Casi todos los jóvenes-adultos de hoy en día hemos querido a la televisión. Muchos de nuestros gratos recuerdos de infancia y juventud van ligados a míticos programas o a series televisivas. Tal vez la generación adolescente actual será la que esté menos atada a este aparato porque de pantallas para distraerse tienen de sobras. Probad a poner a una persona que pase de los treinta alguna sintonía de algún éxito televisivo de sus años mozos, la sonrisa bobalicona aflorará en su rostro. Con esta premisa el trío de actores compuesto por Francesc Ferrer, Alba Florejachs y Sergio Matamala no lo tienen difícil para hacernos sonreír con la obra teatral I love TV.
El espectáculo se compone de pequeños sketches donde en clave de humor recordaremos series añejas de dibujos animados, escucharemos extraños análisis de series americanas, seremos testigos de las barbaridades que suceden en un casting de Gran Hermano, y como no, nos sumergiremos en la ronda de preguntas del Un Dos Tres. Porque la obra explora tanto los programas de televisión como lo que hay detrás de ellos: cómo nuestras relaciones personales pueden verse condicionadas por la TV; las diferentes maneras de ver la tele o cómo esta abandona a sus estrellas cuando ya están en decadencia.
Hasta ocho guionistas han intervenido en la elaboración de las diferentes piezas de que está formada la obra, por lo que habrá para todos los gustos, algunas mejores que otras pero absolutamente todas nos arrancarán alguna sonrisa ya que presentan discursos e ideas originales. La mayoría, eso sí, se centran en recuerdos ochenteros.
La televisión actual es rapidez e inmediatez y esta obra también lo es. No te has recuperado de un sketch que ya se da paso al siguiente, en el que gracias al buen hacer de los actores nos situamos de lleno en breves instantes. Con tanta variación de registros no hay tiempos muertos para aburrirse, es como si hiciéramos zapping y sin apenas cambiar el decorado: un salón comedor un poco como los de antes en el que reina, en el centro, un antiguo aparato de televisión. Sin duda el espacio perfecto para una obra como esta.
Qué decir del prólogo de la obra, en el que de forma cercana pero que muy cercana al público los actores conversan, como si estuvieran en un foro de internet, sobre la serie El coche fantástico. Igual de logrado que el número que cierra el espectáculo con una Alba Florejachs en su salsa.
¡Si amas o amaste la Televisión no te puedes perder I love TV!
«I love TV» se representa en el Club Capitol del 17 de octubre al 15 de diciembre de 2013.
Dramaturgia: Blanca Bardagil, Marta Buchaca, Jordi Casanovas, Cristina Clemente, Guillem Clua, Jordi Galceran, Llàtzer Garcia, Marc Crehuet y Alberto Ramos. A partir de una idea de Jordi Casanovas
Dirección: Cristina Clemente y Carles Mallol
Producción: FlyHard Produccions
Escenografía: Albert Pascual y Marta Soto
Fotografía: Roser Blanch Gallego
Idea original: Jordi Casanovas
Iluminación: Fernando Portillo
Sonido: Lluís Rovirola
Vestuario: Marta Soto
Vídeo: Pablo Lammers
Horarios: de jueves a sábado a las 22:30 horas y domingos a las 19:30 horas. Precio: 20 € Idioma: català Duración: 80 minutos
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El pasado 17 de julio salió a la venta en España la primera temporada de Smash, la serie musical de éxito en EE.UU producida por Steven Spielberg.
Debra Messing, ganadora de un Premio Emmy, Angelica Huston, ganadora de un Oscar, Megan Hilty y Katharine McPhee, protagonizan la innovadora serie “Smash” que ha merecido el reconocimiento de la crítica en EE.UU.
Producida por Universal televisión en asociación con Dreamworkstelevisión, con Steven Spielberg como productor ejecutivo y distribuida por Paramount Home Entertainment, “Smash” está llena de fantásticas interpretaciones musicales, deslumbrantes números y escandalosos dramas entre bambalinas.
Además la primera temporada en DVD viene cargada de material extra jamás visto que incluye escenas eliminadas, reportajes y mucho más.
Sinopsis:
«Smash» es un drama musical que cuenta lo que ocurre detrás de los teatros de Broadway. Sus personajes son una mezcla entre soñadores y conspiradores con un deseo común, el de ser una estrella.
A Karen Cartwright, una recién llegada al mundo del espectáculo con mucho talento, le surge la oportunidad de su vida con un nuevo musical de Broadway basado en la legendaria Marilyn Monroe. Lo único que se interpone en lograrlo es Ivy Lynn (Hilty), una veterana del teatro decidida a hacerse con el personaje y que no se detendrá ante nada para hacer realidad sus sueños de fama.
Características DVD: Duración: 294 Min. Aprox. Audio: Inglés Dolby Digital 5.1, Castellano Dolby Digital 5.1, Francés Dolby Digital 5.1, DVS Dolby Digital Surround 2.0. Subtítulos: Inglés, Castellano, Francés, Italiano, Holandés.
Características especiales DVD:
– Escenas eliminadas.
– Un sueño hecho realidad.
– Canciones y baile.
– Preview del primer episodio de la temporada 2.
CONCURSO: Sorteo de 4 packs Teria Yabar que incluyen neceser y funda de móvil de piel valorados en 30 € cada uno.
PROMOCIÓN FINALIZADA
Ganadores:
Tere Gilisbars de Francisco Ignacio Jaspe Ortiz Laura Hernández Bardelás A. B. Martín Casado
Culturalia en colaboración con Zinking On sortea 4 packs Teria Yabar que incluyen neceser y funda de móvil.
• Envía la respuesta a concurso_culturalia@hotmail.es antes del 31 de julio de 2013 a las 24:00 horas y participarás en el sorteo de 4 packs Teria Yabar que incluyen neceser y funda de móvil de piel valorados en 30 € cada uno. En el asunto del mensaje has de indicar Concurso Smash y en el correo has de responder a la pregunta e indicarnos tu nombre completo y tu número de teléfono.
El nombre de los ganadores aparecerán publicado en nuestro blog.
Factores de producción de la nueva franquicia.
Para asegurar este doble propósito, Paramount encarga el proyecto a un nuevo equipo de producción integrado tanto por fans de la serie (Orci y Lindelof) como no (Kurtzman y Bryan Burk), siendo el caso más destacado el del propio director J.J. Abrams, reconocido fan de la saga de La Guerra de las Galaxias, y productor de éxito de series como Alias, Lost o Fringe y de las películas como Super 8 o Misión Imposible III, cuya elección lo hace idóneo para realizar una relectura externa, fresca y actualizada de la franquicia.
