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Crítica teatro: La Venus de les pells, en el teatro Akadèmia

El pasado 10 de marzo el Teatre Akadèmia estrenaba una nueva versión de La Venus de las pieles, obra estrenada originalmente en el año 2010 que adapta la novela de Leopold von Sacker-Masoch, considerado padre del masoquismo, de la mano del dramaturgo estadounidense David Ives. Esta nueva adaptación está dirigida por Guido Torlonia e interpretada por Rubén de Eguía i Raquel Ferri.

Ives y Torlonia nos presenta un tour de force entre dos actores que arranca de la suma de un tema controvertido, el masoquismo, y un tema reivindicativo y actual como el del papel de la mujer en la sociedad. La obra se enmarca, por otra parte, en un juego de teatro dentro del teatro, ya que asistimos al casting que el director y dramaturgo Thomas Novachek (Rubén de Eguía) está realizando para su nueva obra, la adaptación de La Venus de las pieles, y seremos conscientes de los problemas que tiene para encontrar una actriz válida para el papel femenino principal. La situación dará un giro con la llegada de una nueva aspirante, Vanda Jordan (Raquel Ferri), con la que se iniciará un juego de dominación y seducción que trascenderá, con mucho, el casting de la obra.

La Venus de les pells_1

Una actriz, un actor y el espacio en el que se desarrolla la acción que se convierte en el lugar en el que la masculinidad y la feminidad se enfrentan a carne viva y que nos proporciona una excusa amargamente deliciosa para reflexionar sobre el papel de la mujer en la sociedad, ya sea en la época en la que se escribió la novela, en la segunda mitad del siglo XIX, en el ámbito de la representación teatral o en el mundo actual, ya que los diálogo, la confusión y el juego constante nos llevarán de un lugar a otro indistintamente.

Para una obra así es básico un actor y una actriz con recursos y talento y con una energía que se intercambie fácilmente entre ellos. La versión del Akadèmia apuesta por la dirección atrevida, aunque a veces no tanto, de Guido Torlonia y la interpretación de Rubén de Eguía y Raquel Ferri. Los dos están intensos, como la situación escénica requiere, si bien a de Eguía le falta en algunos momentos cierto grado de concreción que su papel requiere. Por lo que se refiere a Ferri, da en el clavo en la doble, o triple, interpretación que lleva a cabo en la obra, ya sea de la actriz que llega tarde al casting, de la señorial Vanda von Dunajew, o del personaje misterioso que realmente encarna.

La Venus de les pells nos permite, así, reflexionar de una forma muy teatral en la que se mezcla la verdad, la ficción e incluso la fantasía mitológica, sobre un tema candente en la actualidad, que es de lo que se trata cando nos topamos con el buen teatro. La representación es, además, muy cercana, lo que permite al espectador introducirse fácilmente en la trama para intentar dilucidar qué es lo que verdaderamente está pasando, con un mensaje de empoderamiento femenino que recorre de inicio a final la representación de la obra.

«La Venus de les pells» se representa en el Teatre Akadèmia del 10 de marzo al 11 de abril de 2021.

Autor: David Ives
Traducción: Neus Bonilla
Dirección: Guido Torlonia
Reparto: Rubén de Eguía y Raquel Ferri
Espacio escénico: Sebastià Brosa y Paula Bosch
Iluminación: Lluís Serra
Espacio sonoro: Ricardo González
Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas, domingo a las 18:00 horas
Precio: 22€
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 30 minutos
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Los circos recuperan su actividad en 2021

2020 ha sido un año aciago para los circos en toda Europa. Después de un confinamiento que pilló a muchos en la carretera, obligándoles a quedarse aislados en un pueblo, atrapados sin poder volver a casa ni realizar sus espectáculos. Las pérdidas económicas han tenido al borde del cierre a muchas familias que llevan viviendo del circo desde hace tres, cuatro o hasta seis generaciones.

Sin embargo, la magia empieza a volver a las carpas; los focos vuelven a encenderse y las mayores compañías de circo de Europa empiezan el 2021 con una nueva temporada que incluye cambios, como la distancia de seguridad o las mascarillas, pero que vuelve con la misma ilusión de siempre.

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Desde Le Grand Cirque Mystike, una de las carpas más nuevas en la escena, son positivos. Su director Ricardo Rossi anunció en una entrevista a la web Todocirco.com que empiezan 2021 con una gira de tres meses que esperan poder seguir alargando hasta recorrer no solo España, si no también varios destinos internacionales. “Mystike – Le Grand Cirque ha nacido para quedarse” asegura.

Las mismas ganas han demostrado desde el Circo Holiday, que este mes estrena en Burgos y Valladolid, dos plazas muy disputadas, su nuevo show con el acompañamiento del mítico Fofito, con el que pretenden atraer no solo a niños si no también a los padres nostálgicos que quieran volver a ver a este mítico payaso.

