¿Cuándo se origina la tragedia? ¿Qué hace que un momento cualquiera inicie un camino de aflicción? ¿Qué pasa cuando un grupo de amigos de alto standing aunque algo desavenidos se reúne para celebrar el nombramiento como ministra de una de sus miembros? The Party, estrenada el pasado 15 de septiembre en el Teatre Poliorama nos presenta una reunión dramática de este tipo basada en la película del mismo título de Sally Potter (2017), adaptada y dirigida para el teatro por Sergi Belbel.
The Party es una comedia de proporciones trágicas que nos sitúa en una reunión social entre amigos en la que nada es lo que parece ser. La obra presenta una trama coral en la que los diferentes actores y actrices, esto es, Àngels Gonyalons, Lluís Soler, Montse Guallar, Jordi Díaz, Biel Duran, Queralt Casasayas y Marta Ribera dan vida a personajes contradictorios, ya sea con ellos mismos o por la relación que los une a los demás. De ahí que de un inicio de alta comedia la obra vaya evolucionando poco a poco a un drama cada vez más negro en el que el público podrá observar las incoherencias y los absurdos que guían las vidas de sus protagonistas.
La obra avanza a partir de las conversaciones que se establecen en cada momento entre dos o más personajes del grupo, en las que se tocaran diversos temas candentes que afectan a la sociedad occidental actual tales como la gestión de la salud pública, la especulación financiera, la maternidad, la homosexualidad, el feminismo, la infidelidad… como veis todos ellos temas que nos interpelan a todos.
La versión de Belbel es la adecuada, esto es, está a la altura del texto original de Sally Potter, acompañada de una ingeniería escénica que nos permite ver el interior de la vivienda donde chocarán las vidas y las convicciones vitales de los diversos personajes. En este aspecto todo funciona. Si bien la esencia de la trama parece algo artificiosa, hecho que ayuda a fomentar la comicidad de algunas situaciones, y podríamos decir que queda algo alejada de la realidad más nuestra, más peninsular.
Aún así y de una forma muy ácida asistimos a la revelación de una hipocresía, en la que viven parte de las clases altas occidentales y en la que se contraponen los ideales y la realidad, y en la que en definitiva se sobrevive avanzado hacia adelante, olvidando muchas veces las ideas de uno en pos de la comodidad. Dicho esto, que queda algo así como muy filosófico, si lo pensamos bien, nos afecta a todos, bueno, puede que tan solo a la mayoría, que vemos a veces con sorpresa la forma en la que la vida nos ha llevado por un sendero que seguramente no queríamos recorrer, pero que, sin embargo, ha ido modelado nuestra propia personalidad.
Ya veis, pues, que la obra tiene mucha miga al respecto y que seguro que os hará pensar. Por eso, si queréis disfrutar de una buena sesión de teatro, bien pensada, bien ejecutada, aunque algo artificiosa, The Party es una buena opción que estará en la cartelera del Poliorama hasta principios de diciembre.
«The Party» se representa en el Teatre Poliorama del 15 de septiembre al 3 de diciembre de 2023.
Autora: Sally Potter Adaptación y dirección: Sergi Belbel Reparto: Queralt Casasayas, Jordi Diaz, Biel Durán, Àngels Gonyalons, Montse Guallar, Marta Ribera y Lluís Soler Diseño y construcción de escenografía: Jorba Miró Diseño de vestuario: Marc Udina Duran Diseño de caracterización: Júlia Ramírez Diseño de iluminación: Kiko Planas Banda sonora: David Solans Diseño de sonido: Rai Segura Producción: ANEXA
Horarios: de miércoles a viernes a las 21:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingo a las 18:30 horas Precio: A partir de 16€ Duración: 1 hora y 20 minutos Idioma: catalán NOTA CULTURALIA: 7 ——
La Film Symphony Orchestra (FSO) arranca su nueva temporada con un nuevo espectáculo: Henko, que tendrá lugar el próximo domingo 8 de octubre en l’Auditori de Barcelona.
Henko es una palabra japonesa que significa “cambio transformador que no tiene retorno”. Con ésta nueva propuesta, la Film Symphony Orchestra y su carismático director Constantino Martínez-Orts nos invitan a una conmovedora experiencia musical inspirada en las más míticas bandas sonoras y sus héroes. Un repertorio que homenajea la valentía y el cambio interior.
Si con los espectáculos precedentes como Fénix se celebraba el resurgimiento del arte y la cultura en vivo después de la crisis sanitaria, o con Krypton se homenajeaba a los grandes héroes anónimos de la pandemia, ahora Henko quiere exaltar la valentía del ser humano, el coraje que se muestra a la hora de tomar mayores decisiones que marcan una vida.
