“Orgia” de The Mamzelles: Voto de castidad obligado

Tres eran tres las hijas del Rey. Y las tres deberían hacerle los honores.
¡Venga, pues! Pizpiretas cuando están juntas, The Mamzelles tienen su encanto y lo exhiben en cuanto se les presenta la ocasión. Juntas, se complementan como pocas. Su condición de “starlettes” se afianza paso a paso y nos las impone como una rara avis en el panorama del music hall catalán.

Y por separado hasta tienen entidad propia: Bàrbara Mestanza, animosa y procaz, enloquece en la pista de baile. Paula Màlia, falsa mosquita muerta (como todas, no es ninguna novedad), aventaja en el ritmo del diálogo. Y Paula Ribó, frágil y versátil, vuela cuando entona con su registro lírico.

“The Mamzelles” andan metidas estos días en un fregado que no habrá forma de que quede reluciente. La “orgía” que se montan es un disparate descomunal que, avergonzado de los tintes que va adquiriendo conforme avanza la ¿acción?, se repliega más y más en sí mismo para acabar siendo un producto inane del que difícilmente poder escapar con vida.

El texto de Àlex Mañas apunta ideas oportunas en algunos casos: La cosificación del individuo para llegar a ser “valorado” por los demás; la dependencia emocional consecuente. Y chispea cuando insiste en temas más bien oportunistas: El enfrentamiento a bocajarro de las dos tendencias más extendidas hoy en día en este supermercado de la autoayuda en que nos vendemos al charlatán más desprejuiciado. ¿Dejamos fluir la vida y nosotros nos hundimos en su flujo o bien nos multidirigimos hacia nuestros inalcanzables objetivos de felicidad de pacotilla?.

Pero la dramaturgia ni encuentra su tono (lo que empieza como una comedia de “buen rollo” de “friendgirls for life” intenta acabar como un rosario en el que la “aurora” de marras resulta que había quedado ya) ni transmite la menor sensualidad o morbo (a pesar de los desnudos tan generosos como gratuitos de sus protagonistas). Tampoco el estilo musical elegido para vehicular la historia resulta convincente: El ritmo electropop se lleva a matar con esas letras de “Al salir de clase” a la catalana.

¿Y qué pasó con las princesas? Pues que estuvieron exultantes cuando las dejaron recurrir a su ingenua picardía, sobre todo cantando, e imposibles tomándose en serio este experimento fallido.

por Juan Marea

O 1

Mamzelles descolocadas

“Orgia” se representa en el ciclo “Aixopluc” del Teatre Lliure de Barcelona hasta el domingo 29 de septiembre
http://www.teatrelliure.com/ca/noticies/primer-aixopluc-mamzelles-teatre

“Els músics del silenci“ de la Compañía Mummenschanz: El patio de mi casa es universal.

¿Cómo se explica un patio de butacas lleno de niños después del crepúsculo?
¿Quién entiende que a los pocos instantes de iluminarse el escenario la platea estalle en carcajadas sin que los actores hayan dicho ni una palabra?
Intentaremos averiguarlo.

El impacto visual de este espectáculo es tal que le bastará desplegarse en una retahíla de «sketchs» por los que se paseen los personajes más disparatados sin venir al caso.
Pero no, no es así exactamente.

El caso es que los suizos Mummenschanz convocan con generosidad en el escenario del Barts de Barcelona un grupo de criaturas escénicas encantadoras: Manos gigantescas que descorren con encantadora desenvoltura el telón para disparar poco después al público hechizado. Tubos interminables que se contraen y dilatan ante las adversidades del trayecto. Seres enmascarados de facciones infinitamente cambiantes en un duelo gestual sin piedad. Un juego constante de figuras y formas que se cruzan, se oponen y felizmente se combinan para celebrar sin rubor alguno los cuarenta años de la Compañía.

Este universo delirante nos resulta muy fácil de transitar por su cercana poética. La belleza del espectáculo emana de una equilibrada plasmación de emociones a partir del recurso al color, la geometría espectacular de los personajes y su movimiento en escena en un constante impulso acrobático.

Dichos “músicos silentes” no son tímidos en absoluto. Más bien sabios a la hora de probar cómo el lenguaje universal de signos y símbolos abre en canal la comunicación. Y que multitud de consignas pueden ser entonces invocadas.
¿Y qué pasa con el fondo? Pues que se desdibuja tras el desfile constante de escenas. Ello lastra parcialmente el valor sugestivo de esta propuesta, obcecada en demostrar una y otra vez el “más difícil todavía”.

Lo que ya hemos averiguado unos párrafos más arriba ahora debemos constatar: El espectador, embelesado, se siente mimado. Sin apenas azote a su conciencia, la ternura y el humor inmaculado le sumen en un agradecido recreo.

Por Juan Marea

M 1

Si somos flexibles, podremos jugar.

“Els músics del silenci” se representa en el Barts de Barcelona hasta el domingo 29 de septiembre.
http://www.barts.cat/
http://www.mummenschanz.com/

Concierto Revolver, en la Sala Barts (Barcelona).