Por su parte, Il Circo Italiano, también presenta nuevo espectáculo “El Circo Encantado”, en el que mezcla el teatro de terror con la comedia propia del circo. Un nuevo espectáculo que está circulando por el norte de España, con shows en, Beasain, Irún, Pasaia, Vitoria, etc.

Asimismo, circos como el Circo Universal, Coliseo, Alegría y más también se preparan y dan lustre a sus trajes para volver a brillar en la pista y asombrar a grandes y pequeños. Si algo bueno ha tenido el Coronavirus, y en eso están de acuerdo distintos artistas, es que el aislamiento les ha dejado tiempo para innovar en sus actuaciones, entrenar todavía más duro y, en definitiva, estar en posición de estrenar una temporada 2021 que proporcione una mejor experiencia al espectador.

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Si estás tan emocionado como nosotros por esta nueva temporada y quieres saber cuando el circo va a llegar a tu ciudad, páginas como Todocirco.com mantienen un calendario actualizado donde puedes consultar las fechas en las que cada circo estará en tu localidad o en localidades cercanas, además de conocerlo todo sobre cada show: precios de las entradas, sinopsis, artistas invitados… No te pierdas los nuevos espectáculos del Circo 2021 a lo largo y ancho del país. ¡La función va a comenzar!

Crítica teatro: La nit de la iguana, en el TNC

Llega al TNC, en medio de la pandemia, uno de los momentos de la temporada teatral, con el estreno el pasado 11 de febrero de La nit de la iguana, uno de los textos más reconocidos de Tennessee Williams, estrenado en el año 1961 y que dirige de lleno nuestra mirada hacia el declive y la crisis vital.

«Años cuarenta, en un rincón perdido de la costa del Pacífico en México. Mientras grupos de turistas alemanes celebran en bañador los bombardeos de la Luftwaffe sobre Londres, el exreverendo Lawrence T. Shannon, reconvertido en guía turístico tras haber sido expulsado de su iglesia y haber pasado una temporada en un hospital psiquiátrico, se reencuentra con una antigua amante que dirige un pequeño hotel».

Lo primero que sorprende de la versión de Carlota Subirós cuando uno entra a la Sala Gran del TNC es la exuberante escenografía, obra de Max Glaenzel, que nos muestra la terraza del hotel mejicano en el que se desarrolla el drama humano en el que nos embarca el dramaturgo estadounidense. Y este no es otro que el análisis de la insolvencia vital de los protagonistas de la obra.

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En el hotel de segundas se reunirán varios personajes todos tocados por la fatalidad. El principal no es otro que el exreverendo Shannon (Joan Carreras), expulsado de la Iglesia y que se gana la vida guiando grupos turísticos católicos, con una debilidad especial por la seducción de jovencitas. El reverendo llega al hotel en plena crisis profesional y de consciencia en busca de la paz de aquello conocido. En él hallará a la propietaria y antigua amante (Nora Navas), una viuda reciente que vive de forma despreocupada; un grupo de turistas alemanes y una pareja formada por un poeta nonagenario en busca de su último poema (Lluís Soler) y su nieta, una joven artista que vende su obra de forma itinerante (Màrcia Cisteró). A lo que se sumará la responsable del grupo católico que guía el reverendo (Antònia Jaume) y la joven que este ha seducido (Paula Jornet). Como ven, un panorama que dirige inevitablemente la trama hacia el desastre. Williams, para variar, se interesa por las grietas del alma humana y, también, por su capacidad de resistencia.

La versión de Subirós es valiente, como lo ha de ser cualquier adaptación de Williams, en la que destaca, como decía, una escenografía pletórica y las interpretaciones del reparto. El texto está fabricado para el lucimiento del protagonista principal, el reverendo Shannon, interpretado por Joan Carreras, que provee al carácter de una naturaleza quebradiza de alto voltaje. Nora Navas no acaba de perfilar del todo su personaje de viuda Faulk; Màrcia Cisteró configura, por su parte, una interpretación plácidamente apasionada y Lluís Soler cumple en la encarnación de un personaje secundario pero importante para el relato de la obra.

Y todo ello envuelto en el simbolismo mítico de Williams que se materializa en la caza de la iguana, que intenta mostrar al público el hecho de que todos los personajes del drama, y todos nosotros también, estamos atados a nuestra naturaleza de la que no podemos escapar, ya sea a las debilidades de un sacerdote, a la desidia de la propietaria del hotel, al deseo de crear de un viejo poeta o a la simpleza virginal de una joven artista… o a aquello que nos pesa y nos marca en el fondo de nuestra alma y que dirige nuestros pasos a veces hacia la tragedia.

