«El arte desarma tu cabeza», en la Biblioteca Manuel Arranz del Poblenou.

2 octubre, 2013 Culturalia Deja un comentario

El próximo sábado 5 de octubre el arte desarmará la cabeza de grandes y pequeños frente a la Biblioteca Manuel Arranz del Poblenou.

En el marco de la presentación al público de “Petit Poblenou”, una plataforma de pequeños comercios del barrio orientados al público infantil y familiar, se realizará el sábado, 5 de octubre, frente a la biblioteca Manuel Arranz, un original evento que promueve la relación entre a lectura, la plástica y el juego. Veinticuatro de entre los más reputados artistas e ilustradores de libros infantiles se dan cita en Poblenou para ilustrar en directo un rompecabezas gigante. La acción lleva por título El arte desarma tu cabeza.

Este encuentro, organizado por un conjunto de pequeñas editoriales especializadas en literatura infantil, propicia el acercamiento de los artistas a su público a partir del armado y la ilustración colectiva de un rompecabezas gigante. Cada uno de los veinticuatro ilustradores invitados, tendrá a su cargo la ilustración de dos caras de alguno de los doce cubos de 1 m³ que formarán el rompecabezas, el cual alcanzará unas dimensiones totales de 2x3x2 m. Una vez concluido el trabajo, todos los cubos se desordenarán y se invitará al público a recomponer libremente el rompecabezas, formando así imágenes nuevas y sorprendentes

Esta iniciativa retoma una propuesta de la editorial “Pequeño editor” que tuvo lugar el año pasado en Buenos Aires. A través de este intercambio lúdico, adultos y niños fortalecen su relación creativa con las palabras y las imágenes, haciéndolas parte de su vida cotidiana.

Entre los artistas que participarán se encuentran nombres como Ramón París, Gusti, Sergio Mora, Joan Negrescolor, Arianne Faber o Gustavo Roldán, entre otros.

La celebración de El arte desarma tu cabeza ha logrado reunir a un buen número de pequeñas editoriales de prestigio especializadas en el álbum ilustrado infantil. Forman ese grupo: Thule, Kalandraka, Libros del Zorro Rojo, A Buen Paso, Ekaré, SD Edicions, Takatuka y Pequeño Editor.

Petit Poblenou es una plataforma de reciente creación que busca potenciar y fomentar la cultura y el comercio de barrio en Poblenou desde una perspectiva y con una orientación claramente infantil. En el momento de su presentación en sociedad, la integran trece negocios comprometidos con el consumo responsable, la cultura de barrio y la atención profesional y especializada a los más pequeños de la casa.

Evento: El arte desarma tu cabeza
Fecha: Sábado 5 de octubre de 2013
Hora: 11:00 horas
Lugar: Poblenou, Biblioteca Manuel Arranz (c/ Joncar, 35)

Cine

Crítica cinematográfica: La herida, de Fernando Franco

1 octubre, 2013 robertculturalia Deja un comentario

El cine puede ser un magnífico instrumento de entretenimiento, por supuesto, una herramienta ideal con la que evadirse de la realidad, pero también puede –y debe– utilizarse de un modo distinto, más comprometido socialmente, un soporte para contar historias veraces que den visibilidad a los problemas diarios que padecen unos pocos, a menudo ignorados por la mayoría de nosotros. Dentro de este segundo grupo se encuentra La herida, el debut como cineasta de Fernando Franco, hasta ahora dedicado a tareas de montador (Alacrán enamorado o la multipremiada Blancanieves) y que se ha decidido por un relato duro que supone un golpe directo al estómago del espectador, quien acompañará en su sufrimiento a Ana, una joven que lucha con todas sus fuerzas para superar el Trastorno Límite de la Personalidad que convierte su día a día –y el de los suyos– en un auténtico infierno.

Así, La herida concentra, en algo más de una hora y media, todo un año en la vida de esa joven que intenta seguir con su rutina sin saber qué es exactamente lo que, desde lo más hondo de su interior, le impulsa a autolesionarse con una cuchilla o a quemarse los brazos con cigarrillos, a pasar las noches sin pegar ojo, a responder de forma agresiva a todo aquel que pretenda romper esa barrera invisible que se convierte en abismo entre ella y el resto de la gente, personas que, en su opinión, apenas se esfuerzan en comprenderla; tan solo un anónimo interlocutor en un chat al que confesar sus deseos más oscuros le hace más llevadera la situación. La herida de Ana es más profunda que cualquier daño físico que pueda provocarse, ella es consciente de que algo no funciona, su existencia es un desastre salvo cuando está en su trabajo, en su ambulancia de traslado camino del hospital, ayudando a Martín en sus ejercicios para no perder la memoria o bromeando con las otras pacientes dentro del vehículo. Pero fuera de él, ay, fuera de él Ana se siente insignificante y solo desea reunir las fuerzas necesarias para terminar con su sufrimiento de una vez por todas.

