La jove companyia teatral Proyecto NISU estrena al Versus TeatreVamos a por Guti, una extravagant proposta en què uns personatges sense massa fortuna a les seves vides decideixen segrestar el jugador de futbol Guti amb la intenció de guanyar una aposta milionària a internet.
L’obra està ambientada a l’any 2009, moment en què quatre treballadors d’una immobiliària decideixen segrestar Guti per guanyar una aposta a internet i, de pas, aconseguir que el Reial Madrid perdi un partit contra el Barça. Amb tot sota aquesta simple premissa s’amaga alguna cosa més: els desitjos d’aquestes persones que pretenen canviar les seves vides a qualsevol preu, però sense saber com.
Dirigida per Nicolas Chevallier, Vamos a por Guti és una obra contemporània i innovadora escrita per Albert Boronat (qui també exerceix les funcions de codirector), un text que mostra els dilemes, les inseguretats, les frustracions, els somnis, les humiliacions i el patetisme d’aquests personatges, interpretats per Albert Pérez Hidalgo, Sergi Torrecilla, Xavier Torra i Nicolás Carbajal.
Aquesta original proposta porta el segell del Proyecto NISU (Proyecto de Navegación Incendiaria y Salvamento Unilateral), una companyia jove nascuda a Barcelona l’any 2010 amb moltes ganes d’experimentar. Els seus membres el consideren un espai de llibertat creativa on poden donar forma a diverses inquietuds i interessos escènics, i tot sota la consigna d’intentar fer el teatre que els agradaria veure, apostant per la feina de grup i dialogant amb l’actualitat.
Vamos a por Guti es representarà al Versus Teatre de l’11 de novembre a l’11 de desembre de 2011.
Direcció escènica: Nicolas Chevallier
Dramatúrgia i codirecció: Albert Boronat
Intèrprets: Albert Pérez Hidalgo, Sergi Torrecilla, Xavier Torra i Nicolás Carbajal
Escenografia i vestuari: Margherita Mantovani
Coaching: David Menéndez
Disseny gràfic: Montse Arranz
Gestió tècnica i fotografia: Vanessa Tedejo Farré
Producció, disseny de llums i so: Proyecto NISU
Horaris: de dijous a dissabte a les 21:00 hores i diumenge a les 20:00 hores Preu: 16 € Idioma: castellà Durada: 1 hora
El Teatre Gaudí de Barcelona estrena Dos punkis i un vespino, una original proposta de la companyia La Brava que mostra les desventures de quatre personatges que es veuen forçats a conviure, durant unes hores, en una benzinera durant una gèlida nit de Nadal.
En una nit tant especial com és la de Nadal, quan les llars s’omplen de famílies cantant nadales i deixant de banda velles disputes, dos joves punks pateixen una averia a la seva moto enmig del no res; tots dos són nòmades per convicció, les seves pertinences caben en una motxilla i viatgen contínuament en una vella vespino que, justament aquella nit, no resisteix més el pas del temps i els abandona a meitat de camí.
La freda climatologia obliga els nois a buscar refugi en una benzinera, on coneixeran al treballador del torn de nit del local i a una misteriosa noia. D’aquesta manera els quatre acabaran per descobrir-se a ells mateixos i entre ells mentre esperen que es faci de dia entre rialles, cops de puny, trucs de màgia i molts bitterkas.
La Brava és la responsable de Dos punkis i un vespino, una obra gamberra i punk que va guanyar el premi al millor projecte d’escenificació de l’Institut del Teatre2010 i que, mitjançant l’humor, ens farà reflexionar sobre la valentia de saber escollir quin és l’autèntic camí que hem de seguir, cadascun de nosaltres, a la vida, una representació dirigida per Marilia Samper i interpretada per Javier Beltrán, Oriol Casals, Muguet Franc i Xavi Francès.
Dos punkis i un vespino es representarà al Teatre Gaudí de Barcelona del 10 de novembre de 2011 al 15 de gener de 2012.
Dramatúrgia: Marilia Samper i Llàtzer Garcia
Direcció: Marilia Samper
Intèrprets: Javier Beltrán, Oriol Casals, Muguet Franc i Xavi Francès
Companyia: La Brava
Escenografia: Enric Planas
Vestuari: Gimena González Busch
Il•luminació: Jordi Berch
Fotografies: Alba Lajarin
Producció: Xevi Gómez
Horaris: de dijous a dissabte a les 21:00 hores i diumenge a les 20:00 hores Preu: 18 € Idioma: català Durada: 1 hora i quinze minuts
Clases de tango o pilates, cenas, participar en un documental o poder invitar a tus amigos a la representación de una obra en tu propia casa son algunas de las recompensas que se pueden obtener a cambio de apoyar un proyecto artístico independiente. No se trata de una ayuda sino de un intercambio. Ésta es la fórmula por la que apuesta Las Carmelas, la compañía de danza creada en 2008 por las argentinas Karen Mora y Eva Yufra, para lanzar su último proyecto: Texere.
Dicen que en tiempos de crisis, se potencia el arte y la imaginación. Así sucede en el caso de Las Carmelas, que en un momento en el que ser artista es aún más complicado, están más fuertes que nunca. Texere, su última creación, ha conseguido dos importantes metas: ganar el concurso Escena Nord de Barcelona y estrenarse con éxito el pasado 30 de Septiembre. Ahora el reto es que la obra siga adelante, que pueda llegar a más gente. Y para ello han apostado por Verkami, una web de financiación de proyectos artísticos a través de la suma de aportaciones individuales.