El TNC acierta, con Tennessee Williams es fácil acertar, y más en la época de crisis personal y social en la que vivimos, pero al intento le falta algo, relacionado con la propia adaptación de una obra compleja muy ligada a una época y a un país muy concreto. Aún así, vale, y mucho, la pena asistir a una representación de La nit de la iguana, para disfrutar de una forma de hacer teatro, de la genialidad creativa de un autor y de la energía interpretativa de un Carreras que sigue avanzando firmemente en su carrera actoral.

«La nit de la iguana» se representa en el TNC del 11 de febrero al 28 de marzo de 2021.

Autor: Tennessee Williams
Traducción y dirección: Carlota Subirós
Dramaturgia: Ferran Dordal i Lalueza
Reparto: Paul Berrondo, Joan Carreras, Màrcia Cisteró, Ricardo Cornelius, Antònia Jaume, Paula Jornet, Wanja Manuel Kahlert, Nora Navas, Hans Richter, Juan Andrés Ríos, Claudia Schneider y Lluís Soler
Escenografía: Max Glaenzel
Vestuario y Caracterización: Marta Rafa Serra
Iluminación: Mingo Albir
Sonido: Damien Bazin
Maquillaje y peluquería: Anna Rosillo

Horarios: de miércoles a sábado a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: 29€
Duración: 2 horas y 5 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatro: María Antonieta, en el Teatre Gaudí

El teatro y la historia tienen una relación más íntima de la que parece a primera vista. Una clara muestra de ello es la adaptación de la biografía de la reina María Antonieta escrita por Stefan Zweig en el año 1932, hecha obra de teatro por Camilo Zaffora y Analía Puentes, dirigida por Jessica Walker e interpretada por la propia Analía Puentes que se representa en la sala pequeña del Teatre Gaudí.

«Un texto original de la actriz a partir de diversas fuentes (la biografía escrita por Stefan Zweig, cartas originales entre María Antonieta y su familia, pasquines periodísticos y proclamas de la época…) sirve de detonante para un trabajo de encarnación poderoso y libre, en la línea experimental del Laboratorio Escuela de Jessica Walker. Un tour de force actoral que atraviesa con honestidad y riesgo las diversas facetas del personaje: La reina, la amante, la extranjera, la derrochadora, la madre, la actriz, la mujer, la inadaptada, la esposa, la adolescente, la condenada».

La propuesta es de pequeño formato, un monólogo cercano que permite al espectador ser testigo del relato en primera persona de la vida de María Antonieta. El personaje, interpretado intensamente por Analía Puentes, nos recibe desnuda en sus aposentos privados, con peluca señorial y con el cuello enrojecido, preludio del fatal destino que le espera.

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Sobre el lecho María Antonieta nos narra su vida, en la que tienen cabida sus orígenes austríacos, las alegrías y placeres de la juventud, sus conquistas sexuales, los avatares de la corte y de la política del momento que la llevaron a casarse con el príncipe heredero de Francia y a convertirse de esta manera en reina, su azarosa y derrochadora vida en palacio, el inicio de la revolución y la amenaza que finalmente la llevaría a la guillotina.

Analía Puentes pone mucho de sí para fusionarse con el personaje en un escenario minimalista que incluye poco más atrezo que una cama y que enfoca la atención del público sobre ella, para conocer a la mujer que hubo detrás de la reina.

Pero la obra hace todo esto con un ritmo y un relato demasiado rápido, no por otra la representación tiene una duración de 60 minutos. Con ello conseguimos sí, incluir la mayor parte de la biografía del personaje pero a una velocidad y a un registro que no permite al público hacerse íntimamente con el personaje. Una representación que va demasiado deprisa, que descoloca, a veces, al espectador y que le impide identificarse plenamente con lo que ve o escucha.

Aún así, si atendemos al aspecto teatral, que es lo que al final importa, el esfuerzo titánico de Analía Puentes se ve recompensado con una identificación entusiasta y apasionada de la actriz con el personaje al que interpreta y al que envuelve con una nueva piel. Una interpretación honda que hace que el tiempo pase rápido a lo largo de la biografía teatral en vivo y que nos permite reflexionar sobre otros tiempos y sobre personajes históricos deformados, las más de las veces, por el uso interesado de su persona.

«María Antonieta» se representa en el Teatre Gaudí del 10 de febrero al 10 de marzo de 2021.

Dirección: Jessica Walker
Dramaturgia: Analía Puentes y Camilo Zaffora
(Versión libre del texto “María Antonieta” de Stefan Zweig)
Actriz: Analía Puentes

Horarios: martes y miércoles a las 20:00 horas
Precio: 12€
Duración: 60 minutos
Idioma: Castellano

Estreno teatro: La Panadera, en el Teatro María Guerrero (Madrid)

El pasado 27 de enero se estrenó en el Teatro María Guerrero de Madrid La Panadera, una obra que nos hace reflexionar sobre la sexualidad, el género y nuestro comportamiento en las redes sociales.

