En la era de los musicales en la que vivimos, se echa en falta muchas veces una presencia más ibérica ante el arrollador éxito de los espectáculos «made in Broadway» como The Producers, El fantasma de la ópera, Pretty Woman, Charlie y la fábrica de chocolate o Ghost. De ahí que sea de agradecer el estreno el pasado 31 de agosto en el Teatre Apolo de Barcelona de Lola, el musical, un espectáculo basado en la vida y las canciones de la gran Lola Flores.
«Lola, el musical es un espectáculo con música en vivo, lleno de creatividad, color y con 30 artistas en escena. Un musical completo de emociones y recuerdos que mima y trata con cariño y admiración el legado artístico de Lola Flores a través de sus canciones, sus pasiones y sus anécdotas más divertidas».
Como decía, tras la estela del éxito de los musicales «made in Broadway», llegan otro tipo de espectáculos más cercanos, me atrevería a decir más nuestros, que basan su esencia en personajes y realidades más cercanas. Este es el caso de Lola el musical, que intenta hacer un repaso a la vida de la artista, sus canciones más populares y a diversas anécdotas y personajes ligados a ella.
Lola, el musical es un espectáculo de mediano formato con música en directo y con hasta 30 artistas en escena, lo que ya nos da una idea de la envergadura de la propuesta. Como os podéis imaginar la base de todo el proyecto está en Lola Flores, o mejor dicho, en Verónica Carmona, artista que tras ser «descubierta» en un programa de talentos de Canal Sur, se atreve y con muy buena nota a dar vida a una de las artistas con más genio y más populares de la historia musical de nuestro país.
El espectáculo repasa la vida de Lola Flores, desde sus inicios hasta ser reconocida como la Lola de España, y eso incluye la interpretación de varios de sus temas más populares como A tu vera; Ay pena, penita, pena; Que me coma el tigre o el mismo Lola de España. Además, la propuesta amplía su repaso al repertorio musical de La Flores incluyendo a personajes como Manolo el Caracol, su marido El Pescailla y con la interpretación de diversos temas popularizados por sus hijos Lolita, Antonio y Rosario Flores.
Sin embargo el espectáculo queda algo corto, ya que la vida y obra de Lola Flores es muy difícil de resumir en menos de 2 horas de espectáculo. Aún así la capacidad de Verónica Carmona de «convertirse» en Lola Flores e interpretar sus grandes temas es asombrosa y deja al espectador la sensación de haber revivido los grandes momentos de La Flores con La Flores. Siempre y cuando se superen los problemas técnicos del día del estreno, en el que la voz de los actores y las actrices iba y venía arbitrariamente y se mejore la transición entre actuación y actuación, hecho este que le roba el lustre que merece al musical.
Lola el musical es una buena oportunidad para recordar a una de las artistas más grandes de la copla española, y vale la pena no perdérselo si queréis revivir la vida y las canciones de La Faraona, de Lola Flores.
«Lola, el musical», se representa en el Teatre Apolo del 31 de agosto al 24 de septiembre de 2023
Dirección: Juan Ramón Utrera y Rafa Sánchez Idea original: Rafa Sánchez Dirección artística: Pedro Centeno Reparto: Verónica Carmona, Cayetana Moreno, Jesús González, Raúl Palomo, Coraíma Martínez, Vito Jiménez, Naomi Santos, Carlos Nosea
Horarios: Jueves y domingos a las 20:00 horas, viernes 17:30 horas y sábados a las 21:00 horas Precio: A partir de 28€ Idioma: castellano Duración: 105 minutos NOTA CULTURALIA: 7 ——
El próximo 15 de septiembre Llega a IDEAL Centre d’Arts Digitals de Barcelona la exposición Tutankamon, La experiencia inmersiva, un viaje en el tiempo de 3.400 años atrás en una experiencia inmersiva única que te permitirá adentrarte en los templos, los tesoros y los secretos del antiguo Egipto.
Descubre, de la mano del Faraón Niño, la historia de una civilización mágica de la que hemos heredado infinidad de elementos culturales y que, a pesar de todo, nos sigue cautivando por los enigmas que cubren las arenas de los desiertos egipcios y se diluyen en las aguas del poderoso río Nilo. Las salas inmersivas, interactivas y de realidad virtual te sumergirán en el mundo de Tutankamon como nunca lo hubieras imaginado a través de un espacio de más de 2000 m².
Además, podrás disfrutar de una nueva experiencia con el estreno de un nuevo espacio metaverso con motivo de la celebración del centenario del mayor descubrimiento arqueológico de todos los tiempos: el acceso a la tumba de Tutankamon.