Marian Álvarez, en un fotograma de la película — Marian Álvarez, en una imagen de la película

Fernando Franco deja a un lado la visión de los familiares y amigos –sin saber cómo ayudar a la muchacha– para centrarse en Ana y en su propia percepción de la realidad; por ese motivo, en todo momento sitúa la cámara a poca distancia de Marian Álvarez, la entregada intérprete que supera con matrícula de honor el difícil reto de mostrar el dolor de su personaje y su camino a la autodestrucción, un mérito que ya ha visto recompensado con el premio a la mejor actriz del Festival de Cine de San Sebastián (donde la película también recibió el premio especial del jurado). Álvarez convence en sus cambios de humor, pasa del llanto a la rabia sin perder su apariencia vulnerable, muestra toda la frustración de quien no logra evitar ese comportamiento inexplicable; junto a ella, Rosana Pastor (la madre de Ana), Manolo Solo (Jaime, el compañero de Ana en la ambulancia) y Ramón Barea (Martín) completan el reparto.

La herida no es un producto fácilmente digerible, el film tendrá tantos defensores como detractores, pero lo cierto es que el resultado final es una apuesta valiente, una excelente película muy bien rodada que da voz a una enfermedad que arrasa no solo a quien la padece en primera persona, sino también a su entorno más inmediato, incapaz de ayudarle en su recuperación. Por todo ello, no dejen sola a Ana en su fragilidad cinematográfica, y no dejen solos a quienes, como ella, intentan superar su trastorno para, así, dejar atrás su infelicidad.

Título: La herida
Director: Fernando Franco
Intérpretes: Marian Álvarez, Rosana Pastor, Manolo Solo, Andrés Gertrudix, Ramón Agirre, Ramón Barea, Patrizia López, Luis Callejo, Mariano Estudillo, Mikel Tello, Paco Obregón, Iñaki Ardanaz, Josu Ormaetxe, Nagore Aranburu, Loinaz Jáuregi, Elena Arranz Martínez, Estela Sánchez Murillo, Anartz Zuazua
Guión: Fernando Franco, Enric Rufas
Año: 2013
Duración: 98 minutos

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Escrito por: Robert Martínez

Entrevistas

Compañía Elejedelmal: “Mareamos al público para que luego vomite.”

28 septiembre, 2013 juanmarea Deja un comentario

Gerard Nicasi, director, es la calma. Marc Ribera, actor, la tempestad. Navegar por estas “Cèl·lules T” será accidentado y apasionante.

Gerard, de claro; Marc, oscuro

¿Qué son las células T?
Marc: Son las defensas del cuerpo. El Colectivo Positivo las conoce muy bien. A medida que avanza la infección de VIH en un enfermo , estas disminuyen. En el fondo, todos somos unos supervivientes. Por el simple hecho de no estar muertos. No somos más que células T.

El espectáculo se basa en la obra “T-Cells and Sympathy” de Michael Kearns. Se le cayó la “simpatía” a vuestra adaptación.
Gerard: Seamos claros: Los monólogos que integran nuestra obra son historias muy crudas. Nos pareció que mantener en el título la palabra “Simpatía” podía inducir a error y decidimos quedarnos con lo básico, las “Células T”.

¿Qué hay en común en los monólogos seleccionados para este montaje?
G: Su humanidad. Al hacer la selección de entre los treinta y cuatro que componen la obra original, intentamos que todos ellos permitieran al espectador identificarse. Más allá del hecho de que todos hablen del SIDA, en la puesta en escena hemos buscado ese acercamiento al público a partir de la simple mirada del actor.

Decís que vuestra visión de la realidad es “cruda, clara y directa”. ¿Hacéis denuncia?
M: La denuncia la hace el espectador. Es él quien debe reflexionar para llegar a sus propias conclusiones. Nosotros le ofrecemos un material con alta carga emocional. Le mareamos para que luego vomite.

¿Por qué este texto?
G: Nosotros queremos que deje de estigmatizarse esta enfermedad. Hoy en día aún existe el miedo a tocar a enfermos o a besarles por el temor del contagio. Y nosotros decimos: “Esto ya ha pasado. Hemos evolucionado. ¡Tranquilos, no pasa nada!”. Kearns, además de ser enfermo de SIDA, siempre ha sido un activista del tema. Para él, estos monólogos son su testamento teatral.
M: Lo que a mí me fascina del SIDA es que a través del amor transmite la muerte. “Eros” y “Thanatos”. No existe el sexo seguro pero sí podemos poner barreras al avance de este virus.

