Siempre es positiva cualquier novedad de Paulo Coelho, no solo por su dominio del estilo literario, si no también por los consejos de vida que exhalan sus relatos. Hoy os presentamos en CulturaliaEl camino del arquero, escrito conjuntamente con Christoph Niemann y que de nuevo nos envuelve con la magia de la reflexión vital y la serena contemplación de la realidad que envuelve nuestra experiencia cotidiana.
Tetsuya es el mejor arquero del país, pero vive retirado en un valle remoto y trabaja de humilde carpintero. Un día, otro arquero que viene de lejos le desafía. Tetsuya acepta el reto y le demuestra al extranjero que para vencer, tanto con el arco como en la vida, no basta la habilidad técnica. Un joven del pueblo le pide que le transmita su saber. El maestro le advierte que puede enseñarle las reglas necesarias, pero es él quien deberá trabajar sobre sí mismo. Es así como Tetsuya empieza a instruir a su nuevo discípulo en el misterioso camino del arquero, el recorrido de toda una vida.
Paulo Coelho, nacido en Río de Janeiro en 1947, trabajó como director y autor de teatro, periodista y compositor antes de dedicarse a la literatura. Desde la publicación de su primer libro, El Peregrino de Compostela (Diario de un mago), se han vendido más de 230 millones de ejemplares de sus novelas en todo el mundo. Entre sus mayores éxitos destaca El Alquimista, considerado el libro brasileño más vendido de todos los tiempos. Se ha publicado en 170 países y traducido a 82 idiomas.
Coelho ha recibido destacados honores internacionales, como el premio Crystal Award que concede el Foro Económico Mundial, la prestigiosa distinción Chevalier de l’Ordre National de la Légion d’Honneur del gobierno francés y la Medalla de Oro de Galicia. Desde 2002 es miembro de la Academia Brasileña de las Letras, y desde 2007 ejerce como Mensajero de la Paz de las Naciones Unidas.
Título:El camino del arquero Autor: Paulo Coelho y Christoph Niemann Editorial: Planeta Temática: Novela contemporánea | General Novela Colección: Biblioteca Paulo Coelho Páginas: 152 Formato: Tapa dura y eBook Precio: • Tapa dura: 16,90€ • eBook: 9,99€
Os hablamos hoy en Culturalia de un restaurante que nos llamó mucho la atención en la ciudad de Segovia, que no es otro que el Convento de Mínimos, situado en la calle Valdeláguila 7, detrás de la Plaza Mayor, en el mismo casco antiguo de la ciudad y que ocupa la capilla del antiguo Convento de Nuestra Señora de la Victoria, fundado en el año 1592.
El Convento de Nuestra Señora de la Victoria de Segovia fue creado en el año 1592 por la comunidad de Mínimos que se estableció en la ciudad. Se construyó en estilo barroco. En 1821, el convento fue suprimido en el contexto de la Primera Desamortización, siendo su Iglesia reformada en 1844 para adaptarla como teatro, adquiriendo entonces el nombre de Teatro Principal, el cual cambiaría a lo largo del siglo XIX a Teatro de la Victoria y, por último, Teatro Miñón. Entre los años 2001 y 2005 el edificio fue rehabilitado por con el fin de readaptarlo como un espacio de exposiciones artísticas y para albergar un restaurante y un salón de celebraciones.
Así, pues, tenemos un restaurante ubicado en la iglesia de un antiguo convento, algo ya que por sí solo llama nuestra atención y que además está situado en el centro de la ciudad, a pocos metros de la Plaza Mayor y de la catedral, un lugar idóneo para degustar en él el sabor de la cocina tradicional segoviana.
El restaurante tiene capacidad para más de doscientas personas y dispone de reservados para grupos que aprovechan los antiguos palcos del teatro, por lo que está preparado para acoger congresos, convenciones y banquetes. Otra de las cosas que sorprende es su decoración, ya que al restaurante con la configuración de una planta de iglesia se le suma una ornamentación con grandes murales de arte pop.
La carta del Convento de Mínimos mezcla la cocina tradicional castellana con platos innovadores y en ella predomina la cocina de la zona. La carta presenta diversos menús que van desde el menú del día hasta otros más elaborados e incluye también el menú infantil.