Los presupuestos de la franquicia se habían basado siempre en el número de fans y en su poder adquisitivo, lo que le había impedido mostrar una gran aventura en formato de superproducción. Esta política se modifica con la nueva entrega con el objetivo de posicionarla en la liga de las superproducciones, con un presupuesto de 150 millones de dólares, el más alto de la franquicia.
Para asegurar el interés del público fan el argumento se desarrolla en un entorno mítico (los años de formación de los personajes principales y la llegada de la tripulación a la nave Enterprise), que al mismo tiempo sirve para crear una trama juvenil e inaugural (rejuvenecimiento la franquicia) apta para captar a las audiencias más jóvenes y al público «newcomer«.
El ritmo de la acción de Star Trek ha sido habitualmente más lento, basado en el modelo de batalla naval/submarina, en el que la acción se desarrolla de forma pausada en el puente de mando. Uno de los principales objetivos de la producción era aumentar y actualizar el estilo y el ritmo de la acción/aventura espacial del film, siendo, sin embargo, respetuoso con él para adecuarlo al ritmo habitual en las grandes superproducciones que triunfan en la actualidad.
Otro de los objetivos de la producción era hacer revivir el mensaje optimista propio de Star Trek, esto es, mostrar como gente de diversas razas trabajan juntas y sobreviven de forma pacífica en el futuro y darle un «sentido de familia» representado en la tripulación de la Enterprise. Este mensaje no solo vincula el film con la globalización actual sino que es el leitmotiv de la franquicia.
Aunque el marco de Star Trek se modifica se mantiene su esencia, que no es otra que la relación establecida entre Kirk, Spock y McCoy y el resto de integrantes de la tripulación. Se mantienen las dinámicas clásicas entre los personajes, si bien, de nuevo, el comportamiento de los protagonistas se rejuvenece y se actualiza, para hacerlo próximo a las nuevas generaciones.
Por ello fue un reto el dar con un cast idóneo. Star Trek (2009) sería la primera ocasión en la que los caracteres originales estuvieran protagonizados por nuevos actores, con el peligro de ruptura/rechazo que esto suponía, en unos personajes muy asociados al cast original. Se optó por un elenco de jóvenes figuras con experiencia, en la mayoría de los casos, en la televisión y que estaban iniciando/consolidando su carrera cinematográfica, integrado por Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Simon Pegg, John Cho, Anton Yelchin y el más veterano Eric Bana, que encarna al villano del film.
Caracteres en la serie clásica y en la nueva franquicia.
Existía, por otra parte, la voluntad de mantener ingredientes propios de la franquicia como el humor, muchas veces vinculado a los personajes y al canon, y la sexualidad soft de los protagonistas, como elementos para vincularlo a las audiencias actuales.
Con respecto a la tecnología mostrada en el film la producción se halló ante dos retos importantes. El primero mitigar el contenido y el argot pseudo-científico de la franquicia para hacer el film más entendible a las nuevas audiencias. El segundo, mostrar una tecnología consistente con la serie original (realizada en la década de los 60 y ambientada en el siglo XXIII) y que pareciera a la vez más avanzada que la actual, para potenciar su realismo y atrapar a los más jóvenes (acostumbrados al uso intensivo de la tecnología).
Podríamos decir que el símbolo representativo de la relectura de la franquicia lo representa el papel interpretado en el film por Leonard Nimoy, el mítico Sr. Spock de la serie original. El argumento de la película está provocado por su actividad en el futuro y su personaje aparece desdoblado en el joven (y nuevo) Spockdel pasado y el viejo Spock del futuro, que coexisten, asimismo, en un universo/canon modificado. La relectura se potencia al actuar Nimoy como enlace entre la franquicia clásica y la nueva, como sello de autenticidad de la propuesta.
Por lo que respecta al aspecto visual del film se mantiene el diseño y la disposición original del puente de mando de la nave Enterprise, uno de los escenarios principales y de referencia de la franquicia, aunque se altera estéticamente con colores y una iluminación más brillante, con el objetivo de reflejar el optimismo de Star Trek. Las pantallas de navegación se actualizan teniendo como referencia la tecnología actual de Apple, una clara vinculación con el público más joven.
Para la confección del vestuario se optó por Michael Kaplan, diseñador externo a la franquicia, hecho que permitía dar a la película el doble tratamiento pretendido: proveer al film de un nuevo diseño más actual respetando, sin embargo, el estilo de la serie original, que conectase con lo que la gente recordaba de ella. Para ello se mantuvo el código de colores de los uniformes de la serie, si bien con un diseño de las camisetas más sofisticado.
Cartel Star Trek 2009
En el aspecto musical pasa algo muy parecido. El compositor escogido fue Michael Giacchino, el colaborador más habitual de Abrams. Giacchino mantiene el tema original de Alexander Courage aunque solo suena en los títulos finales, simbolizando el momento en el que la tripulación se reúne definitivamente en la nave Enterprise y re-comienza/re-inicia su misión, apareciendo, al mismo tiempo, el texto introductorio inicial de la serie. Sin embargo, el resto de la banda sonora es de nueva elaboración y tiene que ver con los nuevos caracteres y por lo tanto con el nuevo contexto actualizado de las aventuras del Enterprise.Comunicación y promoción.
Con respecto a la promoción del film el objetivo principal fue comunicar tanto al público fan como al público general que Star Trek se había reelaborado y actualizado, manteniendo una vinculación de carácter leve con el original, con formato de gran superproducción y accesible para un público amplio e internacional.
Los productores señalaron tres retos principales relacionados con la promoción del film:
La poca familiaridad del público más joven con la franquicia.
Franquicia vinculada al público fan y al canon de Star Trek.
La escasa recaudación internacional de la franquicia. La mayor parte de la recaudación se consigue en USA.
Así, pues, la promoción de la nueva estrega se basó en:
Elección del título de Star Trek para el film, que no incluye el dígito de la entrega ni subtítulo, algo habitual en la franquicia, para indicar al público que la propuesta está dirigida al público en general.
Indicación de que Abrams no fue/es trekkie. Aporta una visión amplia y externa de la dirección del film.
La película posee el presupuesto más alto de la franquicia. Es una gran superproducción.
