Si hay algún concepto o idea que hoy en día está valorada, no es otra que el empoderamiento personal, en el que todos y todas podemos vernos representados de alguna forma. La sociedad lleva siglos estableciendo a cada persona que podía y que no se podía hacer y cuáles eran sus límites. El siglo XXI ha llegado con la voluntad de acabar con todos esos límites impuestos y autoimpuestos. Y como no, el teatro se ve obligado, también, a aportar su grano de arena. Un ejemplo de ello lo tenemos en Paso a paso, obra estrenada el pasado 1 de julio y que narra la voluntad de tres amigas de llevar a cabo un recuerdo-homenaje a una amiga fallecida recientemente.
«Paula, Sofía y Mónica son tres amigas que deciden realizar una excursión de 2 días con el fin de ascender una montaña en memoria de su fallecida amiga Rebeca. Cada una de ellas lleva un mensaje inscrito en una piedra con el objetivo de depositarla en la cima a modo de recuerdo y último adiós. Pero tienen que llegar allí primero. Y la ascensión será tan divertida, desafiante e inesperada como la vida misma».
Paso a paso es una obra de amistad y de reconciliación que se basa en la realidad de la vida y de las relaciones personales para hacer un viaje a través de la amistad y la pérdida. Acompañaremos a Paula, Sofía y Mónica (…y a Rebeca) en una ascensión en la que conoceremos a las protagonistas, las claves de las relaciones establecidas entre ellas y podremos examinar los logros y los miedos que todas ellas, y todos nosotros y nosotras, llevamos sobre nuestra espaladas. De ahí que sea clave la interacción de las protagonistas, que nos permitirá conocer la voluntad de la propuesta.
El texto está organizado en las diversas fases de la ascensión en las que iremos conociendo, poco a poco, la personalidad de las tres amigas y sus circunstancias actuales, una boda inminente, la soledad, el paso de los años, la muerte de una amiga y lo que ello representa…
El texto de Peter Quilter está cargado de sustancia, aquella que sustenta lo burlesco, lo cómico y lo triste que nutre la vida. Pero a la obra le falta algo de punch, esa energía que hace que los diálogos y las situaciones sean más creíbles e impactantes y permite que la interpretación de las actrices sea percibida en su potencial por el espectador.
María Lanau, Resu Belmonte y Eva Barceló están bien en sus papeles respectivos, cada uno mostrándonos un perfil diferente de mujer, desde la conquistahombres, pasando por la más formal y esforzada, a la más pasiva y retraída. Si bien no llegan a tocar la fibra en una comedia, o mejor dicho, tragicomedia, que pretende llevar al espectador a ciertas profundidades del alma. Algo que no consigue del todo la dirección de Esteve Ferrer.
Aún así, Paso a paso se merece una oportunidad, sobre todo por parte de aquellos y aquellas a los que les interese indagar de qué están hechas las fibras de la amistad, aquellas que subsisten a lo largo del tiempo, y que nos llevan de la mano a lugares, como la cima de una montaña, donde nunca habríamos pensado que queríamos llegar.
«Paso a paso»se representa en el Teatre Apolo del 1 de julio al 21 de agosto de 2022.
Dirección: Esteve Ferrer Autoría: Peter Quilter Reparto: María Lanau, Resu Belmonte y Eva Barceló Traducción: Helena Salaberria Iluminación: Juanjo Llorens Escenografía: Mercé Lucchetti Iluminación: Juanjo Llorens Producción: Smedia y Veniu
Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas, sábados y domingos a las 19:00 horas Precio: Web Teatre Apolo Idioma: castellano Duración: 90 minutos aprox. NOTA CULTURALIA: 6 ——
Cuando estaba estudiando la carrera de Historia allá a finales del siglo XX, una de las cosas con las que más disfrutaba era con la lectura de textos de autores antiguos griegos y romanos. Mi especialización estaba entre la Edad Antigua (Imperio romano) y la Edad Media (Antigüedad Tardía). De ahí mi disfrutre al leer directamente a autores como Séneca, Suetonio, Herodiano, Orosio…
Uno de ellos fue Flavio Claudio Juliano, conocido también como Juliano el Apóstata, emperador romano del siglo IV del cual han llegado a nosotros por suerte varias obras, entre ellas diversas cartas. Y una de estas cartas me afectó hondamente al tratar el emperador de la pérdida y de la muerte a través de la historia del sabio Demócrito de Abdera, conocido como el filósofo «sonriente».