El “crowdfunding” o la micro-financiación colectiva no es un asunto novedoso, pero en un contexto donde las subvenciones desaparecen progresivamente, se convierte en un buen recurso. Eso sí, ya no es suficiente con pedir dinero a cambio de unas chapas. Las Carmelas han querido ir más allá proponiendo recompensas originales y participativas a cambio de pequeñas aportaciones. A partir tan sólo de 5 €- se puede recibir desde un CD con la BSO original de la obra hasta clases de tango o pilates, una cena argentina, participar en el documental en el que están comenzando a trabajar Las Carmelas o incluso disfrutar de un pase adaptado de la obra en tu casa.
Una vez lanzado el reto en Verkami, se tienen sólo 40 días para conseguir la cantidad de dinero fijada. El resultado: todo o nada. Si no se consigue todo el dinero, se devuelven las aportaciones de los mecenas. Se puede formar parte de este proyecto y escoger la aportación en este enlace.
La obra: Texere.
Texere es el fruto de un año y medio de trabajo e ilusión, logrando la integración de diferentes lenguajes artísticos y culturales. Se ha creado junto a un equipo de profesionales multidisciplinar y de estudiantes de la Escuela de oficios de Boca Nord.
Tejer, proviene del latín “Texere”, palabra que inspira una obra de danza-teatro que gira en torno a un concepto que quizá suene algo abstracto pero que todos en algún momento experimentamos: la no pertenencia. Texere habla de identidades que se dividen, desdoblan y entretejen. Moviéndose en esa frágil frontera entre ser diferentes e iguales, intentando seguir patrones y encajar.
Texere nace con la intención de favorecer la integración social y la diversidad. No es una obra de crítica pero sí invita a la reflexión planteando el cuestionamiento de roles en la sociedad. La obra habla de la importancia del contexto, de cómo éste define tu “pertenencia”, de la presión de la imagen y de la necesidad de encontrar un patrón o un rol en el que encajar y en el que sentirnos integrados. Pero Texere no se basa en un discurso moralista, el lenguaje de Texere es el de la danza, el de la fuerza y el del fluir de los cuerpos. La magia de Texere es decir muchas cosas sin decirlas, de una forma bella y armoniosa. Es una obra para diferentes tipos de público porque Texere habla de todos: todos nos movemos, nos desplazamos y en algún momento… dejamos de “pertenecer”.
¿Por qué convertirse en un “micro-mecenas”?
Porque en un momento de crisis general, el arte es recibido como una burbuja de oxígeno. Porque la sociedad necesita manifestaciones artísticas que inviten a la reflexión y al cuestionamiento. Porque el “crowdfunding” permite a las personas involucrarse en el proceso de la obra, transformándola en algo de todos. Y porque gracias al apoyo de la gente, los artistas independientes pueden mostrar su trabajo.
Ser un mecenas está de moda!!
Próxima función de Texere:
Viernes 18 de noviembre en el Centro Cívico de Les Corts.
Dirección general: Las Carmelas Danza e Interpretación: Karen Mora y Eva Yufra Asistencia de dirección y Diseño de Producción: Raimundo Morte Dirección Teatral: Ana K. García Música original: Corentin Sauvetre Escenografía: Peggy Deusch y Pablo Silicz Vestuario: Susanna de la Fuente, Patricia Fernández, Meri Torralba y Ariana Aceves
Cada uno de los barrios de una ciudad tiene una personalidad y un carácter propios, parecidos a los que posee una persona cualquiera. Así, pues, si nos preguntaran por alguno de los barrios con más personalidad de Barcelona, uno pensaría rápidamente en el Raval. El TNC nos propone un pequeño homenaje a este barrio con la programación de Una vella, coneguda olor de Josep M. Benet y Jornet, la primera parte de una trilogía que nos habla de Barcelona o más concretamente de una de las posibles Barcelonas, una ciudad y un barrio con un olor inconfundible.
Benet i Jornet escribió Una vella, coneguda olor en el año 1962 con la pretensión de realizar una fotografía teatral del barrio en el que había nacido y crecido, de aquí el “sentido de realidad” que posee la obra. Un retrato de un barrio popular y de sus habitantes que nos muestra el día a día de un grupo de vecinos que comparten sus vidas y los espacios comunes, los patios interiores de sus viviendas.
Un barrio, sin embargo, que no es percibido igual por todos sus habitantes. Maria (Sara Espígul), su protagonista, podríamos decir, principal, se siente abrumada por él. El lugar donde vive la mantiene aprisionada en un mundo de simpleza, de vulgaridad y de cotidianeidad insoportable para ella, que durante algunos años consiguió escapar de él, al menos parcialmente, al ser admitida en un colegio religioso de pago fuera del Raval. Su aparente libertad, sin embargo, terminó con la muerte de su padre y con el inicio de las penurias económicas que le siguieron. Por eso Maria quiere huir del encarcelamiento que representa su vida en el barrio, en el que se siente una extraña y en el que se ve obligada a convivir con una familia y unos vecinos con los que no puede compartir nada. Su única salida es Joan (Pau Roca) un joven vecino con estudios que trabaja en una entidad bancaria, aunque esta opción le exigirá demasiado.