La película no está hecha necesariamente para fans, sino que está abierta al público en general.
Voluntad de la productora de ir al extranjero para mostrar el nuevo producto. Abrams realiza un tour internacional por Europa y Norte América mostrando metraje del film para la audiencia nacional, europea e internacional, con el propósito de «rehabilitar» la imagen de la saga.
La realización del film estuvo rodeada de secretismo e invisibilidad, algo típico de Abrams, en el caso de Star Trek con un claro efecto promocional. Se informó básicamente de que el film tendría más presupuesto, más acción y mejores efectos especiales y que pretendía incorporar una mayor audiencia.
Aunque el estreno de la película estaba anunciado para las navidades del año 2008, la productora decidió, después de que algunos de sus responsables asistieran al rodaje y visionaran parte del metraje no editado, posponer su estreno al verano del año siguiente, con un claro objetivo promocional y recaudatorio, ya que en el mercado americano ésta es la época en la que se estrenan las grandes superproducciones con las mayores expectativas de recaudación del año.
Star Trek clásica y nueva Star Trek
Estreno/Recaudación. Star Trek (2009) ha obtenido los mayores ingresos de la franquicia hasta el momento. En EE.UU. recaudó 268.783.600 $, mientras que a nivel mundial los ingresos por venta de entrada fueron de 385.494.555 $. La recaudación internacional del film representó el 31% del total, un resultado declarado satisfactorio por Paramount.
Así, pues, el objetivo de reelaborar la franquicia, convertirla en un referente de la ciencia-ficción cinematográfica actual y hacerla accesible a un público general se puede considerar un éxito, culminado con la producción de la primera secuela, Star Trek, into Darkness, que se estrenará en julio de 2013.
La franquicia ha realizado un gran esfuerzo de diseño de producción para reelaborarse a sí misma, actualizarse y llegar a públicos más amplios. Sin embargo, el mayor impacto en la audiencia general repercute, de alguna forma, en el público fan de Star Trek, que pierde en parte elementos de referencia y de vinculación con un producto nuevo que destruye un universo/canon construido e interiorizado a lo largo de varias décadas. Una apuesta, en resumen, que mercantiliza un producto vinculado a un tipo muy concreto y reducido de audiencia para llegar a un público mayoritario, asegurando la inversión económica del estudio y optimizando sus resultados en taquilla.
Star Trek es una serie de ciencia-ficción producida por Gene Roddenberry para la cadena norteamericana NBC, que se emitió entre los años 1966 y 1969 y que narra los viajes de exploración espacial de la nave estelar Enterprise. La serie original estaba constituida por episodios de 50 minutos de duración que poseían una unidad argumental en sí mismos y mantenían una continuidad entre ellos.
Los personajes principales de la serie son: Capitán Kirk (William Shatner), Sr. Spock (Leonard Nimoy) y Doctor McCoy (DeForest Kelley). Como personajes fijos pero secundarios aparecían Montgomery Scott (James Doohan), Uhura (Nichelle Nichols), Sulu (George Takei) y Chekov (Walter Koenig).
Star Trek fue el primer intento de la televisión estadounidense de hacer una serie de ciencia ficción de calidad. Los elementos básicos del producto fueron la ciencia ficción; el drama televisivo; un elenco de caracteres continuo y un escenario familiar en el que se desarrolla la acción.
El éxito de la serie radicaba en la creación de argumentos que unían la acción, la aventura y la ciencia ficción junto con un destacable componente de reflexión filosófica que abarcaba una visión pacifista del futuro de la Tierra, la igualdad racial y de género e incluso la crítica social. Star Trek se fundamentó, además, en la relación de amistad y compromiso establecida entre sus personajes principales (Kirk, Spock y McCoy), un elemento que se convirtió en uno de los ingredientes principales de la serie y que convirtió a sus protagonistas en iconos televisivos.
Evolución de la franquicia.
La serie fue cancelada en el año 1969 debido a sus bajos índices de audiencia, si bien se comenzó a crear un grupo de fans que aunque poco numeroso era muy activo. La clave del éxito de Star Trek se debió a su posterior redifusión en canales locales norteamericanos donde, con un horario de emisión adecuado para un público adolescente, obtuvo muy buenas audiencias.
Star Trek fue vendida a más de 100 países. Pronto comenzó a consolidarse el movimiento fan alrededor de la serie, cuyos miembros son conocidos como trekkies. Star Trek se acabó convirtiendo en un importante producto cultural.
El elenco original durante la serie de películas.
La franquicia produjo un total de seis series y diez films, desarrollando un destacable universo/canon de consistencia ligado, asimismo, a un gran número de novelas, comics, videojuegos, y multitud de material de merchandising. Este canon vincula la franquicia principalmente a un público fan (trekkie), para el cual su desarrollo coherente es un elemento importante que les permite experimentarla y disfrutarla de forma intensa.
Así, pues, todas las adaptaciones cinematográficas y las serie de televisión son productos hechos para los fans, con coherencia interna y respetando la cronología creada a los largo de 40 años. Esta intensa vinculación entre producción y publico ha marcado la línea principal de desarrollo de la franquicia, cerrando en parte el acceso a un público amplio/generalista.
Los protagonistas de Star trek, la Nueva Generación.
Crisis y relanzamiento de la franquicia. Star Trek 2009.
Si bien la franquicia se ha desarrollado durante los últimos 43 años, la llegada del siglo XXI pareció no serle muy propicia. La recaudación de las diversas entregas ha seguido una tendencia a la baja, con algunas excepciones, siendo la recaudación de Star Trek Nemesis (2002) la más baja de toda la franquicia . La situación se agravó en el año 2005 al cancelarse la emisión televisiva de Star Trek Enterprise, la última serie en activo de la franquicia. Star Trek había pasado de ser un icono del entretenimiento audiovisual a convertirse en un producto económicamente no rentable.
En este contexto de declive de la franquicia Paramount inicia la producción de una nueva entrega cinematográfica de Star Trek. La propuesta es ofrecida a los productores Roberto Orci, Alex Kurtzman, J. J. Abrams y Damon Lindelof. Los objetivos son relanzar y rejuvenecer la franquicia manteniendo al público fan pero ampliando su reclamo a nuevas audiencias, principalmente jóvenes.
Para ello retoman la idea de rodar una precuela a la serie clásica ambientada en la época de formación de los personajes principales en la Academia de la Flota Estelar, un planteamiento recurrente desde los años 60, que evita, asimismo, la creación de un nuevo marco temporal en la franquicia.