En ellos podremos encontrar platos como la sopa castellana, los judiones de la granja, el revuelto de setas y gambas con patatas paja o un milhojas de verduras con salsa de queso. Entre las carnes destaca su especialidad, el cochinillo asado con patatas, acompañado del entrecot de choto con patatas fritas, el magret de pato con salsa de fresas confitada y ralladura de foie fresco, el secreto de cerdo ibérico con su jugo caramelizado o el codillo en su jugo.
El Convento de Mínimos también dispone de carta de pescados, entre los que hallaremos el lomo de merluza con champiñones y crujiente de jamón ibérico, la lubina a la espalda con verduritas en tempura o lomo de bacalao a la romana. El restaurante ofrece también ensaladas y postres caseros entre los que destacan la mousse de chocolate blanco con frambuesa, el brownie de chocolate con helado de vainilla, la tarta de queso o la tarta ponche segoviano con helado.
Comida: de 12:00 a 16:00 (excepto miércoles) Cena: de 20:30 a 23:00 (únicamente viernes y sábado) Consultar horarios y aforos afectados por las normativas Covid
El pasado martes 6 de octubre el Museo del Prado inauguró la exposición Invitadas, Fragmentos sobre mujeres ideología y artes plásticas en España (1833-1931), la primera exposición temporal que organiza tras su reapertura el pasado 6 de junio, y que tiene como objetivo reflexionar sobre el papel de la mujer y los diferentes roles que desempeñó en el sistema artístico español desde el reinado de Isabel II hasta el de su nieto Alfonso XIII.
Comisariada por Carlos G. Navarro, conservador del Área de Pintura del siglo XIX, y con el apoyo de la Fundación AXA, esta exposición se podrá visitar en las salas A y B del edificio Jerónimos hasta el 14 de marzo de 2021. Estructurada en 17 secciones, la muestra recorre una selección de más de 130 obras, procedentes en su mayoría de la colección del Museo Nacional del Prado, pero también de las colecciones reales de Patrimonio Nacional y de otras colecciones públicas y privadas, que, en gran parte, participaron en exposiciones internacionales o fueron ganadoras de premios de Exposiciones Nacionales creadas en 1853 para fomentar el progreso del arte español y constituir una imagen ideológica de la nación.
Enmarcada en un periodo cronológico que va desde los tiempos de Rosario Weiss (1814-1843) hasta los de Elena Brockmann (1867-1946), la exposición se ordena en dos partes articuladas a su vez en distintos fragmentos temáticos. En la primera se ilustra el respaldo oficial que recibieron aquellas imágenes de la mujer que se plegaban al ideal burgués. El Estado legitimó estas obras mediante encargos, premios o adquisiciones, y fueron aceptadas como valiosas muestras de la madurez de sus autores, al tiempo que se rechazaban todas aquellas que se oponían a ese imaginario. El contexto en el que se validaron estas representaciones sirve de antesala a la segunda parte de la muestra. En ella se abordan aspectos centrales de las carreras de las mujeres artistas, cuyo desarrollo estuvo determinado por el pensamiento predominante en su época, que diseñó su formación, participación en la escena artística y reconocimiento público. Para conformar y visibilizar este segundo episodio se han elegido los nombres imprescindibles, desde las románticas hasta las que trabajaron en el quicio de las vanguardias.
Exposición: Invitadas. Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931) Comisario: Carlos G. Navarro, conservador del Área de Pintura del siglo XIX del Museo Nacional del Prado Fechas: del 6 de octubre de 2020 al 14 de marzo de 2021
La Fundación MAPFRE (Madrid) inauguró el pasado jueves 1 de octubre la exposición Lee Friedlander, un completo recorrido cronológico por la extensa obra del fotógrafo estadounidense, destacando algunos de sus proyectos más significativos, como American Monuments, y con una notable presencia de publicaciones (uno de los aspectos de su carrera a los que el propio Friedlander ha dedicado siempre una especial atención) y otros materiales documentales con los que podemos conocer la compleja obra de uno de los fotógrafos más influyentes de nuestro tiempo.
Reconstruir la heterogénea obra de Lee Friedlander supone sumergirnos en un mundo cargado de elementos cotidianos y reconocibles pero que, en una observación más detenida adquieren un significado distinto, más completo. Considerado uno de los artistas fundamentales del siglo xx y tras más de sesenta años fotografiando a diario, continúa en la actualidad renovando su lenguaje. En esa búsqueda de metáforas visuales de difícil comprensión, pese a su aparente cotidianidad, su mirada crítica, ha reflejado, aun con unos propósitos estrictamente formales, la enormidad y el caos de la sociedad americana.
