Programación del mes de mayo en el Versus teatre: In on it y Menys emergències.

Os presentamos aquí la programación del Teatre Gaudí Barcelona del próximo mes de mayo que incluye las últimas representaciones de In on it y el estreno, el próximo 3 de mayo, de Menys emergències, de la compañía de teatro Chroma.
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In on it, de Daniel MacIvor.

In on It está dirigida por Òscar Molina en su traducción catalana (de Gerard Vázquez) y protagonizada por Roger Pera y Xavi Casan. El secreto del éxito de In on it recae en su inteligentísima narrativa, un juego meta- teatral que consigue adentrarnos en tres realidades diferentes dentro de un mismo montaje y con tan sólo dos intérpretes y un escenario casi desnudo. Por un lado, la historia de un hombre a punto de morir que mira de hacer los últimos planes de su vida; por otro, la historia de amor entre dos amantes que miran de hacerla funcionar; y por último, dos hombres intentando crear un espectáculo. Al fin y al cabo, un ejercicio magistral de dramaturgia e interpretación que ha sido considerado el más ingenioso del dramaturgo canadiense.

Crítica de In on it en Culturalia: https://cinelatura.wordpress.com/2011/02/07/critica-teatral-in-on-it-en-el-versus-teatre/

In on it” se representa en el Teatre Gaudí Barcelona hasta el próximo 15 de mayo de 2011.

Autor: Daniel MacIvor
Traducción: Gerard Vàzquez
Dirección: Òscar Molina
Intérpretes: Xavi Casan y Roger Pera
Diseño de iluminación: Dani Gener
Vestuario: Ximena Topolanski
Atrezo: J. Valero

Horarios: de jueves a sábado a las 20:45 horas y los domingos a las 19:30 horas.
Precio: 18 €
Idioma: catalán
Duración de la obra: 1 hora y 20 minutos

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Menys emergències, de Martin Crimp.

El Teatre Gaudí Barcelona inaugura la reformada sala pequeña, con un aforo para unas 30 personas, con uno de los autores de más renombre de los últimos años, Martin Crimp. Una de sus obras más irónicas entorno a las relaciones humanas y las presiones que jerce la sociedad, una celebración ácida que brinda por todas aquellas cosas que hacen que la vida valga la pena.

Un ambiente relajado que ayuda al recreo donde todos tienen el derecho a pasarlo bien. Un cóctel que disimula con humor la angustia de lo cotidiano escogido por inercia, que nos obliga a crear una familia, a poseer cosas, a tragarnos nuestra animalidad.

Tres personajes anónimos intentan crear una narración desde diferentes perspectivas. Cada uno expresa su visión particular de temas como la felicidad, el matrimonio, el odio, el abandono. El silencio los desespera, la palabra brota de una forma descontrolada. No pueden dejar de hablar, de ellos, de los otros, de aquello que recuerdan.

Esta comedia ironiza sobre nuestra pequeña sociedad instalada en el bienestar que sabe mantener convenciones y se reconoce en aquello políticamente correcto. Una realidad aumentada con la lente de un telescopio. Un rompecabezas de apariencias y buenas maneras que filtra las evidencias de la traición, el abuso y el terror.

Menys emergències consiste en tres dramas cortos “Todo el cielo azul“, “De cara a la pared” y “Menos emergencias“, que transportan a la audiencia a un mundo siniestro.

Todo el cielo azul“. La primera pieza cuenta, desde la visión de la mujer, la historia de un matrimonio infeliz. Quizás el único que sostiene la pareja es el pequeño Bobby, su hijo.

De cara a la pared“. Es el relato de una masacre desde la mente de un asesino con una vida casi perfecta. Un día, inexplicablemente, el hombre decide entrar armado en una escuela de primaria.

Menos emergencias“. En la última pieza, el pequeño Bobby, es abandonado por sus padres en un universo de horror. Una historia familiar en la que resuenan los relatos anteriores.

Aquí se acaba la pesadilla de las buenas maneras, si bien los personajes aseguren una y otra vez, que las cosas van mejorando día a día

Menys emergències” se representará en el Teatre Gaudí Barcelona del 3 de mayo al 7 de junio de 2011.

Dramaturgia: Martin Crimp
Dirección: Juan Miranda
Intérpretes: Francisco Ferrer, Ilona Muñoz y Xavi Serrat
Traducción: Cristina Cordero, Denise Duncan y Núria Vizcarro Boix
Iluminación: Juan Manuel Albinyana
Asistencia y Vestuario: Constanza Aguirre
Fotografía: David Tavira
Asistencia y Vestuario: Constanza Aguirrey Ricardo Soler
Compañía: Cía. Chroma

Horarios: martes a las 20:45 horas.
Precio: 18 € (La entrada incluye un cóctel)
Idioma de la obra: catalán
Duración de la obra: 65 minutos

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Publicación literaria: Mitch Albom, en la editorial Maeva.

Os dejamos hoy con la información de dos de las obras del autor de culto estadounidense Mitch Albom, que no solo ha vendido millones de ejemplares de sus obras en todo el mundo, sino que es uno de los autores de cabecera de Albert Espinosa, una gran referencia.

Martes con mi viejo profesor. Un testimonio sobre la vida, la amistad y el amor.

Un libro sencillo e intenso que encierra profundas verdades. Conversaciones entre Mitch y su antiguo profesor de la universidad todos los martes. Una historia real para un libro de culto. El libro que ha cambiado la vida a millones de personas.

Título: Martes con mi viejo profesor
Autor: Mitch Albom
Páginas: 216
Año de publicación: 1998
ISBN: 978-84-92695-88-1
Formato: 16 x 24,3 cm
Encuadernación: rústica
Precio: 18,50 €

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Ten un poco de fe. Una emotiva historia sobre lo más profundo de nuestros valores y creencias.