Una vella, coneguda olor es, pues, una fiel fotografía que se materializa en el escenario. De nuevo el Teatre Nacional nos sorprende con la recreación “híper-realista” de una escenografía, en este caso de un patio de vecinos del barrio del Raval de los años sesenta. Todos los detalles en él son perfectos: los balcones, las cortinas, la ropa tendida, los trastos, las baldosas… Un escenario ideal para mostrarnos la vida diaria y privada de un barrio a punto de desaparecer afectado por el Plan Porcioles. Un barrio que en breve dejaría de ser él mismo para ser otra cosa. Un capítulo de la historia de una ciudad que se suma a muchos otros que con el paso del tiempo han ido transformando la piel de Barcelona: el derribo de las murallas, el Pla Cerdà, la especulación de los años 60, la Barcelona olímpica, el Plan 22@, todos ellos hitos de la historia de una ciudad que como un ser viviente se modifica, se transforma y evoluciona. Y también una oportunidad para Maria para liberarse de la tiranía del barrio que la oprime.
Para dar vida a los vecinos del Raval la obra necesita de dos generaciones de actores y actrices, los unos con más experiencia y los otros con una nueva mirada. Entre los primeros están Mercè Aránega, que destaca sin duda en la representación, Imma Colomer, Maife Gil, Fina Rius y Quimet Pla, no se resignan a que los echen de su barrio e intentarán organizarse y defenderse ante la amenaza. Los más jóvenes Sara Espígul, Gemma Martínez, Pau Roca y Pep Ambrós, están construyendo sus vidas y para ello han de vivir y experimentar de forma egoísta sus propias experiencias. Aquí es donde observamos la fotografía de los comportamientos: Mercè, la madre de Maria, que necesita y demanda el apoyo de su hija; Manel, el hermano con prometida pero que necesita saciar sus necesidades carnales antes de la boda con prostitutas (estamos hablando, recuerden, de la época franquista); Eulàlia, la vecina cotilla, que necesita saber todo lo que pasa a su alrededor y explicarlo, también, todo; Joan, el joven oficinista que quiere prosperar en la vida; Teresa, la hija del comerciante del barrio llena de arrogancia o Quimet, el escritor anónimo (puede que el mismo Benet i Jornet) que se documenta para escribir su obra… Dos generaciones que viven de forma diferente el final del barrio, los unos con tristeza y beligerancia, los otros con alegría o sin darle excesiva importancia.
Una interpretación totalmente adaptada a la esencia de la obra. Una suma de esfuerzos teatrales que acaban dando la impresión de que hemos presenciado un tiempo “en suspensión” de la vida de un barrio humilde, popular y con carácter; que hemos asistido, en definitiva, a un episodio cotidiano de la historia del Raval, del que salimos con la sensación de no haber ido al teatro sino de habernos quedado a charlar con los vecinos y de haber conocido, de primera mano, el día a día de un barrio repleto de sueños, de deseos y de proyectos dispuestos a ser derribados por la vida misma. Parece, pues, como si hubiéramos desempolvado un viejo álbum de fotos y nos hubiéramos dedicado a recordar el ayer, dejando fluir nuestros recuerdos.
Benet i Jornet sabe, pues, mostrarnos la esencia de un barrio, de “un entonces”, de una Barcelona y de un pasado que no era pasado cuando se escribió y que fue vivido muy de cerca por el autor. Una vella, coneguda olor es eso, es recuerdo del ayer y de las personas que existieron en él, un ejercicio de memoria histórica realizado con una precisión de miniaturista.
“Una vella, coneguda olor” se representa en la Sala Petita del TNC del 29 de septiembre al 27 de noviembre de 2011.
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Autor: Josep M. Benet y Jornet
Dirección: Sergi Belbel
Reparto: Pep Ambrós, Mercè Aránega, Imma Colomer, Sara Espígul, Borja Espinosa, Maife Gil, Gemma Martínez, Quimet Pla, Fina Rius y Pau Roca
Con las voces de: Jordi Boixaderas, Camilo Garcia, Maria Jesús Lleonart y Jan Pol Roig Paloma
Escenografía: Max Glaenzel con la colaboración de Estel Cristià
Vestuario: Mercè Paloma
Iluminación: Kiko Planas (aai)
Música: Òscar Roig
Banda sonora: José A. Gutiérrez
Caracterización: Toni Santos
Producción: Teatre Nacional de Catalunya y Centre d’Arts Escèniques de Terrassa
Horarios: miércoles y viernes a las 20:00 horas; jueves a las 17:00 horas; sábado a las 17:00 horas y 21:30 horas y domingos a las 18:00 horas. Precio: 10-26 €
Duración de la obra: 1 hora y 25 minutos
Idioma: catalán Coloquio: viernes 7 de octubre Espectáculo recomendado a partir de 12 años ———————————————
Escrito por: Jorge Pisa Sánchez
Regresa a Barcelona Forever King of pop, el homenaje escénico y musical que recorre la vida y los éxitos de Michael Jackson, la mítica figura de la música pop. El espectáculo se re-estrena el próximo 3 de noviembre en el teatro Arteria Paral·lel donde permanecerá hasta el 2 de enero del año que viene.
Seguramente hemos de estar agradecidos todos aquellos que gozábamos con su música de Michael Jackson de que la productora Summum Music se haya decidido a rendir un homenaje en España a una de las mayores figuras musicales que han existido en las últimas décadas. Después de sufrir todas las angustias, desvelos y desasosiegos provocadas por la desaparición del cantante y por los resultados de las investigaciones que se iniciaron tras su muerte, era lógico y esperado que los reconocimientos, los homenajes y las gratitudes hacia el astro de la música iniciaran un exitoso y, por que no, beneficioso camino.