Revolver - Enjoy (Directo)El próximo jueves 3 de octubre Revólver actuará en la sala Barts de Barcelona en el marco de la gira eléctrica presentación de Enjoy, su nuevo trabajo discográfico. Una buena ocasión para disfrutar con la música del grupo valenciano liderado por Carlos Goñi.

El pasado mes de febrero y tras tres Básicos acústicos, Revólver grababa en la Sala Joy Eslava lo que sería su nuevo trabajo discográfico, un álbum en directo eléctrico que también saldrá publicado en DVD. El sold out a los pocos días de salir las entradas a la venta, y la larga cola de la entrada, anunciaban lo que sería una gran noche.

No hay mañanas abría el concierto. Mestizo, Tiempo pequeño o Si no hubiera que correr fueron otros de los grandes éxitos escogidos por el artista. Como colaboración especial en Dos por Dos contaba con la presencia de otro de los míticos rockeros del panorama español, Miguel Ríos. Y como colofón final, temas como El Dorado, San Pedro o Tu y yo fueron los escogidos para cerrar la velada despidiéndose de tan entregado público y agradeciendo su asistencia.

Afortunadamente y para todos aquellos que no pudieron disfrutar de esta gran noche, Revólver comenzó a partir de junio una gira eléctrica que recorre las principales ciudades españolas y que llegará a BARTS el día 3 de octubre.

RevolverJoy_35(1)Concierto: Revólver
Fecha: 3 de octubre 2013
Horario: 21:00 horas
Precio: de 25 a 35 € (+ gastos de gestión)

PRÓXIMOS CONCIERTOS:

3 octubre BARCELONA – Teatre Barts
4 octubre MADRID – La Riviera
5 octubre ZARAGOZA – Sala Oasis
10 octubre VIGO (PONTEVEDRA) – Sala La Fábrica de Chocolate
11 octubre SANTIAGO DE SOMPOSTELA – Sala Capitol
17 octubre BILBAO – Kafe Antzokia
19 octubre SEVILLA – Sala Custom
24 octubre SANTANDER – Sala BNS
25 octubre OVIEDO – Sala por determinar
26 octubre VITORIA – Sala Jimmyjazzgasteiz
8 noviembre GRANADA – Sala Forum Plaza
9 noviembre CÓRDOBA – Sala Góngora
22 noviembre ALMENDRALEJO (BADAJOZ) – Sala San Patrick´s
28 noviembre VALLADOLID – Sala Porta Caeli)
29 noviembre TUDELA (NAVARRA) – Sala Noboo

Entradas: http://www.ticketmaster.es/nav/es/index.html

Más información: http://es-revolver.com/

enlace Crónica concierto: Revólver, en la sala Barts

“Cèl·lules T” de Elejedelmal: Nueve negritos que sobreviven.

Dejemos paso. Que vienen nueve distinguidos invitados.

ImagenMaria Hernàndez en carne y manifiesto

Para no despertar falsas expectativas, les dejaremos que se mezclen entre la multitud congregada para ver el espectáculo.

Y no solo eso: al llegar a Porta 4, se nos pide amablemente que nos identifiquemos. Aquellos nueve elegidos y nosotros vamos a formar un espacio escénico estremecedor.

Los nueve lo son porque serán juzgados implacablemente. En el transcurso de una terapia, uno tras otro irán desmarcándose. Juntos perfilarán el cordón umbilical que les une. El mismo que también les aleja de la comprensión ajena.

Gerard Nicasi, director, alinea pues a un grupo de actores que busca su lugar bajo el sol sin más apoyo que su capacidad expresiva y su habilidad para hacer creíbles personajes deliciosamente humanos porque a medida que van desgranando su lamento, a lo largo de estos nueve monólogos, deben esquivar el peligro de quedar sepultados por el desgarro de la sobreactuación. Nicasi, generoso, les mima al despojarlos de cualquier artificio escenográfico. Nicasi nos maltrata a cambio pues no nos deja mantenernos al margen. Nicasi, finalmente, triunfa: El esfuerzo de los primeros hace mella en nosotros y convierte en estupor la alerta creada inicialmente.

Nicasi y sus nueve presentan en sociedad la Compañía Elejedelmal y su talante coral casa bien con la estructura de la dramaturgia: Una selección de nueve discursos dramáticos de la recopilación “T-Cells and Sympathy” de Michael Kearns.
Para divulgar, hacer pedagogía y emocionar sobre los estragos del SIDA abordándolo desde una multitud de combinaciones posibles, paradojas de esta vida en la que el dedo que acusa (magnífico David Teixidó como hemofílico desde una socarronería inolvidable; enérgico Francesc Vila cuyo conflicto interno de sacerdote homosexual altamente practicante se traduce acertadamente en una ira finalmente descontrolada) suele ser finalmente ajusticiado.