¿El teatro puede escandalizar?
G: Sí y eso es bueno. Porque así el espectador conoce e incluso puede rectificar cuando haga falta. En resumidas cuentas, pierde el miedo.

¿Qué rasgos caracterizan a Elejedelmal?
M: Queremos estar atentos a la realidad y explicarla después sin decorarla. Nos gusta el hiperrealismo e integrar directamente al público en el espectáculo.

Gerard: ¿Cómo resumirías el proceso de preparación de una obra de teatro?
G: El teatro es un trozo de vida a pocos metros y te lleva a todo un mundo. Los primeros días de ensayo son de caos total. ¡No entiendes nada! Pero a partir de un momento determinado, parece que todo se ordene solo. Entonces empieza a hincharse como si fuera un soufflé.

Marc: Háblanos de “Joey”, tu personaje.
M: A mí me gusta mucho trabajar desde el exceso, desde la desgracia. Aunque luego vaya a hacer una comedia estilizada. Yo gestiono bien ese exceso, incluso en mi vida personal. Elegí mi personaje porque me pareció el más excesivo y desgraciado. Porque es una persona viva.

Las interpretaciones de los actores son contenidas.
G: Lo pedía el hiperrealismo que buscábamos. Hasta nos documentamos con un experto.
M: Así el público ve algo vivo: relaciones humanas. Huimos del estereotipo. ¡Se puede ser gay y tener sentimientos!

¿Cuáles han sido las últimas obras que os gustaron?
M: A mí me encantó “Hedda Gabler” en el Teatre Lliure.
G: “Sé de un lugar” de Iván Morales.
M y G: ¡Y “El loco y la camisa” de la Compañía Banfield Teatro Ensamble!

¿Qué ha supuesto que el SIDA se instalara en nuestra sociedad contemporánea?
M: Pues que se trajera el miedo y que se volviera a señalar a la gente. Los médicos se negaban a dar tratamiento a los pacientes. ¡Y a los que morían de esta enfermedad les envolvían con bolsas de basura! Ello demuestra una vez más que los humanos somos asquerosamente crueles. El virus del SIDA encaja mucho en la sociedad de hoy en día.

¿Cuál es el “Mal” actual de esta sociedad?
M: La falta de respeto hacia uno mismo. La ignorancia oculta tras la máxima de “todo es correcto”. (De eso los catalanes sabemos mucho con el “aquí no passa res!”.) Evitamos continuamente el sufrimiento. Y resulta que, en el fondo, todo es una desgracia: desde las relaciones íntimas hasta la política. Pero si aceptas la desgracia, las cosas empezarán a salir bien.

Por Juan Marea

«Cèl·lules T» se representa en la Sala Porta 4 de Barcelona hasta el domingo 29 de septiembre
http://porta4.cat/programacion-mas-info.php?id=156

Teatro

“Orgia” de The Mamzelles: Voto de castidad obligado

27 septiembre, 2013 juanmarea 2 comentarios

Tres eran tres las hijas del Rey. Y las tres deberían hacerle los honores.
¡Venga, pues! Pizpiretas cuando están juntas, The Mamzelles tienen su encanto y lo exhiben en cuanto se les presenta la ocasión. Juntas, se complementan como pocas. Su condición de “starlettes” se afianza paso a paso y nos las impone como una rara avis en el panorama del music hall catalán.

Y por separado hasta tienen entidad propia: Bàrbara Mestanza, animosa y procaz, enloquece en la pista de baile. Paula Màlia, falsa mosquita muerta (como todas, no es ninguna novedad), aventaja en el ritmo del diálogo. Y Paula Ribó, frágil y versátil, vuela cuando entona con su registro lírico.

“The Mamzelles” andan metidas estos días en un fregado que no habrá forma de que quede reluciente. La “orgía” que se montan es un disparate descomunal que, avergonzado de los tintes que va adquiriendo conforme avanza la ¿acción?, se repliega más y más en sí mismo para acabar siendo un producto inane del que difícilmente poder escapar con vida.

El texto de Àlex Mañas apunta ideas oportunas en algunos casos: La cosificación del individuo para llegar a ser “valorado” por los demás; la dependencia emocional consecuente. Y chispea cuando insiste en temas más bien oportunistas: El enfrentamiento a bocajarro de las dos tendencias más extendidas hoy en día en este supermercado de la autoayuda en que nos vendemos al charlatán más desprejuiciado. ¿Dejamos fluir la vida y nosotros nos hundimos en su flujo o bien nos multidirigimos hacia nuestros inalcanzables objetivos de felicidad de pacotilla?.

Pero la dramaturgia ni encuentra su tono (lo que empieza como una comedia de “buen rollo” de “friendgirls for life” intenta acabar como un rosario en el que la “aurora” de marras resulta que había quedado ya) ni transmite la menor sensualidad o morbo (a pesar de los desnudos tan generosos como gratuitos de sus protagonistas). Tampoco el estilo musical elegido para vehicular la historia resulta convincente: El ritmo electropop se lleva a matar con esas letras de “Al salir de clase” a la catalana.

¿Y qué pasó con las princesas? Pues que estuvieron exultantes cuando las dejaron recurrir a su ingenua picardía, sobre todo cantando, e imposibles tomándose en serio este experimento fallido.

por Juan Marea

Mamzelles descolocadas

“Orgia” se representa en el ciclo “Aixopluc” del Teatre Lliure de Barcelona hasta el domingo 29 de septiembre
http://www.teatrelliure.com/ca/noticies/primer-aixopluc-mamzelles-teatre

Teatro

“Els músics del silenci“ de la Compañía Mummenschanz: El patio de mi casa es universal.

27 septiembre, 2013 juanmarea Deja un comentario

¿Cómo se explica un patio de butacas lleno de niños después del crepúsculo?
¿Quién entiende que a los pocos instantes de iluminarse el escenario la platea estalle en carcajadas sin que los actores hayan dicho ni una palabra?
Intentaremos averiguarlo.

El impacto visual de este espectáculo es tal que le bastará desplegarse en una retahíla de «sketchs» por los que se paseen los personajes más disparatados sin venir al caso.
Pero no, no es así exactamente.

El caso es que los suizos Mummenschanz convocan con generosidad en el escenario del Barts de Barcelona un grupo de criaturas escénicas encantadoras: Manos gigantescas que descorren con encantadora desenvoltura el telón para disparar poco después al público hechizado. Tubos interminables que se contraen y dilatan ante las adversidades del trayecto. Seres enmascarados de facciones infinitamente cambiantes en un duelo gestual sin piedad. Un juego constante de figuras y formas que se cruzan, se oponen y felizmente se combinan para celebrar sin rubor alguno los cuarenta años de la Compañía.

Este universo delirante nos resulta muy fácil de transitar por su cercana poética. La belleza del espectáculo emana de una equilibrada plasmación de emociones a partir del recurso al color, la geometría espectacular de los personajes y su movimiento en escena en un constante impulso acrobático.

Dichos “músicos silentes” no son tímidos en absoluto. Más bien sabios a la hora de probar cómo el lenguaje universal de signos y símbolos abre en canal la comunicación. Y que multitud de consignas pueden ser entonces invocadas.
¿Y qué pasa con el fondo? Pues que se desdibuja tras el desfile constante de escenas. Ello lastra parcialmente el valor sugestivo de esta propuesta, obcecada en demostrar una y otra vez el “más difícil todavía”.

Lo que ya hemos averiguado unos párrafos más arriba ahora debemos constatar: El espectador, embelesado, se siente mimado. Sin apenas azote a su conciencia, la ternura y el humor inmaculado le sumen en un agradecido recreo.

Por Juan Marea

Si somos flexibles, podremos jugar.

“Els músics del silenci” se representa en el Barts de Barcelona hasta el domingo 29 de septiembre.
http://www.barts.cat/
http://www.mummenschanz.com/

Música

Concierto Revolver, en la Sala Barts (Barcelona).

26 septiembre, 2013 Culturalia Deja un comentario

El próximo jueves 3 de octubre Revólver actuará en la sala Barts de Barcelona en el marco de la gira eléctrica presentación de Enjoy, su nuevo trabajo discográfico. Una buena ocasión para disfrutar con la música del grupo valenciano liderado por Carlos Goñi.

El pasado mes de febrero y tras tres Básicos acústicos, Revólver grababa en la Sala Joy Eslava lo que sería su nuevo trabajo discográfico, un álbum en directo eléctrico que también saldrá publicado en DVD. El sold out a los pocos días de salir las entradas a la venta, y la larga cola de la entrada, anunciaban lo que sería una gran noche.

No hay mañanas abría el concierto. Mestizo, Tiempo pequeño o Si no hubiera que correr fueron otros de los grandes éxitos escogidos por el artista. Como colaboración especial en Dos por Dos contaba con la presencia de otro de los míticos rockeros del panorama español, Miguel Ríos. Y como colofón final, temas como El Dorado, San Pedro o Tu y yo fueron los escogidos para cerrar la velada despidiéndose de tan entregado público y agradeciendo su asistencia.

Afortunadamente y para todos aquellos que no pudieron disfrutar de esta gran noche, Revólver comenzó a partir de junio una gira eléctrica que recorre las principales ciudades españolas y que llegará a BARTS el día 3 de octubre.

Concierto: Revólver
Fecha: 3 de octubre 2013
Horario: 21:00 horas
Precio: de 25 a 35 € (+ gastos de gestión)

PRÓXIMOS CONCIERTOS:

3 octubre BARCELONA – Teatre Barts
4 octubre MADRID – La Riviera
5 octubre ZARAGOZA – Sala Oasis
10 octubre VIGO (PONTEVEDRA) – Sala La Fábrica de Chocolate
11 octubre SANTIAGO DE SOMPOSTELA – Sala Capitol
17 octubre BILBAO – Kafe Antzokia
19 octubre SEVILLA – Sala Custom
24 octubre SANTANDER – Sala BNS
25 octubre OVIEDO – Sala por determinar
26 octubre VITORIA – Sala Jimmyjazzgasteiz
8 noviembre GRANADA – Sala Forum Plaza
9 noviembre CÓRDOBA – Sala Góngora
22 noviembre ALMENDRALEJO (BADAJOZ) – Sala San Patrick´s
28 noviembre VALLADOLID – Sala Porta Caeli)
29 noviembre TUDELA (NAVARRA) – Sala Noboo

Entradas: http://www.ticketmaster.es/nav/es/index.html

Más información: http://es-revolver.com/

Crónica concierto: Revólver, en la sala Barts

Teatro

“Cèl·lules T” de Elejedelmal: Nueve negritos que sobreviven.

25 septiembre, 2013 juanmarea 4 comentarios

Dejemos paso. Que vienen nueve distinguidos invitados.

Maria Hernàndez en carne y manifiesto

Para no despertar falsas expectativas, les dejaremos que se mezclen entre la multitud congregada para ver el espectáculo.

Y no solo eso: al llegar a Porta 4, se nos pide amablemente que nos identifiquemos. Aquellos nueve elegidos y nosotros vamos a formar un espacio escénico estremecedor.

Los nueve lo son porque serán juzgados implacablemente. En el transcurso de una terapia, uno tras otro irán desmarcándose. Juntos perfilarán el cordón umbilical que les une. El mismo que también les aleja de la comprensión ajena.

Gerard Nicasi, director, alinea pues a un grupo de actores que busca su lugar bajo el sol sin más apoyo que su capacidad expresiva y su habilidad para hacer creíbles personajes deliciosamente humanos porque a medida que van desgranando su lamento, a lo largo de estos nueve monólogos, deben esquivar el peligro de quedar sepultados por el desgarro de la sobreactuación. Nicasi, generoso, les mima al despojarlos de cualquier artificio escenográfico. Nicasi nos maltrata a cambio pues no nos deja mantenernos al margen. Nicasi, finalmente, triunfa: El esfuerzo de los primeros hace mella en nosotros y convierte en estupor la alerta creada inicialmente.

Nicasi y sus nueve presentan en sociedad la Compañía Elejedelmal y su talante coral casa bien con la estructura de la dramaturgia: Una selección de nueve discursos dramáticos de la recopilación “T-Cells and Sympathy” de Michael Kearns.
Para divulgar, hacer pedagogía y emocionar sobre los estragos del SIDA abordándolo desde una multitud de combinaciones posibles, paradojas de esta vida en la que el dedo que acusa (magnífico David Teixidó como hemofílico desde una socarronería inolvidable; enérgico Francesc Vila cuyo conflicto interno de sacerdote homosexual altamente practicante se traduce acertadamente en una ira finalmente descontrolada) suele ser finalmente ajusticiado.

La misma vida que no duda en declarar el determinismo de quien se convierte en desalmado emocional por haber sido antes vilipendiado (desquiciada Maria Hernàndez al vomitar sus traumas infantiles y ya no ser capaz de restablecerse jamás sentimentalmente; carismático Marc Ribera que exhibe una estupenda versatilidad al narrar su conversión de chapero ocasional en asesino brutal).

Pero es que además esta obra rompe ideas preestablecidas: Ni todos los personajes que sufren son homosexuales (elegante Mar Pawlowsky como testigo cuasimudo de la pérdida de un ser queridísimo; convincentemente cotidiana Anna Elias al admitir con generosidad que ama aún más a su pareja cuando asume que él es homosexual). Ni son necesariamente los “temibles maricas” los que quedarán letalmente condenados (tierno Xavier Grivé que de cola de león a la sombra del insigne Rock Hudson pasa a admirable cabeza de ratón cuando decide cuidar a quien infectado le desvirgó; resuelto Eric Balbàs implorando afecto desde su paradoja antropomórficosexual).

Además, también estas “células” nos sirven para reflejar la ironía de la condición amatoria: El “gay” reprimido que alza poderosamente su voz al tomar el testigo de su propio hijo (un Gal Soler con oficio y beneficio).

Obviemos cierto histrionismo en algunas interpretaciones y subrayemos la contención corporal de todas ellos. Relativicemos que el desenlace no está a la altura de las circunstancias por no resolver coherentemente el naturalismo perseguido a lo largo de toda la representación. Tampoco nos pesará demasiado cierta reiteración en el ritmo. Porque las “células” de Elejedelmal tienen vida propia y combaten con tesón.

por Juan Marea

Eric Balbàs y la magnitud de su tragedia

“Cèl·lules T” se representa en la Sala Porta 4 de Barcelona los domingos de septiembre
http://porta4.cat/programacion-mas-info.php?id=156

Música

Novedad discográfica: Val Miñor-Madrid, Historia y Cronología del Mundo, de Iván Ferreiro

25 septiembre, 2013 robertculturalia Deja un comentario

En la década de los 90, Los Piratas se convirtió en una de las bandas más influyentes del pop-rock nacional, una carrera exitosa que llegó a su fin en 2003. Tras la disolución del grupo, su líder, Iván Ferreiro, apenas se tomó un par de años de descanso antes de publicar el primer trabajo sin sus antiguos compañeros, Canciones para el tiempo y la distancia, con el que emprendió una sólida trayectoria que le ha convertido en uno de los músicos más reconocidos y solicitados de este país. Ahora, ocho años después de ese debut en solitario, el gallego publica Val Miñor-Madrid, Historia y Cronología del Mundo, su sexto disco, un LP que pretende explicar la historia de ese nuevo mundo que ha ido creciendo ante él en los últimos tiempos.

Ferreiro confiesa que su anterior trabajo de estudio, Picnic extraterrestre, fue el más amargo de su carrera y significó el final de una etapa, por lo que ahora tenía muchas ganas de divertirse, de “hacer un disco que fuera alegre y hablara de cosas buenas”, y de esta manera nació Val Miñor-Madrid, Historia y Cronología del Mundo, un álbum más luminoso y optimista de lo que en él es habitual que el músico gestó en los últimos tres años, entre concierto y concierto y junto a su hermano Amaro. Iván ofrece un viaje a su propio mundo, un universo personal que une sus dos hogares: Val Miñor y Madrid, al mismo tiempo que nos explica su propia historia en el libreto que acompaña el disco, un relato que arranca con el primer día que el artista recuerda de su vida, el 20 de febrero de 1973, cuando aún no había cumplido tres años. Así, sus seguidores conocerán los referentes más cercanos del gallego (ya sean cinematográficos, literarios, televisivos o del mundo del cómic), elementos con los que ha confeccionado las 12 canciones del CD (con dos temas adicionales, El Fin de la Eternidad y Solaris, para quienes adquieran la edición especial del disco, en la que también se adjunta un juego de mesa).

Iván Ferreiro, en una imagen promocional de su nuevo disco

Con sus alegres composiciones bajo el brazo, Iván Ferreiro se trasladó hasta Barcelona el pasado mes de junio, concretamente hasta los estudios Blind Records, para grabar su nuevo trabajo, confiando las labores de productor en Ricky Falkner. En sus instalaciones Iván reunió a sus habituales cómplices (Amaro Ferreiro y Emilio Saiz a las guitarras, Pablo Novoa a los teclados, Ricky Falkner al bajo, Xavi Molero a la batería y Santos Berrocal a la percusión) con artistas/amigos invitados de la talla de Julieta Venegas (Alien Vs Predator), Marc Ros (de Sidonie), Matthew Simon y Marc Batallé. Y de esas sesiones surgieron canciones como El bosón de Higgs (el tema que abre el disco y que nos descubre la profesión frustrada del músico: científico), El dormilón (el primer single), las referencias televisivas en Twin Peaks, Cómo conocí a vuestra madre y Chainatown (citando a Chaín, su pueblo), baladas como El Resplandor y Brazil, y así hasta un total de 12 canciones que sirven para confirmar que Iván Ferreiro se encuentra en un momento personal muy dulce, muy feliz.

La gira de presentación de Val Miñor-Madrid, Historia y Cronología del Mundo se iniciará un mes después de la publicación del disco, el 25 de octubre en la sala Razzmatazz de Barcelona, y a esa cita le seguirán sus actuaciones en Madrid (el 26 de octubre en la sala La Riviera), Valladolid (8 de noviembre), Ciudad Real (9 de noviembre), Santiago de Compostela (15 de noviembre) y Bilbao (30 de noviembre).

Título: Val Miñor-Madrid, Historia y Cronología del Mundo
Autor: Iván Ferreiro
Discográfica: Warner
Fecha de publicación: Septiembre 2013
Precio: 22,99 €
Más información: http://historiaycronologiadelmundo.com/

Teatro

Crítica teatral: Un trozo invisible de este mundo, en el Teatre Lliure.

24 septiembre, 2013 Culturalia Deja un comentario

Gabriel Celaya afirmaba que la poesía era una arma cargada de futuro. Un trozo invisible de este mundo pretende especificar que el teatro es una arma cargada de reivindicación y protesta, utilizada en este caso para hablar y sensibilizar al espectador sobre la angustiosa realidad de la inmigración y el exilio en un mundo, el actual, en el que la globalización nos permite conocer e incluso experimentar las realidades propias de cualquier rincón del mundo y al mismo tiempo potencia el control del mismo por parte de los poderes económicos y políticos más despiadados del planeta.

La propuesta de Producciones Cristina Rota y Teatro Español aterrizó el pasado 12 de septiembre en el Teatre Lliure con la intención de concienciar al público barcelonés de la lacerante situación en la que viven muchos inmigrantes, provocada principalmente por la falta de documentación legal que acredite sus aspiraciones de «ser». Un comienzo de temporada para el Lliure que lo enlaza con la anterior campaña teatral en la que pudimos ver los devastadores efectos del racismo y el odio en el memorial escénico Hate Radio.

Juan Diego Botto es el autor de un proyecto dirigido por el también actor Sergio Peris-Mencheta y en el que él mismo reconoce que su sensibilidad personal está implicada, como exiliado, junto a su familia, de la Argentina sojuzgada por Videla tras la desaparición de su padre en el año 1977. La obra se divide en cinco monólogos que nos muestran diversas micro-realidades que nos ayudan a re-construir una realidad global más general en la que la inmigración, la represión, la ilegalidad y el exilio están muy presentes. Desde los funcionarios que tratan con los inmigrantes internados en los CEIs (Centros de Internamiento para Extranjeros); a la fractura de los lazos afectivos y de comunicación; la humillación y el maltrato que sufren los inmigrantes por parte de ciudadanos «legales» del país de acogida; o los efectos de la represión política y la situación de desprotección y exclusión que muchos de ellos padecen en los países en los que acaban recalando.

Un trozo invisible de este mundo, alusión que evoca a lo inmaterial de muchas de las experiencias humanas que comparten los inmigrantes, apuesta por un texto férreo y duro, aunque en él también hay lugar para el humor, sobre todo en las primeras dos historias. Aún así la propuesta no deja indiferente a nadie ya que sube al escenario una realidad por todos conocida pero de la cual nos intentamos alejar, al menos inconscientemente, debido a los elementos de debate ideológico, moral e institucional que su aproximación conlleva. La obra, por otra parte, posee un ADN compuesto principalmente de realidad, la que vemos por las calles o en los titulares de las noticias que acostumbramos a leer o ver en los medios de comunicación, normalmente tiznadas de pobreza, ilegalidad y criminalidad.

Los cinco monólogos están interpretados por el propio Botto, en cuatro ocasiones, y por la actriz y cantante Astrid Jones, que hace suyo uno de los momentos más intensos de la obra. Esta se desarrolla sobre un espacio que nos muestra la cinta de llegada de equipaje de un aeropuerto, como símbolo de arribada de almas y experiencias diversas con el solo objetivo de construir la vida justa y digna a la que no han podido optar en sus respectivos países, oprimidos la mayoría de las veces, no lo olvidemos, por la riqueza del primer mundo en el que habitamos nosotros.

El éxito de Un trozo invisible de este mundo se puede constatar de manera efectiva al comprobar el índice de asistencia de público y el fervor de los aplausos finales, una fogosidad muy rara de ver en el teatro y que confirma lo acertado de la propuesta. Aunque seguramente, lo más importante no es el grado de aprobación del producto, sino si la obra puede conseguir, o mejor dicho, si el teatro como metodología puede conseguir concienciar a la población respecto a la temática que analiza o si la gran mayoría del público que tanto aplaudió al finalizar la representación, incitados por la temática de la obra y su visceral apuesta por la humanidad que dicen reside en la mayoría de nosotros, cuando regresa a su casa vuelve también a su posición cómodamente inactiva e inconscientemente contemplativa, que abandonó en parte al ir al teatro, dejándose arrastrar por los medios de comunicación, manoseados conscientemente por otros, y que en muchas ocasiones van poco más allá de entretener a una audiencia aburrida y fastidiada para inculcarle a través de estratos y estratos de información banal, que el mundo es para aquel que se lo merece y que lo mejor que pueden hacer es consumir todo lo que puedan y seguir votando a aquellos políticos que les aseguran su tranquilidad social y la creación de todos los obstáculos posibles para que aquellos que vienen de fuera y que amenazan sus logros, queden trabados en un mar embravecido, en los alambres de espinas en que culminan los muros de la exclusión o en los compartimentos de carga de una furgoneta mal acondicionada.