El proceso de producción del film está inmerso en un periodo en el que se ha generalizado entre los grandes estudios norteamericanos la relectura y actualización de personajes y franquicias míticas del cine y la televisión del pasado, como Star Wars, Mision Imposible, Transformers, Battlestar Galactica o Desafío total. Una estrategia con la cual las majors norteamericanas tienden a invertir en proyectos probados y con reclamo que aseguran en parte el riesgo de la inversión, adaptándolos y haciéndolos asequibles a un público amplio (y joven) y a contextos socio-culturales diferentes a los que pertenece el original.
Es interesante al respecto detenerse en la amplia y diversa terminología que se ha utilizado para definir la naturaleza de la nueva entrega de Star Trek, que incluye conceptos como remake, revisitación, upgrade, reboot, precuela, re-invigoration, re-vitalization, reborn, re-imaginación o re-invención.
Cartel publicitario de Star Trek 2009.
Producción.
El objetivo de producción es reelaborar la franquicia para convertirla en un blockbuster, una gran producción con una gran recaudación a nivel mundial, aunque respetando la visión optimista, pacífica y utópica de universo Star Trek. Transformar una vieja franquicia en apuros en una evento actual, fresco y de éxito en pleno siglo XXI.
La estrategia de producción se basa en el desarrollo de un argumento que satisfaga las exigencias de los fans, pero que al mismo tiempo permita llegar a un público más amplio. Para ello el film se encuadra en acontecimientos establecidos por el canon de la franquicia, como son los orígenes de los roles principales (Kirk y Spock), su ingreso en la Academia de la Flota Estelar y el inicio de su servicio en la nave Enterprise junto al resto de la tripulación original, aunque a partir de la deconstrucción y posterior reelaboración libre del propio canon.
Esto se consigue gracias al desarrollo de la línea argumental del film (el viaje temporal de la nave romulana, el principal enemigo de la entrega), que permite re-iniciar una nueva línea temporal desde el mismo origen de la franquicia, re-adaptar la historia establecida en el canon y crear un nuevo marco de acción acomodable a los gustos y exigencias del público actual.
Deconstruyendo, reescribiendo y alterando el canon de la franquicia, sin disipar el referente argumental de la misma, el film se convierte en una lanzadera para llegar tanto a los fans de la saga como al público amplio (y juvenil), al que no le hace falta conocer su desarrollo anterior y al que solo le interesa el nivel de acción y la calidad del film. De esta forma se crea una secuela para los fans, que es al mismo una precuela iniciadora para los no fans, estableciéndose un nuevo set de aventuras para la franquicia que poder adaptar a las nuevas audiencias.
La AEPHG (Asociación Española del Profesorado de Historia Y Geografía) continua con la programación del curso Un paseo por la historia del cine, que reemprende sus sesiones el próximo sábado 20 de octubre de 2012. Aquí os informarnos de las próximas sesiones:
Sábado 20 de octubre11:30-13:30
«El cine de los años 50 y 60: la ciencia ficción.»
José Manuel Heras FernándezProfesor de secundaria
Sábado 17 de noviembre10:30-13:30
«Paseo por el Madrid cinematográfico.»
Alfredo López SerranoUniversidad Carlos III
Sábado 1 de diciembre10:30-13:30
«Cine e historia en España»
Sebastián Bettosini DénizProfesor de secundaria
«Las series de televisión: evolución e influencia en el cine.»
Roberto AlcocerCrítico de cine
Lugar: CEIP. Antonio Moreno Rosales
C/ Olmo, nº 4, Madrid Metro: Tirso de Molina/ Antón Martín
Aquí os dejo Una entrevista del programa Tierra de Sueños, del canal 25 tv. Relevancia: No solo se trata un tema interesantes, La realidad del anfiteatro y de los combates de gladiadores, sino que el entrevistado soy YO!!
Ya lo sabéis, si queréis saber un poco más sobre uno de los temas más notorios de la historia romana, darle al «play» de la entrevista. O mejor dicho, darle dos veces play, ya que el documento está dividido en dos fragmentos, uno de 7:52 y otro de 9:30 minutos.
Claudio Biern Boyd es licenciado en derecho y técnico de publicidad. Fue miembro fundador y vicepresidente de la Academia de Televisión. Fundó en 1972 la compañíaBRB Internacional que empezó como agencia de merchandising y de gestión de derechos de populares series animadas extranjeras para al poco lanzarse a la producción de sus propias series de dibujos animados. Series que han sido éxitos y que son imperecederas. Series que han marcado a varias generaciones porque los guiones eran buenos y la animación también. Biern es el responsable de que un sábado del lejano año 1985 acabáramos niños y mayores con un nudo en el estómago y lágrimas en los ojos viendo el desenlace de la serie David el Gnomo. Algo perdonable por los cientos de buenas horas animadas que nos ha hecho pasar.
BRB Internacional sigue al pie del cañón produciendo series propias y licencias derivadas, usando las nuevas tecnologías. La compañía Screen 21, impulsada por él mismo, crea unas cinco series anuales. Han realizado largometrajes animados y ¡de imagen real! Actualmente se han introducido en los musicales teatrales con montajes que rememoran sus éxitos animados. Recientemente han colgado buena parte de su catalogo de series para ver gratuitamente en Internet.
Iniciamos la entrevista.
¿Qué series de dibujos te gustaban de joven?
TOM Y JERRY
En la España de los sesenta la animación se usaba más para el campo de la publicidad con los Estudios Moro a la cabeza. ¿Qué opinas de esta tradición que se ha perdido?
No se ha perdido, aún se utilizan con frecuencia (Danone, Cola- Cao, fabricantes de juguetes etc.)
¿Cómo te interesaste por el mundo de los dibujos animados y como llegaste a fundar tu compañía, todo un referente en este campo? Algo que tiene merito porque en alguna entrevista has mencionado que apenas sabes dibujar…
Siempre me habían atraído los dibujos y sobre todo el mundo infantil. (Tengo 6 hijos). Empecé como agente de Merchandising de productoras europeas y americanas. Luego distribuí series y por último decidí producir por mi cuenta.
Cuándo fundas tu compañía ya existía una muy veterana desde 1963, Estudios Cruz Delgado, artífices del primer éxito en una serie animada española: Don Quijote (1979). ¿Ahí ya sospechaste el éxito de animar grandes clásicos de la literatura universal?