Mitch nunca ha sido muy religioso. Aunque educado en el seno de una comunidad judía, la espiritualidad siempre ha resultado algo secundario para él. Por eso queda muy sorprendido cuando el octogenario rabino de su comunidad le pide que, cuando llegue su hora, sea él el que pronuncie su discurso fúnebre. Esta propuesta inesperada da pie a repetidos encuentros entre el viejo rabino y Mitch que empieza a replantearse su propia espiritualidad. Paralelamente, vamos descubriendo la historia de Henry, criado en un ambiente hostil que le conduce rápidamente por el camino de la delincuencia y la drogadicción. Años más tarde, Henry se ha convertido en otra persona, siempre dispuesta a ayudar a los demás.

Título: Ten un poco de fe
Autor: Mitch Albom
Páginas: 272
ISBN: 978-84-92695-22-5
Año de publicación: 2010
Formato: 14 x 21,5 cm
Encuadernación: cartoné con sobrecubierta
Precio: 18,00 €

Mitch Albom pasó de ser periodista deportivo a escritor mundialmente famoso gracias a su extraordinaria novela Martes con mi viejo profesor. Con Las cinco personas que encontrarás en el cielo, confirmó su estatus como uno de los autores de best sellers más destacados de Estados Unidos. La excepcional acogida de público y crítica que le han merecido hasta la fecha sus obras demuestra que se puede ser un autor de culto y vender al mismo tiempo millones de ejemplares. Un día más se ha colocado rápidamente en el primer puesto de los libros más vendidos del New York Times y de otras relevantes publicaciones estadounidenses. Al igual que sus libros anteriores, Un día más se está publicando con enorme éxito en todo el mundo.

Crítica literaria: Visión ciega, de Peter Watts


La editorial Bibliópolis nos presenta la novela Visión Ciega, de Peter Watts dentro de su línea de Fantástica, una obra que nos recuerda las grandes aventuras de conocimiento cultural y contacto extraterrestre de Stanislaw Lem, una epopeya lingüística, filológica y psicológica en la que la humanidad del futuro se juega su existencia ante la amenaza de una civilización desconocida y misteriosa que se acerca a la Tierra con propósitos desconocidos y por tanto posiblemente belicosos.

Visión ciega es una obra de exploración en donde la ciencia (y la ficción) juegan un papel muy importante, no pudiendo ser de otra forma ya que la novela pertenece al genero de la ciencia-ficción dura. Y lo es, y también una novela apasionante, como lo es cualquier novela de investigación y descubrimiento en la que el objetivo primordial es el contacto con otras civilizaciones extraterrestres.

Visión ciega nos sitúa en una época futura (en el año 2082) en el que unas luminarias de origen desconocido han llegado a la Tierra con el objetivo de hacer una instantánea del planeta. Una amenaza si no sabemos quién o qué está detrás de la iniciativa. Por esta razón la humanidad envía una expedición estelar para seguir el rastro de la amenaza compuesta por los cerebros científicos y militares más relevantes del planeta en una nave llamada Teseo que contiene los últimos adelantos científicos del momento. Una nave medio-viva que piensa por sí misma de una forma inalcanzable para el hombre, que desarrolla su intelecto a un nivel infinitamente superior por lo que necesita de un intérprete para comunicarse con los tripulantes humanos, en este caso un miembro de una raza de vampiros extinta en los albores de la historia de la humanidad.

La expedición hallará su objetivo en los límites del sistema solar, al descubrir una estructura viva en estado de gestación en la que las fuerzas electromagnéticas ingieren enormes cantidad de materia espacial, con una finalidad desconocida. La meta de la misión será contactar con el ser-estructura y dilucidar si sus intenciones son positivas o, negativas, y actuar en consecuencia.

Como decía antes, la novela de Peter Wats recuerda en mucho las novelas de Stanislaw Lem, en las que la humanidad se enfrenta al desafío del contacto con una civilización extraterreste. Obras como Fiasco, Edén e incluso Solaris nos vienen a la cabeza, en las que los misterios de las civilizaciones no terráqueas se convierten en los verdaderos protagonistas de la novela. Pues bien, Visión ciega se alza como una actualización de la temática lemiana donde la base de la trama serán los esfuerzos humanos para comprender y ponerse en contacto con los otros. Para ello el autor nos presenta a los componentes de la misión y sitúa al lector justo al lado de ellos, es decir, nos relata los avances y los retrocesos del estudio como si estuviéramos trabajando mano a mano, neurona a neurona, con los diversos especialistas. Los diálogos de los expertos son naturales, científicos, complicados a veces, misteriosos en algunas ocasiones pero interesantes y productivos y nos ofrecen una visión científica y tecnológica actual, o mejor dicho, actual en el futuro en el que está ambientada la novela.

Por eso es necesario indicar de nuevo que Visión ciega pertenece al género de la ciencia-ficción dura, en el que los temas tratados son peliagudos y espinosos, científicamente hablando, aunque las situaciones y los continuos descubrimientos y avances e incluso retrocesos de los miembros de la misión son apasionantes. En este aspecto la obra incide de forma intensa en el lenguaje, en las formas que éste adopta y las posibilidades de la comunicación no tan solo entre diferentes civilizaciones sino también entre los propios humanos. Algo que nos permitiría poder considerar la obra como una novela de ciencia-ficción lingüística.

Peter Watts, el autor.

No por otra la civilización humana mostrada por Watts en su novela ha llegado a un estado de evolución científica y social difícil de entender por los humanos (lectores) de la actualidad. La muerte ha sido vencida y aquellos marcados por la señal del destino pueden acceder a crear su propio Paraíso en el que pueden ser visitados por sus seres queridos; los misterios de la mente han sido en parte desvelados, lo que permite a la humanidad actuar y operar sobre él, mejorar algunos de sus aspectos y amputar aquéllos perjudiciales para el comportamiento; las relaciones sexuales físicas han sido substituidas por el contacto virtual, en el que una tecnología algo parecida a internet ha remplazado a las costumbres amatorias humanas; la medicina puede sanar a los cuerpos casi más allá de la muerte. Toda una serie de modificaciones que convierten a la humanidad del futuro en un conglomerado de personas y comportamientos difíciles de entender para alguien chapado a la antigua como el que estas líneas escribe.