La exposición propone un recorrido cronológico completo por su extensísima obra. Un trabajo que casi siempre agrupa en series, conjuntos de fotografías desarrollados a lo largo de varios años. En la exposición se subraya la importancia de estos proyectos, que, con frecuencia, se concretan en libros, otra de sus pasiones: The Little Screens, The American Monument o America by Car son sólo algunos de ellos. Pero también se muestran asociaciones temáticas o estilísticas que agrupan cerca de trescientas cincuenta fotografías entre retratos, autorretratos, fotografías familiares, naturaleza, paisaje urbano, etc. Entre estas se incluyen diecisiete pertenecientes a las Colecciones Fundación MAPFRE, además de otros materiales, como vinilos de jazz y alrededor de cincuenta publicaciones.
Exposición: Lee Friedlander Lugar: Fundación Mapfre (Madrid) Dirección: Paseo de Recoletos, 23, Madrid Fechas: del 1 de octubre de 2020 al 10 de enero de 2021 Precio: 3€ (entrada reducida 2€, entrada gratuita los lunes no festivos)
Si es cierto que algunas salas de teatro de pequeño formato han cerrado en los últimos años en Barcelona y que otras viven una situación actual complicada, la verdad es que también han aparecido espacios nuevos que diversifican la oferta teatral en la ciudad condal. Uno de ellos es la Sala Ars, situada en la calle Jonqueres 15, que re-ocupa el antiguo teatro museo El rey de la magia. En Culturalia teníamos ganas de conocer la sala y aprovechamos el mes de septiembre para ver Trío, una comedia sexual escrita y dirigida por Gerardo Begérez e interpretada por él mismo, Sebastián Gancia, Santiago Granizal y Antonio Castillo.
«Rocco y Toni casi sin notarlo acceden a jugar a un juego divertido que poco a poco se va volviendo extraño. Trío es un espectáculo de humor negro, donde hay amor, desnudos y mucho misterio. Algo sucede pero no sabemos qué es. Ellos intentan divertirse. ¿Podrán hacerlo?».
Trío es una comedia sexual que intenta retratar con humor el día a día de una pareja gay que parece que está perdiendo la tensión sexual que existe entre ellos. Para solucionar el problema se lanzan a la piscina y deciden hacer un trío con otro hombre, un juego sexual que puede que devuelva la pulsión perdida a la pareja.
De esta forma la obra arranca en el interior la casa que comparten Rocco y Toni en Barcelona con la discusión sobre la arriesgada propuesta, con lo bueno y lo malo que esta puede traer a la pareja y los miedos y las inseguridades de sus componentes, para después iniciar la aventura cómica y sexual en la que todo puede pasar. Asistimos, así, a una comedia gay-friendly de pequeño formato en la que las risas y los contrasentidos están garantizados, a lo que se suma un tono de suspense y misterio que mantendrá atento al espectador.
La obra dirigida por Gerardo Begérez, que ha estado durante tres años ininterrumpidos en la cartelera de Buenos Aires, llega a Barcelona para hacer pasar una hora y media entretenida, «excitante» y a veces hot al público asistente. En el intento el reparto alcanza un acierto desigual: Gerardo Begérez aporta gran parte de la vis cómica a la obra, acompañado por Sebastián Gancia con una interpretación algo más rígida, ambos escoltados por Santiago Granizal y Antonio Castillo, los terceros en discordia.
Una propuesta divertida, sin prejuicios que se ríe de los tópicos y los estereotipos sexuales y que nos introduce de lleno en un mundo de experiencias íntimas más abierto y provocativo. Una buena oportunidad para pasárselo bien, que no es poco, sin complejos.
«Trío» se representa en la Sala Ars del 10 de septiembre al 29 de octubre de 2020
Texto y dirección: Gerardo Begérez Reparto: Sebastián Gancia, Gerardo Begérez, Santiago Granizal y Antonio Castillo Horarios: Jueves a las 22:00 horas Precio: 12,5€ Idioma: castellano Duración: 90 min
En 2020 se celebra el centenario del nacimiento de Miguel Delibes y la Biblioteca Nacional de España (BNE) se suma, con esta exposición, a los actos de homenaje que a lo largo de todo el año recordarán y reivindicarán su figura y su obra.