Tenía que usar éxitos de la literatura Universal por dos motivos: 1) Porque de pequeño devoraba los libros de Julio Verne, Salgari, Zane Grey, Dumas y los tebeos españoles. 2) Porqué eran conocidos a nivel internacional. Y facilitaba su comercialización.
En los inicios distribuías series internacionales como la abeja Maya o El Bosque de Tallac… ¿Os esperabais el éxito de las mismas o os pillaron por sorpresa?
El Bosque de tallac. 1977
Sabíamos que serían éxitos porque venían de triunfar en otros países de Europa.
“Bola de Drac” fue una de las series más populares en Cataluña y durante muchos años no tuvo nada de merchandising. ¿Los derechos y licencias japonesas eran difíciles de adquirir antes y en la actualidad?
A los japoneses, como a todos, les gusta el dinero… osea…
Uno de los grandes recuerdos de chaval eran los álbumes de cromos de Danone. ¿Nos puedes hablar un poco sobre ellos? ¿Participabais de alguna manera en el producto o lo hacían empresas ajenas a la vuestra?
Fueron el gran impulsor del consumo de yogures en los hogares españoles. Lo hacíamos a través de terceros y se llegaron a fabricar millones de álbumes.
Tu primer logro animado llega en 1980 con “Ruy, el pequeño Cid” o las aventuras de Rodrigo Díaz de Vivar de niño. Una serie española y la primera de una larga colaboración con Nippon Animation. ¿Cómo se organizaba el trabajo de producción?
Muy difícil. No había ni fax (por supuesto no existía Internet, ni móviles, ni nada de nada). Sólo había Telex (teletipo) que no permitía mandar imágenes. Había que crear todo el material personajes, diseños, fondos, documentación, guiones, story-boards, etc… en España y tener personas con carácter fijo en el país de producción. Luego toda la post-producción en España.
Después vinieron las exitosas D´Artacan y los tres Mosqueperros (1982) y La vuelta al mundo de Willy Fog (1983). ¿Por qué el uso de personajes animales antropomorfos?
D´Artacan y los tres Mosqueperros. 1982
Son más simpáticos para los niños y más fáciles de animar.
¿Cuánto tiempo llevaba hacer una de estas series? ¿Cuántos profesionales trabajaban en ella?
Mínimo dos años. Unas 350 personas.
El año 1985 es especial para ti pues creas cierta serie (David el Gnomo) en una espera en un aeropuerto…
Al volver de viaje a Asia en la escala del avión en Ámsterdam vi el libro en el kiosco del Aeropuerto. Me atrajo tanto que lo compré (estaba en holandés) y de ahí vino lo demás.
En Wikipedia se afirma que para la versión americana de esta serie se tuvieron que rebajar los pechos de la mujer de David o quitar las escenas en que amamantaba a sus bebes. ¿Es cierto?
Se quitaron 3 escenas: a) Cuando Lisa amamanta a sus bebés, b) cuando un gnomo orina contra un árbol y c) cuando 2 gnomos jóvenes ordeñan las ubres de una vaca.
¿Nos puedes explicar algo sobre la creación de las sintonías de las series? Todo un éxito entre los chavales de entonces y un recuerdo mágico para los adultos de ahora.
Soy un gran aficionado a la música y especialmente al cine musical. Además los niños/as se quedan enseguida con la música. Contacté con grandes músicos: Guido y Mauricio de Angelis, Albert Hammond, Teo Carralda, etc.. E intérpretes: Mocedades, Marta Sánchez, etc.… Y consiguieron crear melodías que aún hoy en día se recuerdan y se cantan:
¿Y En relación al doblaje de vuestras series?
Con actores tan buenos nunca hubo el más mínimo problema.
¿Fue difícil competir en Europa y en el mundo a principios de los 80 con una empresa de animación para televisión establecida en España?
David el Gnomo. 1985
Pues mucho pero tuvimos suerte y acierto en las series que produjimos.
Algunos dibujantes de cómics mencionan que en los noventa hubo crisis en el 9º arte y muchos se pasaron a la animación. De hecho vuestro estudio realizo Mortadelo y Filemón (1994) y Zipi y Zape (2000) ¿Es difícil trasladar personajes de cómics a los dibujos animados captando su esencia? ¿Lees o te gustan los cómics?
Me encantaron, me encantan y me encantarán los comics. No es difícil pero hay que ser muy fiel al autor.
En estos años también hubo segundas partes de las series de D´Artacan o Willy Fog que no tuvieron tanta repercusión como sus predecesoras. ¿Tal vez el tipo de animación a lo D´Ocon Films tuvo algo que ver?
La animación era la misma que las primeras partes y fueron de mucho éxito de ventas ya que las emisoras que habían comprado la primera parte compraron la segunda.
¿Existe alguna idea, algún personaje o alguna serie que se haya quedado en el tintero a lo largo de todos estos años?
Sí, varias. Incluso alguna serie inició su producción pero no se llevó a cabo por falta de aceptación o financiación.
En la actualidad los niños crecen más rápido, están más estimulados y tienen menos paciencia. El ritmo pausado semanal de una serie ya casi no existe. Los cambios de las franjas horarias televisivas y la creación de los canales temáticos de dibujos animados han afectado, seguro, a la producción de dibujos animados para la televisión. Sin embargo pensamos que si alguna cadena potente le dedicase a una serie animada la franja horaria de las 3:30 los sábados y domingos podría lograr el éxito. ¿Qué piensas?
TOTALMENTE DE ACUERDO ¡!!!!!!!
Ahora más que nunca, vuestras producciones están dirigidas a una audiencia mundial. ¿Es muy diferente hacer una serie para un niño de los 80 que para un niño del siglo XXI?
La vuelta al mundo de Willy Fog. 1983
Sí. El niño actual tiene a su disposición muchísima oferta para elegir: TV, consolas, móvil, Internet, etc.. y dentro de cada uno de estos medios de transmisión tiene decenas si no cientos de ofertas.
El lema de vuestro estudio ha sido “educar con la diversión y el entretenimiento y hacer felices a los niños”. Series didácticas de vuestro sello como “los Sabios” lo avalan. ¿Viendo la sociedad en la que vivimos y de la que poco a poco se va apropiando la generación a la que se dirigían las series de BRB Internacional en los años 80, crees que el objetivo educativo se ha conseguido también? ¿Faltan o ya no tiene cabida series didácticas?