Pero volvamos a la trama principal de la obra. La cuenta atrás en la investigación científica se iniciará poco después de presentada la casuística de la novela. Una cuenta atrás que obliga a los miembros de la misión a poner sus reflejos y capacidades físicas y sensoriales al máximo y exigirá que sus conexiones sinópticas funcionen al 250% de su capacidad habitual. Poco es lo que el hábitat de la forma extraterrestre permitirá investigar y, más concretamente, comprender a un grupo de investigación que no puede más que pensar con un modelo humano y antropomorfo, que, como en las novelas de Lem, dificultan la comprensión de lo otro, sobre todo cuando este otro no tiene nada que ver con la evolución de la vida “única” desarrollada en la Tierra. El debate entre los miembros de la misión llevará al enfrentamiento entre sus componentes que, en algunos aspectos, han dejado de sentir y de ser hombres: cuerpos que contiene más de una personalidad en sus límites mentales; médicos que sensorizan la realidad a través de máquinas corporales; especialistas militares con teorías y prácticas heterodoxas y culpabilizadoras; vampiros extintos que se convierten en el únicos nexo entre la tecnología viviente y los humanos…

Todos los ingredientes están preparados y cocinados para que participemos en una investigación, para que intentemos entender lo otro, aquello que nuestras mentes limitadas no están capacitadas para entender y disfrutar de una aventura de ciencia-ficción (dura) en el que el futuro de la humanidad está amenazado, aunque nunca sabremos si el peligro proviene de fuerzas enemigas extraterrestres o de la propia descomposición de la sociedad y de la conciencia humana. Todo un misterio al que solo la lectura de Visión ciega le permitirá acercarse… y, con suerte, con mucha suerte, comprender.

Peter Watts (1958, Calgary, Canadá) es biólogo marino y reside en Ontario. Es autor de la trilogía formada por Starfish (1999, finalista de los premios John W. Campbell Memorial y Aurora), Maelstrom (2001, finalista del premio Aurora) y Behemoth (2004-2005). Su despegue internacional se produjo con Visión ciega (2006, finalista de los premios Hugo, Locus, John W. Campbell Memorial, Sunburst y Aurora). Actualmente prepara una nueva novela situada en el mismo universo. Su narrativa corta está recogida en Ten Monkeys, Ten Minutes (2000). Tiene una interesante página web en www.rifters.com.

Título: Visión ciega
Autor: Peter Watts
Título original: Blindsight
Editorial: Bibliópolis
Colección: Fantástica
Traductor: Manuel de los Reyes
Diseño e ilustración de cubierta: Alejandro Terán
Fecha de publicación en español: 19 de enero de 2009
Páginas: 304
Precio: 20,95 euros
ISBN: 978-84-96173-87-3

Ficha editorial: http://www.bibliopolis.org/editorial/bibliofan/visionciega.htm

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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Crítica teatral: ¡Oh, Itimad, Itimad!, en el teatre Riereta.


Iván Romero
presenta en el teatro Riereta ¡Oh, Itimad, Itimad!, la versión 2.0 de su epopeya distópica iniciada con las representaciones de Urna 321, un “des-propósito espacial” que nos habla de la humanidad del futuro, de su supervivencia y de lo que más importante aún, de sus sueños.

Del 22 al 24 de abril el teatro Riereta ha acogido las representaciones de la segunda entrega del díptico de ciencia-ficción creado y dirigido por Iván Romero e interpretado por los miembros de la compañía Les Maniquís, un intento basado en el humor y el cinismo descarado más pesimista de imaginar y reflexionar sobre la humanidad del futuro, sobre sus éxitos y sobre todo sobre sus fracasos.

Iván Romero, su director, plasma en su nueva obra, como ya avanzaba en su anterior producción, una clara desconfianza ante el porvenir de la civilización humana, que bebe de las fuentes, como ya dijimos en otro lado, de la novela de ciencia-ficción distópica género liderado por las obras de Ray Bradbury, Aldous Huxley y George Orwell. Romero nos sitúa de nuevo en un escenario abatido por la “civilización” y por las leyes y las normativas, en un ambiente opresivo que no deja lugar al espíritu humano ni a las emociones que de él dependen.

La situación se nos hace clara a los pocos minutos. Los restos de la humanidad viven en una nave nodriza en la cual, y por razones de espacio, la natalidad está controlada y el comportamiento y las emociones están prohibidas (que malas son las emociones!!); la música está erradicada ya que “hace zozobrar el alma” y, como no podía ser de otra forma, la lectura y los libros están prohibidos, como culpables de hacer pensar a la gente y hacerles ser conscientes de su estado y sus limitaciones. La unidad familiar formada por, Ravi, Chandra y Jan viven en una cápsula diminuta, expulsados de la sociedad nodriza al haber infligido las rígidas leyes de natalidad. Su triste existencia se organiza alrededor de la “buena educación” de su hijo a través del cual pretenden regresar al seno de la sociedad que les expulsó, presentándolo como un nuevo hombre, un nuevo mesías.

Siendo así, Jan se ha convertido en un auténtico autócrata familiar, absorbiendo las vidas de sus progenitores. Todo en la cápsula espacial gira alrededor de Jan hasta el punto que su misma madre se encarga de satisfacer “manualmente” sus necesidades sexuales. Todo cambiará a partir del choque con otra cápsula expulsada de la sociedad, que obliga a los ocupantes de las dos cabinas a compartir el mismo espacio. Los nuevos ocupantes de la cápsula son dos hermanas extrañas y dominantes: Shani es una concienciadora, una líder “no espiritual” de distrito con movilidad disminuida expulsada de la sociedad por su “ilegítima” relación con los libros y por haber mostrado sus propios sentimientos; Shukra, su hermana, ha sido castigada también ya que su hermana minusválida no puede valerse por sí misma. Las dos hermanas mantienen una relación de dominación entre ellas que en breve intentarán imponer a sus nuevos compañeros de cápsula.

Será aquí donde veremos el auténtico infierno que se establece en la cabina espacial, y por referencias también seremos testigos del infierno en el que vive sumida la raza humana. La vida de los ocupantes de la cápsula depende total y completamente de las normas aprendidas en la civilización “nodriza” de la que han sido expulsados. El único ser independiente, es posiblemente peor que los seres socializados, un auténtico tirano y déspota familiar que no tiene respeto por nada ni por nadie y que somete a sus padres a la voluntad cambiante de sus deseos. Aún así los roles de todos variarán con la llegada de Shani y Shukra, lo que generará una tragicomedia cínica y desvergonzada que analizará no solo hacia donde vamos sino también de donde partimos.