La misma vida que no duda en declarar el determinismo de quien se convierte en desalmado emocional por haber sido antes vilipendiado (desquiciada Maria Hernàndez al vomitar sus traumas infantiles y ya no ser capaz de restablecerse jamás sentimentalmente; carismático Marc Ribera que exhibe una estupenda versatilidad al narrar su conversión de chapero ocasional en asesino brutal).

Pero es que además esta obra rompe ideas preestablecidas: Ni todos los personajes que sufren son homosexuales (elegante Mar Pawlowsky como testigo cuasimudo de la pérdida de un ser queridísimo; convincentemente cotidiana Anna Elias al admitir con generosidad que ama aún más a su pareja cuando asume que él es homosexual). Ni son necesariamente los “temibles maricas” los que quedarán letalmente condenados (tierno Xavier Grivé que de cola de león a la sombra del insigne Rock Hudson pasa a admirable cabeza de ratón cuando decide cuidar a quien infectado le desvirgó; resuelto Eric Balbàs implorando afecto desde su paradoja antropomórficosexual).

Además, también estas “células” nos sirven para reflejar la ironía de la condición amatoria: El “gay” reprimido que alza poderosamente su voz al tomar el testigo de su propio hijo (un Gal Soler con oficio y beneficio).

Obviemos cierto histrionismo en algunas interpretaciones y subrayemos la contención corporal de todas ellos. Relativicemos que el desenlace no está a la altura de las circunstancias por no resolver coherentemente el naturalismo perseguido a lo largo de toda la representación. Tampoco nos pesará demasiado cierta reiteración en el ritmo. Porque las “células” de Elejedelmal tienen vida propia y combaten con tesón.

por Juan Marea

ImagenEric Balbàs y la magnitud de su tragedia

“Cèl·lules T” se representa en la Sala Porta 4 de Barcelona los domingos de septiembre
http://porta4.cat/programacion-mas-info.php?id=156

Novedad discográfica: Val Miñor-Madrid, Historia y Cronología del Mundo, de Iván Ferreiro

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En la década de los 90, Los Piratas se convirtió en una de las bandas más influyentes del pop-rock nacional, una carrera exitosa que llegó a su fin en 2003. Tras la disolución del grupo, su líder, Iván Ferreiro, apenas se tomó un par de años de descanso antes de publicar el primer trabajo sin sus antiguos compañeros, Canciones para el tiempo y la distancia, con el que emprendió una sólida trayectoria que le ha convertido en uno de los músicos más reconocidos y solicitados de este país. Ahora, ocho años después de ese debut en solitario, el gallego publica Val Miñor-Madrid, Historia y Cronología del Mundo, su sexto disco, un LP que pretende explicar la historia de ese nuevo mundo que ha ido creciendo ante él en los últimos tiempos.

Ferreiro confiesa que su anterior trabajo de estudio, Picnic extraterrestre, fue el más amargo de su carrera y significó el final de una etapa, por lo que ahora tenía muchas ganas de divertirse, de “hacer un disco que fuera alegre y hablara de cosas buenas”, y de esta manera nació Val Miñor-Madrid, Historia y Cronología del Mundo, un álbum más luminoso y optimista de lo que en él es habitual que el músico gestó en los últimos tres años, entre concierto y concierto y junto a su hermano Amaro. Iván ofrece un viaje a su propio mundo, un universo personal que une sus dos hogares: Val Miñor y Madrid, al mismo tiempo que nos explica su propia historia en el libreto que acompaña el disco, un relato que arranca con el primer día que el artista recuerda de su vida, el 20 de febrero de 1973, cuando aún no había cumplido tres años. Así, sus seguidores conocerán los referentes más cercanos del gallego (ya sean cinematográficos, literarios, televisivos o del mundo del cómic), elementos con los que ha confeccionado las 12 canciones del CD (con dos temas adicionales, El Fin de la Eternidad y Solaris, para quienes adquieran la edición especial del disco, en la que también se adjunta un juego de mesa).

Iván Ferreiro, en una imagen promocional de su nuevo disco
Iván Ferreiro, en una imagen promocional de su nuevo disco

Con sus alegres composiciones bajo el brazo, Iván Ferreiro se trasladó hasta Barcelona el pasado mes de junio, concretamente hasta los estudios Blind Records, para grabar su nuevo trabajo, confiando las labores de productor en Ricky Falkner. En sus instalaciones Iván reunió a sus habituales cómplices (Amaro Ferreiro y Emilio Saiz a las guitarras, Pablo Novoa a los teclados, Ricky Falkner al bajo, Xavi Molero a la batería y Santos Berrocal a la percusión) con artistas/amigos invitados de la talla de Julieta Venegas (Alien Vs Predator), Marc Ros (de Sidonie), Matthew Simon y Marc Batallé. Y de esas sesiones surgieron canciones como El bosón de Higgs (el tema que abre el disco y que nos descubre la profesión frustrada del músico: científico), El dormilón (el primer single), las referencias televisivas en Twin Peaks, Cómo conocí a vuestra madre y Chainatown (citando a Chaín, su pueblo), baladas como El Resplandor y Brazil, y así hasta un total de 12 canciones que sirven para confirmar que Iván Ferreiro se encuentra en un momento personal muy dulce, muy feliz.