Este es el caso de Forever King of pop, la reverencia teatral y musical que se re-estrena en el teatro Arteria Paral·lel de Barcelona el próximo 3 de noviembre. Y como los “maestros de ceremonia” de la obra nos indican bien al principio, el espectáculo no es un concierto a la vieja usanza, sino un recorrido por la música y la vida de Jackson, con el beneplácito, incluso, de la familia del cantante. Para ello todo está organizado: un escenario metalífero y urbano, como era habitual en muchos de los videoclips del artista; las voces templadas de los cantantes preparadas para rememorar sus grandes temas y los bailarines dispuestos a reinterpretar algunas de las coreografías de Jackson y de presentarnos, también, otras nuevas creadas para el espectáculo.
Todo está provisto para que el sueño y la magia nos devuelva, aunque solo sea por unos momentos, la música de los 80’s y 90’s y la figura de Michael. El público podrá gozar de nuevo de Jackson, de sus movimientos, de su música y de su corporeidad, ya que, de nuevo, el espectáculo nos permite reencontrarnos con el astro. Los bailarines, los cantantes y sobre todo, los dobles de Michael, nos harán creer que el genio de la música está allí, de nuevo, con nosotros. Para ello el espectáculo ha mezclado los mejores ingredientes: diversos de los numerosísimos números 1 de Jackson y alguno de los dobles “oficiales” del cantante. Su aparición, al más puro estilo jacksoniano, hará las delicias del público, necesitado, seguro, de un poco de la magia que tanto el cantante, como sus canciones, sus videos y sus coreografías, nos han proporcionado a lo largo de nuestra vida. Uno a uno irán sonando los grandes éxitos de la música de Jackson: Blame it to the boogie, Beat it, Billie Jean, Thriller, They don’t care about us, Smooth criminal, Man in the mirror, Heal de world, Earth song… y así hasta 29 temas del cantante.
Un resultado, pues, único, brillante y magnífico en los escenarios españoles. Una ocasión para asistir a un concierto/homenaje donde, seguro, que cada uno de los espectadores podrá gozar con sus temas preferidos de Michael Jackson. A destacar, sin duda alguna, la coreografía de Thriller, con zombies, tumbas, hombres lobos y novias asustadizas… y, de forma muy personal, la coreografía de Earth Song (seguramente mi canción de Michael) en la cual la sencillez y la pasión convierten un tema magnífico en una obra de arte.
Veremos pues a Michael, mejor dicho, a tres Michaels Jackson, oiremos sus canciones, veremos a un grupo de bailarines completar sus coreografías y sus famosos pasos de baile, conoceremos algo también de la vida del cantante, y creeremos algo que es verdad: que Michael Jackson y su música no han muerto, que siguen viv@s y actuales, y que no morirán nunca, ya que, como podremos observar una vez acabado el espectáculo, la música de Jackson está dentro de nosotros, la llevamos en el corazón como la banda sonora que acompaña muchos de los recuerdos de nuestra vida.
“Forever King of pop” se representará en el teatro Arteria Paral·lel del 3 de noviembre de 2011 al 2 de enero de 2012.
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Director escénico, artístico y textos: Jesús Sanz Sebastián
Dirección musical y arreglos: Miguel Blanco
Coro gospel, dirección de coro gospel: Pahola Gutiérrez Vargas
Bailarina y coreógrafa: Yolanda Torosio Hernández
Reparto: Samuel Gómez, Mónica Delgado, Marcos Pérez, Yolanda Torosio, Carolina Serrato, Alex Forriols, Carmelo Segura, Amaranta Ausín, Hugo Rosales, Lucky Luciano, Alejandra Barella, Alejandro Gutiérrez, Yurena, Chelo Ramìreza, Vito Bambú, Tamara Suárez, Ángel Pardo, Irán Alegría, María Ayo
Vestuario: Merche Montilla Cano
Dobles Michael Jackson: Fran Jacson, Mampuede y Koldo Mikel Lopez
Músicos: José Ángel Sagi Diaz, Ángel Crespo, Adrián Bartol Molina, Oliver, Iñaki Arakistain, Patxi Urchegui y Josué García
Producción: Summum Music
Escenografía: David Bello
Efectos especiales: Iñigo Sáenz
Iluminación: Roberto Bressó
Horarios: miércoles y jueves a las 20:30 horas; viernes a las 21:30 horas; sábados a las 18:00 y a las 22:00 horas y domingos a las 17:00 y a las 20:30 horas. Precio: de 23,9 a 54,5 €. Idioma: castellano Duración del espectáculo: 2 horas y 30 minutos con 15 minutos de descanso
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A finals dels anys 70 l’escriptora Anne Rice va publicar una novel·la titulada Entrevista amb un vampir, una crònica gòtica que va adquirir una gran popularitat gràcies a la versió cinematogràfica que en va fer Hollywood, estrenada l’any 1994. Els relats enfrontant una periodista i un vampir, però, no han de ser necessàriament foscos i tenebrosos, i demostrar això és el que pretén el Versus Teatre amb el seu nou espectacle: Entrevista amb un vampir, una història que té un subtítol –que al final va resultar que potser no ho era tant– prou indicatiu del caràcter humorístic que ofereix aquesta obra de teatre.
La companyia Grappa Teatre s’ha associat amb el triciclePaco Mir per realitzar aquest muntatge amb el vampirisme com a motiu principal; així, el petit escenari del Versus Teatre ha estat transformat en el plató on es grava l’emissió del programa Mysteryus, un d’aquells espais televisius que tant han triomfat en els darrers anys, centrat en la investigació dels fenòmens paranormals. Al capdavant del programa hi ha la famosa Maria Pau Palau, una presumptuosa periodista que, uns dies abans, va escandalitzar els seus seguidors al publicar un article negant l’existència dels anomenats vampirs, una opinió polèmica que el convidat del programa –el senyor Joan Taboada– intentarà rebatre amb un argument contundent: ell mateix és un vampir i, com s’encarrega de deixar clar en la seva intervenció, ho és per vanitat, convertit en un ésser d’aquestes característiques pel mateix Johann Sebastian Bach al segle XVIII.
D’aquesta manera, i seguint l’estructura d’una típica entrevista televisiva, es van succeint, un darrere l’altre, una sèrie de gags que ens permetran conèixer la vida d’aquest excèntric personatge, una criatura de la nit que comparteix pis amb una dona-llop, que pot llegir els pensaments de les persones, que té la capacitat de transformar-se en ratpenat (això sí, només quan ell ho vol) i que ens demostrarà com n’estem, d’equivocats, quan pensem en els tòpics que envolten aquesta clàssica figura d’ultratomba, malgrat les sospites que sosté la presentadora sobre si el que explica aquest home és cert o tan sols es tracta d’un farsant.
Entrevista amb un vampir… és un espectacle senzill, de petit format, basat en l’única novel·la publicada per l’escriptora noruega Josephine P. Hey en la dècada dels anys trenta. Possiblement el públic espera assistir a una funció on l’humor negre sigui omnipresent, però no és així, ja que els seus responsables s’han decantat per un estil més aviat blanc, fins i tot una mica surrealista, que aprofita la confrontació de dos caràcters diametralment oposats per provocar el riure de l’espectador: per un costat, la incrèdula periodista que, amb les seves punyents preguntes, intenta descobrir la veritat; per altra banda, el senyor Taboada, un personatge pusil·lànime que, en tot moment, se sent atacat i humiliat per la senyora Palau, fent constants intents per abandonar el plató, però tornant sempre al seu seient. En aquest sentit, els permanents equívocs i les diferents situacions plantejades en l’espectacle recorden els enfrontaments pallasso llest-pallasso ximple que tantes vegades ens han fet riure amb anterioritat, i que aquí ho tornaran a fer, arribant a la conclusió que, sovint, ni el llest és tan espavilat ni el ximple és tan babau.
Damunt d’un escenari pràcticament buit (dues cadires i un panell galàctic), sense cap mena d’artifici, només hi trobarem dos actors, i per aquest motiu es fa imprescindible que existeixi una bona entesa entre ells, ja que l’èxit de la representació depèn exclusivament del seu treball, i, aquí, la complicitat entre tots dos resulta evident. Així, tant Teresa Ros com Gilbert Bosch fan una tasca excepcional defensant els seus personatges; Ros fa la feina fosca al realitzar les preguntes per intentar descobrir la veritable identitat del seu entrevistat, mentre que Bosch exerceix de simpàtic vampir, un paper agraït a qui l’actor assigna una actitud insegura que esdevé còmica cada cop que se sent ultratjat per la presentadora. A més Bosch treu molt profit de la seva capacitat gestual, un fet que ens fa pensar que hi ha tingut molt a veure la mà del director de l’obra, Paco Mir, un mestre en aquest sentit.
En definitiva, si voleu conèixer una de les figures més terrorífiques del cinema i la literatura dels darrers temps però des d’un punt de vista més divertit i menys sinistre, Entrevista amb un vampir… és la vostra obra, una magnífica ocasió per riure amb la manera com alguns defensen les seves insòlites creences, pensaments que, encara ara, conserven aquelles persones que no es perden els programes sobre inexplicables fenòmens, similars al Mysteryus.
«Entrevista amb un vampir que al final va resultar que potser no ho era tant» es podrà veure al Versus Teatre fins al 6 de novembre de 2011.
Autora: Josephine P. Hey
Adaptació: Paco Mir, Teresa Ros i Gilbert Bosch
Direcció: Paco Mir
Intèrprets: Teresa Ros, Gilbert Bosch
Espai escènic: Paula Bosch
Vestuari: Anna Güell
Disseny d’il·luminació: Àlex Felip
Tècnic d’il·luminació: Andriy Kravchyk
Tècnic de so: Montse Lila
Disseny gràfic: Masato Takagaki
Assessor esotèric: David Bosch
Idioma: català. Durada: 1 hora i 15 minuts Horaris: de dijous a dissabte a les 21:00 hores; diumenge a les 20:00 hores Preu: 16 €
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Escrit per: Robert Martínez Colomé
Seguramente no existe una temporada teatral en ninguna ciudad española, ni tampoco en el mundo, al menos en el Occidental, en la que no se represente, como mínimo, una de la obra escrita por Molière, sin duda alguna uno de los dramaturgos franceses más reconocido, sino el que más, de todos los tiempos. Esta vez, y al inicio de la temporada, el Versus Teatre se ha atrevido con el estreno de L’impostor, Versió del Tartuf de Molière, una adaptación de la obra el autor francés dirigida por Frederic Roda al frente de la compañía Die Probe.
Y como pasa con todos los clásicos, la obra escogida, El Tartufo, pretende analizar los sentimientos y las ambiciones clásicas que vivifican y alteran los corazones humanos, los antiguos y los modernos, condimentado todo ello con un gran sentido del humor evidente a lo ancho y largo de la obra.
Tartufo o el impostor nos traslada a mediados del siglo XVII, a la casa del burgués Segimon cuyo entendimiento está confundido y obnubilado por la influencia que ejerce sobre él, y por tanto sobre el resto de la familia, Tartufo, un “supuesto” fraile beatucho acogido en la casa. Segimon, cegado por su reverencia hacia Tartufo, se propone unirlo en matrimonio con su propia hija, Anna, si bien esta está enamorada de Maurici. La decisión tomada por Segimon llevará a su mujer, Elvira y a una de las criadas, Francina, a luchar contra el triste destino matrimonial que Segimon depara a su hija, intentando desenmascarar a Tartufo. Toda esta complicada situación familiar lleva, como no, a que se represente sobre el escenario una trama cómica de intentos, equívocos y consecuencias, que afectará de pleno a la vida en la casa e incluso al destino económico y social de la familia.
La joven compañía teatral Die Probe lleva a cabo, pues, una relectura de una de las obras más conocidas de Molière, y lo hace con un carácter joven, un hecho que se nota tanto en los intérpretes y, a pesar de la veteranía del director Frederic Roda, en alguna inconveniencia a la hora de configurar el espectáculo. Y seguramente la mayor de ellas sea, justamente, la adaptación de la obra.
Me explico. La versión del Tartufo estrenada en el Versus opta por mantener una imagen clásica de la obra, apartándose de las muy de moda y peligrosas actualizaciones escénicas. Es todo un placer, además, deleitarse con un texto interpretado en catalán y en verso, con unas rimas y un ingenio preciosistas, que nos permiten gozar aún más del perfil clásico de la adaptación. Todo esto nos introduce rápidamente en la trama de la historia, a lo que no son ajenos los esfuerzos de sus jóvenes actores.
Si bien, la adaptación desbarata gran parte de los aciertos del intento. La drástica reducción del número de personajes y la dramática supresión de parte de la trama producen un efecto de desconcierto en el espectador, que, sobre todo en el último acto, se ve sorprendido por una deriva del argumento que no le permite comprender lo que se está narrando sobre el escenario. El cambio en el ritmo de representación, es pues, un bache que hace descarrilar, en parte, los logros de un proyecto que se nota materializado con mucho más que empeño.
La juventud, además, es manifiesta en la compañía y se hace evidente en el transcurso de la obra. La mayoría de los actores y actrices están aún en fase de aprendizaje, y se nota, lo que nos puede hacer valorar aún más el esfuerzo interpretativo. Aún así, es de derecho destacarla actuación de Anaïs Garcia y Laura Fité, la primera como una fiel criada alegre y metomentodo; y la segunda como Tartufo, que en esta versión adopta un componente andrógino (una mujer interpretando a un personaje masculino) que permite a la obra introducir un elemento de misterio y ocultación muy adecuado a un personaje mentiroso, conspirativo e intrigante que busca su éxito personal aún a expensas de destruir a la familia que lo acoge. Una juventud teatral que no ha podido ser equilibrada por la dirección escénica de Frederic Roda, que nos presenta una adaptación con unos perfiles no del todo definidos.
Aún así, y si tomamos a L’impostor. Versió del Tartuf de Molière como un ejercicio de maduración profesional (que creo que es lo que es), es de ley reconocerle algunos aciertos, sobre todo la valentía de atreverse con un Molière, y nada menos que con el Tartufo, y el hecho de permitirnos recrearnos de nuevo con una obra y con unos personajes que han dejado huella en la historia del teatro.
“L’impostor. Versió del Tartuf de Molière” se representa en el Versus Teatre del 11 de octubre al 2 de noviembre de 2011.
Dirección: Frederic Roda
Versión: Joan Oliver
Reparto: Marina Barberà, Laura Fité, Anaïs Garcia, Anna Massó, Marc Rius y Jordi Sanosa
Cía: Die probe
Iluminación: Marc Martin
Técnico de iluminación: Andriy Kravchyk
Diseño de vestuario: Companyia Acte Quatre
Producción: Die probe y Acces Teatre SL con el apoyo de Teatre de Ponent, sl.
Horarios: martes y miércoles a las 21:00 horas. Precio: 12 €. Idioma: catalán. Duración: 1 hora y 10 minutos.
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El escenario del SAT! Teatre se ha transformado en el acogedor piso de Anna (Laura Sancho) y Lluís (Ramon Godino), un matrimonio que ronda los cuarenta y que es en apariencia perfecto, salvo por un detalle: la convivencia ha hecho que el entusiasmo del principio se marchite, ya no hay sorpresas, la pareja se conoce tanto que el uno sabe perfectamente cómo acabará la frase del otro. Ambos viven esta situación de forma diametralmente opuesta: a Lluís le gusta esa falta de improvisación, él es feliz con esa vida anodina, mientras que para Anna todo ello se está volviendo insostenible, ve de forma clara que su matrimonio empieza a tambalearse. Y es en esos instantes de duda en los que aparece Carme (Carme Contreras), la madre de Anna, empeñada en ser abuela a cualquier precio, hasta el punto de contratar a un stripper (Joan Sureda) que remate la faena, dando comienzo así a los enredos.