La exposición inmersiva cerró sus puertas en Madrid en julio de 2023 con más de 300.000 espectadores y tras ganar tres Telly Awards.
¡Prepárate para un viaje por el universo del Antiguo Egipto!
Espacio: IDEAL Centre d’Arts Digitals Fechas: A partir del 15 de septiembre de 2023 Horarios: Lunes, martes, miércoles, jueves, viernes, sábado y domingo de 10h a 21.30h (último acceso a las 20h) Martes día de descanso Duración actividad: 90 minutos ENTRADAS:Web IDEAL Centre d’Arts Digitals
Llega el verano y las vacaciones y con ellos de nuevo la nostalgia. Y este mes de agosto nos hemos decidido a recordar una serie, El Gran Héroe Americano, producida por la cadena ABC entre los años 1981 y 1983 y emitida por TVE en el mes de agosto de los años 1984 y 1985. La serie producida por Stephen J. Cannell, responsable de éxitos como El Equipo A, Los casos de Rockford, Renegado o Medias de seda, consta de 44 episodios repartidos en 3 temporadas que incluyen un episodio piloto doble.
El argumento, que todos y todas recordamos, nos presenta a Ralph Hinkley (William Katt), profesor de secundaria de alumnos con problemas de conducta en un instituto de Los Ángeles. Durante una excursión escolar al desierto, Ralph se encuentra con extraterrestres que le entregan un traje que le dota de superpoderes, con los que tendrá que colaborar con el agente del FBI Bill Maxwell (Robert Culp) para luchar contra el crimen y la injusticia en la Tierra. Los problemas de Ralph y Bill comenzarán al perder el manual de instrucciones del supertraje en el desierto, lo que les obligará a descubrir sus poderes con la práctica capítulo a capítulo. Pam Davidson (Connie Sellecca), la abogada y pareja de Ralph colaborará con ambos en su tarea. También intervienen en la mayoría de los episodios de la serie los alumnos «conflictivos» de Ralph, entre los que hallamos a Michael Paré y Faye Grant, que desconocen la existencia del supertraje.
El Gran Héroe Americano es una serie que trae muchos recuerdos a la memoria. La vinculamos, claro está, a las sobremesas del verano de la infancia en la que veíamos en nuestras pantallas a un superhéroe diferente, que se enfrentaba a graves amenazas mundiales pero que también tenía una vida privada afectada por las consecuencias de su actividad superheroica.
En referencia a su reparto, William Katt, Robert Culp y Connie Sellecca se convirtieron en actores y actriz muy populares en su momento, los años 80. De Katt recuerdo la comedia terrorífica House, una casa alucinante (1985), o los films Baby, el secreto de una leyenda perdida (1985) y La muerte pasea desnuda (1990). En la serie daba vida a un profesor que vivía de forma entusiasta sus obligaciones educativas y como superhéroe. Pero es seguramente el papel de Rober Culp, que participó en películas como Ana Caulder (1971) o Los crímenes de las chicas del calendario (1984), el que tenía la carga irónica y cómica más intensa, ya que interpretaba a Bill Maxwell, personaje que vive solo para su trabajo como agente del FBI y que colabora, y a veces se intenta aprovechar en su beneficio, de la tarea de lucha contra el crimen asignada por los extraterrestres, aunque demuestra siempre tener un buen fondo. Connie Sellecca intentaba poner un poco de orden y de sentido común en las andanzas de sus compañeros y la recordamos por la serie Hotel, que también alcanzó el éxito en su emisión en España entre los años 1984 y 1985.
Por lo que respecta al argumento, como digo, la serie se tejía con tramas al estilo superhéroe que tiene que salvar al mundo y otras vinculadas con la vida privada o profesional del protagonista, ligada a su trabajo en el instituto con sus alumnos conflictos (que vistos hoy en día no lo eran tanto) o con el día a día personal del protagonista. Una de las tramas que quedó marcada en mi memoria fue la del episodio La bestia negra, de la segunda temporada, en el que Ralph y Maxwell, junto con los alumnos, se enfrentan al espíritu de una mujer ligado a una vivienda poseída que está a punto de ser derruida. Un episodio que mezclaba ciencia-ficción y terror en un mismo plato. Sin embargo, en muchas ocasiones queda patente que la serie estaba dirigida a un público infantil-adolescente, debido a la inocencia e ingenuidad de algunos argumentos y a la resolución facilona de los mismos.
La serie se ideó originalmente, según su productor Stephen J. Cannell, con la voluntad de que enfatizara en formato de comedia los problemas de la vida real de un superhéroe, si bien por cambios en la productora se demandó a la serie un carácter más heroico en el que el superhéroe se viera envuelto en aventuras para salvar al mundo, ya fuera de invasiones de seres extraterrestres, de la amenaza nuclear o de conspiraciones políticas.