Romero y los integrantes de la compañía Les Maniquís nos hacen reflexionar desde el humor y el sarcasmo. Y para ello utilizan el género del “teatro distópico” (no sé si está etiqueta existía ya), algo que ya conocíamos a través de su anterior producción Urna 321. Y lo hace a través de las herramientas y los objetos y de un estilo teatral reconocible. El escenario se organiza en base a espacios configurados a través de restos de maquinaria “espacial” y de elementos industriales. Un futuro creado a través de desperdicios que nos dan una idea de la “triste” situación que atraviesa la humanidad y los componentes expulsados de ella. El vestuario combina ropajes actuales e identificativos, como en el caso de los “pañales de tela” de Jan, que nos informan también de su carácter infantil, y de las vestimentas de Ravi. A ellas se suman los atuendos excéntricos de las mujeres de la obra que a través de sujetadores-desatascadores, de peinetas y de faldas hechas en base a fregonas de tela le dan un toque distópico e irreal a la representación y en parte nos informan también de los caracteres de las féminas.

No será, sin embargo, hasta los momentos finales de la representación donde aparecerá la auténtica joya de la obra. Y ésta no es otra que la reflexión que hacen los integrantes de la cápsula sobre la vida en la nave nodriza y sobre el resort asteroidal llamado Itimad. Las dos “invasoras” espaciales, Shukra y Shani, recuerdan, durante el banquete nupcial (¡¡sí, seremos testigos de una boda!! estrafalaria, claro está) la publicidad sobre Itimad, un resort asteroidal promocionado en la nave nodriza. Ambas poseen el mismo recuerdo (exactamente el mismo) mientras que Chandra defiende su individualidad y su idea personal sobre Itimad. En definitiva, la libertad a tener sueños personales, a soñar con cosas que otros no pueden soñar, todo lo contrario a lo que quiere el Estado-nodriza. Todo un hallazgo, si señor, en la línea de la mejor ciencia-ficción, aunque en este caso sea teatral. ¿Quién pudiera controlar y dominar los deseos y los sueños de los hombres? Seguramente el sueño de los Estados, de las corporaciones y casi también de los bancos.

En el aspecto interpretativo ¡Oh, Itimad, Itimad! Es una obra sentidamente coral en la que todos los personajes aportan una parte importante al resultado final. Oriol Roca se recrea en la interpretación de un adulto-niño que no ha sabido y no ha querido crecer a costa de sus padres; Núria Granell se defiende caracterizada de madre y limpiadora de la cápsula con comportamientos esquizofrenoides en algunos momentos y David Blanco compagina su papel de patriarca atormentado y de ciudadano expulsado de la civilización pero ansioso de regresar a ella, cueste lo que cueste. Aún así, la carga de humor y de moralidad más interesante es la que se materializa tras la llegada de Shani (Noelia Izquierdo) y Shukra (Maialen F. Boncompte), la primera sobresaliente en su papel de concienciadora y guía espiritual traidora a los principios que representa y la segunda como campeona de la división de honor de tiro a la cápsula y de carácter desvergonzado y alegre, en penitencia por la caída en desgracia de su hermana.

Toda una combinación de elementos y géneros abordados desde la escasez de medios, que no de ideas y de ganas. ¡Oh, Itimad, Itimad! Es una vuelta de tuerca más de Iván Romero y la compañía de teatro Les Maniquís, sobre una temática, el futuro de la humanidad, observado desde un calidoscopio que nos ofrece muchas vistas particulares y plurales, y que nos propone una pregunta: ¿Qué pasaría si el futuro de la humanidad fuera tal que casi no valiera la pena vivirlo? ¿Qué sucedería si los vicios y los deterioros vitales y sociales de la humanidad nos encaminasen hacia un callejón sin salida? ¿Son nuestros propios sueños privados y personales la última propiedad individual que el futuro nos permitirá poseer? ¿Dónde está el resto de nuestras vidas?

¡Oh, Itimad, Itimad!” se representó en el teatre Riereta del 22 al 24 de abril de 2011.

Autor y director: Iván Romero
Intérpretes: Oriol Roca, Núria Granell, David Blanco, Noelia izquierdo y Maialen F. Boncompte
Luces y sonido: Frisco Sáez “Elfrisco”
Escenografía: J. Chamizo
Vestuario: Lorena Gómez, Aleix Molinero y Gladis Castorseno

Idioma:
castellano
Duración: 1 hora y 15 minutos

Publicación: Breve historia del leer y Breve historia del saber, de Charles Van Doren.

El año pasado el grupo Planeta publicó Breve historia del saber, la última obra de Charles Van Doren. Una visión del conocimiento adquirido por la humanidad a lo largo de la historia. Os informamos aquí también de la anterior publicación de Van Doren, Breve historia del leer, publicada por la editorial Ariel en el año 2006, dos obras insustituibles para aquellos que deseen conocer el avance de la ciencia, de la literatura, de las formas de leer y de los grandes logros culturales y técnicos de la humanidad.

Breve historia del saber.

Este monumental libro cubre todos los tipos de conocimiento —científico, intelectual e histórico— desde el principio de la especie humana hasta el siglo XXI y más allá. Es la culminación de toda una vida dedicada al estudio. Apasionante y de lectura muy amena, Breve historia del saber examina las aportaciones individuales al conocimiento de las grandes mentes de la humanidad: de Buda y Confucio a Cristo y Mahoma; de Tales, Demócrito y Aristóteles a Edison y Einstein; de Sófocles y Eurípides a Shakespeare y Beckett; de Sócrates a Nietzsche y Freud; de Cervantes a Goethe, Yeats, Kafka y Mann.