La Panadera cuenta la historia de Concha, una mujer de cuarenta años, encargada de una panadería, casada, con dos hijos. Una mujer con una vida tranquila y feliz que un día se despierta con la noticia de que por las redes sociales corre un vídeo íntimo suyo manteniendo relaciones sexuales con una pareja que tuvo hace 15 años. El vídeo sale ahora a la luz y se extiende de manera incontrolada porque ese hombre se ha hecho famoso en Italia gracias a un reality televisivo.

La desnudez, la rabia, la impotencia, la vergüenza y el dolor salpican a todos sus seres queridos. Desde su padre, Ramón, un hombre de campo, nacido en el treinta y ocho, a su hijo, Gael, un niño de once años, al que trata de ocultar lo acontecido, pero que sabe manejar un ordenador infinitamente mejor que ella, hasta su marido, Aitor, que intenta acompañar a Concha en el dolor, pero que no puede evitar dejarse invadir por el juicio social.

Los mensajes cibernéticos sin piedad, que escondidos tras perfiles sin nombre, opinan, se mofan, y deshumanizan, llegan, y Concha tendrá que luchar para que el miedo, el dolor, las creencias, lo aprendido no la derroten. Intentando que su entorno familiar y social no salte por los aires.

«La Panadera» se representa en el Teatro María Guerrero de Madrid del 27 de enero al 7 de marzo de 2021.

Texto y dirección: Sandra Ferrús
Reparto: Cesar Cambeiro, Sandra Ferrús, Elías González, Susana Hernández y Martxelo Rubio
Escenografía y vestuario: Elisa Sanz (AAPEE)
Iluminación: Paloma Parra
Música y espacio sonoro: Antonio De Cos
Producción: Centro Dramático Nacional, El Silencio Teatro e Iria Producciones

Horarios: de martes a domingo a las 17:00 horas
Precio: A partir de 12,5€
Duración: 1 hora y 30 minutos aproximadamente
Idioma: castellano

Estreno teatro: Viejo amigo Cicerón, en el Teatro La Latina

El 4 de febrero llega al Teatro La Latina Viejo amigo Cicerón, obra en la que José María Pou encarna al célebre filósofo y político romano en un texto de Ernesto Caballero dirigido por Mario Gas.

“Pretérita mutare non possumus, sed futura providere debemus». No podemos cambiar el pasado, pero debemos prever el futuro. Mirar al pasado para entender el presente. Bajo esta premisa, Ernesto Caballero nos invita a reflexionar sobre ética, moral, justicia y convivencia, guiados por el célebre orador Cicerón, una de las figuras fundamentales de la política y el pensamiento de la antigua Roma, quién mantuvo la coherencia de sus convicciones políticas incluso en las circunstancias más adversas.

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El espectáculo sitúa al espectador en la Roma Antigua, una etapa de la cual la sociedad actual es inevitablemente heredera, para descubrir a un Cicerón humano, un intelectual que analizó las diferentes dimensiones de la vida en sociedad desde la razón y el sentido común.

Marco Tulio Cicerón se nos presenta, pues, como un político excepcional en un mundo de mezquinas ambiciones personales, deslealtades y pequeñas componendas tan propias de la vida pública desde entonces. Político, jurista, orador, filósofo, divulgador, podría encarnar la célebre máxima de Terencio, pues nada de lo humano le resultaba ajeno. En cualquier caso, nuestra propuesta participa de características propias del mundo del hombre y la mujer de nuestros días, tanto es así que en el texto aparecen expresiones próximas al lenguaje conciso y coloquial de nuestro tiempo presentando una obra cuya principal intención es, al modo ciceroniano, suscitar el debate cívico de nuestro momento histórico, tan inquietantemente similar al que vivió Cicerón. Le acompañarán en este fascinante viaje su incondicional secretario Tirón, su amada hija Tulia y su fiel amigo y consejero Ático.

«Viejo amigo Cicerón» se representa en el Teatro La Latina a partir del 4 de febrero de 2021.