Miguel Delibes Setién, catedrático de Derecho Mercantil, periodista, cazador, defensor a ultranza de la naturaleza y de la explotación sostenible de los recursos naturales, académico de la Lengua, escritor… Una de las voces más admiradas y originales de la literatura en español de la segunda mitad del siglo XX; premio Nadal, premio Nacional de las Letras, premio Príncipe de Asturias, premio Cervantes… Buena parte de sus obras se han convertido en títulos inolvidables para varias generaciones de lectores: Cinco horas con Mario, El camino, Las ratas, Los santos inocentes, Señora de rojo sobre fondo gris, El hereje…
La exposición ofrece al visitante un recorrido biográfico que muestra al Delibes más reconocible, pero que también desvela aspectos menos conocidos de su vida: su infancia en Valladolid, su abuelo francés –descendiente de Léo Delibes, el compositor-, responsable de aquella educación ‘a la francesa’ que tanto le marcaría, sus estudios de Comercio, sus primeros trabajos como caricaturista en El Norte de Castilla, su mujer, Ángeles y sus hijos, y el Premio Nadal con el que en 1948 iniciaría su carrera de escritor.
La exposición se adentra también en su obra, mostrando su manera minuciosa de trabajar, siempre a mano, en cuartillas de papel de periódico de las bobinas de El Norte de Castilla, diario del que llegaría a ser director y desde donde luchó contra la censura impuesta por el Régimen.
Se habla también de Castilla, otro de sus grandes temas –sus paisajes, sus gentes, la reivindicación del mundo rural-, convertido territorio literario, casi legendario, de su obra; de su relación con el cine y con el teatro, y de su compromiso con la defensa de los oprimidos, los explotados, que lo convirtió en una figura admirada y respetada y en un referente de honestidad, coherencia y ética.
La muestra reune más de doscientas obras entre libros impresos, manuscritos, dibujos, lienzos, fotografías, etc procedentes de la BNE, de la Fundación Miguel Delibes y de otras instituciones españolas. Finalizada la exposición en la BNE, la muestra se podrá ver en la ciudad de Valladolid.
Exposición: Delibes, en la Biblioteca Nacional Dirección: Paseo de Recoletos, 20-22, Madrid Fechas: del 18 de septiembre al 15 de noviembre de 2020 Precio: Entrada gratuita
Dirty Dancing fue uno de aquellos superéxitos cinematográficos de los años 80 interpretado por Patrick Swayze y Jennifer Grey que todo o casi todo el mundo ha visto, y si no, ha oído alguno de los temas que aparecen en su banda sonora, ya sea el Hungry eyes de Eric Carmen, el Do you love me de Berry Gordy Jr o el temazo final del film (I’ve had) The time of my life. De ahí que la idea de crear un musical basado en la película sea un éxito asegurado. A principios de este mes de septiembre Dirty Dancing el musical recaló en Valencia, en el teatro Olympia, para iniciar una gira post-confinamiento que le llevará en el mes de diciembre a Cartagena y Bilbao y a Murcia en enero del año que viene.
“En el verano de 1963, Frances “Baby” Houseman, una jovencita de diecisiete años, se encuentra atrapada en unas aburridas y monótonas vacaciones junto a su familia en las montañas deCatskill de Nueva York. Sin embargo, la situación cambia cuando durante una fiesta en el hotel, se topa con el guapo y famoso profesor de baile Johnny Castle. Baby, además de aprender unos cuantos pasos de baile, cambiará su vida para siempre”.
La historia, ya conocida por todos y todas, nos narra las aventuras estivales de la joven e idealista Baby (Sara Ávila), que a través de la música y el baile conocerá algo más del mundo de lo que hasta ese momento abarcaba su vida en el seno de una familia bien situada. El espectáculo está ideado como una fiel adaptación de la película y nos irá mostrando escena tras escena, acto tras acto, la historia que nos narraba el film protagonizado por Swayze y Grey, a lo que se suman algunas escenas y temas musicales más.
El escenario, de reducidas dimensiones, nos muestra el centro vacacional al que acude la familia Houseman, con todo un decorado y toda una serie de movimientos que permiten al espectador situar la acción. También se utilizan efectos especiales para simular, por ejemplo, la escena de entrenamiento en el lago, seguramente una de las más recordadas de la película.