Así, el repertorio estará conformado por melodías como las de 007: Skyfall, Mulan, Indiana Jones y el templo maldito, La Roca, Star Wars: Obi-Wan Kenobi, Super Mario Bros, Pocahontas, Harry Potter y el cáliz de fuego, El Padrino, Espartaco, Mulan, Desayuno con diamantes… una selección muy amplia y variada de bandas sonoras, algunas muy conocidas y otras, verdaderos tesoros que bien merecen ser descubiertos.
Una de las principales novedades de esta gira será la incorporación de la voz, como en el caso de la canción Skyfall -que inmortalizó a la cantante Adelle por el film de James Bond del mismo nombre o Colors of the Wind, el tema con el que Alan Menken ganó el Oscar por Pocahontas. También un elenco de solistas interpretará a los míticos solos de películas como Siete años en Tíbet, El Padrino, Apollo 13 o Las normas de la Casa de la Sidra.
Pero Henko mantendrá el sello habitual de la FSO, interpretando para la ocasión desde históricos del Hollywood clásico de los años 30 y 40 del tamaño de Erich Wolfgang Korngold -con Captain Blood– o Alex North –Espartaco– a sus herederos de los 60, como Henri Mancini y su inmortal Desayuno con Diamantes. También se pasará por clásicos de los 70 con Nino Rota –El Padrino II– o Michael Giachino, JerryGoldsmith, Leonard Rosenman, Cliff Iedelman y Alexander Courage -con una suite de Star Trek-, o de los 80 y 90 como Jerry Goldsmith con Mulan, un John Williams doblemente protagonista con Siete Años en el Tíbet y Obi-Wan Kenobi, James Horner con Apolo 13 o Rachel Portman -la primera mujer ganadora de un Oscar por Las Normas de la casa de Sidra.
Otros compositores ya considerados clásicos también serán justamente reivindicados, como Alan Menken con Pocahontas, que convivirán con autores de rabiosa actualidad como Brian Tyler, autor de Super Mario Bros o John Powell, responsable de firmar la música de Ice Age. También tendrá muchos momentos en este viaje musical el cine de acción y aventuras, con obras como La Roca o Indiana Jones y el Templo Maldito, ya que la épica y la energía no pueden faltar en una propuesta de la orquesta.
La Film Symphony Orchestra cumple ya 11 años de trayectoria con más de 600.000 asistentes a los más de 350 conciertos que han ofrecido hasta ahora. La gira de Henko visitará más de 30 ciudades de España y Portugal con más de 60 conciertos, y visitará en tres ocasiones Barcelona, siendo las próximas fechas el 14 de enero y 6 de abril de 2024. El primer concierto de la gira de Henko en Cataluña tendrá lugar el próximo domingo 8 de octubre en el Auditori de Barcelona, a las 18.30h horas. NO TE LO PUEDES PERDER!!
Los clásicos son siempre los clásicos. Y los grandes actores son grandes. Algo que podemos constatar con Las guerras de nuestros antepasados, la adaptación al teatro de la obra de Miguel Delibes llevada a cabo por Eduardo Galán, dirigida por Claudio Tolcachir e interpretada por Carmelo Gómez y Miguel Hermoso.
«Las guerras de nuestros antepasados nos presenta al recluso Pacífico Pérez, condenado por homicidio, desvelando al médico de la prisión su vida y sus sentimientos. A lo largo del relato de este joven pueblerino, de insobornable candor y de una casi enfermiza sensibilidad, el espectador va tomando conciencia de un país, de una historia y de una sociedad que forma parte de nuestro pasado».
La temporada del Goya comienza este año con un nivel muy alto, con la adaptación de una de las obras de Delibes, autor de fino e intenso saber literario que en Las guerras de nuestros antepasados reflexiona sobre la guerra, la libertad y la vida de la España de su época, esto es, los años 70.
Las entrevistas del psiquiatra de prisión (Miguel Hermoso) a Pacífico (Carmelo Gómez), permiten al espectador descubrí una España del pasado, un país no del todo olvidado en el que el mundo rural, la familia y la violencia estaban mucho más presentes en la vida de todos de lo que nos puede parecer ahora.
Todo se desarrolla sobre un escenario casi inexistente en el que el psiquiatra intentará a lo largo de diversas sesiones, descubrir las causas que han llevado a Pacífico a matar a dos personas. A través de las preguntas de uno y las respuestas del otro, iremos conociendo la vida de Pacífico, desde sus orígenes rurales, sus vínculos familiares y el contexto de vida de la España de aquella época, que se despertaba lenta y extrañamente del largo y soporífero periodo franquista. En este cuadro no faltarán continuas referencias a las guerras que Bisa, Abu y el padre de Pacífico han luchado, y que dan título a la obra, esto es, las guerras carlistas, las guerras de África y la Guerra Civil.