En relación a los efectos especiales, un elemento básico de la serie, he de decir que han envejecido muy mal. Si bien los ojos de un niño de los 80 no se percataban de ello, vistos hoy en día han perdido mucho. Las escenas de vuelo me atrevería a decir que son algo pobres y repetitivas, y el trabajo de los dobles de acción se nota demasiado… Pero bueno, todo ello en los 80 no se notaba, centrados los espectadores, como no podía ser de otra forma, en la trama de los episodios y en las maravillas que podía hacer el traje regalado por los alienígenas benefactores.
Como os decía, la pérdida del manual de instrucciones del supertraje obligaba a los personajes principales de la serie a ir descubriendo poco a poco sus superpoderes, entre los que se fueron desvelando los siguientes: volar (que no aterrizar), invulnerabilidad, superfuerza, invisibilidad, precognición, telequinesia, visión de cosas que suceden en lugares remotos, controlar el fuego, supervelocidad o incluso detectar lo supernatural.
Por lo que respecta al símbolo que el traje muestra en la pechera, parecido al carácter chino 中 (zhōng en pinyin), que significa «centro» o «medio», Cannell, el productor, indicó que la idea le vino mientras estaban confeccionando el traje, al poner boca abajo unas tijeras.
Asimismo, al igual que a su personaje, William Katt encontró el traje muy incómodo y no le gustaba ponérselo. Los productores hicieron varias modificaciones al traje para ayudarlo y programaron la filmación para que no tuviera que llevarlo puesto todo el día durante el rodaje.
Una anécdota curiosa lo es también el apellido «Hinkley» del protagonista. Por desgracia, la emisión de la serie coincidió con el atentado que sufrió el 30 de marzo del año 1981 el presidente de los Estados Unidos Ronald Reagan a manos de John Hinckley, por lo que en la primera temporada los productores se vieron obligados a cambiarlo en diversos capítulos por el de “Hanley” o “Señor H” (en castellano).
Como anécdota, también, podemos indicar que en al año 2008 apareció una serie de comics (6 en total) basada en la serie editados por Arcana Studios junto a Catastrophic Comics, compañía propiedad del actor William Katt. Los cómics están guionizados por el propio Katt junto a Christopher Folino y Sean O’Reilly, y dibujados por Clint Hilinski.
El inolvidable tema central de la banda sonora de la serie se titulaba Believe It or Not, estaba compuesto por Mike Post (música) y Stephen Geyer (letra) e interpretado por Joey Scarbury y se convirtió en un éxito en la época, llegando al número uno en las listas en EE.UU. Se ha versionado en varias ocasiones y, como curiosidad, vale la pena indicar que el grupo español Mocedades la versionó titulándola Lo creas o no.
La serie fue cancelada en el año 1983 debido a las constantes demandas por parte de DC Comics, los editores de Superman o Linterna Verde, que alegaban un plagio con respecto a sus personajes. Los productores, ante este problema, decidieron cortar la emisión a pesar del éxito de la serie.
En el año 1986 la cadena NBC intentó reanudarla, rodándose un nuevo piloto. La negativa de William Katt a volver a interpretar al protagonista obligó a introducir innovaciones. Así, la serie sería interpretada en esta ocasión por Holly Hathaway(Mary Ellen Stuart) que heredaba el supertraje y sus poderes, a la que seguiría acompañando a Maxwell, el cascarrabias agente del FBI compañero de Ralph. Por desgracia el episodio no pasó la prueba de la productora y no llegó a ser emitido. Posteriormente se incluyó como contenido extra al editarse la serie en Dvd.
La serie fue editada en Dvd por primera vez por Anchor Bay Entertainment en el año 2005, siendo reeditada en varias ocasiones más desde entonces, la última de las cuales en el año 2022 por la empresa Visual Entertainment.
Título: El Gran Héroe Americano Año producción: 1981 – 1983 Capítulos: 44 (3 Temporadas) País: Estados Unidos Dirección: Arnold Laven, Ivan Dixon, Rod Holcomb, Bruce Kessler, Robert C. Thompson, Lawrence Doheny, Gabrielle Beaumont… Guión: Stephen J. Cannell, Frank Lupo, Patrick Hasburgh, Juanita Bartlett, Jeff Ray, Babs Greyhosky, Rudolph Borchert, Robert Culp, J. Duncan Ray, Danny Lee Cole Reparto: William Katt, Robert Culp, Connie Sellecca, Michael Paré, Faye Grant, Faye Grant, Jesse D. Goins, Don Cervantes, William Bogert Música: Joey Scarbury, Mike Post Fotografía: Andrew Jackson, Jacques R. Marquette, Héctor R. Figueroa Producción: Stephen J. Cannell Género: Serie de TV | Acción | Aventuras | Fantástico | Ciencia ficción | Comedia | Cine familiar | Superhéroes
Para este tramo final de las vacaciones os recomendamos una visita guiada por Vigocon la que podréis descubrir las calles y la belleza de esta ciudad rodeada de naturaleza.