La gira de presentación de Val Miñor-Madrid, Historia y Cronología del Mundo se iniciará un mes después de la publicación del disco, el 25 de octubre en la sala Razzmatazz de Barcelona, y a esa cita le seguirán sus actuaciones en Madrid (el 26 de octubre en la sala La Riviera), Valladolid (8 de noviembre), Ciudad Real (9 de noviembre), Santiago de Compostela (15 de noviembre) y Bilbao (30 de noviembre).

Título: Val Miñor-Madrid, Historia y Cronología del Mundo
Autor: Iván Ferreiro
Discográfica: Warner
Fecha de publicación: Septiembre 2013
Precio: 22,99 €
Más información: http://historiaycronologiadelmundo.com/

Crítica teatral: Un trozo invisible de este mundo, en el Teatre Lliure.

cartell_trozo_invisibleGabriel Celaya afirmaba que la poesía era una arma cargada de futuro. Un trozo invisible de este mundo pretende especificar que el teatro es una arma cargada de reivindicación y protesta, utilizada en este caso para hablar y sensibilizar al espectador sobre la angustiosa realidad de la inmigración y el exilio en un mundo, el actual, en el que la globalización nos permite conocer e incluso experimentar las realidades propias de cualquier rincón del mundo y al mismo tiempo potencia el control del mismo por parte de los poderes económicos y políticos más despiadados del planeta.

La propuesta de Producciones Cristina Rota y Teatro Español aterrizó el pasado 12 de septiembre en el Teatre Lliure con la intención de concienciar al público barcelonés de la lacerante situación en la que viven muchos inmigrantes, provocada principalmente por la falta de documentación legal que acredite sus aspiraciones de «ser». Un comienzo de temporada para el Lliure que lo enlaza con la anterior campaña teatral en la que pudimos ver los devastadores efectos del racismo y el odio en el memorial escénico Hate Radio.

Juan Diego Botto es el autor de un proyecto dirigido por el también actor Sergio Peris-Mencheta y en el que él mismo reconoce que su sensibilidad personal está implicada, como exiliado, junto a su familia, de la Argentina sojuzgada por Videla tras la desaparición de su padre en el año 1977. La obra se divide en cinco monólogos que nos muestran diversas micro-realidades que nos ayudan a re-construir una realidad global más general en la que la inmigración, la represión, la ilegalidad y el exilio están muy presentes. Desde los funcionarios que tratan con los inmigrantes internados en los CEIs (Centros de Internamiento para Extranjeros); a la fractura de los lazos afectivos y de comunicación; la humillación y el maltrato que sufren los inmigrantes por parte de ciudadanos «legales» del país de acogida; o los efectos de la represión política y la situación de desprotección y exclusión que muchos de ellos padecen en los países en los que acaban recalando.

trozo_invisible_escena_38_retalladaUn trozo invisible de este mundo, alusión que evoca a lo inmaterial de muchas de las experiencias humanas que comparten los inmigrantes, apuesta por un texto férreo y duro, aunque en él también hay lugar para el humor, sobre todo en las primeras dos historias. Aún así la propuesta no deja indiferente a nadie ya que sube al escenario una realidad por todos conocida pero de la cual nos intentamos alejar, al menos inconscientemente, debido a los elementos de debate ideológico, moral e institucional que su aproximación conlleva. La obra, por otra parte, posee un ADN compuesto principalmente de realidad, la que vemos por las calles o en los titulares de las noticias que acostumbramos a leer o ver en los medios de comunicación, normalmente tiznadas de pobreza, ilegalidad y criminalidad.

Los cinco monólogos están interpretados por el propio Botto, en cuatro ocasiones, y por la actriz y cantante Astrid Jones, que hace suyo uno de los momentos más intensos de la obra. Esta se desarrolla sobre un espacio que nos muestra la cinta de llegada de equipaje de un aeropuerto, como símbolo de arribada de almas y experiencias diversas con el solo objetivo de construir la vida justa y digna a la que no han podido optar en sus respectivos países, oprimidos la mayoría de las veces, no lo olvidemos, por la riqueza del primer mundo en el que habitamos nosotros.