Autor: Ernesto Caballero
Director: Mario Gas
Reparto: José María Pou, Alejandro Bordanove y Maria Cirici
Escenografía: Sebastià Brosa
Iluminación: Juanjo Llorens
Vestuario: Antonio Belart
Espacio Sonoro: Orestes Gas
Producción: Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y el Teatre Romea de Barcelona

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas, sábados a las 18:00 y a las 20:30 horas y domingos a las 19:00 horas
Precio: de 20 a 30€
Duración: 70 minutos
Idioma: castellano
Edad recomendada: mayores de 14 años

Crítica teatro: L’èxit de la Temporada, en el teatro Coliseum

La productora El Terrat cumple 30 años en activo, algo digno de celebrar en un medio tan cambiante como es el de la producción audiovisual y cultural. Y para ello, en medio de estos tiempos de pandemia, ha conseguido poner sobre los escenarios varias producciones, entre ellas Pegados el musical, el pasado año, y actualmente La gran ofensa y L’ èxit de la temporada, obra de la que nos ocupamos en esta crítica.

«Seis amigos que triunfan como cómicos en programas de radio y televisión, deciden unirse para sacar adelante el espectáculo teatral “Romeo y Julieta” y así poder reivindicarse como intérpretes más allá de los lugares comunes donde parece que los encasillan. Un incidente fortuito hace que el espectáculo no se pueda llegar a estrenar.
Veinte años después, estos seis amigos se reencuentran para intentar hacer realidad el espectáculo que no hicieron en el pasado. El mundo ha cambiado, ellos han cambiado, sus relaciones, sus cuerpos, su talento, sus objetivos vitales, su visión del teatro, sus fobias… todo ha cambiado».

La nueva propuesta de El Terrat, que ha tenido un cocinado lento debido a las restricciones provocadas por la Covid-19, llega finalmente al teatro Coliseum para divertir y hacer pensar en otras cosas al público asistente. La obra dirigida por los jóvenes Enric Cambray y Israel Solà reagrupa a algunos los pesos pesados de la productora, enre ellos a Sílvia Abril, David Fernández, Fermí Fernández, Oriol Grau, Mònica Pérez y Jordi Rios a los que se suman energías más jovenes como la de Alba Florejachs y Mònica Macfer.

La trama es de aquellas basadas en la nostalgia de otros tiempos, a la que se suman las dificultades para producir una obra escénica, al estilo de Pel davant i pel darrera o Boulevard. Si a ello le añadimos una reflexión sobre el oficio del teatro y sobre la amistad, tenemos los ingredientes que componen esta comedia, trágica en algunos momentos.

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Entre medio asistimos a una mezcla de realidad y ficción, la primera basada en la trayectoria profesional de los actores y las actrices a lo largo de los treinta años de existencia de la productora, ligada a la sabia dirección del humorista y presentador Andreu Buenafuente. De ahí que las continuas referencias a personajes como la niña de Shrek, El Gilipoyes, Chikilicuatre o la imitación del rugido de un dinosaurio de Fermí Fernández vayan apareciendo y enriqueciendo a su paso la representación. La segunda, la ficción, que nos muestra todos los hándicaps que tendrá que superar la compañía para poner en valor y representar Romeo y Julieta, con unos actores y actrices para los que han pasado 20 años y muestran un interés relativo en el proyecto.

L’Èxit de la temporada es un concentrado de humor y de recuerdos, aquellos que han acompañado al espectador, a unos más y a otros menos, a lo largo de las últimas décadas televisivas, teatrales e incluso radiofónicas. Y funciona, por esta razón, con un público que reconoce a los cómicos y las cómicas y ha reído con ellos y ellas a lo largo de muchas noches, ya sea con programas como Sense títol, La cosa nostra o Late Motif.

Si bien, en algunos momentos a la obra le falta, también, algo de punch, aunque tenga escenas, como la de representación final de la obra, que provoca las carcajadas entre el público. El espectáculo, además, muestra un final algo artificial, que no acaba de cuadrar con el resto de la representación, y que además rompe algo adulteradamente la magia escénica.

Aún así, L’ Èxit de la temporada cumple su cometido, esto es, celebra con nota el reencuentro de actores, actrices y personajes made in El Terrat, y provee de una hora y cuarenta minutos de un divertimento mucho más que merecido a un público fiel a la productora y necesitado, en estas fechas, de humor, en un contexto como el actual anclado en la incertidumbre y el desasosiego provocado por la pandemia de Covid-19.

«L’Èxit de la temporada» se representa en el Teatro Coliseum del 7 de enero al 28 de febrero de 2021.