La propuesta no puede considerarse menos que excelente. La dirección de Claudio Tolcachir y la adaptación de Eduardo Galán consiguen trasladar al escenario la intensidad y la crudeza del texto de Delibes con una gran sensibilidad escénica. Pero si alguien destaca en esta ocasión es Carmelo Gómez. No os engaño si os digo que Gómez lleva a cabo una interpretación magnífica, de esas de premio, en la que el actor se mimetiza con el personaje que interpreta de tal forma que es difícil diferenciar entre uno y otro. El actor, que participó en la adaptación de la novela, demuestra un talento a la hora de encarnar a Pacífico que está fuera del alcance de la mayoría. Una gozada recorrer la historia de España a través de sus trágicas guerras y descubrir la vida rural de un país que fracasó a lo largo de los siglos XIX y XX a la hora de crear un estado políticamente viable, condenando a los españoles y las españolas a una historia triste y trágica.
Las guerras de nuestros antepasados es un deleite escénico de aquellos que no se ven tan a menudo, y nos recuerdan que el trabajo bien hecho, excelso diría yo, tanto el del autor Delibes como el de todos aquellos que participan en la adaptación teatral, no pueden llevar a nada más que al éxito. Solo me queda felicitar al teatro Goya por el acierto en la programación de la obra y a Carmelo Gómez por permitirnos conocer o hacernos recordar de nuevo, la grandeza de la literatura española, y sobre todo, la grandeza de la obra de Delibes.
Autoría: Miguel Delibes Adaptación teatral: Eduardo Galán Dirección: Claudio Tolcachir Intérpretes: Carmelo Gómez, Miguel Hermoso Escenografía: Monica Boromello Vestuario: Yaiza Pinillos Iluminación: Juan Gómez Cornejo Espacio sonoro: Manu Solís Producción: Pentación Espectáculos y Secuencia 3
Horarios: de martes a sábado a las 20:00 horas y domingos a las 18:30 horas Precio: a partir de 20€ Duración: 85 minutos Idioma: castellano NOTA CULTURALIA: 9,5 ——
Si el teatro tiene una historia, esta se puede contar. Y esto es lo que hacen los miembros de Timaginas Teatro con Eurípides no me Sófocles que te Esquilo, una comedia locuaz que nos traslada al origen del teatro en la Grecia antigua.
“Eurípides no me Sófocles que te Esquilo, es una divertidísima parodia sobre el origen del teatro protagonizada por tres actores que, interpretando al coro clásico de las primeras tragedias, cuentan en clave de humor los inicios de las artes escénicas en la Antigüedad Clásica con anacronismos disparatados. Estos tres personajes, llamados Alfa, Beta y Gamma, dan su particular visión de las grandes tragedias de Esquilo, Sófocles y Eurípides, tales como La Orestíada, Ifigenia o Edipo Rey«.
El espectáculo que se representa en el Teatro Arlequín Gran Vía hasta el próximo 18 de octubre, lleva a cabo un repaso de los orígenes del teatro en la Grecia antigua, pero con un toque de humor guasón que permite al público conocer una faceta del arte escénico muchas veces olvidada o desconocida, y esta no es otra que su evolución des de un ritual religioso vinculado con el culto a Dioniso a un espectáculo público muy celebrado por los antiguos griegos en el que tenía cabida el drama, la tragedia e incluso la comedia.
Esta es la gran baza del espectáculo, que consigue explicar al público de forma sugestivamente humorística los orígenes del teatro, cosa que hace que todo fluya de una forma más fácil y asequible.
Los artífices de todo ello son 2 actores y una actriz, que adoptan los nombres Alfa, Beta y Gamma, o lo que es lo mismo, María Rodríguez, Armando Jerez, Andreas Trujillo y Cristian Beltrán, que encarna al percusionista mudo que acompaña a la función.
Al espectáculo, sin embargo, le falta a veces ritmo y a veces, también, redondear algunas de las escenas, que en algunos casos se llegan a hacer algo largas.
Aún así, vale la pena ir a ver Eurípides no me Sófocles que te Esquilo para poder contemplar el teatro desde otra perspectiva, y para poder reírnos de algunos grandes lugares comunes del teatro desde un punto de vista actual y por ello anacrónico, hecho este que provee a la obra de una esencia propia.
Escenografía: María del Carmen Rodríguez Ortega Iluminación: Aarón S. Ramos Sonido: Jesús González Ortega Vestuario: María del Carmen Rodríguez Ortega Producción: Timaginas Teatro Horarios: miércoles a las 18:00 horas Precio: A partir de 15€ Idioma: castellano NOTA CULTURALIA: 6 ——
El pasado 30 de agosto el Teatro Pavón de Madrid estrenaba Hechos y faltas, una obra escrita por Jeremy Kareken, David Murrell y Gordon Farrel, adaptada y dirigida por Bernabé Rico e interpretada por Ángeles Martín, Antonio Dechent y Juan Grandinetti que analiza el mundo del periodismo en la era digital.
«El reputado autor John D’Agata ha escrito una crónica sobre la tasa de suicidios en Las Vegas para una de las mejores revistas del país. Emily, su redactora jefa, encarga al becario Jim Fingal la verificación de hechos del escrito pero pronto se encuentra con un “pequeño” problema: gran parte de ellos se los ha inventado. Lo que empieza como un trabajo más, pronto se convertirá en una hilarante historia sobre los límites que separan la libertad narrativa de la ficción».
Hechos y faltas nos propone una reflexión sobre la realidad del periodismo en la actualidad, subordinado a inflexibles ritmos de publicación y plagado de bulos e imprecisiones. Gracias al trabajo de verificación de un artículo (perdón, una crónica) escrita por John D’Agata (Antonio Dechent),uno de los autores estrellas de la revista dirigida por Emily (Ángeles Martín), la obra nos mete de lleno en las entrañas del periodismo para reflexionar sobre cuál es el objetivo de la profesión y qué límites creativos tiene.
La peculiaridad de la obra es que está basada en el libro The Lifespan of a Fact, escrito por los los auténticos D’Agata y Fingal y que recoge la correspondencia que mantuvieron ambos sobre la corrección de un escrito del primero. De ahí que la obra se presente como un duelo entre Dechent, un periodista demasiado creativo y Juan Grandinetti, el joven becario verificador de datos algo obsesivo con su trabajo. Entre ellos se generarán rayos y centellas a la hora de llevar a cabo su trabajo, arbitrado todo ello por la mediación de la experimentada directora de la revista (Martín), que verá amenazado el futuro de su publicación.
Así que, en clave de tragicomedia periodística, Hechos y faltas propone al espectador un debate en el que aparecen temas como el estado del periodismo actual, cómo se ve afectada la profesión por la digitalización y las redes sociales o sobre cuáles son los límites entre la ficción y la información en un texto periodístico. ¿Es permisible la creatividad en una crónica periodística?
Y es aquí donde recae el acierto de la obra. Primero en el buen hacer de la producción y de la interpretación. Los actores y la actriz protagonistas se hacen creíbles a la hora de defender sus papeles, ya sea como directiva experimentada, como escritor de renombre afectado por su propia inventiva o como el becario que se toma su trabajo de corrección de forma muy personal. Los diálogos y las embestidas entre ellos están muy afinados.
Por otra parte, un texto que ofrece al público un tema actual para reflexionar, y que no es otro que el presente y el futuro de la profesión periodística en un mundo en el que las Fake News, la inmediatez y la imposición de las redes sociales es muy intensa.
Así que ya lo sabéis, hasta el próximo 8 de octubre tenéis la oportunidad de ver Hechos y faltas en el Teatro Pavón. Seguro que no saldréis decepcionados.
«Hechos y faltas» se representa en el Teatro Pavón de Madrid del 30 de agosto al 8 de octubre de 2023.
Autores: Jeremy Kareken, David Murrell y Gordon Farrel Versión y dirección: Bernabé Rico Intérpretes: Ángeles Martín, Antonio Dechent y Juan Grandinetti Diseño de escenografía: Leticia Gañán y Curt Allen Wilmer (AAPEE) Diseño de vestuario: Pier Paolo Álvaro Iluminación: José Manuel Guerra Producción: TALYCUAL y MEJOR TEATRO
Horarios: de miércoles a sábado a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas Precio: desde 14€ Duración: 1 hora 30 minutos Idioma: castellano NOTA CULTURALIA: 8 ——
En la era de los musicales en la que vivimos, se echa en falta muchas veces una presencia más ibérica ante el arrollador éxito de los espectáculos «made in Broadway» como The Producers, El fantasma de la ópera, Pretty Woman, Charlie y la fábrica de chocolate o Ghost. De ahí que sea de agradecer el estreno el pasado 31 de agosto en el Teatre Apolo de Barcelona de Lola, el musical, un espectáculo basado en la vida y las canciones de la gran Lola Flores.
«Lola, el musical es un espectáculo con música en vivo, lleno de creatividad, color y con 30 artistas en escena. Un musical completo de emociones y recuerdos que mima y trata con cariño y admiración el legado artístico de Lola Flores a través de sus canciones, sus pasiones y sus anécdotas más divertidas».
Como decía, tras la estela del éxito de los musicales «made in Broadway», llegan otro tipo de espectáculos más cercanos, me atrevería a decir más nuestros, que basan su esencia en personajes y realidades más cercanas. Este es el caso de Lola el musical, que intenta hacer un repaso a la vida de la artista, sus canciones más populares y a diversas anécdotas y personajes ligados a ella.
Lola, el musical es un espectáculo de mediano formato con música en directo y con hasta 30 artistas en escena, lo que ya nos da una idea de la envergadura de la propuesta. Como os podéis imaginar la base de todo el proyecto está en Lola Flores, o mejor dicho, en Verónica Carmona, artista que tras ser «descubierta» en un programa de talentos de Canal Sur, se atreve y con muy buena nota a dar vida a una de las artistas con más genio y más populares de la historia musical de nuestro país.
El espectáculo repasa la vida de Lola Flores, desde sus inicios hasta ser reconocida como la Lola de España, y eso incluye la interpretación de varios de sus temas más populares como A tu vera; Ay pena, penita, pena; Que me coma el tigre o el mismo Lola de España. Además, la propuesta amplía su repaso al repertorio musical de La Flores incluyendo a personajes como Manolo el Caracol, su marido El Pescailla y con la interpretación de diversos temas popularizados por sus hijos Lolita, Antonio y Rosario Flores.
Sin embargo el espectáculo queda algo corto, ya que la vida y obra de Lola Flores es muy difícil de resumir en menos de 2 horas de espectáculo. Aún así la capacidad de Verónica Carmona de «convertirse» en Lola Flores e interpretar sus grandes temas es asombrosa y deja al espectador la sensación de haber revivido los grandes momentos de La Flores con La Flores. Siempre y cuando se superen los problemas técnicos del día del estreno, en el que la voz de los actores y las actrices iba y venía arbitrariamente y se mejore la transición entre actuación y actuación, hecho este que le roba el lustre que merece al musical.
Lola el musical es una buena oportunidad para recordar a una de las artistas más grandes de la copla española, y vale la pena no perdérselo si queréis revivir la vida y las canciones de La Faraona, de Lola Flores.
«Lola, el musical», se representa en el Teatre Apolo del 31 de agosto al 24 de septiembre de 2023
Dirección: Juan Ramón Utrera y Rafa Sánchez Idea original: Rafa Sánchez Dirección artística: Pedro Centeno Reparto: Verónica Carmona, Cayetana Moreno, Jesús González, Raúl Palomo, Coraíma Martínez, Vito Jiménez, Naomi Santos, Carlos Nosea
Horarios: Jueves y domingos a las 20:00 horas, viernes 17:30 horas y sábados a las 21:00 horas Precio: A partir de 28€ Idioma: castellano Duración: 105 minutos NOTA CULTURALIA: 7 ——
El próximo 15 de septiembre Llega a IDEAL Centre d’Arts Digitals de Barcelona la exposición Tutankamon, La experiencia inmersiva, un viaje en el tiempo de 3.400 años atrás en una experiencia inmersiva única que te permitirá adentrarte en los templos, los tesoros y los secretos del antiguo Egipto.
Descubre, de la mano del Faraón Niño, la historia de una civilización mágica de la que hemos heredado infinidad de elementos culturales y que, a pesar de todo, nos sigue cautivando por los enigmas que cubren las arenas de los desiertos egipcios y se diluyen en las aguas del poderoso río Nilo. Las salas inmersivas, interactivas y de realidad virtual te sumergirán en el mundo de Tutankamon como nunca lo hubieras imaginado a través de un espacio de más de 2000 m².
Además, podrás disfrutar de una nueva experiencia con el estreno de un nuevo espacio metaverso con motivo de la celebración del centenario del mayor descubrimiento arqueológico de todos los tiempos: el acceso a la tumba de Tutankamon.
La exposición inmersiva cerró sus puertas en Madrid en julio de 2023 con más de 300.000 espectadores y tras ganar tres Telly Awards.
¡Prepárate para un viaje por el universo del Antiguo Egipto!
Espacio: IDEAL Centre d’Arts Digitals Fechas: A partir del 15 de septiembre de 2023 Horarios: Lunes, martes, miércoles, jueves, viernes, sábado y domingo de 10h a 21.30h (último acceso a las 20h) Martes día de descanso Duración actividad: 90 minutos ENTRADAS:Web IDEAL Centre d’Arts Digitals
Llega el verano y las vacaciones y con ellos de nuevo la nostalgia. Y este mes de agosto nos hemos decidido a recordar una serie, El Gran Héroe Americano, producida por la cadena ABC entre los años 1981 y 1983 y emitida por TVE en el mes de agosto de los años 1984 y 1985. La serie producida por Stephen J. Cannell, responsable de éxitos como El Equipo A, Los casos de Rockford, Renegado o Medias de seda, consta de 44 episodios repartidos en 3 temporadas que incluyen un episodio piloto doble.
El argumento, que todos y todas recordamos, nos presenta a Ralph Hinkley (William Katt), profesor de secundaria de alumnos con problemas de conducta en un instituto de Los Ángeles. Durante una excursión escolar al desierto, Ralph se encuentra con extraterrestres que le entregan un traje que le dota de superpoderes, con los que tendrá que colaborar con el agente del FBI Bill Maxwell (Robert Culp) para luchar contra el crimen y la injusticia en la Tierra. Los problemas de Ralph y Bill comenzarán al perder el manual de instrucciones del supertraje en el desierto, lo que les obligará a descubrir sus poderes con la práctica capítulo a capítulo. Pam Davidson (Connie Sellecca), la abogada y pareja de Ralph colaborará con ambos en su tarea. También intervienen en la mayoría de los episodios de la serie los alumnos «conflictivos» de Ralph, entre los que hallamos a Michael Paré y Faye Grant, que desconocen la existencia del supertraje.
El Gran Héroe Americano es una serie que trae muchos recuerdos a la memoria. La vinculamos, claro está, a las sobremesas del verano de la infancia en la que veíamos en nuestras pantallas a un superhéroe diferente, que se enfrentaba a graves amenazas mundiales pero que también tenía una vida privada afectada por las consecuencias de su actividad superheroica.
En referencia a su reparto, William Katt, Robert Culp y Connie Sellecca se convirtieron en actores y actriz muy populares en su momento, los años 80. De Katt recuerdo la comedia terrorífica House, una casa alucinante (1985), o los films Baby, el secreto de una leyenda perdida (1985) y La muerte pasea desnuda (1990). En la serie daba vida a un profesor que vivía de forma entusiasta sus obligaciones educativas y como superhéroe. Pero es seguramente el papel de Rober Culp, que participó en películas como Ana Caulder (1971) o Los crímenes de las chicas del calendario (1984), el que tenía la carga irónica y cómica más intensa, ya que interpretaba a Bill Maxwell, personaje que vive solo para su trabajo como agente del FBI y que colabora, y a veces se intenta aprovechar en su beneficio, de la tarea de lucha contra el crimen asignada por los extraterrestres, aunque demuestra siempre tener un buen fondo. Connie Sellecca intentaba poner un poco de orden y de sentido común en las andanzas de sus compañeros y la recordamos por la serie Hotel, que también alcanzó el éxito en su emisión en España entre los años 1984 y 1985.
Por lo que respecta al argumento, como digo, la serie se tejía con tramas al estilo superhéroe que tiene que salvar al mundo y otras vinculadas con la vida privada o profesional del protagonista, ligada a su trabajo en el instituto con sus alumnos conflictos (que vistos hoy en día no lo eran tanto) o con el día a día personal del protagonista. Una de las tramas que quedó marcada en mi memoria fue la del episodio La bestia negra, de la segunda temporada, en el que Ralph y Maxwell, junto con los alumnos, se enfrentan al espíritu de una mujer ligado a una vivienda poseída que está a punto de ser derruida. Un episodio que mezclaba ciencia-ficción y terror en un mismo plato. Sin embargo, en muchas ocasiones queda patente que la serie estaba dirigida a un público infantil-adolescente, debido a la inocencia e ingenuidad de algunos argumentos y a la resolución facilona de los mismos.
La serie se ideó originalmente, según su productor Stephen J. Cannell, con la voluntad de que enfatizara en formato de comedia los problemas de la vida real de un superhéroe, si bien por cambios en la productora se demandó a la serie un carácter más heroico en el que el superhéroe se viera envuelto en aventuras para salvar al mundo, ya fuera de invasiones de seres extraterrestres, de la amenaza nuclear o de conspiraciones políticas.
En relación a los efectos especiales, un elemento básico de la serie, he de decir que han envejecido muy mal. Si bien los ojos de un niño de los 80 no se percataban de ello, vistos hoy en día han perdido mucho. Las escenas de vuelo me atrevería a decir que son algo pobres y repetitivas, y el trabajo de los dobles de acción se nota demasiado… Pero bueno, todo ello en los 80 no se notaba, centrados los espectadores, como no podía ser de otra forma, en la trama de los episodios y en las maravillas que podía hacer el traje regalado por los alienígenas benefactores.
Como os decía, la pérdida del manual de instrucciones del supertraje obligaba a los personajes principales de la serie a ir descubriendo poco a poco sus superpoderes, entre los que se fueron desvelando los siguientes: volar (que no aterrizar), invulnerabilidad, superfuerza, invisibilidad, precognición, telequinesia, visión de cosas que suceden en lugares remotos, controlar el fuego, supervelocidad o incluso detectar lo supernatural.
Por lo que respecta al símbolo que el traje muestra en la pechera, parecido al carácter chino 中 (zhōng en pinyin), que significa «centro» o «medio», Cannell, el productor, indicó que la idea le vino mientras estaban confeccionando el traje, al poner boca abajo unas tijeras.
Asimismo, al igual que a su personaje, William Katt encontró el traje muy incómodo y no le gustaba ponérselo. Los productores hicieron varias modificaciones al traje para ayudarlo y programaron la filmación para que no tuviera que llevarlo puesto todo el día durante el rodaje.
Una anécdota curiosa lo es también el apellido «Hinkley» del protagonista. Por desgracia, la emisión de la serie coincidió con el atentado que sufrió el 30 de marzo del año 1981 el presidente de los Estados Unidos Ronald Reagan a manos de John Hinckley, por lo que en la primera temporada los productores se vieron obligados a cambiarlo en diversos capítulos por el de “Hanley” o “Señor H” (en castellano).
Como anécdota, también, podemos indicar que en al año 2008 apareció una serie de comics (6 en total) basada en la serie editados por Arcana Studios junto a Catastrophic Comics, compañía propiedad del actor William Katt. Los cómics están guionizados por el propio Katt junto a Christopher Folino y Sean O’Reilly, y dibujados por Clint Hilinski.
El inolvidable tema central de la banda sonora de la serie se titulaba Believe It or Not, estaba compuesto por Mike Post (música) y Stephen Geyer (letra) e interpretado por Joey Scarbury y se convirtió en un éxito en la época, llegando al número uno en las listas en EE.UU. Se ha versionado en varias ocasiones y, como curiosidad, vale la pena indicar que el grupo español Mocedades la versionó titulándola Lo creas o no.
La serie fue cancelada en el año 1983 debido a las constantes demandas por parte de DC Comics, los editores de Superman o Linterna Verde, que alegaban un plagio con respecto a sus personajes. Los productores, ante este problema, decidieron cortar la emisión a pesar del éxito de la serie.
En el año 1986 la cadena NBC intentó reanudarla, rodándose un nuevo piloto. La negativa de William Katt a volver a interpretar al protagonista obligó a introducir innovaciones. Así, la serie sería interpretada en esta ocasión por Holly Hathaway(Mary Ellen Stuart) que heredaba el supertraje y sus poderes, a la que seguiría acompañando a Maxwell, el cascarrabias agente del FBI compañero de Ralph. Por desgracia el episodio no pasó la prueba de la productora y no llegó a ser emitido. Posteriormente se incluyó como contenido extra al editarse la serie en Dvd.
La serie fue editada en Dvd por primera vez por Anchor Bay Entertainment en el año 2005, siendo reeditada en varias ocasiones más desde entonces, la última de las cuales en el año 2022 por la empresa Visual Entertainment.
Título: El Gran Héroe Americano Año producción: 1981 – 1983 Capítulos: 44 (3 Temporadas) País: Estados Unidos Dirección: Arnold Laven, Ivan Dixon, Rod Holcomb, Bruce Kessler, Robert C. Thompson, Lawrence Doheny, Gabrielle Beaumont… Guión: Stephen J. Cannell, Frank Lupo, Patrick Hasburgh, Juanita Bartlett, Jeff Ray, Babs Greyhosky, Rudolph Borchert, Robert Culp, J. Duncan Ray, Danny Lee Cole Reparto: William Katt, Robert Culp, Connie Sellecca, Michael Paré, Faye Grant, Faye Grant, Jesse D. Goins, Don Cervantes, William Bogert Música: Joey Scarbury, Mike Post Fotografía: Andrew Jackson, Jacques R. Marquette, Héctor R. Figueroa Producción: Stephen J. Cannell Género: Serie de TV | Acción | Aventuras | Fantástico | Ciencia ficción | Comedia | Cine familiar | Superhéroes
Para este tramo final de las vacaciones os recomendamos una visita guiada por Vigocon la que podréis descubrir las calles y la belleza de esta ciudad rodeada de naturaleza.
La visita guiada da inicio en la plaza Puerta del Sol, en pleno centro de Vigo, donde se encuentra la famosa escultura de El Sireno, símbolo por excelencia de la ciudad gallega. Desde ahí la ruta se dirige hacia uno de los miradores de la ciudad, donde disfrutar de unas vistas espectaculares de Vigo y de su ría.
La visita guiada continua recorriendo las principales calles y plazas del casco vello, donde conoceréis la historia de la ciudad y de los principales personajes ilustres que han conseguido hacer de Vigo un enclave turístico.
También visitaréis la estación marítima de Vigo y las avenidas ajardinadas del náutico, donde conoceréis el desarrollo y el carácter de la ciudad. En esta última parte descubriréis la historia migratoria, así como las leyendas de tesoros hundidos que rodean Vigo.
Horarios: de lunes a domingo a las 11:00 y a las 19:00 horas Precio: Los free tours no tienen un precio fijo. Cada asistente paga según en función de su valoración Idioma: español Duración: 2 horas Accesibilidad: La mayoría de las zonas son accesibles. Es necesario indicarlo en la reserva. Es necesario un acompañante. Servicio disponible de préstamos de silla de ruedas gratis. Aseos accesibles. Operador: Free Tour Vigo Mascotas: Permitidas Cancelación: gratuita Punto de encuentro: Praza Porta do Sol, 5 (bajo la escultura de O Sereo)
Hoy os presentamos en Culturalia una novedad del mes de junio, El país que nunca existió, de Gabriel Magalhães, un libro que nos permite reflexionar sobre el pasado, el presente y el futuro de la península ibérica.
«Esa península ibérica pletórica, una realidad plural y próspera, moderna, dialogante y democrática, ese país que nunca existió, pero que creímos tan cercano durante la década de 1990, cuando los Juegos Olímpicos de Barcelona y las Exposiciones Universales de Sevilla y Lisboa, cuando parecía que nos habíamos transfigurado en el mejor futuro de nosotros mismos, todavía está al alcance de la mano.»
Así empieza El país que nunca existió, una carta náutica para marcar el rumbo hacia ese país posible. En él, Gabriel Magalhães propone, en primer lugar, una mirada a nuestra historia, en particular, a aquellos episodios que son ahora la causa de un pasado aún por solucionar y un impedimento para vivir el presente como un viaje hacia el futuro.
Luego, plantea una mirada ibérica, seguro de que la historia de ambos países se entiende mejor si se relaciona con la del país vecino, lo que no significa lanzarse a un iberismo decimonónico o a una Iberia utópica hoy de poca utilidad, sino reconvertir los países a los que pertenecemos –España y Portugal– en el marco de la globalización y de una Unión Europea que no ha logrado disolver el viejo esqueleto de las naciones que la componen. Para ello podemos aprender, por poner sólo un ejemplo, de la rica reflexión surgida en los países anglosajones en el ámbito del multiculturalismo, un tema del que se habla poco en la península ibérica, y aprovechar esa mirada teórica para iluminar de otro modo nuestro pasado, presente y porvenir.
«A veces tengo la impresión de que escribo para nadie», concluye Magalhães en su introducción. No es así: este libro se dirige a los ciudadanos de ese país que nunca existió, personas de derechas y de izquierdas, creyentes y no creyentes, gente que, sin despreciar su cultura ni abjurar de su cuna, se sienta a gusto en un paisaje en el que todo dialoga.
Gabriel Magalhães (Luanda, Angola, 1965) es portugués de nacionalidad, aunque su vida está marcada por un movimiento pendular entre España y Portugal. Su infancia y adolescencia transcurrieron en Oporto y Évora, el País Vasco y Galicia. Cursó Estudios Portugueses y Españoles en la Universidad de Lisboa, doctorándose más tarde en Salamanca con una tesis sobre el Romanticismo en la península ibérica. Desde 2009, colabora en el diario La Vanguardia, lo que le ha permitido adentrarse en la realidad catalana. En la actualidad es profesor de la Universidad de Beira Interior, en Covilhã.
Es autor u organizador de varios libros académicos de tema ibérico y ha publicado ensayos como Los secretos de Portugal: peninsularidad e iberismo (2012), Los españoles (Elba, 2016) y Como Sobreviver a Portugal (2014). Entre su obra, destacan, además, tres ensayos de temática espiritual y cinco novelas, la primera de las cuales –Não Tenhas Medo do Escuro (2009)– recibió el Premio Revelación de la Asociación Portuguesa de Escritores. El país que nunca existió representa la culminación de todas sus reflexiones sobre la cuestión ibérica.
Título:El país que nunca existió Autor: Gabriel Magalhães Colección: Elba ISBN: 978-84-126497-3-4 Formato: 12,5 x 20 cm Páginas: 344 Precio: 24 €
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