Título: Breve historia del saber
Autor: Charles Van Doren
Fecha de publicación: 07/05/2009
Páginas: 656
Encuadernación: Tapa dura con sobrecubierta y rústica sin solapas
Formato: 12,5 x 19 cm.
Editorial: Planeta y Booket
Precio: 24,50 (Planeta) y 10,95 (Booket)
Fecha de publicación: enero de 2006
ISBN: 978-84-08-08662-8

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Breve historia del leer.

Este libro es el fruto de una historia de amor que ha durado toda una vida. Leer es, creo, mi actividad favorita; los libros y yo hemos sido inseparables hasta donde me alcanza la memoria…Aún hoy, me angustia no tener a mano un libro, una revista, un periódico, un trozo de papel para leer… Me gusta el olor de los libros, más aún su tacto. La vida sin libros sería para mí un horror vacío”. Charles Van Doren

Con un maestro como Charles Van Doren, cuyo entusiasmo ha inspirado a generaciones de estudiantes, no es difícil contagiarse del placer de leer. De la mano de Van Doren descubrimos las maravillas que encierra un clásico, lo que nos ha pasado por alto en una obra contemporánea, exploramos lo que no habíamos leído y volvemos a deleitarnos con los textos que nos han marcado. Desde Aristóteles y Heródoto hasta los maestros del siglo XX, Breve historia del leer hace un recorrido por la historia de las letras escritas, deteniéndose en las obras más singulares, situándolas en su contexto histórico y aportando los comentarios lúcidos y siempre originales del autor a cada una de ellas. Un viaje inolvidable a través del tiempo y de los géneros que acompañará a todo ávido lector.

Título: Breve historia del leer
Autor: Charles Van Doren
Páginas: 640
Encuadernación: Rústica con solapas
Formato: 14,5 x 23 cm.
Editorial: Ariel
Fecha de publicación: octubre de 2009
Precio: 29,90 €
ISBN: 978-84-344-8834-2

Charles Van Doren es doctor en Matemáticas y Literatura. Autor de más de veinte libros, entre los que destaca Cómo leer un libro, escrito junto al filósofo Mortimer J. Adler. Ha sido editor de la Enciclopedia británica y vicedirector del Instituto de Investigaciones Filosóficas de Chicago.

Crítica teatral: Cabaret de mitja nit, en la Sala Muntaner.


Las hermanas Torras vuelven a Barcelona con un espectáculo musical basado en el swing, el jazz y el relato de novela negra.

Poco más de medio año había pasado desde que las hermanas Torras presentaron en el Versus Teatre su último espectáculo, Magnífics sons, en el cual nos explicaban una historia de hermanas a través de las canciones y los temas de los musicales de Broadway.

Por suerte, el pasado 3 de marzo las “Torras sisters” nos presentaron su nuevo espectáculo, Cabaret de mitja nit, una obra de teatro musical que nos acerca al ambiente de las películas en blanco y negro, a las redes mafiosas y gansteriles y a los personajes del mundo de la noche, aquellos que reinan solo cuando las luces de neón de bares y locales se encienden y el alcohol y la música permite que los deseos y los sentimientos afloren a través del cuerpo.

Posiblemente sea ésta la mejor forma de iniciar nuestra crítica. Describiendo en un párrafo la esencia del ambiente del espectáculo. Tras lo cual es necesario seguir con un breve resumen del argumento. Pues si es así, vamos allá.

La historia de Cabaret de mitja nit nos es narrada por Mark Green, el propietario del local del mismo nombre (en la voz en off del inconfundible Roger Pera, director de la obra). Green le ha dado la oportunidad de una audición a una joven e inexperta cantante, Jane, para poder actuar en su local. La prueba es un fracaso, sobre todo por la oposición de Norma, la pareja de Green, una cantante consolidada y celosa de su posición en el local. Aún así Jane es contratada en el Cabaret de Mitja nit.

Tras lo primeros choques profesionales entre las dos cantantes se generará una relación de amistad y de pupilaje entre ambas. Por desgracia para el trío de cantantes y propietario, el deseo, la infidelidad y el sexo se impondrá cuando Mark inicie una relación con la nueva cantante, hecho que provocará los celos en Norma y llevará la relación profesional al traste.

Como podemos ver una historia de toque “negro” en un ambiente nocturno. Cabaret de mitja nit es, además de todo eso, un espectáculo musical, en el que se suma el humo de los cigarros del local, las gotas de sudor, las esencias y perfumes y las voces de las dos protagonistas, Maria y Marta Torras. Un espectáculo hecho a la medida de las dos jóvenes actrices que han construido y construyen su carrera profesional en trono a los temas musicales, de jazz y de soul.

Cabaret de mitja nit es un acierto, un paso en positivo en su curriculum teatral, tras la representación de Magnífics sons, un espectáculo éste que aunque sumaba también las voces de las dos hermanas se perdía un poco en la ausencia de un texto que condujera la historia hacia delante, la cual solo avanzaba a través de los temas musicales que se interpretaban. Cabaret de mitja nit nos propone, en cambio, una historia interesante, la rivalidad sentimental y profesional entre dos actrices y cantantes sobre el pequeño escenario de un local musical perdido, sin duda, en algún barrio antiguo de una gran ciudad norteamericana.

Una historia, empero, que no se aleja en demasía de los clichés establecidos en cualquier historia de novela y cine negro, en el que los protagonistas son abordados y asediados por los sentimientos de unas mujeres nocturnas, decididas y capaces de ponerse a su altura, e incluso superarles. Una historia dirigida, como ya he dicho por Roger Pera, que le da un toque muy especial, un toque muy negro, al argumento de la obra.

Como no podía ser de otra forma la trama de Cabaret de mitja nit está acotada por los temas musicales que interpretan las hermanas Torras. Temas que van desde The sound of music, Sóc una estrella (Big time); And all that jazz (Chicago), Potser m’agrada així (The wild party) o Ell no és bo (The life). Y como no podía ser, tampoco, de otra forma, Maria y Marta Torras realizan un trabajo estupendo. No solo conocen el mundo del musical (yo diría que lo llevan dentro, y eso se nota) sino que están como pez en el agua en una historia de mujeres, de música, de rivalidad y también de amor y de respeto.