Dirección: Enric Cambray e Israel Solà
Dramaturgia: Enric Cambray e Israel Solà
Reparto: Sílvia Abril, David Fernández, Fermí Fernández, Oriol Grau, Mònica Pérez, Jordi Rios, Mònica Macfer y Alba Florejachs
Escenografía: Mercè Luchetti y Marc Salicrú
Iluminación: Ignasi Camprodon
Sonido: Jordi Bonet y Eudald Gili
Vestuario: Albert Pascual
Producción: El Terrat

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:00 y a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: desde 16€
Duración: 1 hora y 40 minutos
Idioma: Catalán
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: La gran ofensa, en la Sala Barts

Como ya sabéis el teatro en Barcelona ha pasado y está pasando una época complicada, derivada de los efectos provocados por la pandemia de Covid-19. Aún así, y con ganas de mantener su espíritu provocador y combativo, el pasado 28 de diciembre se estrenó en la Sala Barts, La Gran ofensa, una obra de teatro que reflexiona sobre los límites del humor. Una consideración, creo, interesante y oportuna en el mundo en el que vivimos, en el que cómicos como Dani Mateo y Guillermo Toledo, por citar solo los casos más conocidos, han tenido que vérselas en los juzgados.

«Sergio (Cristian Valencia) y Bernat (Dani Amor) son dos cómicos que están empezando a despuntar en el dificilísimo mundo de la comedia. Pero cuando todo parecía que iba sobre ruedas son demandados por uno de sus chistes por Mateu (Artur Busquets). Con la ayuda de María Pilar (Betsy Túrnez), una abogada de dudosa reputación, Sergio y Bernat intentarán no acabar en prisión y que la opinión pública no acabe con ellos».

Pues bien, la obra ya alerta desde un buen principio que los temas que se van a tratar sobre el escenario y la forma en la que se van a tratar pueden «herir sensibilidades». ¿Estamos capacitados para aceptar que se haga humor, o que se hagan chistes, sobre temas como la violencia de género, la pederastia, el procés independentista y sus consecuencias o, y aquí está el meollo de la cuestión, sobre el atentado terrorista de las Ramblas de Barcelona del año 2017?

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Como veis son temas candentes y «política y socialmente controvertidos» sobre los cuales cuesta esbozar una tímida sonrisa en la butaca, y que permiten recapacitar sobre si el humor requiere de límites o no. ¿Puede lo cómico hacer referencia a cualquier aspecto de la vida personal y/o social por muy comprometida que sea su naturaleza?

El Terrat y La Bendita Compañía han producido este espectáculo que se mueve entre la comedia y, a ratos, la tragedia. Y de dar vida a esta propuesta se encargan en el aspecto actoral Dani Amor y Cristian Valencia que encarnan respectivamente al guionista y al cómico que, para conseguir notoriedad mediática, se disponen a representar un monólogo cómico en la televisión cuyo humor caustico y desacomplejado provocará las iras de Artur Busquets, uno de los afectados en el atentado de las Ramblas de Barcelona. El reparto se completa con la presencia de la abogada María Pilar (Betsy Túrnez / Agnès Busquets), que intentará defender el caso, y cuyo carácter provee a la obra de sus momentos más desenfrenados. Y es aquí donde humor, respeto, consideración y responsabilidad entran en liza. Se puede hacer humor sobre un acontecimiento traumático que ha provocado víctimas. ¿Qué pensáis al respecto?

La gran ofensa es una comedia que funciona y que nos lleva a reflexionar sobre un tema cada vez más candente, debido al auge cada día mayor de los contenidos digitales y de las redes sociales y de la exigencia de notoriedad en esos medios. Aún así, aunque la propuesta funciona y, aunque no lo creáis, os hará reír, a la obra le falta algo de punch cómico, esa energía que hace que la comedia fluya de forma constante. Un descuido, este, atribuible tanto a la creación y la dirección, en este caso en manos de Dani Amor, Oriol Pérez, Serapi Soler y Cristian Valencia que aunque valiente por la temática que se dispone a tratar, no acaba de despegar, y en parte a la interpretación que no acaba de sentirse del todo a sus anchas sobre el escenario.

Aún así, La gran ofensa nos permite, desde una vertiente cómica, considerar un tema, la linde del humor, en un mundo globalmente desarticulado y en el que el público, de forma interactiva, podrá valorar al final de la función si el humor de la gran ofensa se ha pasado de la raya o no.

«La gran ofensa» se representa en la Sala Barts del 28 de diciembre de 2020 al 17 de nero de 2021.

Dramaturgia: Dani Amor, Oriol Pérez, Serapi Soler y Cristian Valencia
Dirección: Oriol Pérez y Serapi Soler
Intérpretes: Dani Amor, Artur Busquets / Jon Arias, Betsy Túrnez / Agnès Busquets y Cristian Valencia
Escenografía: Noemí Costa
Diseño de iluminación: Adrià Rico
Producción: La Bendita Compañía y El Terrat

Horarios: de martes a jueves a las 20:30 horas, viernes a las 18:00 y a las 20:30 horas, sábados a las 20:30 horas y domingos a las 19:30 horas
Predio: A partir de 22€
Duración: 80 minutos
Idioma: espectáculo en catalán y castellano
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Les tres germanes, en el Teatre lliure

Chéjov regresa al Teatre Lliure, y lo hace de nuevo con una versión de Les tres germanes realizada por Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique y dirigida por este último, un análisis del alma humana en una época de cambio y de crisis.

