al ingenero que mantiene a flote a la embarcación pesquera y Connie Nielsen y Dougray Scott que encarnan a los propietarios del pesquero y personalizan los problemas económicos y emocionales que el trabajo en el mar comporta.

Así, pues, Contagio en alta mar es un film pequeño pero realizado con esmero, con sencillos pero efectivos efectos especiales. La dirección escueta y el guión rápido de Neasa Hardiman, dan forma a un relato interesante, sobre todo para aquellos y aquellas interesados en los films de terror y de descubriemnto, en este caso de un ser vivo que puede amenazar la supervivencia de la humanidad… Les suena de algo?? Lástima que la conclusión del film se le vaya algo de las manos…

Título: Contagio en alta mar
Año: 2019
Duración: 94 min.
País: Irlanda
Dirección: Neasa Hardiman
Guión: Neasa Hardiman
Música: Christoffer Franzén
Fotografía: Ruairi O’Brien
Reparto: Connie Nielsen, Dougray Scott, Hermione Corfield, Olwen Fouere, Jack Hickey, Ardalan Esmaili, Elie Bouakaze, Dag Malmberg
Producción: Irlanda, Estados Unidos, Reino Unido, Suecia, Bélgica
Bright Moving Pictures, Creativity Capital, Fantastic Films, Frakas Productions, Makar Productions, Flexibon Films. Distribuida por Eagle Film Production Company
Género: Drama | Terror | Thriller | Aventuras marinas

NOTA CULTURALIA: 6,5
NOTA ABANDOMOVIEZ: 6,21
NOTA IMDB: 5,7
NOTA ROTTEN TOMATOES:

• Crítica: 86%
• Audiencia: 47%

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Jorge Pisa

Estreno teatro: El enfermo imaginario, en el Teatro de la Comedia (Madrid)

La Compañía Nacional De Teatro Clásico presenta El enfermo imaginario de Molière en el Teatro de la Comedia, con dirección de Josep Maria Flotats y con un reparto que incluye a Flotats, Anabel Alonso, Belén Landaluce, Lola Baldrich, Alejandro Sigüenza.

El enfermo imaginario es una comedia ballet muy celebrada desde su estreno en 1673. Argán se cree muy enfermo y no puede vivir sin estar rodeado de médicos. Para conseguir tener uno en su familia que le haga ahorrar la ingente cantidad de dinero que destina a sus curas, medicamentos y potingues, no duda en concertar un matrimonio de conveniencia entre su hija Angélica con el hijo del doctor Diafoirus.

Pero Angélica ha conocido al joven Cleanto, se ha enamorado perdidamente de él y no esta dispuesta a casarse con Tomás Diafoirus. Entretanto, Belinda su segunda esposa solo se mueve por interés y se comporta como una arpía; Toñita, su fiel criada, descarada, impertinente, lianta y trapacera, hará lo necesario para ayudar a su joven señora y salvar al señor Argán de los médicos que le sangran y de la hipocresía de su esposa. Con la complicidad de la hermana de Argán, Beralda, maquinarán una ceremonia hilarante y esperpéntica que transformará al enfermo en doctor.

En El enfermo imaginario Molière descubrió una faceta del ser humano que no se limita a su tiempo, sino que ha ido aumentando hasta llegar al siglo XXI convertida en una pandemia universal: la de quienes, para remediar frustraciones y fracasos personales, sufren o creen sufrir enfermedades que no son otra cosa que el descontento ante sus deseos y proyectos de vida insatisfechos; de ahí, las contrariedades ante los menores hechos que generan una desazón inquietante; de ahí, la depresión que afecta a miles de personas ante cualquier suceso adverso, por mínimo que sea; de ahí, que se busque como solución mágica la cura de sus desilusiones en la medicina y el remedio en las pastillas.

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“El enfermo imaginario” se representa en el Teatro de la Comedia (Madrid) del 18 de noviembre al 27 de diciembre de 2020.

Dirección: Josep Maria Flotats
Autor: Jean Batiste Poquelin Molière
Reparto: Josep Maria Flotats, Anabel Alonso, Belén Landaluce, Lola Baldrich, Alejandro Sigüenza, Rubén de Eguía, Eleazar Ortiz, Francisco Dávila, Belinda Benedetti, Claudia Quintana, Ana López Díez, Laura López Díez, Joaquín Notario, Bruno Ciordia y Arturo Martínez Vázquez
Movimiento escénico: Óscar Jiménez Ávila
Vestuario: Franca Squarciapino
Composición musical: Daniel Espasa
Escenografía: Ezio Frigerio
Iluminación: Paco Ariza
Traducción: Mauro Armiño
Producción: Compañía Nacional De Teatro Clásico (CNTC)

Horarios: de martes a domingo a las 20:00 horas
Precio: de 6 a 25€
Idioma: castellano

Crónica concierto: Carmina Burana de Orff, en el Palau de la Música Catalana

El pasado 26 de septiembre el Palau de la Música Catalana inició el ciclo de conciertos sinfónicos con la programación de Carmina Burana de Orff, interpretado en esta ocasión por la Orquestra Simfònica del Vallès, dirigida por Xavier Puig y con la actuación como solistas de la soprano Alícia Amo, del tenor Beñat Egiarte y del barítono Toni Marsol a los que acompañaron las voces del Cor Jove de l’Orfeó Català.

Una velada sinfónica y exitosa que permitió al público asistente disfrutar con la interpretación de la cantata escénica compuesta por Carl Orff entre 1935 y 1936 y basada en los cantos irreverentes de los estudiantes germánicos de época medieval.

El concierto dio inicio con la interpretación por parte del coro del O nata lux del compositor estadounidense Morten Lauridsen, a la que siguieron las veinticinco canciones escogidas por Orff para su composición, en la que destacaron las voces de los solistas y la percusión, uno de los elementos más notorios de la cantata. A no menor nivel estuvieron los coros del Cor Jove de l’Orfeó Català, que realizaron un singular acompañamiento a los solistas en el desarrollo del concierto y en el que destacó, sin duda alguna, la interpretación del O Fortuna, el movimiento  más popular de la cantata que la orquesta y los coros interpretaron a un alto nivel.

Un inicio de Ciclo Sinfónico que comenzó de la mejor forma posible y que esperamos que pueda continuar con su programación, alterada temporalmente por los efectos de las medidas aprobadas por la Generalitat para la contención de la COVID-19.

Concierto: Carmina Burana de Orff, en el Palau de la Música Catalana
Fecha: 26 de septiembre de 2020

Ficha artística:
Xavier Puig, director
Alícia Amo, soprano
Beñat Egiarte, tenor
Toni Marsol, barítono
Orquestra Simfònica del Vallès
Cor Jove de l’Orfeó Català

Programa:
M. Lauridsen: O nata lux (solo coro)
C. Orff: Carmina Burana

Estreno teatro: La golondrina, en el Teatro Infanta Isabel

El pasado viernes se estrenó en el Teatro Infanta Isabel de Madrid La golondrina, una reflexión sobre el ser humano y sobre las consecuencias del odio y la violencia, con texto escrito por Guillem Clua, dirección de Josep María Mestres e interpretado por Carmen Maura y Dafnis Balduz.

La obra reúne a dos personajes, Amelia y Ramón. La primera, una severa profesora de canto, recibe en su casa a Ramón, quien desea mejorar su técnica vocal para cantar en el memorial de su madre fallecida recientemente. La canción elegida tiene un significado especial para él y, al parecer, también para la mujer quien, a pesar de sus reticencias iniciales, accede a ayudar al joven alumno.

«¿Qué es lo que nos hace humanos? De todo aquello que somos y hacemos, ¿qué crees que realmente define nuestra humanidad?» Para Amelia, una madre herida en lo más profundo de su alma, la respuesta está en el dolor. Lo que realmente nos hace humanos es la capacidad de sentir como propio el dolor de los demás. Eso es lo que nos diferencia de las bestias, dice. Y ese es el sentimiento que recorre la espina dorsal de La golondrina, el último texto de Guillem Clua.

El texto se inspira directamente en el ataque terrorista del bar Pulse de Orlando (EE.UU.) de junio de 2016 en el que murieron 49 personas, pero La golondrina no habla solo de ese atentado. En ella también resuenan las tragedias de la Sala Bataclán de París, del paseo marítimo de Niza, de Las Ramblas de Barcelona… y trata de comprender el sinsentido del horror, las consecuencias del odio y las estrategias que utilizamos para que no nos destruyan el alma.

El Cervantes Theatre de Londres (Reino Unido) acogió en septiembre de 2017 el estreno mundial La golondrina. El texto se inscribió en el primer ciclo New Spanish Writing, organizado por Acción Cultural Española en la recientemente inaugurada sede londinense de la Spanish Theatre Company. El objetivo de la sala es promocionar la dramaturgia española en la capital londinense y se dirige tanto al público español como al local.

La golondrina” se representa en el Teatro Infanta Isabel de Madrid del 13 de noviembre de 2020 al 10 de enro de 2021.

Dirección: Josep Maria Mestres
Texto: Guillem Clua
Reparto: Carmen Maura y Dafnis Balduz
Diseño de Iluminación: Juan Gómez Cornejo
Escenografía: Alessio Meloni
Vestuario: Tatiana Hernández
Música: Iñaki Salvador

Horarios: web teatro
Precio: desde 18,75€
Idioma: castellano
Duración: 90 minutos

Hallados en Egipto 100 nuevos sarcófagos de 2.300 años de Antigüedad

Hoy nos hacemos eco en Culturalia de la noticia que apareció en los medios de comunicación hace unos días sobre el descubrimiento de un centenar de sarcófagos egipcios en Sakkara, yacimiento arqueológico situado al suroeste de El Cairo, en un excelente estado de conservación y que fueron preesentados a la prensa el pasado sábado 15 de noviembre.

Los sarcófagos o ataúdes de madera, con sus respectivas momias, fueron hallados en tres pozos enterrados a entre 10 y 12 metros de profundidad y fueron exhibidos a la prensa y a un grupo de embajadores acreditados en el país árabe solo un mes después del hallazgo de otros 59 sarcófagos datados unos tres siglos antes.

“Las excavaciones continúan en Sakkara y hoy anunciamos el descubrimiento de más de 100 sarcófagos pintados y sellados de la élite social del periodo ptolemaico, que abarca desde finales del siglo IV al siglo I a.C., afirmó Jaled al Anani, el ministro de Turismo y Antigüedades egipcio durante la presentación.

Junto a los sarcófagos, explicó, fueron encontrados “más de 40 artefactos, entre máscaras funerarias, estatuas y vasos canopos“, los recipientes donde se depositaban los órganos internos de los cadáveres momificados.

Durante la presentación, se escenificó la apertura de uno de los sarcófagos y el escaneo de la momia que había en su interior, un varón de entre 40 y 45 años, según se pudo deducir del estado de sus molares.

El secretario general del Consejo Supremo de Antigüedades, Mustafa Waziri, aseguró que este es el mayor descubrimiento de este año por la cantidad, por el estado en que se encuentran y por su calidad de los objetos recuperados.

Sakkara, a unos 30 kilómetros al sur de El Cairo, es una de las necrópolis de la ciudad de Menfis, la primera capital del Antiguo Egipto, y contiene 13 pirámides, la más importante la escalonada de Zoser, la primera de piedra, construida alrededor del año 2650 a. C.

Este descubrimiento, indicó Al Anani, está proporcionando “mucha información sobre la sociedad y las prácticas funerarias en Sakkara durante el periodo ptolemaico.

“Sabemos más sobre las prácticas de momificación, las técnicas, la decoración, las creencias”, afirmó el ministro.

El centenar de sarcófagos serán distribuidos entre tres de los museos dedicados al Antiguo Egipto en El Cairo y el que está previsto que abra en las próximas semanas en la nueva capital, ubicada al este de la actual, donde el Gobierno está erigiendo un nuevo centro administrativo.

Exposición: Vampiros, La evolución del mito, en CaixaForum Barcelona

CaixaForum Barcelona inaugura la exposición Vampiros, La evolución del mito, que permanecerá abierta hasta el 31 de enero de 2021.

El mito del vampiro y el cine han estado vinculados a lo largo de los siglos XX y XXI en una relación simbiótica e ilusoria. Esta exposición permite al visitante sumergirse en el mundo de los vampiros y conocer las relaciones entre las diferentes facetas de estos seres maléficos, a partir de diferentes disciplinas artísticas.

A principios del siglo XX, la recién nacida industria cinematográfica se apropió rápidamente del mito del vampiro, surgido de antiguas supersticiones griegas y árabes, extendido en Europa Central durante la Edad Media y reforzado durante el siglo XVIII en escritos científicos y en novelas del romanticismo inglés del siglo XIX. La película expresionista Nosferatu (1922), de F. W. Murnau, una adaptación libre de la novela Drácula, de Bram Stoker, se convirtió en la obra fundamental de la relación entre el cine y el mito del vampiro.

Desde entonces, el cine y el vampirismo han estado vinculados en su aproximación sobre el personaje y representan dos facetas de una misma narrativa estética. Muchos de los grandes cineastas han sucumbido a la tentación de representar su propia visión del mito para transmitir algo sobre su práctica artística, como Dreyer, Browning, Tourneur, Polanski, Herzog, Coppola, Burton, Bigelow y Weerasethakul. Drácula es sin duda el vampiro más recurrente de esta historia cinematográfica, y ha contado con producciones en todo el mundo (Hollywood, Europa, México, Filipinas, Nigeria, Hong Kong, etc.).

La exposición reúne una selección de la vorágine de películas de fantasía que el mito ha propiciado, desde proyectos de vanguardia hasta blockbusters. Relata las tensiones entre el cine y este mito, consciente de las metamorfosis del vampiro que están intrínsecamente ligadas a las transformaciones del medio cinematográfico. Además de mostrar películas y obras literarias, la exposición expone una selección de apariciones del vampiro en otras disciplinas artísticas, como los collages surrealistas de Max Ernst, algunos grabados de Los Caprichos de Goya, las inquietantes pinturas del artista contemporáneo Wes Lang o la icónica imagen de Drácula interpretado por Bela Lugosi usada por Andy Warhol en su litografía titulada The kiss.

El diálogo y los encuentros entre películas y obras de arte proporcionan los fundamentos de esta exposición multidisciplinar, que coloca el cine como eje narrativo principal.

Exposición: Vampiros, La evolución del mito
Espacio: CaixaForum Barcelona
Fechas: del 29 de octubre de 2020 al 31 enero de 2021

Estreno cine: La vampira de Barcelona, de Lluís Danés

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La película “La vampira de Barcelona” retrasa su estreno al próximo Viernes 4 de diciembre debido a la situación provocada por la pandemia de covid y su afectación en el sector cultural.

El próximo 4 de diciembre se estrena La Vampira del Raval, un drama de suspense basado en un caso real acontecido en Barcelona a principios del siglo XX. El film está dirigido por Lluís Danés, interpretado por Nora Navas, Roger Casamajor Sebastià Comas, Bruna Cusí Amèlia, Pablo Derqui Fuster y Mario Gas y producido por Brutal Media y Filmax, en coproducción con TV3.

En la Barcelona de principios de siglo XX conviven dos ciudades: una burguesa y modernista; la otra, sórdida y sucia. La desaparición de la pequeña Teresa Guitart, hija de una rica familia, conmociona el país y la policía pronto da con una sospechosa: Enriqueta Martí, conocida como ‘La Vampira del Raval’.

El periodista Sebastià Comas se va a sumergir en el laberinto de calles, burdeles y secretos del barrio del Raval, donde sabe que encontrará la verdad sobre las desapariciones y asesinatos macabros de niños de los que se acusa a la Vampira. Pronto descubrirá que allí se esconde una élite dispuesta a ocultar sus vicios a cualquier precio.

Título: La vampira de Barcelona
Dirección: Lluís Danés
Reparto: Nora Navas, Roger Casamajor, Bruna Cusí, Pablo Derqui, Mario Gas, Francesca Piñón, Sergi López, Núria Prims y Francesc Orella
Guión: Luis A. Martínez y María Jaén
Director de Fotografía: Josep Maria Civit, AEC
Director Artístico: Lluís Danés
Vestuario: Mercè Paloma
Maquillaje: Laura Pérez
Peluquería: Xavi Valverde
Música: Alfred Tapscott
Producción: Brutal Media, Filmax, con la participación de TVC e ICEC
Año de producción: 2020
Nacionalidad: España
Género: Thriller
Duración: 102 minutos

FECHA DE ESTRENO: VIERNES 4 DE DICIEMBRE 2020


Pueblonuevo, radiografía de un barrio de Barcelona (II): La Historia

El territorio donde se encuentra el barrio era desde antiguo una zona húmeda y pantanosa. Ya en la Edad Media era un lugar de pastores y rebaños en la cual también alternaban campos de cultivo.

En el siglo XVIII se construyó una casa de cuarentena y el cementerio, el primero general de la ciudad. También se instalaron campos de prácticas militares. La zona será así, un territorio ocupado por servicios de carácter molesto para la ciudad de Barcelona. Será también a partir del siglo XVIII, con el inicio del proceso de industrialización, cuando llegaran los prados de indianas para blanquear y secar los tejidos de algodón. Este proceso se acelerará en el siglo XIX y la zona atraerá, por los bajos precios del suelo y la abundancia de agua, la instalación de grandes centros fabriles.

Poblenou a inicios del siglo XVIII
Fragmento plano de Barcelona, Nicolas Visscher (1706)

Este mismo proceso atraerá también al primer núcleo urbano, formado por los obreros que trabajaban en las diversas industrias. Su primera localización será la de la actual Plaça Prim. La época de 1840-1850 será la del verdadero nacimiento del barrio que fue conocido como el Taulat. Otras denominaciones del barrio serán la Llacuna e Icària, hasta que finalmente recibió el nombre de Poblenou. Con el tiempo el barrio se convirtió en la mayor concentración industrial del país y así sería también conocido popularmente como la Manchester catalana. La tipología de industrias que se instalaron en su solar fue diversa destacando desde el textil, vino y aguardiente, boteros, harineras, curtidurías, químicas y alimenticias. Como era normal las condiciones de vida del barrio eran pésimas, dominadas desde siempre por su carácter marcadamente industrial.

Fragmento plano de los alrededores de Barcelona, Proyecto de reforma y ensanche, Ildefons Cerdà (1859)

En el año 1897 el Municipio de Sant Martí de Provençals, y dentro de él el Poblenou, junto a otras poblaciones, fueron anexionados a la ciudad de Barcelona.

A partir de la década de 1960 se inicia la crisis industrial del barrio, que se extenderá hasta la actualidad, propiciando el abandono de las grandes fábricas (muchas de ellas emigrarán a la Zona Franca) que serán ocupadas por actividades más reducidas como almacenes, talleres, agencia de transporte y la llegada de profesionales vinculados al arte, al diseño y a la creatividad, que ocuparán muchas de las naves abandonadas.

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Fragmento plano sector Poblenou, Servei Topogràfic de l’Ajuntament (1933)

La progresiva decadencia industrial del barrio a partir de la década de 1960 y la poca disponibilidad de espacio urbano en la ciudad ha propiciado que el ayuntamiento haya redescubierto la potencialidad de la zona y que haya puesto en marcha el proyecto 22@, que pretende redefinir los usos de la antigua zona industrial de Poblenou para transformarla en un distrito de actividades vinculadas a las nuevas tecnologías de la información y la comunicación y a diversas actividades artísticas y culturales. Este amplio proyecto prevé la recalificación de más de 200 hectáreas de terreno. No obstante el proyecto 22@ ha generado una gran polémica en el barrio que prevé los negativos efectos de una especulación urbanística masiva en interés de más bien pocos.

El turismo y la masificación que ha prosperado en Barcelona desde la celebración de los Juegos Olímpicos del año 1992, ha afectado de pleno al barrio del Poblenou, debido a la disponibilidad de espacio y su cercanía a las playas, lo que ha hecho prosperar toda una serie de hoteles, alojamiento y servicios turísticos que están remodelando progresivamente el aspecto del barrio y provoca tensiones con sus vecinos.