Un relato que hoy os presentamos en Culturaliay que nos ofrece una reflexión muy adecuada para los tiempos de pandemia que vivimos en la actualidad.
Al prefecto de Egipto Himerio sobre su mujer
No sin lágrimas leí tu carta en la que me escribías sobre la muerte de tu compañera y me comunicabas tu extremo dolor. Pues, además de que lo sucedido sea en sí mismo penoso, que una mujer joven, recatada, encantadora para su esposo y, además, madre de unos hijos admirables sea arrebatada antes de tiempo, como una antorcha brillantemente alumbrada que pierde su llama de improviso, no me parece menos penoso el que precisamente este dolor haya caído sobre ti. Pues nuestro buen Himerio era el hombre de todos que menos merecía probar un dolor así, él que es un hábil orador y el más querido con mucho de nuestros amigos.
Sin embargo, si fuera otro hombre a quien tuviese que escribir en estas circunstancias, necesitaría mayores discursos para hacerle ver que lo sucedido es humano, que es necesario soportarlo y que nada puede conseguirse con un dolor excesivo […]. Aguanta, pues, que te cuente la historia de un sabio, o a lo mejor es un relato auténtico, que quizá no te sea extraño, pero que para la mayoría, como es natural, es desconocido, y, valiéndote sólo de él como de un remedio que hace olvidar la aflicción, puedas encontrar una solución a tu dolor […]
Se dice, en efecto, que Demócrito de Abdera, cuando el rey persa Darío estaba afligido por la muerte de su bella esposa, no pudo encontrar palabras que le bastasen de consuelo, y le prometió volver a traer a la luz a la desaparecida con tal de que quisiera procurarle los medios necesarios para el caso. Él le ordenó no ahorrar nada que pudiese impedirle mantener su promesa y, tras aguardar un momento, dijo Demócrito que tenía todos los medios para la realización de su tarea, pero que le faltaba una sola cosa, que él no sabía cómo hacerse con ella, pero que Darío, como rey de toda Asia, seguramente podría encontrarla sin dificultad. Al preguntarle éste qué podía ser aquello que le estaba sólo a un rey permitido conocer, Demócrito respondió que, si inscribía en la tumba de su mujer los nombres de tres personas que no hubieran soportado una aflicción, al instante su esposa resucitaría, emocionada por la ley de este rito.
Como Darío estuviese en grandes dificultades y no pudiese encontrar ningún hombre que no hubiera tenido que soportar algo penoso, Demócrito, echándose a reír según su costumbre, dijo: «¿Por qué, pues, oh el más absurdo de todos los hombres, te lamentas sin medida como si fueses el único golpeado por semejante dolor, tú que no has podido encontrar ni un solo hombre de los que han vivido en cualquier época que no haya tenido su parte en un dolor familiar?».
Como veis, una buena reflexión sobre el mundo en el que vivimos y sobre la gestión de las emociones y de la aflicción que todos hemos de superar en algún momento de nuestra vida.
¿Qué pasa cuando nos cansamos de la vida? ¿Tenemos derecho a pedirle a alguien que acabe con nuestra existencia? ¿Y cómo afecta la muerte a nuestro entorno cotidiano? Seguro que algunos encontraréis extrañas estas preguntas al inicio de una reseña teatral, si bien es de ello de lo que trata Mata’m, obra que del 5 de julio al 3 de agosto se representa en La Villarroel en el marco del Grec Festival de Teatre de Barcelona.
Manel Dueso se enfrenta a la autoría y la dirección de una obra extraña en lo que se refiere a su estructura y a la trama que nos propone. En ella Arnal (Francesc Orella), el propietario de un local de copas, decide poner punto y final a su experiencia vital, aunque no tiene el valor para suicidarse él mismo. La llegada proverbial de Bastero (Boris Ruiz), un antiguo compañero que acaba de salir de la cárcel y que quiere volver a ella, se convertirá en la oportunidad para solucionar dos voluntades opuestas pero enlazadas, y le permitirá cumplir su último deseo. Poco será lo que puedan hacer para evitarlo Chirli (Àurea Márquez), su pareja ex-prostituta y su hija Devita (Carlota Olcina), los únicos anclajes emocionales de Arnal en un mundo que pare él ya no tiene sentido.
Bien, como veis la trama es algo extraña e insólita, lo que permite a Dueso ofrecernos una representación que carece también de una estructuración lógica y se asemeja más a una red de escenas que no tienen un sentido temporal aparente para el espectador, una solución escénica parecida a la de Traïció (Teatre Lliure, Carles Alfaro, 2009), obra en la que también participara Orella, y en la que era el mismo espectador el que, ayudado por indicaciones temporales audiovisuales, tenía que recomponer el orden real de los hechos y las escenas que acontecían sobre el escenario. De esta forma, veremos a Arnal / Orella tanto muerto y tendido en el suelo tras producirse su asesinato-suicidio, como interactuando con el resto de personajes de la obra en los días e instantes previos, un hecho que en parte puede turbar la comprensión de aquellos espectadores que estén menos atentos a lo que sucede encima del escenario.
Mata’m, es una comedia negra y poética acerca de la muerte deseada por uno de los personajes. Y como habla sobre la muerte hace referencia también a la vida, al menos a la del personaje central de la obra, al que le parece que ya no vale la pena vivirla, y a la de aquellos que la viven a su alrededor, cuya existencia quedará de alguna forma afectada. La obra tiene mucha dosis de humor, en muchos momentos de tintura negra, y nos habla de los miedos y los deseos, dos sentimientos emocionales las más de las veces unidos, de varios personajes propietarios de existencias algo desestructuradas. Francesc Orella está genial en su papel de suicida sin ánimo, que cansado de la existencia que le ha tocado vivir, necesita la ayuda de otra persona para finalizar con su amargura existencial; Boris Ruiz encarna a su antiguo amigo de andanzas que acaba de salir de prisión y que después de varios años en el trullo, es consciente de que el mundo fuera de la cárcel no es el suyo, de ahí que su carácter sea tenue y desacompasado; Àurea Márquez da vida a la pareja de Arnal, que parece que no ha sido consciente del desasosiego de este último y cuya vida ha transitado desde los bajos fondos a las altas lontananzas de un carácter algo frívolo e infantil. Por último Carlota Olcina interpreta a la hija de la pareja, una joven que posee una percepción de la vida algo fantasiosa, y que no es consciente aún de las durezas por los que han tenido que transitar sus padres.
Todos y cada uno de estos personajes tiene su momento definitorio en la obra, en la que ofrecen al público un breve, o no tanto, speech en el que nos dan a probar los sinsabores de unas existencias que parece que estén flotando sobre el suelo de un bar de copas, seguramente el ambiente que más ha marcado la existencia de todos ellos. No penséis, por otra parte, que la obra de Dueso es de aquellas profundas y filosóficas, ya que la reflexión del autor y director es sutil y no se atreve a ir más allá de las mismas palabras que emanan de los personajes, a lo que se suma, como os comentaba, la comicidad de toque negro que subyace a lo largo de la representación.
Mata’m se convierte así, en una oportunidad de mirar directamente a la muerte pero sin afectarnos por lo profundo de su naturaleza y de disfrutar de otra obra de actores en la que la trama se ha de recomponer como un puzle, una tarea que Dueso deja en manos del público asistente.
«Mata’m» se representa en La Villarroel del 5 de julio al 3 de agosto de 2014.
Autor: Manel Dueso
Dramaturgia: Manel Dueso
Dirección: Manel Dueso
Reparto: Àurea Márquez, Carlota Olcina, Francesc Orella y Boris Ruiz
Escenografía: Sebastià Brosa
Diseño de iluminación: David Bofarull
Diseño de sonido: Bárbara Granados
Composición musical: Bárbara Granados
Vestuario: Míriam Compte
Caracterización: Núria Llunell
Producción: Grec 2014 Festival de Barcelona, Velvet Events y La Villarroel
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En Culturalia os informamos hoy de las novedades literarias de la editorial costarricense Cognitio Books que el pasado mes de diciembre publicó la trilogía La Casa de Altagracia, de Carlos Machado Allison, ambientada en la Venezuela colonial, de la Guerra Federal y la independencia y este mes de enero publica El Protegido de El Aguila de Agustin Smith, el diario de una travesía marítima hacia la muerte.
Trilogía La Casa de Altagracia (vols. I, II y III), de Carlos Machado Allison.
Volumen I, La Dinastía: 1750-1810 Roberto Carvallo, diligente hacendado, abolicionista impregnado con las ideas del siglo de la ilustración, es el principal sospechoso de un asesinato, mientras su hermano Lorenzo, en los elegantes salones de Caracas y Madrid busca el título de marqués. María Antonia, hija de un masón español, nacida en Santo Domingo y esposa de Roberto, es el centro de tres generaciones que aún recorriendo parte de Europa y América, tienen su sede en la hacienda: Altagracia. Su apasionado hijo, Carlos Augusto, vinculado al prócer Francisco de Miranda, conocerá el peso de la justicia española y el exilio en Europa.
Vol. II. Libertad y frustración (1810-1828) Carlos Augusto, el joven guerrillero llegará a ser general de los ejércitos independentistas, agente diplomático en Europa y luego, con su hijo mayor Eduardo, acompañará a Bolívar hasta las batallas finales. Los Carvallo, tratan de preservar sus haciendas, en particular Altagracia, en el marco de una guerra que divide al país en dos bandos, aquellos que prefieren la firme mano de la corona y los que aspiran a la independencia. María Antonia, acompañada por Mariana, la segunda esposa de Carlos Augusto, son los pilares de la vida familiar.
Volumen III, Los herederos: 1828-1863
El tercer volumen de la saga cubre el prolongado e inestable nacimiento de la república tras la separación de Venezuela de la Gran Colombia. Años de cambio social, miseria y bandidaje, mientras los caudillos se reparten el poder en una interminable cadena de intrigas y dictaduras. Carlos Augusto se desempeña brevemente como diputado. Sus hijos, los nietos de Roberto, tienen intereses diversos: Guillermo maneja la hacienda; Carlos Roberto, artista frustrado en Londres, se interesa luego por la tecnología e introduce en Venezuela las primeras máquinas de vapor y Matías abandona la vida monástica en España y regresa a Venezuela. La hacienda Altagracia sobrevive a los bandidos y a la guerra civil.
El escenario está matizado por figuras históricas y sus ideas, entre ellos Miranda, Mirabeau, Fernando VII, Condorcet, Mier y Terán, O´Higgins, Pitt, Napoleón, Godoy, Hamilton, Bolívar, Iturbide, Owen, Casa León, Páez, Fermín Toro, Vargas, el Conde de Tovar, los hermanos Monagas, Zamora, Falcón y Guzmán Blanco. La novela se desarrolla en Venezuela, España, Francia, Inglaterra, Colombia, Perú, Curazao, Santo Domingo, Cuba y Estados Unidos.
Carlos Machado Allison, es un profesor e investigador venezolano graduado en Biología en la Universidad Nacional Autónoma de México. Luego se especializa en entomología médica en la Universidad de Sao Paulo y obtiene un PhD en Genética en la Notre Dame University en los EEUU. Ha sido autor de más de 140 publicaciones científicas, libros de texto, técnicos y de divulgación científica. También es columnista del diario El Universal de Caracas. Profesor titular de la Universidad Central de Venezuela y del IESA, fue Director General del principal instituto de investigaciones agropecuarias de Venezuela y especialista internacional del IICA en América Central. El haber vivido en seis países y conocer otros 30 despertó en él una pasión por la historia que se plasma ahora en su novela, La Casa de Altagracia. En la actualidad es miembro de la Academia de Ciencias Físicas, Matemáticas y Naturales de Venezuela.
Título: Trilogía La Casa de Altagracia (vols. I, II y III) Autor: Carlos Machado Allison Idioma: Español Categoría: Ficción y literatura Formatos: Ebook, tapa blanda Publicado: Diciembre 2012 Venta: Ibookstore, Amazon, Barnes&Noble y Kobo.
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El Protegido de El Aguila, de Agustin Smith.
El Protegido de El Aguila es una novela donde se producen encuentros y descubrimientos entre un pasado que no pasó y una investigación periodística presente.
La historia de un periodista que siguiendo una noticia encuentra el diario de un profesor de literatura que busca la muerte en el mar. La travesía desde Puerto La Cruz hasta el sur del océano Pacífico, donde es descubierto aferrado y momificado al timón de su velero, nos narra el proceso existencial del profesor-capitán hacia la muerte y hacia sus sueños, así como el seguimiento del periodista, quien finalmente encuentra la clave para su investigación en un punto de aquella navegación.
Agustin Smith nació en Cúcuta, Colombia en 1918. Fue Capitán de Fragata de la Armada Colombiana, a la cual le prestó sus servicios por más de veinte años. En cumplimiento de sus funciones militares conoce a Lolita Quintero, una artista venezolana con la cual contrae matrimonio. Se residencia en Venezuela hasta el año 1979, en el cual viaja a Texas, Estados Unidos, para realizar estudios en el Delmar College de Corpus Christi, donde se gradúa con honores en Artes Liberales. Autor durante su juventud de un diario de experiencias a raíz de un viaje realizado por el Amazonas, es sin embargo en los años sesenta cuando publica la obra La Puerta Cerrada, la cual fue finalista de un concurso literario en Colombia.
Título:El Protegido de El Aguila Autor: Agustin Smith Idioma: Español Categoría: Ficción y literatura Formatos: Ebook, tapa blanda Será publicado: Enero, 2013 Preventa: Ibookstore.
Que Albert Espinosa regrese a los escenarios siempre es una buena noticia, lo mismo, claro está, que publique una nueva novela o que participe en una película o una serie televisiva. El «universo espinosa» siempre nos emociona de una forma directa y nos sirve para reflexionar sobre nuestras propias vidas. De ahí que fuera una de las buenas noticias de finales del año pasado el estreno de Els nostres tigres beuen llet en el Teatre Nacional de Catalunya, obra escrita y dirigida por Albert Espinosa.
Un partido de futbol que juegan cinco hermanos. Una enfermedad que hace caer en la inconsciencia. Una madre en el lecho de muerte. Un padre riguroso que quiere a su familia. Una muerte que lo cambia todo. Un acontecimiento de la infancia que marcará la vida de todos los miembros de la familia. Un secreto que nos permite acabar de entenderlo todo. El mundo visto a través del cine…
Espinosa nos abre de nuevo las puertas de su fecundo mundo interior para explicarnos una pequeña historia que afecta a una familia, a todos sus integrantes, y que nos permite reflexionar sobre algunos de los temas insignia del autor: la enfermedad, la muerte, el desvanecimiento de la memoria o la importancia de los episodios que han marcado la infancia de cada uno de nosotros.
El autor construye su historia en dos tiempos: el primero el de la infancia en el que poco a poco iremos conociendo qué es lo que pasó y cómo paso, el día que la madre (Angela Jové) murió, y que consecuencias funestas tuvo para toda la familia. El segundo es lo que podríamos considerar la actualidad, el momento en que el padre (Andreu Benito), reconocido director de cine afectado de alzhéimer, se está muriendo. Dos de los hermanos prometieron a su madre que cuidarían de él en sus últimos días de su vida. Por ello vuelven al hogar, junto a su hermana pequeña, y engañan a sus otros tres hermanos para hacerlos regresar.
La enfermedad confunde la mente del padre forzándole a creer que está realizando una nueva película que rememora la muerte de su mujer, y que sus hijos son parte del equipo técnico que rodará el film a sus órdenes. Todos los ingredientes necesarios para que la verdad y los reproches salgan a la luz y por fin la familia pueda lavar sus trapos sucios.
Como les decía Espinosa trata en Els nostres tigres beuen llet varios temas por los que ha mostrado siempre un gran interés. El primero la enfermedad. La obra está subyugada por ella. La enfermedad de carácter hereditario que sufren la mayoría de los miembros de la familia y que les hace desmayarse de forma repentina en cualquier momento; la muerte de la madre; el alzhéimer que acaba sufriendo el padre… todo ello nos remite a la relación con la enfermedad del propio Espinosa, que pasó diez años de su vida en el hospital lidiando contra el cáncer. El segundo los recuerdos, ya sea la revisión del hecho que marcó la infancia de los cinco hermanos o la pérdida de la memoria (es decir, la pérdida de los recuerdos, de lo que nos hace a cada uno de nosotros) que sufre el padre. El tercero la muerte, la de la madre y la anunciada muerte del padre, que no llegaremos a presenciar pero que marcará el desenlace de la obra.
Por medio los entresijos de una familia destrozada tanto por la enfermedad, por la muerte y por los recuerdos. Espinosa nos sitúan de lleno en el epicentro de un terremoto familiar causado por el acontecer propio de la vida, que se asemeja, aunque de una forma mucho más trágica, a aquellas inercias que marcan la evolución de cualquier familia.
Si bien Els nostres tigres beuen llet no nos explica nada nuevo, o casi nada, del «universo espinosa». La obra es un compendio de temas, de situaciones e incluso de actores habituales que ya conocemos del autor. De esta forma, la propuesta atraerá a aquellos que compartan el cosmos de ideas y principios espinosianos y no gustará a aquellos que no apreciaron los intentos previos del autor. La obra posee además un planteamiento algo abstracto y complejo que puede dificualtar su recepción por parte del espectador.
Espinosa ha optado en Els nostres tigres beuen llet por una actuación minimalista, esto es, a excepción de Benito, el resto de los actores, ya sea en su representación juvenil o adulta, no poseen grandes discursos (en extensión digo) ya que la obra se construye con la suma de los breves textos de cada uno de sus 13 protagonistas. De esta forma pesa más, la mayoría de las veces, la situación escénica que los diálogos entre los mismos protagonistas. Permítanme, sin embargo, que destaque la actuación de Andreu Benito, una de aquellas presencias que llenan el escenario y que derrochan un potencial interpretativo aposentado con el paso de los años. Algo que Espinosa sabe muy bien, y que aprovecha al hacer girar la trama alrededor de la figura y actuación del personaje encarnado por Benito.
A la suya, se suman las interpretaciones de seis jóvenes promesas (Jaume Madaula, Carlos Cuevas, Mikel Iglesias, Daniel Sicart, Albert Baró y Clara de Ramon) y de cuatro actores y una actriz con holgada experiencia (Francesc Garrido, Joan Carreras, Andrés Herrera, Andreu Rifé y Àngela Jové), a la que se suma la actuación del propio Espinosa.
La obra realiza, además, un continuo homenaje al cine, ya sea por el oficio del padre, director de cine al que su enfermedad le obliga a rodar una película para poder explicar a sus hijos lo que sucedió en el pasado; los nombres de los cinco hijos o el propio rodaje fantasmagórico de la ficticia película… Todo ello nos sumerge en la magia del cine (en el teatro), y nos permite entender la influencia que el arte cinematográfico tiene en la vida de muchos de nosotros.
Els nostres tigres beuen llet es un paso más en la actividad creativa de Espinosa que, por desgracia, no nos muestra mucho más de lo que ya sabíamos. Sin embargo posee parte de esa magia que el autor sabe dar a todo aquello que toca, ya sea en la escritura de libros o en, y permítanme que lo cite con fervor emotivo, en la guionización de la película Herois (Pau Freixas, 2010), una de aquellas joyas que iluminan la cartelera cinematográfica muy de tanto en tanto.
Así, pues, ya lo saben… después de leer esta reseña han de proceder ustedes mismos y decidir si van a ver Els nostres tigres beuen llet o no… Yo les recomiendo que no se lo piensen tanto… si son fans de Espinosa la obra les saludará amablemente, sin ninguna pretensión… si no lo son descubrirán o reencontrarán un universo que al menos por su carácter vital y positivista vale la pena. Y si les gusta el teatro contemplarán una propuesta interesante en formatos y conceptos.
«Els nostres tigres beuen llet» se representa en el TNC del 20 de diciembre de 2012 al 3 de febrero de 2013.
Dirección: Albert Espinosa
Reparto: Andreu Benito, Francesc Garrido, Joan Carreras , Andrés Herrera, Albert Espinosa, Andreu Rifé, Jaume Madaula, Carlos Cuevas, Mikel Iglesias, Daniel Sicart, Albert Baró, Àngela Jové, Clara de Ramon y Òscar Blanco
Escenografía: Max Glaenzel
Vestuario: Berta Riera
Iluminación: Kiko Planas
Sonido: Pepe Bel
Producción: Teatre Nacional de Catalunya
Horarios: miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábado a las 17:00 y a las 21:30 horas y domingo a las 18:00 horas.
Sábado 5 de enero de 2013, función única a las 21:30 horas.
A partir del 9 de enero, también miércoles y jueves a las 17:00 horas. Precio: de 19,05 a 38,09 € Coloquio: viernes 11 de enero de 2013 Audiodescripción: sábado 26 de enero de 2013 Espectáculo recomendado a partir de 12 años
No som res, la vida y la muerte desmenuzada desde el punto de vista del humor más característico de Carles Xuriguera y Rafel Faixedas, ex componentes de la compañía de teatro Teatre de Guerrilla.
Durante algo más de dos semanas el SAT! Teatre nos ha propuesto, dentro de su programación BCN Espectacle, el nuevo espectáculo de humor de los componentes, o mejor dicho, de los ex-componentes de la compañía Teatre de Guerrilla, un road movie teatral que nos lleva, a raíz de un pequeño percance en la carretera, a realizar un pequeño viaje a través de la vida y de la muerte, y de los componentes sociales y familiares que rodean a ambas.
Dos primos se quedan tirados en la carretera cuando se dirigían al entierro de su abuelo. El contratiempo, que provoca la discusión entre los dos primos, les obliga a realizar el viaje a pie, lo que les permitirá hablar, discutir y conocerse un poco mejor y llegar a la conclusión de que No som res.
Un recorrido, sí, pero no tan solo el físico, que también lo harán, sino a través de la vida y de la realidad que nos rodea a todos. Carles Xuriguera y Rafel Faixedas se meten en la piel de dos personas normales (¿normales?) a las que la vida, o mejor dicho, la muerte, les da la oportunidad de volverse a encontrar y re-conocerse. Uno de ellos, el “triunfador” abandonó a la familia y el pueblo donde vivía y trabajaba para iniciar una nueva vida. El otro, al que siempre se le ha considerado algo “anormal”, se quedó en la casa familiar, y ha llevado a cabo una vida apartada de los lujos y los convencionalismo que la sociedad y la familia le han intentado imponer desde pequeño.
El desafortunado reencuentro “in itinere” les proporcionará a cada uno de los primos la oportunidad de conocer al otro, de conocer a la persona y sus razones, aunque a veces sea a través de insultos e improperios varios, y reencontrase con las vergüenzas y las tristezas que esconden, de bien seguro, todas las familias, y que se basan y se originan en los intereses, siempre en los intereses, que todos mantenemos y deseamos en esta vida.
La infancia de los dos primos, las experiencias sentimentales y sexuales de ambos, la herencia del abuelo, el trabajo y las responsabilidades en la empresa familiar, la higiene y el orden vital de los dos primos… todos estos temas y más irán saliendo a lo largo de la hora y veinte minutos que dura el espectáculo, que no solo arrancará más de una carcajada del público, sino que nos hará pensar, algo básico en el teatro, y resituar la acción en nuestra propia experiencia vital y familiar, y nos permitirá descubrir como a veces la realidad que nos rodea es más artificial y más irreal que la propia existencia, y como la visión y la opinión que tenemos de los otros se basa, las más de las veces, en nosotros mismos más que en los demás.
La propuesta escenográfica de la obra es digna, también, de ser referida en la parte final de esta reseña. El camino que han de recorrer los dos primos a través de su viaje de conocimiento se resuelve de una forma sencilla: dos cintas de gimnasio situadas en paralelo permitirán a los dos actores simular el camino, a lo que ayuda una gran pantalla audiovisual que permite mostrar, aunque de forma bastante esquemática (no son los paisajes lo que interesa), los lugares por los que avanzan los dos primos. ¡¡Incluso la simulación de una tormenta tendrá lugar durante el espectáculo!!
Ya por último solo me queda hablar de la actuación de los dos únicos actores de la obra: Carles Xuriguera y Rafel Faixedas. Los dos ex-componentes de la Compañía Teatre de Guerrilla nos ofrecen un espectáculo muy en línea con su trayectoria teatral anterior, en la que la conversación filosófico-vital, las salidas inesperadas, los gestos, y un sentido del humor muy peculiar sazonan el texto del espectáculo y en la que el director, Francesc Serés, les ha permitido seguir evolucionando teatralmente en un camino muy definido y marcado, un espectáculo que encaja como guante a la mano para la compañía Xuriguera/Faixedas, y que hará las delicias de aquellos que conozcan la trayectoria de Teatre de Guerrilla.
Tendremos que esperar, sin embargo, y ver que nuevos proyectos nos presenta la nueva marca teatral en el futuro.
“No som res” se representó en el SAT! Teatre del 19 de noviembre al 6 de diciembre de 2010.
Autor: Francesc Serés
Intérpretes: Carles Xuriguera y Rafel Faixedas
Asesoramiento artístico: Hans Ritcher
Luces, sonido y efectos: Cesc Pastor, Dani Tort y Jordi Vilà
Música: Dr.Mashirito y Sanjosex
Diseño pantalla: Miquel Casals y Ernest Forts
Compañía: Xuriguera/Faixedas
Horarios: Jueves y viernes a las 21:00 horas; sábados a las 21:30 horas y lunes y domingos a las 18:30 horas. Precio: 16 €. Idioma: Catalán Duración de la obra: 1 hora y 20 minutos
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