El éxito de Un trozo invisible de este mundo se puede constatar de manera efectiva al comprobar el índice de asistencia de público y el fervor de los aplausos finales, una fogosidad muy rara de ver en el teatro y que confirma lo acertado de la propuesta. Aunque seguramente, lo más importante no es el grado de aprobación del producto, sino si la obra puede conseguir, o mejor dicho, si el teatro como metodología puede conseguir concienciar a la población respecto a la temática que analiza o si la gran mayoría del público que tanto aplaudió al finalizar la representación, incitados por la temática de la obra y su visceral apuesta por la humanidad que dicen reside en la mayoría de nosotros, cuando regresa a su casa vuelve también a su posición cómodamente inactiva e inconscientemente contemplativa, que abandonó en parte al ir al teatro, dejándose arrastrar por los medios de comunicación, manoseados conscientemente por otros, y que en muchas ocasiones van poco más allá de entretener a una audiencia aburrida y fastidiada para inculcarle a través de estratos y estratos de información banal, que el mundo es para aquel que se lo merece y que lo mejor que pueden hacer es consumir todo lo que puedan y seguir votando a aquellos políticos que les aseguran su tranquilidad social y la creación de todos los obstáculos posibles para que aquellos que vienen de fuera y que amenazan sus logros, queden trabados en un mar embravecido, en los alambres de espinas en que culminan los muros de la exclusión o en los compartimentos de carga de una furgoneta mal acondicionada.

«Un trozo invisible de este mundo» se representa en el Teatre Lliure Montjuïc del 12 al 29 de septiembre de 2013.

Autor: Juan Diego Botto
Dirección: Sergio Peris-Mencheta
Reparto: Juan Diego Botto y Astrid Jones
Escenografía: Sergio Peris-Mencheta y Carlos Aparicio
Vestuario y atrezzo: Carlos Aparicio
Iluminación: Valentín Álvarez
Espacio sonoro: Carlos Bonmatí
Música original: Alejandro Pelayo
Producción: Producciones Cristina Rota y Teatro Español

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: 22€ – 29€; martes y miércoles, día del espectador / 24,65 € con descuento
Idioma: castellano
Duración: 1 hora y 40 minutos sin pausa
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Jorge Pisa Sánchez

Crónica concierto: Kool & the Gang, sala Luz de Gas.

cropped_GeorgeBrown__RonaldKhalisBell__RobertKoolBell__DennisThomas_stage_photo_by_Silvia_Mautner__2__2El pasado 10 de septiembre la mítica formación musical Kool & the Gang visitó Barcelona. Aunque en un principio el lugar escogido para la actuación era el Sant Jordi Club al final, y por razones seguramente de aforo, el concierto se celebró en Luz de Gas.

¡Primer acierto! Aunque la sala posee un escenario algo reducido, sobre todo para un grupo numeroso como Kool & The Gang, el espacio y el ambiente ofrecieron un entorno de lujo para el concierto. Si bien este comenzó con unos 30 minutos de retraso, el veterano grupo de jazz, soul y funk enseguida se metió al público en el bolsillo. La estrategia fue fácil: canciones añadas pero populares (hiperpopulares, diría yo!!), un ritmo entusiasta que no decayó en ningún momento; un ostentoso dominio del escenario y de la coreografía musical por parte de los miembros del grupo y grandes ganas de pasárselo bien que pronto se transmitieron a los asistentes.

El concierto fue cogiendo brío a medida que fue avanzando, si bien todo él estuvo plagado de los grandes éxitos de Kool and The Gang: el espectáculo arrancó con temas como Cherish, Joanna, Fresh o Jungle Boogie a través de los cuales se fue desarrollando en un crescendo de ritmo y contundencia musical rematado al final con los grandes temas de la banda: Get Down On It, Lady’s Night, y, como un falso bis tras abandonar el escenario y un breve solo de batería, Celebration la guinda final que sirvió de despedida.

En la sala, aunque poblada de un auditorio de edades diferentes, predominó el público adulto / maduro / experimentado (escoge el adjetivo que más te guste y tacha el resto), el cual hizo un acto masivo de presencia y se derramó canción tras canción, compartiendo e incluso participando activamente en el resultado final del concierto. Todo ello, claro está, también en un crescendo que acompañó a la «estrategia musical» de la banda.

kool-the-gangPor su parte, el escenario, tal vez algo pequeño, se rindió a la grandeza musical de un grupo que supo crear un tipo de música propia y que la ha sabido mantener viva, no tan solo en el recuerdo de los que la vivieron sino también en la actuación musical que llevaron a cabo en la sala Luz de Gas.

He de indicar, para dar el tinte veraz a esta crónica, que el sonido no fue el óptimo durante la interpretación de alguno de los temas, algo que no se si se debió a aspectos técnicos de la actuación o al volumen del concierto, resultado de lo que se cantaba sobre el escenario y en la pista de baile, un global que se convirtió, sobre todo durante los temas más conocidos de la banda, en una auténtica marabunta de sonido y de ritmo jazzsoulfunkero.

Kool and The Gang representa un hito de la música de los años 70 y 80. Sus canciones son de esas que, te guste el grupo o no, conozcas a la formación o no, te suenan y en la mayoría de los casos, tienes la sensación de que te han acompañado a lo largo de tu vida, ya sea como atolondrado adolescente; como joven avispado e imprudente o como adulto gustoso de revivir parte de la felicidad que uno experimentaba cuando escuchaba esos temas en el pasado.

Dicen algunos que el mundo de hoy no sería lo que es si no hubiera existido la música de los años 70 y 80. Yo me sumo al razonamiento agregando: ¿sería el mundo el mismo sin la música de Kool and The Gang? ¡No sé si alguien se atreve a dar una respuesta!