Las emisoras comerciales quieren audiencia y el didactismo no les atrae.
Es indudable que en la actualidad los recursos y la calidad visual / técnica a la hora de crear series de dibujos animados han evolucionado mucho. Pero ¿crees que los contenidos de las series de dibujos animados han mejorado también?
Como hay muchas más producciones hay más mediocridad pero sigue habiendo series muy creativas.
¿Qué piensas de series como “South Park” o “Padre de Familia”?
En mi opinión son más para adultos que para niños.
¿En que situación está en la actualidad la industria animada televisiva en España? ¿A dónde se dirige?
Muy mal por falta de apoyo no solo institucional sino privado. Los canales temáticos para niños están en manos de empresas extranjeras que dan preferencia a sus series.
Sábado 3:30. El musical. 2011
Hoy en día una persona o un grupo con pocos medios puede montarse su serie animada, ahí tenemos el éxito en Internet de Calico Electrónico. Sin embargo han tenido que cerrar… ¿Internet ayuda o perjudica?
Creo que Internet ayuda mucho a que gente con pocos medios pueda desarrollar su profesionalidad que de otra manera no podría.
En los últimos años habéis apostado también por transportar la magia de vuestras series a los escenarios. ¿Cómo surgió la idea? ¿Cuál ha sido el resultado de esta experiencia teatral?
Por mi afición a los musicales. La experiencia ha sido positiva a nivel personal ya que he conocido un mundo distinto y he estado en contacto directo con los padres y los hijos. A nivel económico no tanto.
¿Qué serie animada es la que ha aportado más beneficios económicos a BRB Internacional y cuál es tu favorita?
David el Gnomo la más exitosa. Y como digo siempre mi favorita es la que estamos produciendo ahora.
¿Nos puedes adelantar algún nuevo proyecto?
Largometrajes para cine de BERNI y D’ARTACAN.
Qué puedes decir brevemente de los siguientes directores de animación: CHUCK JONES: Creativo al máximo y divertidísimo. HANNA BARBERA: Los conocí a los dos personalmente y a sus mujeres (todos grandes personas). Grandes dibujantes y creativos. Sorprendidos por su éxito TEX AVERY: Creatividad U.S.A. WALT DISNEY: El primero y único.
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Entrevista realizada por: Culturalia y El Rincón del Taradete.
Ens apropem a les festes nadalenques i, un any més, rebrem infinitats de missatges apel·lant a la nostra solidaritat envers els altres. Aquest any, però, no serà fàcil que ens hi involucrem massa, ja que la crisi afecta a tothom, així que probablement ens ho pensarem dues vegades a l’hora de fer qualsevol donatiu. Amb tot, de vegades una petita aportació econòmica pot quedar compensada amb una bona contraprestació, com succeeix amb La Marató de TV3, enguany dedicada a la regeneració i el transplantament d’òrgans i teixits, que el dia 11 de desembre posarà a la venda el disc de versions que ha preparat per aquesta edició.
Aquest any el disc de La Marató serà especial ja que, per celebrar l’edició número vint del programa, els seus responsables han decidit que s’hi incloguin un total de vint cançons, totes elles conegudíssimes i d’estils tan diferents com l’òpera, el pop, la rumba, la cançó tradicional i fins i tot una balada heavy, temes que interpreten en català alguns dels músics més interessants de l’escena catalana, a qui s’hi han afegit alguns artistes de fora de les nostres fronteres.
La banda sonora de l’anunci de La Marató d’enguany és “Em dónes força” (“You raise me up”, del baríton nord-americà Josh Groban), interpretada per Sergio Dalma, a qui acompanyen l’Escolania de Montserrat i la Capella de Música de Montserrat. Al CD també hi trobem cantants pop que canten en català per primera vegada, com Malú (que transforma la mítica “The show must go on” en “No tinguis por”), Ana Torroja (“Per sempre més”, versió de “Forever young”) o Melendi (qui fa seva una cançó de Cyndi Lauper amb el títol “Ulls dolços”).
Imatge dels artistes que col·laboren al disc
També hi ha lloc per a grups joves i cantants poc coneguts pel gran públic. Entre els primers trobem els Teràpia de Shock, grup revelació de la temporada gràcies a la banda sonora de “Polseres vermelles” i que aquí interpreten una cançó d’El Canto del Loco (“Em quedo al teu costat”), La Pegatina, que posen la seva rumba descarada al servei de “Love is in the air”, La Iaia, que recorden John Lennon amb el tema “Una altra vegada”, i The Pepper Pots, autors d’una de les millors versions d’aquest treball, la de la lluminosa “Sunny” de Bobby Hebb. El disc permet descobrir intèrprets menys mediàtics com Èric Vinaixa (“La clau de tots ets tu”), Nia (“Sentir l’eternitat”), Lidia Guevara (“Ho faig per tu”) i Joan Masdeu en la seva nova faceta en solitari (“Tot el que tinc”).
En aquest treball també s’hi inclouen uns duets ben especials, com el que formen Momo Ballesteros i Sergi Albert per interpretar un dels passatges més coneguts de l’òpera “La traviata”, o el del músic d’Alella Narcís Perich amb els lleidatans Hewel per cantar un tema de Marshall Crenshaw (“Someday, someway”, que han traduït per “Com et puc ajudar?”). Altres curiositats d’aquest CD són l’adaptació als sons cubans de “Time after time”, de Cyndi Lauper, que han fet els Salsa de Reyes, o la cançó col·lectiva “Teixit humà” que Marc Parrot ha realitzat amb les set-centes lletres que ha rebut per a l’ocasió. Finalment els Always Drinking Marching Band s’encarreguen d’interpretar la “Sintonia de la Marató”.
A més els responsables d’aquest disc l’han encertat plenament amb la inclusió de dues joies de la música catalana actual: per un costat hi trobem una versió de la conegudíssima balada “More than words”, dels Extreme, que aquí es titula «Més que paraules» i la interpreta la joveníssima Andrea Motis (acompanyada pel Joan Chamorro Group), una de les veus més espectaculars i increïbles del jazz fet al nostre país amb només disset anys; d’altra banda Sílvia Pérez Cruz s’ha consolidat en l’escena del país com una veu inclassificable, amb un talent insòlit per emocionar a aquells que l’escolten, capaç d’interpretar amb la mateixa facilitat boleros, jazz, flamenc fusió, fados,… Pérez Cruz canta «Plora amb mi”, versió que unifica tres cançons en una (“Per tu ploro”, “L’hereu Riera” i “El testament d’Amèlia”).