«Un trozo invisible de este mundo» se representa en el Teatre Lliure Montjuïc del 12 al 29 de septiembre de 2013.

Autor: Juan Diego Botto
Dirección: Sergio Peris-Mencheta
Reparto: Juan Diego Botto y Astrid Jones
Escenografía: Sergio Peris-Mencheta y Carlos Aparicio
Vestuario y atrezzo: Carlos Aparicio
Iluminación: Valentín Álvarez
Espacio sonoro: Carlos Bonmatí
Música original: Alejandro Pelayo
Producción: Producciones Cristina Rota y Teatro Español

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: 22€ – 29€; martes y miércoles, día del espectador / 24,65 € con descuento
Idioma: castellano
Duración: 1 hora y 40 minutos sin pausa
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Jorge Pisa Sánchez

Música

Crónica concierto: Kool & the Gang, sala Luz de Gas.

23 septiembre, 2013 Culturalia Deja un comentario

El pasado 10 de septiembre la mítica formación musical Kool & the Gang visitó Barcelona. Aunque en un principio el lugar escogido para la actuación era el Sant Jordi Club al final, y por razones seguramente de aforo, el concierto se celebró en Luz de Gas.

¡Primer acierto! Aunque la sala posee un escenario algo reducido, sobre todo para un grupo numeroso como Kool & The Gang, el espacio y el ambiente ofrecieron un entorno de lujo para el concierto. Si bien este comenzó con unos 30 minutos de retraso, el veterano grupo de jazz, soul y funk enseguida se metió al público en el bolsillo. La estrategia fue fácil: canciones añadas pero populares (hiperpopulares, diría yo!!), un ritmo entusiasta que no decayó en ningún momento; un ostentoso dominio del escenario y de la coreografía musical por parte de los miembros del grupo y grandes ganas de pasárselo bien que pronto se transmitieron a los asistentes.

El concierto fue cogiendo brío a medida que fue avanzando, si bien todo él estuvo plagado de los grandes éxitos de Kool and The Gang: el espectáculo arrancó con temas como Cherish, Joanna, Fresh o Jungle Boogie a través de los cuales se fue desarrollando en un crescendo de ritmo y contundencia musical rematado al final con los grandes temas de la banda: Get Down On It, Lady’s Night, y, como un falso bis tras abandonar el escenario y un breve solo de batería, Celebration la guinda final que sirvió de despedida.

En la sala, aunque poblada de un auditorio de edades diferentes, predominó el público adulto / maduro / experimentado (escoge el adjetivo que más te guste y tacha el resto), el cual hizo un acto masivo de presencia y se derramó canción tras canción, compartiendo e incluso participando activamente en el resultado final del concierto. Todo ello, claro está, también en un crescendo que acompañó a la «estrategia musical» de la banda.

Por su parte, el escenario, tal vez algo pequeño, se rindió a la grandeza musical de un grupo que supo crear un tipo de música propia y que la ha sabido mantener viva, no tan solo en el recuerdo de los que la vivieron sino también en la actuación musical que llevaron a cabo en la sala Luz de Gas.

He de indicar, para dar el tinte veraz a esta crónica, que el sonido no fue el óptimo durante la interpretación de alguno de los temas, algo que no se si se debió a aspectos técnicos de la actuación o al volumen del concierto, resultado de lo que se cantaba sobre el escenario y en la pista de baile, un global que se convirtió, sobre todo durante los temas más conocidos de la banda, en una auténtica marabunta de sonido y de ritmo jazzsoulfunkero.

Kool and The Gang representa un hito de la música de los años 70 y 80. Sus canciones son de esas que, te guste el grupo o no, conozcas a la formación o no, te suenan y en la mayoría de los casos, tienes la sensación de que te han acompañado a lo largo de tu vida, ya sea como atolondrado adolescente; como joven avispado e imprudente o como adulto gustoso de revivir parte de la felicidad que uno experimentaba cuando escuchaba esos temas en el pasado.

Dicen algunos que el mundo de hoy no sería lo que es si no hubiera existido la música de los años 70 y 80. Yo me sumo al razonamiento agregando: ¿sería el mundo el mismo sin la música de Kool and The Gang? ¡No sé si alguien se atreve a dar una respuesta!

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Jorge Pisa Sánchez

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