«La historia de tres hermanas (Masha, Olga e Irina) y un hermano (Andrei) es la vida insatisfecha y decadente de las clases privilegiadas en la Rusia rural. Moscú es el principal elemento simbólico de la pieza, siempre idealizado y deseado por los personajes, atrapados en su burbuja, ansiando un nuevo mundo que ya despunta».

Les tres germanes es una reflexión sobre el alma humana que si originalmente se ambientaba en la Rusia rural de finales del XIX y principios del XX, Manrique se ha dispuesto a sintetizar, actualizar y reconfigurar, como es su habitual, con el objetivo de acercarla más al público del siglo XXI y con ello abarcarnos a todos y todas en la reflexión.

La propuesta nos provee de una ponderación del alma humana elaborada desde el desasosiego que nos presenta a los hermanos, o mejor dicho, a las hermanas Prozorov, que tras la muerte del patriarca se verán obligadas a hacer frente a unas vidas vacías, sin dirección y repletas de sueños rotos. Nadie se salvará del abismo que provocan las vidas no deseadas ya sea por motivos sentimentales, profesionales o existenciales.

La vida en la casa familiar de los Prozorov se irá haciendo con el paso del tiempo más triste y asfixiante: Masha (Maria Rodríguez) con una relación de pareja vacía e inconsistente; Olga (Cristina Genebat) con un trabajo como profesora que no le llena e Irina (Elena Tarrats) con unos anhelos de juventud y de futuro que no llegará a cumplir nunca y que sumirán su vida en la desesperanza. Por su parte, Andrei (Marc Rius), el hermano, no será capaz tampoco de realizarse ni profesional ni familiarmente, una situación que lo atrapará y abocará, también, al desánimo.

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Como veis un panorama triste y demoledor que se completa con la situación de todos los personajes relacionados con la familia, y que se verán también atrapados en vidas mediocres o en situaciones no deseadas. De ahí que la idea de trasladarse a Moscú, la capital, y cambiar de vida será el único anhelo que dará coherencia a sus respectivas existencias. A lo que acompañará una constante reflexión filosófica de varios de los personajes sobre el futuro del hombre y de la humanidad, como una alegoría de su incapacidad para cambiar y mejorar.

Así, pues, Les tres germanes, en las manos de Manrique, se convierte en un análisis de la desesperanza, de la vacuidad de la vida, que no tan solo atañe a los que están sobre el escenario, sino que nos puede afectar a todos y a todas, tan solo al dejar de lado aquello que mueve nuestras entrañas y que hace que nos esforcemos por lo que queremos. Cuando no atendemos a esa energía vital, abrimos las puertas de nuestro ser al vacío y al desasosiego, y en consecuencia al fracaso. Como ven algo muy profundo, nada a extrañar si recordamos que la obra es, en origen, de Chéjov.

La adaptación de Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique ha transfigurado así un texto clásico y, si me lo permiten, delicioso, en una propuesta actual con una puesta en escena contemporánea y con un grupo de actrices y actores que dan mucho de sí en la representación.

A Genebat, Rodríguez, Tarrats y Rius, que conforman el cuerpo principal de las actuaciones, se suma el esfuerzo actoral de Mireia Aixalà, Joan Amargós, Ivan Benet, Carme Fortuny, Lluís Soler y Jordi Rico, que completan el elenco de la obra.

La escenografía es a la vez sencilla y al mismo tiempo sorprendente, ya que el escenario se convierte en una pecera, en la que veremos como se desarrolla la vida de los personajes, sin capacidad alguna de estos de escapar de ella… Una acertada alegoría a la situación vital que pretende mostrar la obra.

Un empeño, el de versionar a Chéjov, del que ya salió con éxito Manrique en el 2010 al adaptar L’hort del cirerers en el teatro Romea, y que deja un buen sabor de boca en el espectador, aunque el ritmo de la obra no sea siempre todo lo dinámico que debería. Aún así, Les tres germanes es una propuesta a tener en cuenta, un Chéjov, ya sabéis, siempre lo es, y más cuando la obra nos habla de la esencia de la vida, de aquello que nos llena como personas y que nos hace ser lo que somos, cumplamos nuestros anhelos o no.

«Les tres germanes», se representa en el Teatre lliure de Montjuïc del 10 de diciembre de 2020 al 17 de enero de 2021.