La cirereta d’aquest extraordinari pastís, i una de les curiositats més interessants del CD, és la versió en català de “I say a little prayer” que canta Raphael («Tinc un pensament per a tu») amb La Principal de la Bisbal i The Gospel Viu Choir, un artista que no va dubtar ni un instant a col·laborar en aquesta edició de La Marató ja que ell mateix va superar una delicada operació: es va haver de sotmetre a un transplantament del qual ja està totalment recuperat.
A la nostra memòria queda molt lluny aquell 19 de desembre de 1992, la data en què es va celebrar la primera edició de La Marató de TV3. Poc es podien imaginar els seus responsables que, vint anys després, aquell fenomen televisiu, nascut al mateix temps que altres telemaratons de l’estat que avui ja són història, s’hauria consolidat de tal manera que es consideraria una tradició més en les jornades prèvies al Nadal de la societat catalana. L’objectiu de La Marató de TV3 ha estat sempre recaptar diners per emprar-los en investigar les malalties que afecten la societat i, en aquesta ocasió, el 18 de desembre dedicaran els seus esforços en la regeneració i trasplantament d’òrgans i teixits sota el lema “Quan acaba una vida, en comencen sis”.
Produït de forma conjunta per Marc Parrot, els germans Toni i Txasqui Ten i Jordi Cubino, el disc de La Marató es podrà adquirir només el proper 11 de desembre amb qualsevol edició dels diaris catalans, un disc extraordinari de versions que té el simbòlic preu de 9 €.
«Me llamo Dexter. Dexter Morgan. No sé lo que me hizo ser como soy, pero lo que fuera, me dejó un gran vacío dentro».
Vaya, de antemano, mi prudencia ante ensayos dedicados a series de TV que todavía no han finalizado. El pretender hacer análisis de un producto que sigue en plena producción (en el caso que nos ocupa, parece que con intención de que dure más de lo previsto cuando se preparaba el libro) y, en especial, tratándose de un protagonista tan complejo como Dexter Morgan, que todavía, en su desarrollo, puede dar más de una sorpresa, no sólo deja el volumen inconcluso, sino que podría llegar a contradecir muchas de las ideas que se vierten en los diferentes textos que lo componen. Quedan advertidos los lectores: el libro abarca hasta el final de la cuarta temporada y, por lo que se intuye, parece que fue el asombroso cliffhanger con el que finaliza lo que motivó la urgencia en elaborar el estudio. Sólo así se explica la reiterada y entusiasta (hasta la extenuación) mención a ese final en casi todos los textos recogidos en él.
Por si quedara alguien que no conoce la serie, recordemos que se trata de una adaptación (directa, al menos en su primera temporada) de las novelas firmadas por Jeff Lindsay y protagonizadas por Dexter Morgan, analista de sangre en el Departamento de Homicidios de la Policía Metropolitana de Miami, quien mantiene una doble vida: durante la noche ejerce como asesino en serie, liquidando de manera ritual a los criminales que han quedado impunes. En definitiva, un justiciero con trastornos psicopatológicos. La serie televisiva se ha convertido en uno de los grandes éxitos de los últimos años y ha generado un intenso debate por la afinidad que los espectadores pueden llegar a sentir por el protagonista.
El libro editado por Patricia Trapero Llobera, en el que intervienen expertos en Comunicación, Psicología, Bellas Artes, Historia del Arte…, vendría a ser una adaptación para los lectores españoles del volumen “Dexter”: Investigating Cutting Edge Television (citado en la bibliografía), en el que Douglas L. Howard recogía las tesis de varios especialistas. Si en aquél caso eran dieciséis los capítulos, en el publicado por Laertes nos encontramos con diez escritos en los que se abordan diferentes aspectos de la serie, así como se fundamentan otros matices como la interpretación, el retrato-tipo femenino, el entorno geográfico y social, etc.
En el prólogo de José-Igor Prieto Arranz se resume eficazmente lo que vamos a encontrar a posteriori. Aborda en él todas las caras del poliedro que permite tener una visión global del contenido y el continente de la serie. Y, en efecto, se cubren las principales cuestiones que pueden dar sentido a un trabajo ambicioso elaborado como reflejo de lo que representa la ficción televisiva actual. Desde los diferentes caminos que ha seguido la saga literaria respecto a la audiovisual; la repercusión nacional (a través del canal de cable Showtime) e internacional; la controversia que produce el considerar como héroe a un brutal asesino; la influencia de internet; el bilingüismo del producto y su dificil adaptación en la versión doblada; las características de los psicópatas rivales de Dexter… Pero, de entre todos los trabajos incluidos, me han gustado tres que marcan la diferencia.
El primero, dedicado al trabajo actoral y a la manera en que se debe interpretar a un psicópata. Curiosamente, Martín B. Fons Sastre, su autor, no estudia el personaje tan magníficamente interpretado por Michael C. Hall. Se detiene, al contrario, en John Lithgow, quien borda el de Arthur Mitchell/Trinity. Fons Sastre dignifica el trabajo del actor, analizando con detalle el duro desempeño que se debe realizar para personificar con detalle y sin caer en el estereotipo (si es que un psicópata puede enmarcarse en alguno) a alguien tan complejo.
También es interesante el estudio científico desarrollado por Jaume Rosselló Mir y Xavier Revert Vidal en el que clarifican los cuadros clínicos de las diferentes tipologías de psicópatas, algo que va más allá de la ficción y que apoya la veracidad del estudio pormenorizado que, seguro, han realizado los creadores de la serie. Esta pequeña guía, basada principalmente en los trabajos del célebre doctor Hervey Cleckley, resume muchos años de investigación sobre tan peliagudo asunto.
Jordi Pallarés Olivé nos deja, por último, una acertada visión de Dexter Morgan desde el punto de vista del superhéroe, faceta que queda remarcada en la segunda temporada con el personaje de The Dark Defender, pero que no ha sido explotada en la producción, aunque los espectadores puedan ver al forense como a un héroe justiciero.