Una historia que se desarrolla sobre un pequeño espacio que nos muestra los camerinos de las cantantes, el escenario del local y dos grandes biombos que permitirán a las actrices transformarse entre los diversos números musicales y entre los diversos actos del espectáculo, y que nos llevará de la mano al mundo de la noche, de la música, del amor y del deseo, y a algunos de los episodios de la vida de los personajes que como a todos, nos educan, nos hacen crecer, y nos hacen pertenecer al mundo, muy humano, demasiado humano, en el que vivimos.

Toda una dosis de música y magia musical para todos aquellos a los que les apasiona el mundo de Broadway, y a los que siguen la carrera musical de dos hermanas, Maria y Marta, Marta y María, que viven para y por el teatro musical.

Cabaret de mitja nit” se representa en la Sala Muntaner del 3 de marzo al 19 de junio de 2011.

Director: Roger Pera
Intérpretes: Marta Torras y Maria Torras
Músicos: Juli Rodríguez y Xavi Miró
Dirección musical y arreglos: Juli Rodríguez
Coreografía: Maria Torras
Idea original y guión: Juli Rodríguez y Maria Torras
Traducción y adaptación de las canciones: Maria Torras
Diseño iluminación: Dani Gener
Diseño de sonido: Aina Asín
Escenografía: Toni Fernández
Vestuario: Maria Sánchez y Maria Torras
Producción: Set d’Acció

Horario: de miércoles a sábado a las 22:45 horas y domingos a las 20:30 horas.
Precio: Miércoles y jueves 14 €; de viernes a domingo 16 €.
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 5 minutos

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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Crítica teatral: Gusev, un conte de Txèkhov, en el Espai Escènic Brossa.


El Espai Brossa se apunta, también, al teatro ruso con la programación del 16 de marzo al 10 de abril de Gusev, un conte de Txèkhov, un viaje a los infiernos del alma humana.

Comenzaré diciendo que Gusev, un conte de Txèkhov es una obra arriesgada que plasma la dureza de la vida, la dureza de la muerte y la mezquindad del ser humano. Todo comienza y todo acaba en la cabina de un barco que se dirige… bueno, que nunca sabemos a donde se dirige. Dicha cabina está ocupada por cuatro hombres, cuatro soldados del ejército ruso enfermos de lo que parece ser la tuberculosis. El contacto con el exterior es nulo, tan solo para extraer los desechos y desperdicios del interior de la cabina, y con ellos los cadáveres de los muertos. Una cabina que se convierte en un infierno de enfermedad y de desesperación, la de unos hombres que sienten y son conscientes de que el futuro está negado para ellos, que han sido desahuciados y para los que no existe ninguna esperanza

Hemos de situar la trama en una época de conflicto, aunque la obra no se esfuerza por delimitarla temporalmente ya que la muerte y la desesperación pertenecen a todas las épocas y a todos los lugares del mundo. Sin embargo yo situaría la obra por aquello de principios del siglo XX, en pleno conflicto entre la Rusia zarista y los revolucionarios soviéticos. Aunque bien pensado, la historia de Gusev, un conte de Txèkhov es una historia universal, pues más que el contexto externo lo que importa es el infierno interno de los soldados (o mejor dicho, de los presos).

Aún así, y vuelvo a decirlo, Gusev es una obra arriesgada. Arriesgada por su oscurantismo, por todo lo que esconde o mejor dicho por las lagunas argumentales que crea. El inmovilismo domina gran parte de la obra con unos personajes que no pueden o no deben moverse mucho. Si a esto se suman los delirios que nacen en el interior de cada uno de los cautivos, o al menos en la mayoría de ellos, sin un comienzo ni un final, en un ciclo de dolor y desesperación que parece que rompe el normal pasar el tiempo, y las tinieblas en las que permanece el público a falta de una trama clara que encauce la acción de la obra, Gusev corre el riesgo de ser una obra incomprendida. Corre el riesgo de haber impactado sobre el público, porqué es una obra que apela al sentimiento, a la emoción, pero de difícil comprensión y recuerdo para el mismo.

Tres elementos a destacar: el primero los tres actores que intervienen en la obra y que encarnan en su interpretación la desesperación de la situación. Una interpretación difícil y angustiosa de los actores Marc Torrents, Manolo Peña y Boi Pera. Una escenografía que nos muestra la cabina (prisión) donde están confinados los enfermos, que nos demuestra como las ideas y el esfuerzo valen mucho más que el dinero, al menos en el teatro. Una excelente materialización de una pequeña cabina de un barco condenado, con unos pasajeros condenados. Y tercero la música, que se convierte, posiblemente, en lo mejor y lo peor de la obra. Y me explico.

Gusev, un conte de Txèkhov presenta una “banda sonora” basada en el piano de Alejandro Villanueva. Su música acompaña a los viajeros condenados a lo largo de su travesía y le presta a la obra un “toque” de romanticismo e incomprensión. Aún así, se llega a la exageración en el tramo final de la obra donde Villanueva interpreta un solo ante el piano, que no tiene demasiado sentido con el desarrollo de la obra. Pasamos de una obra de teatro a un concierto de piano sin ninguna explicación y sin ningún sentido. Es pues debido a esto que la música se convierte en lo mejor y, también, en lo peor de la obra.

Aún así Gusev, un conte de Txèkhov permite al público dirigirse hacia un estado del alma en el cual la realidad y la desesperación, sobre todo esta última, se apodera no tan solo de la vida de los personajes de la ficción sino también de los corazones del auditorio y nos permite reflexionar sobre el mundo en el que vivimos y sobre los logros y las derrotas de los hombres que conforman nuestra realidad, o mejor dicho, la ficción que se desarrolla sobre el escenario.

Gusev, un conte de Txèkhov” se representó en el Espai Escènic Brossa del 16 de marzo al 10 de abril de 2011.

Dirección: Jaume Villanueva
Reparto: Marc Torrents, Manolo Peña y Boi Pera
Piano: Alejandro Villanueva
Escenografía: Ramón de los Heros
Vestuario y Attrezzo: Anna Gas
Efectos especiales: Jesús Julvé, ‘Hausson’
Iluminación: Tomàs Pladevall
Dirección artística: Manolo Trullàs
Producción: Octubre Teatral

Horarios: de miércoles a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas.
Precio: 16 €; miércoles, día del espectador 9 €.
Idioma: catalán.
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Programación Nau Ivanow última semana de abril de 2011. Descartable y Escritos desde el fuego.