Pero lo que predomina por encima de todo son las actuaciones, las canciones y las coreografías que acompañan a la representación. Es este el plato fuerte de Dirty Dancing y en parte cumple las expectativas. La acción del musical está acompañada de bailes y de canciones, algunas icónicas del film y que forman ya parte de la cultura popular de los 80. Por eso algunos de los momentos estelares son, sin duda, las escenas de los ensayos de Baby y Castle acompañada del tema Hungry Eyes, la escena de baile clandestino en el que participan los trabajadores del hotel o, y no podía ser de otra forma, la escena del baile final de despedida con la canción (I’ve had) The time of my life. Todo listo y preparado pero representado a un ritmo entre escena y escena demasiado rápido, lo que no ayuda a alcanzar en algunos momentos la intensidad que el espectáculo debería.
Respecto a las interpretaciones, los roles principales están interpretados en esta ocasión por Dany Tatai (Johnny Castle) y Sara Ávila (Baby), acompañados por Fanny Corral que interpreta a la profesora y compañera de baile de Castle, Paco Morales y Lucía Torres que encarnan a los padres de Baby y Lilian Cavale que da vida a la hermana de esta.
Ya lo sabéis, todo está dispuesto para revivir en primera persona y en directo las emociones que Dirty Dancing dejó en la memoria de muchos y muchas que disfrutaron de la película allá en los años 80, y que la magia del teatro nos permite disfrutar en la gira que el musical sigue realizando este 2020 por diversos escenarios españoles.
“Dirty Dancig” se representó en el Teatro Olympia de Valencia del 1 al 6 de septiembre de 2020.
Director: Federico Bellone
Escritura: Eleanor Bergstein
Coreografía: Gillian Bruce
Diseño Escenografía: Roberto Comotti
Diseño Vestuario: Jennifer Irwin
Iluminación: Valerio Tiberí
Diseño Audio: Armando Vertullo Reparto: Sara Ávila, Dani Tatay, Fanny Corral, Paco Morales, Lucía Torres, Lilian Cavale, Alvaro Blazquez, Jorge Galaz, Javier Ramos, María Gago, Oriol Anglada, Pedro Ekong, Enrique Cazorla, Ángel Lara, Alba Feliu, Eduardo Llorens y Laura Caurín
Producción: Letsgo, Lionsgate, Magic Hour Productions y Show Bees
Gira Dirty Dancing 2020 – 2021: Cartagena: del 10 al 13 de diciembre de 2020 Bilbao: del 25 de diciembre de 2020 al 24 de enero de 2021 Murcia: del 28 al 31 de nero de 2021
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La infancia y los traumas asociados a ella están muy ligados a nuestro comportamiento en edad adulta, por lo que reflexionar sobre sus formas y sus causas es una buena excusa para ver Here comes your man en el Teatre Gaudí, obra escrita por Jordi Cadellans, dirigida por él mismo y Raül Tortosa e interpretada por Sergi Cervera y Marc Ribera.
«Los antiguos alumnos de una escuela religiosa se han reunido el fin de semana en un pequeño hotel en las afueras de la ciudad para rendir homenaje y celebrar la jubilación de quién fue su tutor. Las obras en el edificio han hecho que a Morales (Marc Ribera) y Torres (Sergi Cervera) les toque compartir habitación. No fueron demasiado amigos en clase y ahora parece que tampoco tengan mucho en común. La conversación que se iniciará entre ellos les llevará a recordar el episodio de bullying que hizo la vida imposible a Morales hasta el punto de dejarlo marcado para siempre».
Preparaos para asistir a una representación que no va a dejar indiferente a nadie, no solo porque toca un tema actual, duro y difícil como es el bullying, sino por la forma directa e intrigante en la que lo trata. La obra da inicio con la llegada de los dos alumnos a la habitación que comparten en el hotel. Uno de ellos más grave y retraído y el otro más directo y con don de gentes, dos caracteres que marcarán las diferencias entre el uno y el otro.
El dilema aparecerá cuando en la conversación hagan acto de presencia los recuerdos de la escuela y de las vivencias de cada uno de ellos: Torres en el bando de los ganadores y Morales, un alumno afeminado, en el bando de los diferentes… de los perdedores. A partir de este momento el publico asistirá a una batalla dialéctica entre ambos personajes en la que el juego del gato y el ratón, entre el fuerte y el débil, el acosador y el acosado se irán intercambiando a medida que avance la representación. A lo que se suman constantes giros en los acontecimientos entre lo que pasó en el pasado y lo que pasa en el presente que acrecientan el interés del público hasta el final de la obra.
Here comes your man és un tour de force entre los dos actores protagonistas. Marc Ribera interpreta a Morales, que en la escuela sufrió acoso por su orientación sexual por parte de sus compañeros y también del propio colegio y que no lo ha podido superar aún. Sergi Cervera da vida a uno de aquellos del grupo de los guays que existe siempre en cualquier colegio. El primero con una actuación afectada por las consecuencias de su paso por la escuela, el segundo con un registro más abierto, como alguien acostumbrado a conseguir lo que quiere, aunque ello no sea un seguro para ser feliz en la vida. Aunque las dos interpretaciones alcanzan un alto registro, la de Ribera destaca por lo intenso y funesto de la misma, ayudada por un texto teatral encaminado a ensalzar su caracterización.
Cabe destacar también a su autor, Jordi Cadellans, por lo afilado y cortante del texto, que acierta al tocar un tema tan peliagudo, esto es, la homosexualidad y el acoso vinculado a ella, de una forma tan cruda como lo trata y con un juego constante de cambio de roles que incrementa la intensidad de la obra, aunque a veces pueda aparecer algo artificioso. Raül Tortosa ha sabido, además, dirigir a los actores en un esfuerzo escénico muy intenso y ha sabido darle el toque directo que la obra necesita.
Here comes your man es un ejemplo de acierto de teatro contemporáneo interesado en analizar problemas del presente desde una perspectiva realista y descarnada que propicia, seguro, el debate post-representación. Una propuesta que estará en el Teatre Gaudí hasta el próximo domingo 27 de septiembre.
«Here comes your man» se representa en el Teatre Gaudí del 13 de agosto al 27 de septiembre de 2020.
OBRA PRORROGADA: DEL 6 AL 22 DE OCTUBRE DE 2020
NUEVO HORARIO: martes y miércoles a las 20:30 horas y jueves a las 21:30 horas
Autor: Jordi Cadellans
Dirección: Jordi Cadellans i Raül Tortosa
Reparto: Sergi Cervera y Marc Ribera
Diseño escenografía: Ricard Martí y Sergi Cervera
Vestuario: Tarambana Espectáculos
Iluminación y espacio sonoro: Betho Carvajal y Sara Esquivel
Composición musical: Momo Cortés
Producción: Tarambana Espectáculos
Horarios: de jueves a sábado a las 21:30 horas y domingo a las 20:30 horas. Precio: 18€ Idioma: catalán Duración: 85 minutos NOTA CULTURALIA: 8,5 ——
El teatro, casi siempre, nos permite reflexionar sobre las contradicciones y los sinsabores de la vida. Se convierte, así, en una herramienta de introspección personal sobre temas que importaron en el pasado o temas candentes en la actualidad. Algo de todo esto lo tiene Esperando a Godot, obra representativa del teatro del absurdo escrita por Samuel Beckett a finales de los años 40 del siglo XX, dirigida para la ocasión por Antonio Simón e interpretada por Pepe Viyuela, Alberto Jiménez, Juan Díaz, Fernando Albizu y Jesús Lavi, que estará hasta el próximo 27 de septiembre en la cartelera del teatro Reina Victoria de Madrid.
«Vladimir (también llamado Didí, interpretado por Alberto Jiménez) y Estragón (conocido como Gogó, Pepe Viyuela) esperan la llegada de Godot junto a un camino, al lado de un árbol. Pasan el tiempo conversando y a veces discutiendo. Les interrumpe la llegada de Pozzo (Fernando Albizu), un hombre cruel que afirma ser el dueño de la tierra donde se encuentran, y que lleva atado del cuello a su criado Lucky (Juan Díaz), a quien parece controlar por medio de una larga cuerda. Tras la partida de Pozzo y Lucky, un Muchacho (Jesús Lavi) llega con un mensaje de Godot: “Aparentemente, no vendrá hoy, pero vendrá mañana por la tarde”.