Sin embargo, y ahora vienen los “peros”, en su conjunto se detecta una continua repetición de ideas y de referencias que cansa al lector. Es correcto explicar las bases argumentales de la serie, pero hacerlo en casi la totalidad de la obra, una y otra vez, cuando se complementa con una guía de episodios, llega a molestar. Quizás un poco más de coordinación para que cada autor se limitara a lo concreto de su tema no produciría ese “frenazo” en la lectura, releyendo lo que otros ya han expuesto. Lo mismo sucede con el mencionado cliffhanger de la cuarta temporada, citado hasta la saciedad, que hace pensar en ese “entusiasmo” que sintieron los espectadores al verse sorprendidos de manera tan espeluznante, y que pudo desembocar en el proyecto del libro. Si añadimos las insuficiencias de la corrección ortotipográfica, cada día más descuidada en las ediciones españolas (¿ni siquiera se utiliza el corrector de word?) y errores como los localizados en el texto de Anna Tous Rovirosa, en los que ubica a personajes o sucesos en una temporada diferente a la correcta para luego contradecirse, concluiremos que un estudio que se pretende de referencia debió pulirse al detalle. Sin olvidar, por supuesto, lo comentado más arriba: Se está analizando un producto cuya producción y desarrollo sigue en marcha, dando la impresión de que el libro, a su vez, está inacabado.
Título: Dexter. Ética y estética de un asesino en serie Autores: Patricia Trapero Llobera (ed.) y VV.AA. Editorial:Laertes Materia: Comunicación audiovisual Páginas: 302 Formato: 23 x 16 Edición: Noviembre 2010 Precio: 19,50 €
——————————— Escrito por: José A. Muñoz
Aquesta tardor, Televisió de Catalunya s’ha proposat apropar el món de l’òpera, sovint elitista, a tota mena de públic amb el programa Òpera en texans, un espai de tan sols mitja hora de duració amb què pretén fer-nos un petit tast de les obres més significatives de la història, explicant-nos els secrets de cadascuna d’elles per, així, despertar en nosaltres l’interès per l’anomenat bel canto.
Per aconseguir el seu objectiu, Televisió de Catalunya ha confiat el projecte al baríton i pianista Ramon Gener, i, des del primer instant, Gener, home amb una poderosa ànima divulgativa, demostra que la seva elecció ha estat la més adient, ja que destaca per la passió i la simpatia que hi posa en cada moment, en cada explicació.
Ramon Gener
L’estrena del programa va esdevenir el passat 2 d’octubre, i es podrà seguir cada diumenge dins de l’esplèndida programació cultural del Canal 33, a partir de les 22.30 hores. L’encert d’aquest primer capítol va ser escollir una de les òperes més conegudes per tothom, entesos i profans, per, d’aquesta manera, aconseguir no espantar ningú des del primer dia: Carmen, de Georges Bizet, segurament l’òpera francesa de més èxit, un espectacle que va viure la seva primera representació el 3 de març de 1875, una història on la protagonista és una autèntica femme fatal, una dona provocativa que esdevé la perdició de tots els homes que tenen la desgràcia de creuar-se en el seu camí.
El programa dedicat a Carmen va començar, fugint de qualsevol mena de vergonya, plantant un piano a la mateixa Plaça de Catalunya de Barcelona, on el mateix Ramon Gener, envoltat de curiosos de tot tipus –el públic potencial de l’espai, ja que per gaudir d’aquest estil musical no hi ha cap límit d’edat–, comença a tocar melodies que, qui més qui menys, tothom ha escoltat alguna vegada, demostrant que en el nostre imaginari tenim més cançons d’òpera de les que creiem. A partir d’aquest moment, Gener es guanya el públic amb les seves anècdotes i la seva facilitat a l’hora de comunicar, fent que l’escena recordi una excursió amb el mestre envoltat d’alumnes embadalits.
Tot seguit, el programa ens mostra fragments de l’òpera interpretats per tres mezzosopranos diferents; d’aquesta manera, aquells que no coneixem gaire d’aquest món podrem descobrir el talent de les cantants Anna Caterina Antonacci, Béatrice Uria Monzon i Elina Garanca, intèrprets, totes elles, que en algun moment de la seva carrera han defensat amb encert el fogós personatge de Carmen.
El programa cuida fins al més petit dels detalls; així, per explicar-nos perquè ens fascina tant un personatge com la protagonista d’aquesta òpera, a estones cruel amb els seus pretendents, Òpera en texans es reuneix amb un especialista de la parella en el millor lloc possible: l’hotel 1898, antiga seu de la companyia de cigars, un lloc similar al que Carmen, cigarrera de professió, acudia a treballar.
Finalment, aquest capítol acaba amb algunes anècdotes sobre les primeres representacions de l’òpera, amb imatges intercalades de la versió que Calixto Bieito va presentar al Liceu; d’aquesta manera, sabrem que la primera protagonista, en una de les escenes, va tenir una premonició: la mort de Georges Bizet. Aquella mateixa nit, el 2 de juny de 1875, moria Bizet, sense haver pogut gaudir de la fama que Carmen acabaria tenint.
L’emoció amb què Ramon Gener parla d’òpera, l’interès vers un estil musical poc conegut pel gran públic, despullat aquí de qualsevol cotilla i mostrat de forma informal, i l’originalitat a l’hora de presentar algunes versions per part de cantants d’altres disciplines (en el primer capítol, Maika Makovski va fer una magnífica interpretació d’un dels temes de Carmen) avalen Òpera en texans, una producció de Televisió de Catalunya i Brutal Media dirigida per Xavier Morral que esdevindrà una de les sorpreses més agradables de la temporada televisiva, a més de ser un fantàstic manual d’instruccions per poder entendre l’òpera. Per aquest motiu, després del programa dedicat a la tràgica història de Carmen, Gener i els seus analitzaran Don Giovanni, Il trovatore, Parsifal, El barber de Sevilla i Turandot, entre d’altres espectacles.
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Escrit per: Robert Martínez Colomé
Casi todos los jóvenes-adultos de hoy en día hemos querido a la televisión. Muchos de nuestros gratos recuerdos de infancia y juventud van ligados a míticos programas o a series televisivas. Tal vez la generación adolescente actual será la que esté menos atada a este aparato porque de pantallas para distraerse tienen de sobras. Probad a poner a una persona que pase de los treinta alguna sintonía de algún éxito televisivo de sus años mozos, la sonrisa bobalicona aflorará en su rostro. Con esta premisa el trío de actores compuesto por Francesc Ferrer, Alba Florejachs y Sergio Matamala no lo tienen difícil para hacernos sonreír con la obra teatral I love TV.
Culturalia 