La Nau Ivanow programa dos obras teatrales durante la última semana del mes de abril de 2011, Descartable, una reflexión sobre la vida de no-pareja dirigida por Daniel J. Meyer y Escritos desde el fuego, un análisis de la no-acción de la compañía de teatro Cavalls.

Descartable, de Daniel J. Meyer.

Una pareja joven, divorciada o recién casada que convive en el mismo espacio.
Su vida es rutina, desinterés, cansancio. Sus presiones son excesivas: por un lado el ideal romántico del amor, por el otro la aceleración y otras exigencias (éxito, belleza, perfección, trabajo, exceso de actividad).
Tres niveles de acción. Dos fuerzas que oprimen a una ¿pareja?
Dos individuos que viven juntos.
Ellos son descartables.
Descartable es Descartable.

Daniel J. Meyer nace en Buenos Aires, donde estudia en COSATYC/ANDAMIO 90 y se especializa en dirección e interpretación. Complementa sus estudios teatrales con los de producción musical. El año 2003 se instala en Barcelona y participa en varios cursos de dramaturgia y dirección. Además, participa en el posgrado de Producción y Gestión de espectáculos en la UB. Ha trabajado en Sin noticias de Gurb, con Rosa Novell; ayudante de dramaturgia y dirección en Èdip 1,2,3,4, en el Versus Teatre (bajo la dirección de Josep Galindo y dramaturgia de Pablo Ley); ayudantía de dirección de: Si avui és diumenge demà és dijous; Boeing Boeing (con dirección de Alexander Herold), El senyor de les mosques (dirección de Abel Coll) y de La doble vida d’en John (dirección de Àngel Llàcer). Actualmente, es ayudante a Geronimo Stilton, el musical, de Àngel LLàcer y Manu Guix.

Descartable” se representará en el espacio escénico de la Nau Ivanow del 27 de abril al 1 de mayo de 2011.

Dramaturgia y dirección: Daniel J. Meyer
Intérpretes: Laia Pellejà, Toni Ramírez, Daniela Poch y Rafa DelaCroix
Ayudante de dirección y videocreación: Leire Erkizia
Iluminación: Luis Aznarez y Natalia Ramos
Sonido: Ferran Roig
Regiduría y fotografía: Sara Manzano
Diseño gráfico: Jordi Martinez Pinyol
Colaboraciones movimiento: Laura Vilar
Voz en off: Enric R. Cambray

Horarios: Miércoles a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 19:00 horas.
Precio: 12 €; Amics de la Nau 10 €.
Duración de la obra: 70 minutos


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Escritos desde el fuego, de Víctor Sánchez Rodríguez.

Un espacio en medio de la nada, en medio de otras realidades y que no tiene ninguna utilidad. Una tierra baldía atravesada por tubos que tal vez van a parar al mar. Cinco vidas que se resisten a pensar que nada pase, que nada pase más, que nada más pase. Sus historias nos irán desvelando lo que se esconde entre el hueso y la carne. El territorio del fuego. Algunas resisten, otras se apagan. Alguna se consume. Y todo ello en una noche donde todo pasa, donde todo vuelve a pasar, donde todo pasa otra vez.

Víctor Sánchez Rodríguez, es un joven autor y director teatral, sus textos se caracterizan por explicar historias actuales que no esconden la sordidez, y por dar a sus textos una dimensión poética. Licenciado en Dirección y Dramaturgia en el Instituto del Teatro de Barcelona. Dentro de su titulación, ha participado en cursos de escritura dramática y seminarios. Como director ha firmado la puesta en escena de textos de algunos compañeros dramaturgos y versiones propias de clásicos de Tennessee Williams o Anton Chéjov. Ha sido ayudante de dirección de Carme Portaceli y Joan Castells. Como autor, ha escrito El Casino; Uns amors, uns indrets, Cavalls salvatges no m’arrancarien d’ací; Escritos desde el fuego y el guión de cine La felicidad de los cobardes. Ha sido asistente de dirección de Magda Puyo en Espectres, y ayudante de dirección de Joan Castells en Electra y de Carme Portaceli en Galileu y en Prometeu, espectáculo que inauguró el Festival Grec de Barcelona 2010.

Cia. Cavalls nace en junio de 2009 con el espectáculo Cavalls salvatges no m’arrancarien d’ací. Inicialmente concebido como proyecto académico del Institut del Teatre de Barcelona (Factoria IT de Nous Creadors), la buena acogida que tuvo dentro del ámbito del Institut del Teatre animó a la compañía a continuar con el espectáculo ya en el ámbito profesional. La obra fue seleccionada para participar en la XV Mostra de Teatre de Barcelona, dentro de la cual fue nominada mejor espectáculo por votación popular.

En marzo del 2010 estrena Platònov, de Chejov, en una adaptación de Lucía Carballal, dirigida por Víctor Sánchez Rodríguez, en el Teatre Estudi de l’Institut del Teatre de Barcelona. En diciembre de 2010, Cavalls Teatre se presenta a la beca Desperta de la Nau Ivanow con un nuevo proyecto: Escritos desde el fuego, un espectáculo concebido a partir de textos de Víctor Sánchez Rodríguez, y codirigida por él mismo y por Albert Massanas. La obra obtuvo un accésit especial que le permite el estreno dentro de la programación 2011 de la Nau Ivanow. En la actualidad la compañía tiene tres proyectos en marcha: la gira de Cavalls salvatges no m’arrancarien d’aci, Escritos desde el fuego y Els voladors de ponts, una nueva obra en proceso de escritura.

Escritos desde el fuego” se representará en el espacio escénico de la Nau Ivanow del 26 de abril al 1 de mayo de 2011.