Autor: Anton Chéjov
Adaptació: Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique
Dirección: Julio Manrique
Interpretes: Mireia Aixalà,Joan Amargós, Ivan Benet, Carme Fortuny, Cristina Genebat, Jordi Rico, Marc Rius, Maria Rodríguez, Lluís Soler y Elena Tarrats
Espacio escénico: Lluc Castells
Vestuario: Maria Armengol
Caracterización: Núria Llunell
Iluminación: Jaume Ventura
Espacio sonoro: Damien Bazin
Producción: Teatre Lliure

Horarios: de miércoles a sábados a las 19:00 horas; domingos a las 18:00 horas
• Martes 22/12 y 29/12 a las 19:00 horas
Precio: de 9€ a 29€
Idioma: Català
Duración: 2 horas y 15 minutos
NOTA CULTURALIA: 8

Crítica teatro: L’home de la flor als llavis i…, en el Teatre Akadèmia

Tras el parón teatral debido a la segunda ola de la Covid-19, el pasado sábado asistí a la representación de L’home de la flor als llavis i… una creación colectiva de Mario Gas, Àlex Casanovas, Montse Guallar y Xavier Ripoll que reflexiona sobre el teatro y el recuerdo a partir de la figura de Luigi Pirandello.

“Un cine durante la Italia de los años 50 sirve como punto de partida de una aventura y de un encuentro en el que de entre medio del público, el acomodador de la sala, antes actor, divisará una cara conocida, la de la misma Marta Abba. Un reencuentro que los llevará a reflexionar sobre su trayectoria y el oficio de ser intérprete. Recuerdo, ficción y actualidad entrelazan en un espectáculo que profundiza en los valores de uno de los dramaturgos fundamentales de la Europa del s. XX”.

El teatre Akadèmia ha vuelto a tejer una obra consistente en la que el teatro, el oficio y la vida de los y de las que se dedican a ello se nos hace palpable desde la sencillez y el buen gusto. Para ello se ha escogido la vida de Pirandello, uno de los dramaturgos más importantes del siglo XX, del que se ofrece al público una realidad ampliada que abarca su teatro, su vida privada y la relación que mantuvo con algunos de los actores y actrices de su compañía.

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La obra se estructura de una forma atentamente delicada y en varios formatos que incluyen el monólogo, con el que conoceremos a los personajes, Ruggero Ruggeri (Àlex Casanovas), Marta Abba (Montse Guallar) y el propio Pirandello (Xavier Ripoll), el diálogo, en la única escena en la que Casanovas y Guallar comparten escena y la representación teatral dentro de la representación teatral, que nos acerca al juego de desdoblamiento habitual en la obra de Pirandello con la interpretación de una escena de la obra L’home de la flor als llavis.

En esta ocasión todo está llevado a la práctica con una delicadeza extrema, ya sea por respeto a la obra de Pirandello o por la consideración hacia una profesión, la teatral, que ha sido y es uno de los grandes pilares del arte en nuestra sociedad. En la puesta en escena, además, destaca la materialización de la relación epistolar mantenida a lo largo del tiempo entre la actriz Abba y el propio Pirandello, una delicia por como está tratada y por los temas vitales y profesionales que son tratados en ella.

En lo que toca a la dirección y la actuación, L’home de la flor als llavis i… alcanza cotas notables. Gas ha creado un contexto escénico que ha permitido a los tres actores, Casanovas, Guallar y Ripoll, navegar escénicamente de una forma contenida pero a la vez realista e intensa. Magnífica, por otra parte, la caracterización de Ripoll de la personalidad y la imagen de Pirandello.

L’home de la flor als llavis i… es una gozada. La obra solo pretende hacernos disfrutar del teatro por el teatro, de las trayectorias vitales de los actores, de las actrices y de los directores de teatro y que, además, nos regala al reflexionar sobre los valores y las ideas de uno de los dramaturgos fundamentales de la Europa del siglo XX. Una pequeña y estimulante gozada teatral.

«L’home de la flor als llavis i…» se representa en el Teatre Akadèmia, en el del 10 de diciembre de 2020 al 10 de enero de 2021.

Dirección: Mario Gas
Autor: Luigi Pirandello
Dramaturgia: Mario Gas, Àlex Casanovas, Montse Guallar y Xavier Ripoll
Traducción: Pau Vidal
Reparto: Àlex Casanovas, Montse Guallar y Xavier Ripoll
Escenografía: Sebastià Brosa, Paula Bosch, Francesc Colomina y Art Coolers
Figurines: Antonio Belart
Iluminación: Lluís Serra
Sonido: Orestes Gas
Caracterización: Helena Fenoy, Marta Ferrer y Mercè Sánchez
Vestuario: Cornejo, Goretti i Época
Producción: Teatre Akadèmia

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas y domingo a las 18:00 horas.
Horarios especiales: consultar web Teatre Akadèmia
Precio: 22€
Duración: 95 minutos
Idioma: Catalán
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa