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Crítica teatro: The Party, en el Teatre Poliorama

¿Cuándo se origina la tragedia? ¿Qué hace que un momento cualquiera inicie un camino de aflicción? ¿Qué pasa cuando un grupo de amigos de alto standing aunque algo desavenidos se reúne para celebrar el nombramiento como ministra de una de sus miembros? The Party, estrenada el pasado 15 de septiembre en el Teatre Poliorama nos presenta una reunión dramática de este tipo basada en la película del mismo título de Sally Potter (2017), adaptada y dirigida para el teatro por Sergi Belbel.

The Party es una comedia de proporciones trágicas que nos sitúa en una reunión social entre amigos en la que nada es lo que parece ser. La obra presenta una trama coral en la que los diferentes actores y actrices, esto es, Àngels Gonyalons, Lluís Soler, Montse Guallar, Jordi Díaz, Biel Duran, Queralt Casasayas y Marta Ribera dan vida a personajes contradictorios, ya sea con ellos mismos o por la relación que los une a los demás. De ahí que de un inicio de alta comedia la obra vaya evolucionando poco a poco a un drama cada vez más negro en el que el público podrá observar las incoherencias y los absurdos que guían las vidas de sus protagonistas.

La obra avanza a partir de las conversaciones que se establecen en cada momento entre dos o más personajes del grupo, en las que se tocaran diversos temas candentes que afectan a la sociedad occidental actual tales como la gestión de la salud pública, la especulación financiera, la maternidad, la homosexualidad, el feminismo, la infidelidad… como veis todos ellos temas que nos interpelan a todos.

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La versión de Belbel es la adecuada, esto es, está a la altura del texto original de Sally Potter, acompañada de una ingeniería escénica que nos permite ver el interior de la vivienda donde chocarán las vidas y las convicciones vitales de los diversos personajes. En este aspecto todo funciona. Si bien la esencia de la trama parece algo artificiosa, hecho que ayuda a fomentar la comicidad de algunas situaciones, y podríamos decir que queda algo alejada de la realidad más nuestra, más peninsular.

Aún así y de una forma muy ácida asistimos a la revelación de una hipocresía, en la que viven parte de las clases altas occidentales y en la que se contraponen los ideales y la realidad, y en la que en definitiva se sobrevive avanzado hacia adelante, olvidando muchas veces las ideas de uno en pos de la comodidad. Dicho esto, que queda algo así como muy filosófico, si lo pensamos bien, nos afecta a todos, bueno, puede que tan solo a la mayoría, que vemos a veces con sorpresa la forma en la que la vida nos ha llevado por un sendero que seguramente no queríamos recorrer, pero que, sin embargo, ha ido modelado nuestra propia personalidad.

Ya veis, pues, que la obra tiene mucha miga al respecto y que seguro que os hará pensar. Por eso, si queréis disfrutar de una buena sesión de teatro, bien pensada, bien ejecutada, aunque algo artificiosa, The Party es una buena opción que estará en la cartelera del Poliorama hasta principios de diciembre.

«The Party» se representa en el Teatre Poliorama del 15 de septiembre al 3 de diciembre de 2023.

Autora: Sally Potter
Adaptación y dirección: Sergi Belbel
Reparto: Queralt Casasayas, Jordi Diaz, Biel Durán, Àngels Gonyalons, Montse Guallar, Marta Ribera y Lluís Soler
Diseño y construcción de escenografía: Jorba Miró
Diseño de vestuario: Marc Udina Duran
Diseño de caracterización: Júlia Ramírez
Diseño de iluminación: Kiko Planas
Banda sonora: David Solans
Diseño de sonido: Rai Segura
Producción: ANEXA

Horarios: de miércoles a viernes a las 21:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingo a las 18:30 horas
Precio: A partir de 16€
Duración: 1 hora y 20 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Las guerras de nuestros antepasados, en el teatre Goya

Los clásicos son siempre los clásicos. Y los grandes actores son grandes. Algo que podemos constatar con Las guerras de nuestros antepasados, la adaptación al teatro de la obra de Miguel Delibes llevada a cabo por Eduardo Galán, dirigida por Claudio Tolcachir e interpretada por Carmelo Gómez y Miguel Hermoso.

«Las guerras de nuestros antepasados nos presenta al recluso Pacífico Pérez, condenado por homicidio, desvelando al médico de la prisión su vida y sus sentimientos. A lo largo del relato de este joven pueblerino, de insobornable candor y de una casi enfermiza sensibilidad, el espectador va tomando conciencia de un país, de una historia y de una sociedad que forma parte de nuestro pasado».

La temporada del Goya comienza este año con un nivel muy alto, con la adaptación de una de las obras de Delibes, autor de fino e intenso saber literario que en Las guerras de nuestros antepasados reflexiona sobre la guerra, la libertad y la vida de la España de su época, esto es, los años 70.

Las entrevistas del psiquiatra de prisión (Miguel Hermoso) a Pacífico (Carmelo Gómez), permiten al espectador descubrí una España del pasado, un país no del todo olvidado en el que el mundo rural, la familia y la violencia estaban mucho más presentes en la vida de todos de lo que nos puede parecer ahora.

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Todo se desarrolla sobre un escenario casi inexistente en el que el psiquiatra intentará a lo largo de diversas sesiones, descubrir las causas que han llevado a Pacífico a matar a dos personas. A través de las preguntas de uno y las respuestas del otro, iremos conociendo la vida de Pacífico, desde sus orígenes rurales, sus vínculos familiares y el contexto de vida de la España de aquella época, que se despertaba lenta y extrañamente del largo y soporífero periodo franquista. En este cuadro no faltarán continuas referencias a las guerras que Bisa, Abu y el padre de Pacífico han luchado, y que dan título a la obra, esto es, las guerras carlistas, las guerras de África y la Guerra Civil.

La propuesta no puede considerarse menos que excelente. La dirección de Claudio Tolcachir y la adaptación de Eduardo Galán consiguen trasladar al escenario la intensidad y la crudeza del texto de Delibes con una gran sensibilidad escénica. Pero si alguien destaca en esta ocasión es Carmelo Gómez. No os engaño si os digo que Gómez lleva a cabo una interpretación magnífica, de esas de premio, en la que el actor se mimetiza con el personaje que interpreta de tal forma que es difícil diferenciar entre uno y otro. El actor, que participó en la adaptación de la novela, demuestra un talento a la hora de encarnar a Pacífico que está fuera del alcance de la mayoría. Una gozada recorrer la historia de España a través de sus trágicas guerras y descubrir la vida rural de un país que fracasó a lo largo de los siglos XIX y XX a la hora de crear un estado políticamente viable, condenando a los españoles y las españolas a una historia triste y trágica.

Las guerras de nuestros antepasados es un deleite escénico de aquellos que no se ven tan a menudo, y nos recuerdan que el trabajo bien hecho, excelso diría yo, tanto el del autor Delibes como el de todos aquellos que participan en la adaptación teatral, no pueden llevar a nada más que al éxito. Solo me queda felicitar al teatro Goya por el acierto en la programación de la obra y a Carmelo Gómez por permitirnos conocer o hacernos recordar de nuevo, la grandeza de la literatura española, y sobre todo, la grandeza de la obra de Delibes.

«Las guerras de nuestros antepasados» se representa en el Teatre Goya del 6 de septiembre al 15 de octubre de 2023.

Autoría: Miguel Delibes
Adaptación teatral: Eduardo Galán
Dirección: Claudio Tolcachir
Intérpretes: Carmelo Gómez, Miguel Hermoso
Escenografía: Monica Boromello
Vestuario: Yaiza Pinillos
Iluminación: Juan Gómez Cornejo
Espacio sonoro: Manu Solís
Producción: Pentación Espectáculos y Secuencia 3

Horarios: de martes a sábado a las 20:00 horas y domingos a las 18:30 horas
Precio: a partir de 20€
Duración: 85 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Eurípides no me Sófocles que te Esquilo, teatro Arlequín Gran Vía (Madrid)


Si el teatro tiene una historia, esta se puede contar. Y esto es lo que hacen los miembros de Timaginas Teatro con Eurípides no me Sófocles que te Esquilo, una comedia locuaz que nos traslada al origen del teatro en la Grecia antigua.

Eurípides no me Sófocles que te Esquilo, es una divertidísima parodia sobre el origen del teatro protagonizada por tres actores que, interpretando al coro clásico de las primeras tragedias, cuentan en clave de humor los inicios de las artes escénicas en la Antigüedad Clásica con anacronismos disparatados. Estos tres personajes, llamados Alfa, Beta y Gamma, dan su particular visión de las grandes tragedias de Esquilo, Sófocles y Eurípides, tales como La Orestíada, Ifigenia o Edipo Rey«.

El espectáculo que se representa en el Teatro Arlequín Gran Vía hasta el próximo 18 de octubre, lleva a cabo un repaso de los orígenes del teatro en la Grecia antigua, pero con un toque de humor guasón que permite al público conocer una faceta del arte escénico muchas veces olvidada o desconocida, y esta no es otra que su evolución des de un ritual religioso vinculado con el culto a Dioniso a un espectáculo público muy celebrado por los antiguos griegos en el que tenía cabida el drama, la tragedia e incluso la comedia.

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Esta es la gran baza del espectáculo, que consigue explicar al público de forma sugestivamente humorística los orígenes del teatro, cosa que hace que todo fluya de una forma más fácil y asequible.

Los artífices de todo ello son 2 actores y una actriz, que adoptan los nombres Alfa, Beta y Gamma, o lo que es lo mismo, María Rodríguez, Armando Jerez, Andreas Trujillo y Cristian Beltrán, que encarna al percusionista mudo que acompaña a la función.

Al espectáculo, sin embargo, le falta a veces ritmo y a veces, también, redondear algunas de las escenas, que en algunos casos se llegan a hacer algo largas.