Salvem les balenes… i el meu matrimoni què?, la obra de teatro estrenada el pasado 21 de octubre en el SAT! Teatre, ahonda, en forma de comedia, en un tema tan delicado y a la vez tan de moda en los últimos tiempos: la crisis del amor, o qué hacer cuando la pasión en la pareja desaparece y deja paso a la rutina y el aburrimiento. El peculiar título alude a las mil y una situaciones que a menudo pretendemos solucionar, a pesar de que ello signifique descuidar aquellas cosas que son realmente importantes en nuestro día a día. Así, pues, Anna se olvidará de salvar imposibles para buscar una solución al desgaste de su relación.
El éxito de esta comedia radica en un sólido y divertido texto escrito por Ivan Campillo, aderezado con la inclusión de algunas conocidas canciones, quién es también el encargado de la dirección de la obra. Campillo imprime al espectáculo de cierto dinamismo, ayudado por una perfecta y cuidada iluminación, consiguiendo varias situaciones brillantes, como cuando integra en la representación las risas y aplausos del programa de televisión que en ese momento está viendo la pareja, o cuando la imaginación de Lluís lo atormenta en medio de la clase que está dando.
La mano de Campillo también se puede ver en la dirección de los actores, de quienes consigue magníficas actuaciones: Ramon Godino está fantástico en el papel de profesor gris y aburrido, sin ninguna pretensión en la vida; Laura Sancho está espléndida como la soñadora mujer que quiere poner solución a su desapasionado matrimonio; Joan Sureda cumple en el papel de técnico en persianas de día, stripper de noche; pero, quien consigue fascinar al público, arrancando gran parte de las risas con su papel de madre socarrona que se inmiscuye en la pareja, es Carme Contreras, cuya admirable vitalidad se impone al resto de las actuaciones.
En definitiva, Salvem les balenes… i el meu matrimoni què? es una excelente oportunidad para reírnos, sin caer en el ridículo, de algo tan serio como puede ser una crisis de pareja, ¿no lo creen así?
“Salvem les balenes… i el meu matrimoni què?” se representa en el SAT! Teatre del 21 de octubre al 6 de noviembre de 2011.
Dramaturgia y dirección: Ivan Campillo
Intérpretes: Ramon Godino, Laura Sancho, Carme Contreras y Joan Sureda
Diseño escenografía: Cia. Apunta Teatre
Diseño iluminación: Roger Blasco
Vestuario: Cia. Apunta Teatre
Atrezo: Cia. Apunta Teatre
Movimiento: Yuki Yim
Producción: Cia. Apunta Teatre
Horario: viernes a las 21:00 horas; sábados a las 21:30 horas y domingos a las 18:30 horas. El día 1 de noviembre (Todo los Santos) la función es a las 18:30 horas. Precio: 14 €. Idioma: catalán. Duración de la obra: 75 minutos.
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El Casino de L’Aliança del Poble Nou continúa con la programación de obras de carácter profesional iniciada este mes de octubre, que incluye espectáculos de teatro, danza, música, humor, magia o teatro familiar.
El Casino de L’Aliança del Poble Nou, puso la primera piedra en el año 1929 y fue inaugurado el año 1944 en la Rambla del Pueblo Nuevo de Barcelona. Se convirtió en un espacio emblemático del barrio y de la ciudad que ha acogido desde su inauguración numerosas manifestaciones teatrales y musicales de estilos tan diferentes como zarzuelas, teatro clásico, conciertos de jazz, corales…
Desde el mes de octubre de 2011 El Casino de l’Aliança del Poble Nou ha llevado a cabo, de la mano de SIN PALABRAS, una ampliación de sus actividades como un nuevo espacio de circuito para ofrecer una programación de espectáculos de carácter profesional.
Aquí os avanzamos la PROGRAMACIÓN de los meses de noviembre y diciembre de 2011:
NOVIEMBRE 2011:
4 y 5 noviembre: TONI ALBÀ “L’ombra”
11 noviembre: ANNA ROIG y L´OMBRE DE TON CHIEN con Bigoti vermell.
13 noviembre: RAFA GARCEL y MIKI MOLINA con “Homenaje a Antonio Molina”
18 noviembre: “Tributo Último de la fila”
DICIEMBRE 2011:
1 diciembre: «Godoy» de Andreu Buenafuente y Berto.
2 diciembre: ANTONIA SANJUAN
8 y 11 diciembre: “La increíble historia de Mr. Snow”
Parece que esta temporada teatral van a reinar en los escenarios barceloneses los musicales, una tendencia ésta ya marcada en años anteriores y que se confirma con el estreno de espectáculos como Pegados, Forever Young, Cop de Rock, Los Miserables, una nueva adaptación de Grease o Chicago, el musical de Broadway.
Chicago, el musical de Broadway, al que dedicamos esta reseña, se estrenó el pasado 22 de septiembre en la ciudad condal y es un espectáculo que, utilizando el leitmotiv de uno de sus temas en castellano, consigue «deslumbrar deslumbrando».
El musical nos traslada a la ciudad de Chicago en la década de los años 20, una localidad donde los crímenes pasionales y el sensacionalismo invaden el día a día de sus habitantes y las primeras páginas de los periódicos. En este colorido ambiente urbano dos chicas, Velma Kelly (Marta Ribera) y Roxie Hart (María Blanco), han sido acusadas de asesinato, la primera del de su marido, la segunda del de su amante, lo que lleva a ambas a ingresar en prisión.
La llegada de Roxie a la cárcel y la contratación por parte de ésta de los costosos servicios de Billy Flynn (Manuel Rodríquez), abogado famoso por entender la ley y la justicia de una forma muy “sui generis” y por salvar a chicas culpables como ellas de una muerte segura en la horca, le harán entrar en competencia con las otras chicas encarceladas, y especialmente con Velma, por atraer el interés de la prensa, base de las estratagemas judiciales de Flynn, mientras se mantienen a la espera de un juicio que las absuelva y les proporcione una segunda oportunidad en la vida. Un argumento, como vemos, que ironiza sobre el papel de la prensa y de la abogacía en una sociedad donde con el dinero se puede conseguir todo, incluso la inocencia de alguien que ha cometido un asesinato.
Sin embargo, aunque la trama de Chicago no destaque por sí misma, para nada importa en un espectáculo cuyas bazas principales son las canciones, las y los cantantes y las coreografías, o lo que es lo mismo, su arrollador componente visual y musical. Y como les decía antes, en este aspecto Chicago consigue deslumbrar deslumbrando.
Sobre el escenario del teatro Tívoli podemos disfrutar de uno de los musicales más longevos y famosos de Broadway y del West End inglés, escrito por Fred Ebb, con coreografías de Bob Fosse y música de John Kander. Una espectáculo plagado de números y temas musicales conocidos por los amantes del género y, gracias a la versión cinematográfica de la historia estrenada en el año 2002 e interpretada por Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones y Richard Gere en sus papeles principales, popularizada para el amplio público.
Pues bien, como decía, Chicago lo tiene todo. Unos temas musicales pegadizos y en donde el jazz y las noches de la ciudad de Chicago se plasman de una forma casi material; la sensualidad de un reparto en el que dominan, debido a la temática del espectáculo, las mujeres, todas ellas interpretando diversos temas de forma mucho más que sugerente; un sentido del humor y una ironía que recorren el musical de arriba abajo y que nos presentan la trama de una forma más realista; y las interpretaciones de sus actrices y actores principales, esto es, Marta Ribera, Maria Blanco, Marta Valverde y Manuel Rodríguez, cuya idoneidad y maestría acercan al público catalán la esencia del musical producido en Brodway y en el West End inglés.
Un espectáculo redondo y animado (¡qué digo, mucho más que animado! fresco, osado, atrevido) aunque también con algún que otro hándicap. El más importante, el poco espacio disponible en el escenario para las actuaciones y los número musicales, un inconveniente debido, en parte, a la imponente estructura que permite destacar a la banda de músicos, un aspecto este último que hace patente la importancia de la “banda sonora” en el espectáculo. Otro de los hándicaps es la indefinición del escenario dejado a los actores y bailarines. Un espacio bañado de oscuridad y que no se concreta en ningún momento, pudiendo ser tanto la prisión en donde están encarceladas Velma y Roxie; un juzgado; un music-hall o cualquier otro lugar, lo que puede despistar a todos aquellos no conocedores del argumento del musical.
Aún así, y como ya he dicho antes y sobre lo que vuelvo a insistir ahora, Chicago es un espectáculo que deslumbra deslumbrando y que seguro que les hará gozar de una buena experiencia musical, de lujosas coreografías, de los cuerpos esculturales de las bailarinas (atención a las chicas, también de los bailarines), del juego de luces y abalorios que campean a lo largo de todo el espectáculo y de una historia que, basada en hechos reales, nos hace reflexionar, en último término, sobre la justicia, la abogacía y el periodismo en general, donde la mediocridad, la majadería, y la búsqueda desenfrenada del éxito y la fama puede permitir a un asesino, a un ladrón o a un estafador salir indemne de su crimen, dependiendo, claro está, del dinero que pueda invertir en su defensa. ¿Les suena esto de algo?
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“Chicago El musical de Broadway” se representa en el Teatre Tívolidel 22 de septiembre al 13 de noviembre de 2011
Autor: John Kander, Fred Ebb y Bob Fosse
Autor música: John Kander
Letras de las canciones: Fred Ebb
Libreto: Bob Fosse
Director musical: Santi Pérez
Reparto: Maria Blanco, Manuel Rodríguez, Marta Valverde, Adán Aguilar, Carles Carrasco, Fedor de Pablos, Marta Blanchart, Ela Ruiz, Eugenia Sánchez, Tatiana Monells, Viviana Camino, J. Giró, Vanesa Bravo, Pepe Muñoz , Pascual Ortí, Paco Abarca, Pedro Carrasco, Chema Zamora, Víctor González, Jordi Gordo, Lucy Lummis y Estefanía Corral
Músicos: Josep Gomariz, Juan Carlos García, Sergio Bienzoba, Miguel Fernández Vallejo, Marcel·li Bayer, Lluc Casares i Alcobé, Jorge Pastor, Josep Ferrer, Jaume Careta, Adrià Plana, Antonio Jose Marti y Salvador Suau
Adaptación: David Thompson
Arreglos: Peter Howard
Orquestación: Ralph Burns
Iluminación: Ken Billington
Sonido: Rick Ckarke
Vestuario: William Ivey Long
Escenografía: John Lee Beatty
Coreografía: Ann Reinking y Gary Chryst
Producción: Stage Entertainment
Horarios: de martes a jueves a las 21:00 horas; viernes y sábados a las 18:00 y a las 22:00 horas y domingos a las 19:00 horas. Precio: de martes a jueves de 19,90 a 54,90 €; viernes de 19,90 a 64,90 € y sábados y domingos de 24,90 a 64,90 €. Idioma: castellano Duración del espectáculo: 150 minutos.
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