La obra, la espera de un tal Godot por parte de dos amigos, Didí y Gogó, y todo lo que acontece mientras tanto, es la excusa con la que Beckett pretendía reflexionar, en clave de comedia oscura, sobre la vacuidad de la existencia y la inconsistencia de la comunicación humana. La espera se produce en un páramo desierto en el que solo aparecen las vías abandonadas de un tren y un árbol muerto, y en el que la humanidad de Didí y Gogó se nos hará evidente. No sabemos quiénes son, parecen mendigos y no sabemos a quién esperan ni por qué. Si bien sabremos que se conocen desde hace años y que comparten lo difícil de los tiempos. A ellos se sumarán, en el segundo acto de la representación, Pozzo y Lucky, personajes que nos demostrarán lo injusto de las convenciones sociales y el egoísmo del que se nutre la sociedad occidental.
Simón consigue crear una atmósfera en la que lo absurdo de Beckett se manifiesta de una forma conmovedora, con una dirección sutil pero a la vez diestra que permite deambular a los personajes sobre el escenario y mostrar su naturaleza «becketiana». Un trabajo de dirección atento que posibilita a los actores alcanzar la cota de actuación necesaria para la representación de una obra cargada del sentido de «lo absurdo» como esta. Pepe Viyuela y Alberto Jiménez consiguen transmitir la fuerza de unos personajes desquiciados que se quieren y que son conscientes de que la sociedad puede que no les quiera a ellos, en una espera que no tiene sentido en lo particular pero sí en lo trascendental. Los personajes principales están perfectamente arropados por Fernando Albizu y Juan Díaz, que materializan con sus roles la desigualdad propia de nuestra sociedad occidental. A ellos les acompaña Jesús Lavi como vocero de Godot, el cual, aunque presente no descubriremos nunca.
Una especial mención a la escenografía y a la iluminación decadente a la vez que poética que sirven de base al desarrollo de la acción escénica y a un vestuario de tonos fríos que refuerzan el sinsabor de todo lo que acontece ante nuestros ojos.
Esperando a Godot es una buena ocasión para ver qué nos pueden decir los clásicos, sí, también los del siglo XX, en estos tiempos difíciles y melancólicos y para disfrutar de una propuesta teatral con un tono oscuro que nos recuerda que el alma humana está sola cuando la colectividad hace oídos sordos a sus exigencias.
«Esperando a Godot» se representa en el teatro Reina Victoria de Madrid del 3 al 27 de septiembre de 2020.
Autor: Samuel Beckett
Dirección: Antonio Simón
Reparto: Pepe Viyuela, Alberto Jiménez, Juan Díaz, Fernando Albizu y Jesús Lavi
Diseño de escenografía: Paco Azorín
Diseño e iluminación: Pedro Yagüe
Vestuario: Ana Llena
Espacio Sonoro: Lucas Ariel Vallejos
Productor: Pentación
Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábado a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas Precio: de 24€ a 28€ Duración: 110 minutos aproximadamente Idioma: castellano Edad recomendada: mayores de 14 años NOTA CULTURALIA: 8,5 ——
El próximo 26 de septiembre el Palau de la Música Catalana inicia el ciclo Sinfónicos con el Carmina Burana de Orff, una oportunidad para volver a disfrutar y a emocionarte con una de las piezas más populares de la música clásica
Los cantos de taberna medievales que responden al nombre de Carmina Burana, El carnaval de los animales de Saint-Saëns, La flauta mágica de Mozart, la Pastoral de Beethoven, la historia de la bella Scheherezade de Rimsky-Korsakov, El sueño de una noche de verano de Mendelssohn, El señor de los anillos y El anillo del nibelungo, la Novena de Beethoven, valses y marchas de la familia Strauss y dos estrenos de Marc Timón con texto de Irene Solà y Greta Thunberg son las mil y una historias que esta temporada cuenta la Orquesta Sinfónica del Vallés en su ciclo Sinfónicos en el Palau.
Ficha artística:
Alícia Amo, soprano
Beñat Egiarte, tenor
Toni Marsol, barítono
Pau Casan, piano
Josep Surinyac, piano
Cor Jove de l’Orfeó Català
Orquestra Simfònica del Vallès
Xavier Puig, director
Programa
M. Lauridsen: O nata lux (solo coro)
C. Orff: Carmina Burana
Fechas:
Sábado 26 de septiembre de 2020 a las 18:30 horas
Sábado 26 de septiembre de 2020 a las 21:30 horas
Ciclo: Sinfónicos en el Palau
Precio: de 18€ a 68 € Organiza: Orquestra Simfònica del Vallès y Fund. Orfeó Català-Palau de la Música
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