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Jorge Pisa Sánchez

Crítica teatral: Cinco horas con Mario, en el teatro Goya.

ImatgeSi tuviera que recordar alguna de las novelas que me hicieron leer en el instituto, mi memoria no podría ir más allá de tres o cuatro títulos, entre ellos El árbol de la ciencia, de Pío Baroja; El misterio de la cripta embrujada, de Eduardo Mendoza; Caperucita en Manhattan, de Carmen Martín Gaite o Cinco horas con Mario, de Miguel Delibes, obra esta última que debido a la peculiaridad de su argumento y a la maestría de su composición ocupa un lugar privilegiado en mi memoria. No podía, pues, dejar pasar la oportunidad de acudir al estreno en el teatro Goya de la versión teatral de la novela, dirigida por Josefina Molina e interpretada por Natalia Millán.

Lo primero que me veo obligado a comentar es el cambio en el reparto que ha sufrido la representación. Si desde hacía 25 años el papel había sido interpretado por Lola Herrera, su edad, acumulada de forma natural a lo largo de la vida, la ha instado a ceder su lugar a Natalia Millán, que se ha hecho con un papel conocido por muchos y caracterizado por una luz escénica propia.

Cinco horas con Mario nos traslada a la España de la década de los años 60. Carmen Sotillo, a los 44 años de edad, acaba de perder a Mario, su marido, de forma inesperada. Tras el velatorio Carmen decide mantener una última e íntima conversación con él, un monólogo-diálogo en el que asomarán sus ideas, sus anhelos y sueños no alcanzados, sus reproches y sus secretos. Serán las últimas horas que Carmen pasará con Mario y su oportunidad para despedir a su marido.

8No hace falta, creo yo, hablar del texto y de su autor, Miguel Delibes, un referente donde los haya de la literatura española del siglo XX. De lo que sí que hace falta hablar es de la luciente actuación de Natalia Millán y de la fiel adaptación de la obra. Millán le da al espectáculo un grado de naturalidad, credibilidad y familiaridad que sabe captar la atención del público. Su interpretación da vida al texto y nos acerca a la experiencia vital de una joven viuda española en los años 60 y a sus reflexiones sobre la política y la sociedad del momento, el matrimonio o las responsabilidades familiares. Todo ese tipo de cavilaciones que surgen en los momentos de intimidad de nuestro ser en los que hablamos con nosotros mismos y en los que no cabe lugar para la mentira ni la adulteración. Así pues la obra se convierte en una introspección en la que conoceremos todo acerca de Carmen, mucho sobre su marido y bastante de lo relativo a la sociedad de la que formaron parte, de un pasado que poco a poco ha ido desvaneciéndose para dar lugar al presente en el que habitamos nosotros.

Josefina Molina nos presenta una inmejorable adaptación de la novela de Delibes, no por otra el autor participó en su momento en la misma. De esta forma nos parecerá estar realmente en un velatorio, o más concretamente en las últimas horas de vela íntima del difunto, y seremos testigos de la trascendental conversación que la protagonista nunca pudo mantener con su marido. Una propuesta que representa un acierto en muchos aspectos, si bien el ritmo, debido a lo estático de la composición, puede hacer resentir el desarrollo de la obra.

La adaptación de la novela de Delibes, que estará en cartelera hasta el próximo 11 de octubre, es una excelente ocasión para revivir un clásico de los de antes, aquellos que no necesitan de ostentosos abalorios para llegar al público y que se dirige a él de forma natural, apelando a ese paño de emociones que todos llevamos dentro y a unos sentimientos que, quien más o quien menos, todos compartimos ante la pérdida de un ser querido.

«Cinco horas con Mario» se representa en el Teatre Goya del 4 de septiembre al 11 de octubre de 2013.

Autor: Miguel Delibes
Adaptación: Miguel Delibes, Josefina Molina y José Sámano
Dirección: Josefina Molina
Reparto: Natalia Millán
Escenografía: Rafael Palmero
Iluminación: Francisco Leal
Música: Luis Eduardo Aute
Producción: Sabre Producciones

Horarios, precios y descuentos: ver web teatro
Duración: 1 hora y 30 minutos (sin entreacto)
Idioma: castellano

Pep Tosar, protagonista de “Sa història des Sr. Sommer” en el Círcol Maldà: “El Sr. Sommer escapa de la vida y de la muerte.”

Pep arrincona la melancolía con la luminosidad de su ilusión. Pep afronta la madurez escalando la copa del árbol más alto. Ese que se riega con el entusiasmo de salir al escenario. Y el árbol crece aún más.

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El Círculo de Tosar

Esta es una historia tierna y triste.

La ternura suele viajar acompañada de algo de tristeza. Patrick Süskind maneja de forma muy acertada estos dos sentimientos en la novela que inspiró nuestro espectáculo. Y consigue así un alejamiento emocional.

“La historia del Sr. Sommer” explica la fascinación que su narrador sentía cuando era niño por su vecino, el Sr. Sommer.

La acción transcurre durante la infancia del protagonista, que nos cuenta desde su vida adulta. A medida que avanza, se da cuenta de la importancia de la misma. El Sr. Sommer es una especie de proyección del protagonista, de recuerdo, algo que le hace recapacitar sobre los momentos que han marcado definitivamente su personalidad y su destino. A menudo provienen de esa época frágil en la que siendo niños dejamos de serlo.

 ¿Qué diferencia la mirada de un niño de la de un adulto?

Un niño lo ve todo de forma tan espontánea que no aprecia la dimensión de su valor. Cuando se vuelve adulto y asume que debe llevar una vida al lado de otros adultos, entiende que lo que ha vivido han sido lecciones preparatorias de ese futuro tan alejado de la mente infantil.

 ¿Cuáles son las vivencias del niño protagonista de “La historia del Sr. Sommer”?

Pues tendrá su primer contacto con la decepción amorosa, la mentira y la muerte: esos parajes que, transitados, nos convierten habitualmente en lo que acabamos siendo. No está protegido contra esas experiencias, que le atacan directamente y por eso siente miedo.

El Sr. Sommer es taciturno y misántropo. Y, pase lo que pase, sale cada día a caminar incansablemente con un largo bastón y una mochila vacía.

El Sr. Sommer anda las veinticuatro horas del día. Porque escapa de la muerte. Y de la vida. En realidad, de su imposibilidad de adaptarse al mundo que le rodea. Crece y envejece pero renuncia a ser adulto. El narrador se pregunta: ¿De lo que le pasa al Sr. Sommer, cuánto podría pasarme a mí?

 El misterioso Sr. Sommer no desaparece hasta que el protagonista deja de subirse a los árboles.

Cuando el niño siente que ya no se le ha perdido nada encaramándose a un abeto o a un abedul, empieza a ser adulto. Justo en ese momento, el Sr. Sommer deja de ser un misterio. Ya no le inquieta. Pero entonces a nuestro protagonista le sacude la duda de si fue buena idea bajarse de los árboles.

¿Cómo convive Pep Tosar con el Sr. Sommer desde que se conocieron?

Estrenamos este espectáculo hace 20 años en la Fira de Tàrrega. Al cabo de diez años, yo ya tenía la misma edad del personaje que interpreto. Ahora, en cambio, me acerco más a la edad del Sr. Sommer: ¡A lo mejor me está llegando el momento de coger un bastón, empezar a caminar y dejar que la historia la cuente otro…!

¿A quién dedicáis “La historia del Sr. Sommer”?

La hemos representado para todo tipo de público: gente mayor, niños pequeños que la viven boquiabiertos… En realidad, se dirige a espectadores que busquen algo más que simple entretenimiento. No se trata, sin embargo, de un texto difícil: Basta con sentarse a disfrutarlo, divertirse y dejarse conmover.

Todos tenemos un Sr. Sommer que se parece al del protagonista. ¿Cuál es el de Pep Tosar?

Este mes pasado, durante mis vacaciones, pasé por delante de su casa. Le conocí con quince o dieciséis años. Era un hombre muy marcado por un pasado violento y de la noche al día decidió romper con la sociedad. Así que se instaló en un molino en ruinas a unos pocos quilómetros del pueblo en el que me crié. Solo se alimentaba de lo que él mismo había cultivado. Sembraba incluso su propio tabaco. Con cerca de ochenta años, siempre rodeado de moscas… Me impactó mucho.

 ¿De qué sirven los recuerdos de infancia cuando uno ya no es niño?

La persona sin recuerdos es una persona llena de desconcierto: No sabe quién es ni hacia dónde se dirige. Los recuerdos son nuestras boyas, nuestros puntos de referencia. Con ellos, intentamos “cagarla” lo menos posible. Aprendemos así a preparar los errores que estamos a punto de cometer.

 Lluís Massanet, coautor de la dramaturgia, dice que “la rememoración es un invento narrado”.

El pasado necesita ser reinventado día a día a través de la narración. Probablemente surja de ahí la necesidad de las personas de escuchar las historias de los demás. Dicen que no hay nada más interesante para uno que saber lo que le pasa a otro.

 ¿El teatro también es útil para cumplir ese objetivo?

¡Por supuesto! El teatro es el espacio donde esto sucede con absoluta libertad y fuera de todo peligro. El teatro es el espacio donde la vida es completamente narrable, permeable y «revisitable». Y con un distanciamiento que permite que podamos emocionarnos, incluso sufrir, al contrastar nuestra propia experiencia con la de los personajes.

 ¿Dónde está el peligro entonces?

El verdadero peligro está en la vida real.

 Estas funciones suponen la despedida del Círcol Maldà, que cierra a finales de este mes.

Nuestro contrato de alquiler expira el 30 de septiembre y el propietario del local no nos ha permitido renovarlo. Pero estoy muy satisfecho de estos cinco años porque han sido lo más importante de mi carrera profesional.

 ¿Qué pasará después?

Estoy preocupado, aunque no triste, por el futuro de nuestro proyecto artístico. Necesitamos urgentemente un lugar donde aterrizar para poder comunicárselo enseguida a nuestro público. El mundo actual es dificilísimo y no podemos limitarnos a esperar que ocurra un milagro…

por Juan Marea

sa-historia-des-senyor-sommer_img-129519La bondad de Pep

Crítica teatral: Totes les parelles ho fan, en el Teatre Gaudí.

539071_585176604879384_1366265816_n(1)No hace falta incidir, aunque aquí lo haremos, en el hecho de que en momentos de congestión económica y de crisis general el humor y la son-risa son remedios que nos dan fuerza y alivio para poder perseverar en nuestros objetivos y capear los malos momentos. Y el teatro Gaudí se ha empeñado en ofrecer a la ciudad condal varias dosis de medicación en formato de comedia. La primera nos la dio en el 2010 con Salvem les balenes… i el meu matrimoni què? en el Versus Teatre, a la que siguió Tu digues que l’estimes, en el Teatre Gaudí Barcelona en el 2012. Ahora le ha llegado el turno a otra comedia de relaciones con título algo expansivo: Totes les parelles ho fan, dirigida, como en los casos anteriores por Ivan Campillo y provista de forma teatral por la compañía Apunta Teatre.

Como en cualquier comedia que se precie lo principal es delimitar los personajes y las situaciones en las que se estos se mueven: Eva (Silvia Forns) y Víctor (Raül Tortosa) están pasando una mala racha como pareja debido a la falta de comunicación y de interés. Ella es una joven actriz en busca de una oportunidad; él es un ejecutivo cargado de ocupaciones. La incomunicación entre ellos obliga a Eva a tomar una decisión: abandonar a su pareja e iniciar una nueva vida. Para ello encuentra habitación en casa de Àngel (Ramon Godino) un profesor de yoga con una vida sentimental, por así decirlo, bastante vacía. Víctor, muy afectado por la marcha de Eva contacta con su amiga Maria (Laura Sancho), una camarera de noche especialista en artes marciales, que le ayudará a encontrar a su amiga, a la que creen en peligro secuestrada por un maníaco líder de una secta.

La obra tiene un planteamiento bien sencillo y nos dibuja a varios personajes muy diferentes que se ven obligados, por las circunstancias, a interactuar entre ellos, aunque no siempre de una forma relajada y pacífica. Totes les parelles ho fan es una comedia urbana y de sentimientos con estructura de serie televisiva. La obra nos muestra, por otra parte, la efervescencia de los caracteres y de los comportamientos que caracterizan a las sociedades del siglo XXI.

SONY DSCLa táctica vuelve a ser la misma que en propuestas anteriores: situaciones anímicas algo disparatadas que empujan a los protagonistas, y detrás de ellos a los actores, a lugares y comportamientos a los que no acostumbran, todo ello movido por el vigor de las relaciones humanas que aunque pueden parecer algo «estereotipadas» provocan un velo de humor en el público asistente.

Totes les parelles ho fan posee un ritmo rápido y desenfadado que se mantiene a lo largo de la representación, con los actores bien ubicados con respecto a los personajes y a la forma de actuar, no por otra el sello de producción es el mismo que en ocasiones anteriores. Por su parte el escenario del Gaudí permite al público seguir con más cercanía los avatares de los protagonistas que se desenvuelven en él a través de una tenue realidad escénica marcada por el escaso atrezo, un sutil juego de luces y el acompañamiento, al inicio y al final de la representación, de un enganchoso tema musical creado para la ocasión y tocado en directo.

Totes les parelles ho fan se podría considerar una terapia contra la crisis y los malos pensamientos que esta provoca ya que obliga al espectador a contemplar y reirse de los otros, en este caso de los atribulados personajes que recorren extenuados el escenario del teatro Gaudí. Y puede convertirse en un episodio más del éxito de público que cosecharon las anteriores propuestas de la compañía, si bien esto último lo tendrán que confirmar las cifras de asistencia proporcionadas por el propio teatro.

«Totes les parelles ho fan» se representa en el Teatre Gaudí hasta el 29 de septiembre de 2013.

Dramaturgia y dirección: Ivan Campillo
Reparto: Sílvia Forns, Ramon Godino, Laura Sancho y Raül Tortosa
Escenografía: Apunta Teatre e Isaac Coll
Vestuario: Elena Ballester
Iluminación y sonido: Roger Blasco
Caracterización: Toni Santos
Canción original ‘Totes les parelles ho fan …’: Joanjo Rubio (música) e Ivan Campillo (letra)
Producción: Apunta Teatre

Horarios: de miércoles a domingo a las 20:30 horas.
Precios: 20 €.
Idioma: catalán.
Duración: 1 hora y 30 minutos
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Escrito por Jorge Pisa Sánchez

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