Texto y dramaturgia: Víctor Sánchez Rodríguez
Dirección: Albert Massanas y Víctor Sánchez Rodríguez
Intérpretes: Marta Aran, Núria Gómez, Laura Pla, Mima Riera y Nunu Santaló
Espacio escénico y vestuario: Nadia Balada, Anna Ribera e Isabel Velasco

Horarios: de martes a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 19:00 horas.
* Miércoles 27, no hay función

Sábado, 30 de abril.
Coloquio con el director y los actores después de la función.

Precio: 12 €; Amics de la Nau 10 €.
Duración de la obra: 70 minutos.

Estreno teatral: Quasi (Maine), en el Teatre del Raval.


Hasta el próximo 1 de mayo se representa en el Teatre del Raval Quasi (Maine) una obra de John Cariani producida por La Plataforma L’Específica y Rasatabula.

Estamos en Quasi, pueblo remoto y mítico que se encuentra en el estado norteamericano de Maine. Es una noche fría, clara y sin luna, y la actividad solar está en el mejor momento para que se puedan divisar las auroras boreales. En varios espacios de Casi se encuentran, a la misma hora, diferentes residentes del pueblo. A medida que las auroras boreales colorean el cielo nocturno, los habitantes de Casi se enamoran y se desenamoran de forma inesperada y a menudo cómica. Las rodillas están heridas y los corazones están rotos. Pero las heridas y los corazones se curan en este sueño en una noche de invierno.

A través de nueve historias independientes que acaban conformando un “collage” realista y mágico a la vez, Quasi (Maine) es una obra que nos habla de cómo los seres humanos luchamos de forma real, verdadera y honesta para conseguir aquello que nos es más duro y difícil en la vida: el amor.

Este “cuento romántico que no pide disculpas”, esta “efervescente pero profundamente sentida tragicomedia” explora los misterios del corazón humano y emociona el público con la risa, el dolor, el amor y la esperanza.

Almost, Maine es la primera obra de John Cariani. Se estrenó en Broadway el año 2005 en el Daryl Roth Theatre. La obra fue, y sigue siendo, ampliamente elogiada por su inteligente y divertida mirada de la vida y el amor en un pequeño pueblo del extremo norte de Maine. Almost, Maine se gestó en el Cape Cod Theater Project el año 2002, y tuvo su estreno mundial el año 2004 a cargo de la Stage Company de Portland, convirtiéndose en la obra de mayor éxito de los 32 años de historia de esta compañía. Almost, Maine ha recibido numerosos premios de la crítica norteamericana y se ha producido y representado centenares a veces en teatros de Estados Unidos y también a países como Corea, Australia, Canadá y Alemania.

La plataforma de actrices y actores La Específica se funda el año 2008 a partir de la necesidad de una serie de profesionales, que se han conocido estudiando la Técnica Mèisner con Javier Galitó- Cava, de aglutinar esfuerzos para crear arte escénico y audiovisual. Con Casi (Maine) la plataforma la Específica quiere presentar no sólo una manera propia de trabajar, sino también expresar la necesidad de emocionar, generar magia y positivismo a través del arte en un momento social especialmente crítico.

“Quasi (Maine)” se representa en el Teatre del Raval hasta el próximo 1 de mayo de 2011.

Autor: John Cariani
Dirección: Ramón Garrido
Intérpretes: Òscar Bosch, Romina Cocca, Roser de Castro, Rakel Ezpeleta, Pep Papell y Pau Sastre
Traducción: Roser de Castro, Rakel Ezpeleta y Javier Galitó-Cava
Diseño de luces: Jaume Freixas
Espacio escénico: Èric Boada
Vestuario: Nata To
Música: Alfred Tapscott
Espacio sonoro: Natxo Tarrés

Horarios:de jueves a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:30 horas.
Precio: jueves 16 € y de viernes a domingo 18 €.
Idioma: catalán y castellano.
Duración de la obra: 1 hora y 20 minutos.

Prórroga teatral: Feísima enfermedad y muy triste muerte de la reina Isabel I, en el Versus Teatre.


El Versus Teatre prorroga hasta el 22 de mayo la obra Feísima enfermedad y muy triste muerte de la reina Isabel I, una reflexión sobre la sed de poder, el ansia de lo absoluto o el miedo a la muerte ambientada en la España de los Reyes Católicos.
Después de una vida de triunfos que la han llevado a convertirse en la soberana más temida y poderosa de la cristiandad, la reina Isabel I vive sus últimos días sin saber quién la sucederá en el trono y dará continuidad a su gran proyecto. Muchos de sus hijos han muerto, otros sufren el trato injurioso de sus esposos. Tan sólo queda una cabeza sobre la tierra donde se pueda ceñir la corona de Castilla, la cabeza perturbada de la princesa Juana.

Una explosión grotesca sobre el hombre y las pasiones que lleva adentro. Una tragicomedia sobre el poder y la vergüenza, sobre la ridícula brevedad de la vida y la evidencia insoportable de la muerte.

La compañía La Calòrica nace en el año 2009 a partir de un grupo de estudiantes del Institut de Teatre de Barcelona que se reúne para realizar su último trabajo. Su espíritu se basa en un teatro fuertemente ligado a la tradición pero capaz de revolucionar las formas y los códigos escénicos.

En su primer proyecto la compañía ha querido enfangarse en la poética y el humor de las piezas shakesperianas y las tragicomedias del Siglo de Oro para crear un espectáculo nuevo y personal. El estudio y el juego con las formas teatrales pasadas nos ayuda a sumergirnos en temas universales e inagotables de una actualidad terrorífica: la sed de poder, el ansia de absoluto o el miedo a la muerte.

Feísima enfermedad y muy triste muerte de la reina Isabel I” se representa en el Versus Teatre del 18 de marzo al 22 de mayo de 2011.

Dramaturgia: Joan Yago
Dirección: Israel Solà
Intérpretes: Xavi Francés, Aitor Galisteo Rocher, Esther López Martín, Carla Rovira Pitarch, Júlia Truyol y Marc Rius
Escenografía, vestuario e iluminación: Gerard Orobitg, Carmen Padró, Albert Pascual y Marta Soto
Asesoramiento de voz: Matilde Miralles

Horarios:de jueves a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 19:00 horas.
El domingo 15 de mayo no hay función.
Precio: 16 €.
Duración de la obra: 65 minutos
Idioma: castellano