Aún así, vale la pena ir a ver Eurípides no me Sófocles que te Esquilo para poder contemplar el teatro desde otra perspectiva, y para poder reírnos de algunos grandes lugares comunes del teatro desde un punto de vista actual y por ello anacrónico, hecho este que provee a la obra de una esencia propia.

«Eurípides no me Sofocles que te Esquilo», se representa en el Teatro Arlequín Gran Vía de Madrid del 13 de septiembre al 18 de octubre de 2023.

Escenografía: María del Carmen Rodríguez Ortega
Iluminación: Aarón S. Ramos
Sonido: Jesús González Ortega
Vestuario: María del Carmen Rodríguez Ortega
Producción: Timaginas Teatro
Horarios: miércoles a las 18:00 horas
Precio: A partir de 15€
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 6
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Hechos y faltas, Teatro Pavón, Madrid

El pasado 30 de agosto el Teatro Pavón de Madrid estrenaba Hechos y faltas, una obra escrita por Jeremy Kareken, David Murrell y Gordon Farrel, adaptada y dirigida por Bernabé Rico e interpretada por Ángeles Martín, Antonio Dechent y Juan Grandinetti que analiza el mundo del periodismo en la era digital.

«El reputado autor John D’Agata ha escrito una crónica sobre la tasa de suicidios en Las Vegas para una de las mejores revistas del país. Emily, su redactora jefa, encarga al becario Jim Fingal la verificación de hechos del escrito pero pronto se encuentra con un “pequeño” problema: gran parte de ellos se los ha inventado. Lo que empieza como un trabajo más, pronto se convertirá en una hilarante historia sobre los límites que separan la libertad narrativa de la ficción».

Hechos y faltas nos propone una reflexión sobre la realidad del periodismo en la actualidad, subordinado a inflexibles ritmos de publicación y plagado de bulos e imprecisiones. Gracias al trabajo de verificación de un artículo (perdón, una crónica) escrita por John D’Agata (Antonio Dechent), uno de los autores estrellas de la revista dirigida por Emily (Ángeles Martín), la obra nos mete de lleno en las entrañas del periodismo para reflexionar sobre cuál es el objetivo de la profesión y qué límites creativos tiene.

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La peculiaridad de la obra es que está basada en el libro The Lifespan of a Fact, escrito por los los auténticos D’Agata y Fingal y que recoge la correspondencia que mantuvieron ambos sobre la corrección de un escrito del primero. De ahí que la obra se presente como un duelo entre Dechent, un periodista demasiado creativo y Juan Grandinetti, el joven becario verificador de datos algo obsesivo con su trabajo. Entre ellos se generarán rayos y centellas a la hora de llevar a cabo su trabajo, arbitrado todo ello por la mediación de la experimentada directora de la revista (Martín), que verá amenazado el futuro de su publicación.

Así que, en clave de tragicomedia periodística, Hechos y faltas propone al espectador un debate en el que aparecen temas como el estado del periodismo actual, cómo se ve afectada la profesión por la digitalización y las redes sociales o sobre cuáles son los límites entre la ficción y la información en un texto periodístico. ¿Es permisible la creatividad en una crónica periodística?

Y es aquí donde recae el acierto de la obra. Primero en el buen hacer de la producción y de la interpretación. Los actores y la actriz protagonistas se hacen creíbles a la hora de defender sus papeles, ya sea como directiva experimentada, como escritor de renombre afectado por su propia inventiva o como el becario que se toma su trabajo de corrección de forma muy personal. Los diálogos y las embestidas entre ellos están muy afinados.

Por otra parte, un texto que ofrece al público un tema actual para reflexionar, y que no es otro que el presente y el futuro de la profesión periodística en un mundo en el que las Fake News, la inmediatez y la imposición de las redes sociales es muy intensa.

Así que ya lo sabéis, hasta el próximo 8 de octubre tenéis la oportunidad de ver Hechos y faltas en el Teatro Pavón. Seguro que no saldréis decepcionados.

«Hechos y faltas» se representa en el Teatro Pavón de Madrid del 30 de agosto al 8 de octubre de 2023.

Autores: Jeremy Kareken, David Murrell y Gordon Farrel
Versión y dirección: Bernabé Rico
Intérpretes: Ángeles Martín, Antonio Dechent y Juan Grandinetti
Diseño de escenografía: Leticia Gañán y Curt Allen Wilmer (AAPEE)
Diseño de vestuario: Pier Paolo Álvaro
Iluminación: José Manuel Guerra
Producción: TALYCUAL y MEJOR TEATRO

Horarios: de miércoles a sábado a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: desde 14€
Duración: 1 hora 30 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Lola, el musical, en el Teatre Apolo

En la era de los musicales en la que vivimos, se echa en falta muchas veces una presencia más ibérica ante el arrollador éxito de los espectáculos «made in Broadway» como The Producers, El fantasma de la ópera, Pretty Woman, Charlie y la fábrica de chocolate o Ghost. De ahí que sea de agradecer el estreno el pasado 31 de agosto en el Teatre Apolo de Barcelona de Lola, el musical, un espectáculo basado en la vida y las canciones de la gran Lola Flores.

«Lola, el musical es un espectáculo con música en vivo, lleno de creatividad, color y con 30 artistas en escena. Un musical completo de emociones y recuerdos que mima y trata con cariño y admiración el legado artístico de Lola Flores a través de sus canciones, sus pasiones y sus anécdotas más divertidas».

Como decía, tras la estela del éxito de los musicales «made in Broadway», llegan otro tipo de espectáculos más cercanos, me atrevería a decir más nuestros, que basan su esencia en personajes y realidades más cercanas. Este es el caso de Lola el musical, que intenta hacer un repaso a la vida de la artista, sus canciones más populares y a diversas anécdotas y personajes ligados a ella.

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Lola, el musical es un espectáculo de mediano formato con música en directo y con hasta 30 artistas en escena, lo que ya nos da una idea de la envergadura de la propuesta. Como os podéis imaginar la base de todo el proyecto está en Lola Flores, o mejor dicho, en Verónica Carmona, artista que tras ser «descubierta» en un programa de talentos de Canal Sur, se atreve y con muy buena nota a dar vida a una de las artistas con más genio y más populares de la historia musical de nuestro país.

El espectáculo repasa la vida de Lola Flores, desde sus inicios hasta ser reconocida como la Lola de España, y eso incluye la interpretación de varios de sus temas más populares como A tu vera; Ay pena, penita, pena; Que me coma el tigre o el mismo Lola de España. Además, la propuesta amplía su repaso al repertorio musical de La Flores incluyendo a personajes como Manolo el Caracol, su marido El Pescailla y con la interpretación de diversos temas popularizados por sus hijos Lolita, Antonio y Rosario Flores.

Sin embargo el espectáculo queda algo corto, ya que la vida y obra de Lola Flores es muy difícil de resumir en menos de 2 horas de espectáculo. Aún así la capacidad de Verónica Carmona de «convertirse» en Lola Flores e interpretar sus grandes temas es asombrosa y deja al espectador la sensación de haber revivido los grandes momentos de La Flores con La Flores. Siempre y cuando se superen los problemas técnicos del día del estreno, en el que la voz de los actores y las actrices iba y venía arbitrariamente y se mejore la transición entre actuación y actuación, hecho este que le roba el lustre que merece al musical.

Lola el musical es una buena oportunidad para recordar a una de las artistas más grandes de la copla española, y vale la pena no perdérselo si queréis revivir la vida y las canciones de La Faraona, de Lola Flores.

«Lola, el musical», se representa en el Teatre Apolo del 31 de agosto al 24 de septiembre de 2023

Dirección: Juan Ramón Utrera y Rafa Sánchez
Idea original: Rafa Sánchez
Dirección artística: Pedro Centeno
Reparto: Verónica Carmona, Cayetana Moreno, Jesús González, Raúl Palomo, Coraíma Martínez, Vito Jiménez, Naomi Santos, Carlos Nosea

Horarios: Jueves y domingos a las 20:00 horas, viernes 17:30 horas y sábados a las 21:00 horas
Precio: A partir de 28€
Idioma: castellano
Duración: 105 minutos
NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa

Crítica: 46ª Festival Teatro Clásico Almagro (2023)

Vivimos meses de festivales de verano. Toda ciudad o localidad que se precie celebra un festival, ya sea de arte, de cine, de música, de lo que sea… Pero entre todos ellos destacan algunos por su trayectoria, su riqueza histórica y patrimonial y por la calidad de su programación. Este es el caso del Festival de Teatro Clásico de Almagro, que este año se celebró entre el 29 de junio y 23 de julio y que ha destacado por una programación diversa, integradora y de altura.

Nosotros asistimos a las representaciones de dos obras clásicas y de dos recitales. En esta entrada valoraremos las dos representaciones escénicas, La discreta enamorada de Lope de Vega y Mañanas de abril y mayo de Calderón de la Barca.

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La discreta enamorada, Joven Compañía nacional de Teatro Clásico.

Nunca es tarde para ver una buena obra de teatro, y menos si el autor es Lope de Vega. En esta ocasión tuvimos la fortuna de poder asistir a la representación de la adaptación de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) de La discreta enamorada, un ejercicio de teatro histórico llevado a cabo por una de las compañías mejor conocedoras de la época.

La versión dirigida por Homar y representada en el Espacio Adolfo Marsillach hace equilibrios entre lo clásico de la propuesta y lo moderno de los tiempos en los que vivimos. 14 intérpretes, entre ellos Lluis Homar y Montse Diez, ponen en acción de forma competente la trama que Lope creó para esta obra, en la que el autor cuestiona las normal sociales de la época con una trama de apariencias equívocas que da mucho juego.

Así, pues, somos testigos de todas las artimañas que ha de poner en juego Fenisa (Cristina Marín-Miró), con el objetivo de evitar su futuro matrimonio con el capitán Bernardo (Homar), mucho mayor que ella, y enlazarse con su hijo Lucindo (Felipe Muñoz), del que está realmente enamorada. Sus tretas inician una deriva de confusiones y malos entendidos que darán vida a una trama en la que la comedia tiene un papel preponderante.

Los miembros de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico hacen un alarde de interpretación y declamación para hacerse con uno de los clásicos de Lope de Vega y salirse airosos de la tentativa. Para ello se ha adaptado y resumido el texto y se le ha dado una ambientación entre clásica y moderna, en la que también tiene cabida la música. Es una suerte poder disfrutar de un texto clásico con una adaptación que mantiene muchos de los dejes y formas del castellano de la época, pero de una forma entendible para el público actual.

Por lo que respecta al escenario, se ha optado por la creación de diversos espacios atenuados que enmarcan el avance de la acción y que le dan un toque grácil y actualizado a la propuesta.

Una oportunidad, sin duda, de disfrutar del teatro clásico adaptándolo a formas escénicas más modernas, pero que no pierde su idiosincracia por el camino. Algo que es muy de agradecer.

La discreta enamorada.
Espacio: Espacio Adolfo Marsillach
Fechas: 14 al 23 de julio de 2023, 22:45 h

Autor: Lope de Vega
Dirección: Lluís Homar
Reparto: Iñigo Arricibita, Xavi Caudevilla, Montse Díez, Cristina García, Ania Hernández, Nora Hernández, Antonio Hernández Fimia, Lluís Homar, Pascual Laborda, Cristina Marín-Miró, Felipe Muñoz, Miriam Queba, María Rasco, Marc Servera
Escenografía: Jose Novoa
Iluminación: Pilar Valdelvira
Vestuario: Deborah Macías
Composición musical: Marc Servera

Mañanas de abril y mayo_Almagro

Mañanas de abril y mayo, Teatro Fernán Gómez y Teatro de Malta.

«Mañanas de abril y mayo es una deliciosa comedia llena de alegría y vitalidad. Plagada de enredos y confusiones, donde se recrea un Madrid verde y florido, bucólico y sensual, en el que las jóvenes parejas de enamorados se confunden, se evitan, se engañan, se sorprenden, se buscan, y, a veces, hasta se encuentran. Todo es juego y alegría en este Calderón primaveral y retozón, donde la fuerza de la naturaleza se impone a la reflexión, y los huertos, jardines y bosquecillos de Madrid resultan ser los otros grandes protagonistas de la trama».

Otro de los clásicos de esta edición que tuvimos ocasión de ver fue Mañanas de abril y mayo de Calderón de la Barca, una versión tuneada llevada a cabo por las compañías Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa y Teatro de Malta y representada en la Antigua Universidad Renacentista (AUREA).

En esta ocasión la clave del embrollo entre galanes y damas es una confusión que se produce en el parque y que provocará el enredo que hará que Don Juan dude de la fidelidad de su amada Doña Ana y que Don Hipólito lleve a cabo diversas argucias para hacerse corresponder por el amor de Doña Clara. Como veis, la estructura es la propia de una comedia del Siglo de Oro, en la que la maraña argumental provee a la representación de la clave de la comedia.

Es seguramente la adaptación al estilo “Blake Edwards” lo que le da a la obra su fundamento más identificativo. Carolina África y Laila Ripoll se han encargado de darle a la representación un toque muy de los años 50 y 60, en el que han incluido color, luz, alegría y, también, música, rejuveneciendo la propuesta para un público más actual.

El resultado puede que no sea el mejor, ya que al acierto de la actualización le falta un ritmo algo más sosegado, en el que el espectador acabe de asimilar a los personajes y el avance de la trama, que es confusa de por sí. Puede, además, que la abreviación del texto original no se haya hecho de la forma más atinada posible.

En relación al reparto, destacan sobre todo, el atrevimiento de Don Hipólito (José Ramón Iglesias), lo bohemio de Dona Clara (Ana Varela) e impetuoso de Don Juan (Pablo Béjar) y la sorna de los criados, ya sea Arceo (Guillermo Calero) o Inés (Sandra Landín).

Comentario aparte lo merece el escenario donde se realizó la representación de la obra, la Antigua Universidad Renacentista de Almagro (AUREA), un lujo arquitectónico no al alcance de todos.

En resumen, una comedia clásica del Siglo de Oro, adaptada como un clásico de Hollywood, para un público actual.

Mañanas de abril y mayo
Espacio: AUREA
Fechas: 21 – 22 Julio 2023, 20:00 h.

Compañía: Teatro Fernán Gómez, Centro Cultural de la Villa y Teatro de Malta (Madrid / Castilla-La Mancha)
Duración: 90 min.
Idioma: Español

Autor: Calderón de la Barca
Versión: Carolina África
Dirección: Laila Ripoll
Reparto: Pablo Béjar, Guillermo Calero, José Ramón Iglesias, Sandra Landín, Juan Carlos Pertusa, Alba Recondo, Nieves Soria y Ana Varela
Escenografía: Arturo Martín Burgos
Iluminación: Luis Perdiguero
Música y espacio sonoro: Mariano Marín
Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas

Crítica teatro: El Joc de la Veritat, en el Teatre Gaudí

Una vez llegado el verano siempre es bueno refrescarse, ya sea yendo a la playa, poniendo el aire acondicionado en casa o salir a ver una comedia de teatro. Este es el caso de El joc de la veritat, una comedia sentimental en la que la verdad está en juego.

«Albert y Joana ya llevan unos años de relación de pareja y esta reclama con urgencia nuevas expectativas. Enric y Carmen ya han superado este estadio y su relación parece estar a prueba de todo.

Todo sigue su curso, hasta el día en que las cosas empiezan a torcerse y las mentiras afloran entre los cuatro. ¿Pero quién engaña quién? ¿Y a quién afectan estas mentiras? ¿La mentira por sí sola es un motivo de infidelidad? Las mentiras… o las verdades se convierten al fin en un juego demasiado peligroso».

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El espectáculo programado por el Teatre Gaudí, escrito y dirigido por Miquel Murga e interpretado por Octavi Pujades, Míriam Tortosa, Cristina Dilla y Roger Cantos, nos ofrece una comedia fresca en la que las relaciones de pareja y las mentiras de pareja están muy presentes. Porque ¿mientes a alguien si no le explicas la verdad? Aquí es donde radica la esencia de este vodevil que se irá complicando sentimentalmente a medida que la trama avance.

Así, pues, tenemos un texto dinámico en el que se ve la traza de Murga para crear escenas algo alocadas y divertidas que afectan a la vida de pareja de los cuatro protagonistas. Y en esta interpretación coral, se nota la buena química que hay entre los cuatro protagonistas: Octavi Pujades y Cristina Dilla encarnan a una pareja bien situada económicamente que parece haber perdido la pasión de los primeros días. Roger Cantos y Míriam Tortosa dan vida a una pareja más joven y algo más abierta. Las relaciones entre ambas parejas será la clave de la comedia, cuyos enredos seguro que harán reír al público asistente.

Por lo que respecta al escenario, se ha buscado un decorado efectivo y divertido que simula un tablero del parchís, con diversos colores que nos indican los distintos espacios y que potencian la idea de juego en la que se basa la obra.

El joc de la veritat es una buena oportunidad para desconectar de la calurosas veladas en este mes de julio en la ciudad condal, y reírnos de los problemas que conllevan a veces las relaciones entre las personas, y decidir si vale la pena saberlo todo, o mejor dicho, si la verdad en la vida, o en este caso en las relaciones de pareja, está sobrevalorada.

«El joc de la veritat» se representa en el Teatre Gaudí, del 25 de mayo al 30 de julio de 2023.

Texto y dirección: Miquel Murga
Intérpretes: Octavi Pujades, Míriam Tortosa, Cristina Dilla, Roger Cantos
Producción: Hamlet Produccions
Iluminación: Quim Algora
Espacio escénico: Laura Orri
Figurinismo: Àngels Cases

Horarios: Web Teatre Gaudí
Precio: desde 18€
Duración: 70 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Crítica: Recitales Festival Teatro Clásico de Almagro (2023)

Una vez finalizada la 46ª edición del Festival de Teatro Clásico de Almagro y tras haber disfrutado de una programación de alta graduación escénica, vale la pena valorar algunas de las propuestas a las que asistimos. Y comenzamos con dos recitales.

Toda la noche m´alumbres, Corral de Comedias (21 y 22 de julio)

Recitales Festival Teatro Clásico de Almagro (2023)_Toda la noche malumbres

El primero, Toda la noche m´alumbres, es un recital entretejido a partir de la música antigua, la lírica y la mística del Siglo de Oro español, una propuesta en la que Pepe Viyuela y Elena González declaman parte del arsenal poético castellano de la época, acompañados por la arpa clásica y la voz de Sara Águeda.

El recital, que mezcla poesía, voz, actuación y música no deja impasible a nadie, y más porque se representa en el Corral de Comedia de Almagro, lugar en el que se funde la historia y el teatro y, en esta ocasión, la poesía. De ahí que el juego entre esos diferentes géneros, que no lo son tanto, lleve al espectador a ser testigo de las representaciones teatrales de otra época. Por las voces de los intérpretes pasan las palabras de autores como San Juan de la Cruz, Santa Teresa, Garcilaso, Góngora, Lope de Vega o Jorge Manrique, dejando un muy buen sabor de boca al público en este homenaje al amor y a la vida.

La propuesta se desarrolla con un mínimo de factores escénicos, salvo la presencia de los propios «recitadores» y el juego de luz y oscuridad propio del espacio del corral, que combina muy bien con el objeto de la representación, en la que destaca, sin duda, la arpa de Águeda, como símbolo de la época que se quiere evocar.

Sin duda un aditamento perfecto para un Festival que busca la excelencia del teatro español del Siglo de Oro. Como el propio festival indica, un recital que hace anidar en el oído y el corazón del espectador la belleza que viaja en la palabra.

Toda la noche m´alumbres
Dirección: Elena González y Pepe Viyuela
Música: Sara Águeda
Reparto: Elena González, Pepe Viyuela, Sara Águeda (arpa)

Espacio: Corral de Comedias
Fechas: 21 – 22 Julio 2023
Compañía: Cía. El Vodevil (Madrid)
Duración: 70 min.
Idioma: Español

Yo deseo (recital electrónico de inconfesiones femeninas), Casa Palacio de Juan Jedler (21 y 22 de julio de 2023)

Recitales Festival Teatro Clásico de Almagro (2023)_Yo deseo

Por su parte, en el espacio escénico de la Casa Palacio de Juan Jedler, se representó las noches del 21 y 22 de julio Yo deseo, un recital electrónico que mezcla de forma innovadora textos escritos por mujeres a lo largo de la historia en el que reflexionan sobre el deseo, el cuerpo, la belleza, la excitación y el sexo femenino, temáticas y actitudes normalmente vinculadas al texto masculino. Pero que en esta ocasión la dirección de Eduardo Mayo, la interpretación de Eva Rufo y la música de Enrico Bárbaro, nos hacen conocer de una forma atractiva y novedosa.

Todo en Yo deseo está muy trabajado. Lo primero la selección de textos que van desde la Antigüedad al la Actualidad, y que recogen el testimonio de autoras desde Safo, Sor Juana Inés, Li Ye, Wallada, Hildegarda de Bingen, Hadewijch de Amberes, Hafsa Al-Rakunía, Christine de Pizan, Florencia Pinar, Teresa de Ávila a Aphra Behn.

La puesta en escena mezcla la sencillez y la sobriedad del espacio con la fragancia verbal de Eva Rufo, actriz familiarizada con el repertorio clásico, que pone voz y cuerpo a los desvelos de la mujer a lo largo de la historia. Rufo está acompañada por la música electrónica de Enrico Bárbaro, a lo que se suma un sugestivo juego de luces, que provee al espectáculo de una sensualidad y de un aroma que le va muy pero que muy bien.

Ya lo veis, dos recitales, sí, pero muy diferentes entre ellos que nos revelan las voces de otras épocas, algunas más conocidas y otras menos, pero que contribuyen a hacer que el Festival de Teatro Clásico de Almagro se haya convertido en un referente, ya sea por la belleza del lugar en el que se desarrolla o por la excelente y diversa programación que ofrece al público asistente, que anida en sus espacios escénicos a lo largo de los meses de junio y julio de este abrasador verano.

Yo deseo (recital electrónico de inconfesiones femeninas)
Dirección: Eduardo Mayo
Adaptación: Sergio Adillo
Iluminación: Fernando Herranz
Música: Enrico Barbaro
Reparto: Eva Rufo y Enrico Barbaro
Escenografía: Eduardo Mayo y Fernando Herranz

Espacio: Casa Palacio de Juan Jedler
Fechas: 21 – 22 Julio 2023, 22:45 h.
Compañía: La Carne (Madrid)
Duración: 75 min.
Idioma: Español

Crítica teatro: La tendresa, en el Teatre Poliorama

El pasado 28 de junio regresaba al Poliorama La tendresa, la obra creada por Alfredo Sanzol galardonada con el Premio Nacional de Literatura Dramática 2017 y el XII Premio Valle-Inclán de Teatro, una versión libre de las comedias de Shakespeare que nos habla del amor, del atrevimiento y del sufrimiento.

«La tendresa narra la historia de una reina algo maga y sus dos hijas, que viajan en la Armada Invencible, obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses después de haber invadido Inglaterra. La reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre le han condicionado la vida y le han robado la libertad, así que no está dispuesta a permitir que sus hijas tengan el mismo destino que ella. Cuando la Armada pasa cerca de una isla que la reina considera desierta, provoca una gran tormenta que hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esta isla con sus hijas para no tener que volver a ver nunca más a ningún hombre. El problema es que eligen una isla en la que desde hace veinte años vive un leñador con sus dos hijos, que se escondieron para no volver a ver a una mujer en su vida».

La ternura es una propuesta, sin duda, ganadora, por la trama de comedia que nos propone, basada en el universo y el libro de estilo de Shakespeare, en un texto travieso y en unas actuaciones que están en línea con todo lo anterior.

Sanzol nos habla en su Tendresa del amor y de los riesgos que comporta y que, como bien sabéis, nos hacen ser más humanos. Basándose en las estratagemas literarias shakesperianas la obra nos presenta dos grupos humanos, uno masculino y uno femenino, recluidos en una isla desierta (pretendídamente desierta), en la que ambos grupos han decidido apartarte del sexo contrario. Esta situación provocará, como es lógico, aventuras, enredos, confusiones y finalmente, y como no puede ser de otra forma, una atracción entre los miembros de los dos grupos, que se intentará evitar a toda costa por parte de los progenitores.

Sanzol ha creado para su obra una escenografía vacía y con muy poco atrezo, lo que fuerza al espectador a imaginarse parte de la obra y sumergirse en la acción que se desarrolla encima del escenario.

Por lo que respecta al reparto, La Ternura apuesta por talentos jóvenes y talentos con más experiencia. Entre estos últimos destacan Marta Pérez y Jordi Rico, que interpretan respectivamente a la madre y al padre que intentan alejar del amor a sus hijas e hijos para evitarles penurias emocionales. Genial Pérez en su papel de pérfida madre cansada de la dominación masculina. Entre los más jóvenes hallamos a Laura Aubert, Anna Castells, Albert Prat y Ferran Vilajosana, que proveen a la representación de la frescura y la inocencia propia de la juventud, y que será la clave de los enredos que acabarán afectando a las entrañas emocionales de todos los protagonistas.

La tendresa os hará reír al contemplar los vanos esfuerzos de los protagonistas por luchar contra sus sentimientos, algunos sabiendo que la clave del amor es indomable y otros confundiéndose al recorrer una emociones o bien desconocidas o bien olvidadas hace mucho tiempo.

Una propuesta fresca y muy recomendable, sin duda, para sobrevivir a este tórrido mes de julio en la ciudad condal.

«La tendresa» se representa en el Teatre Poliorama del 28 de junio al 4 de agosto de 2023

Texto y dirección: Alfredo Sanzol
Traducción: Joan Lluís Bozzo
Reparto: Laura Aubert, Anna Castells, Marta Pérez, Albert Prat, Jordi Rico y Ferran Vilajosana
Escenografía y vestuario: Alejandro Andújar
Iluminación: Pedro Yagüe
Música original: Fernando Velázquez
Sonido: Roger Ábalos
Caracterización: Eva Fernández
Producción: TRES PER 3, en colaboración con Dagoll Dagom y T de Teatre, El Teatro de la Ciudad y el apoyo del ICEC

Horarios: de lunes a viernes a las 20:30 horas
Precio: desde 12,5€
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 50 minutos
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: De Simba a Kiara, el tribut al Rei Lleó, Les Nits de Barcelona (Palau Pedralbes

Llega el verano y con él de nuevo los festivales de verano. El pasado 29 de junio inició su singladura Les Nits de Barcelona (Palau Pedralbes) un festival gestionado por la promotora Clipper’s Live que pretende amenizar las calurosas noches de verano en la ciudad condal con música y actuaciones.

En esta edición la programación familiar se abre paso con la representación de De Simba a Kiara, el tribut al Rei Lleó, el tributo a la historia del Rey León llevada a cabo por la compañía Onbeat.

«Hay películas y canciones que han pasado a la historia y que atraen la curiosidad de todo tipo de espectadores alrededor del mundo. Es el caso del Rey León, que tras más de 20 años del estreno de la primera película sigue cautivando al gran público gracias a las distintas producciones musicales que se han realizado en distintos países».
Simba a Kiara, el tribut al Rei Lleó presenta una versión en catalán del musical que ha conmovido al mundo durante años con espectaculares voces en directo, atractivas coreografías y una gran puesta en escena».

De Simba a Kiara, el tribut al Rei Lleó presenta una propuesta de entretenimiento para los más pequeños basada en el gran éxito del Disney del año 1994. Onbeat ha preparado una adaptación para toda la familia que incluye a dos maestros de ceremonias, una ardilla hambrienta y un tucán, que no solo nos relatarán lo sucedido en El Rey León para ponernos en situación, sino que amenizará con diversos extras musicales el avance de la representación.

La escenografía del espectáculo es de mínimos, pero funciona, ya que el principal gancho de la propuesta también lo hace, que son la adaptación de los temas musicales. Las coreografías son efectivas y captan la atención de los más pequeños. Pero si algo destaca en la propuesta es la versión en catalán de los temas creados por Elton John y Tim Rice para la banda sonora compuesta por Hans Zimmer. Todo un acierto.

Un seguro de entretenimiento para los más pequeños y también los más grandes que los acompañan, que podrán disfrutar de las aventuras de El Rey León narradas para todas las edades.

De Simba a Kiara, el tribut al Rei Lleó se representó en Les Nits de Barcelona (Palau Pedralbes) el domingo 16 de julio de 2023

Dirección Artística: Antonio Martín
Dirección, guión y producción: Antonio Martín Regueira
Reparto:
Dilla: Fran Caparrós, Rafa Chaves
Flo: Fátima Padial, Paula Cuesta, Gema Burgos
Simba: Rodrigo Castillo, Jose Carlos Palao
Nala: Ángeles Vela, Leyre Aranda
Scar: Cristina López
Jirafa: Álvaro López
Bailarinas: Carmen Vargas, Valentina Urbano, Cris Maillo

Jorge Pisa