La visita guiada da inicio en la plaza Puerta del Sol, en pleno centro de Vigo, donde se encuentra la famosa escultura de El Sireno, símbolo por excelencia de la ciudad gallega. Desde ahí la ruta se dirige hacia uno de los miradores de la ciudad, donde disfrutar de unas vistas espectaculares de Vigo y de su ría.
La visita guiada continua recorriendo las principales calles y plazas del casco vello, donde conoceréis la historia de la ciudad y de los principales personajes ilustres que han conseguido hacer de Vigo un enclave turístico.
También visitaréis la estación marítima de Vigo y las avenidas ajardinadas del náutico, donde conoceréis el desarrollo y el carácter de la ciudad. En esta última parte descubriréis la historia migratoria, así como las leyendas de tesoros hundidos que rodean Vigo.
Horarios: de lunes a domingo a las 11:00 y a las 19:00 horas Precio: Los free tours no tienen un precio fijo. Cada asistente paga según en función de su valoración Idioma: español Duración: 2 horas Accesibilidad: La mayoría de las zonas son accesibles. Es necesario indicarlo en la reserva. Es necesario un acompañante. Servicio disponible de préstamos de silla de ruedas gratis. Aseos accesibles. Operador: Free Tour Vigo Mascotas: Permitidas Cancelación: gratuita Punto de encuentro: Praza Porta do Sol, 5 (bajo la escultura de O Sereo)
Hoy os presentamos en Culturalia una novedad del mes de junio, El país que nunca existió, de Gabriel Magalhães, un libro que nos permite reflexionar sobre el pasado, el presente y el futuro de la península ibérica.
«Esa península ibérica pletórica, una realidad plural y próspera, moderna, dialogante y democrática, ese país que nunca existió, pero que creímos tan cercano durante la década de 1990, cuando los Juegos Olímpicos de Barcelona y las Exposiciones Universales de Sevilla y Lisboa, cuando parecía que nos habíamos transfigurado en el mejor futuro de nosotros mismos, todavía está al alcance de la mano.»
Así empieza El país que nunca existió, una carta náutica para marcar el rumbo hacia ese país posible. En él, Gabriel Magalhães propone, en primer lugar, una mirada a nuestra historia, en particular, a aquellos episodios que son ahora la causa de un pasado aún por solucionar y un impedimento para vivir el presente como un viaje hacia el futuro.
Luego, plantea una mirada ibérica, seguro de que la historia de ambos países se entiende mejor si se relaciona con la del país vecino, lo que no significa lanzarse a un iberismo decimonónico o a una Iberia utópica hoy de poca utilidad, sino reconvertir los países a los que pertenecemos –España y Portugal– en el marco de la globalización y de una Unión Europea que no ha logrado disolver el viejo esqueleto de las naciones que la componen. Para ello podemos aprender, por poner sólo un ejemplo, de la rica reflexión surgida en los países anglosajones en el ámbito del multiculturalismo, un tema del que se habla poco en la península ibérica, y aprovechar esa mirada teórica para iluminar de otro modo nuestro pasado, presente y porvenir.
«A veces tengo la impresión de que escribo para nadie», concluye Magalhães en su introducción. No es así: este libro se dirige a los ciudadanos de ese país que nunca existió, personas de derechas y de izquierdas, creyentes y no creyentes, gente que, sin despreciar su cultura ni abjurar de su cuna, se sienta a gusto en un paisaje en el que todo dialoga.
Gabriel Magalhães (Luanda, Angola, 1965) es portugués de nacionalidad, aunque su vida está marcada por un movimiento pendular entre España y Portugal. Su infancia y adolescencia transcurrieron en Oporto y Évora, el País Vasco y Galicia. Cursó Estudios Portugueses y Españoles en la Universidad de Lisboa, doctorándose más tarde en Salamanca con una tesis sobre el Romanticismo en la península ibérica. Desde 2009, colabora en el diario La Vanguardia, lo que le ha permitido adentrarse en la realidad catalana. En la actualidad es profesor de la Universidad de Beira Interior, en Covilhã.
Es autor u organizador de varios libros académicos de tema ibérico y ha publicado ensayos como Los secretos de Portugal: peninsularidad e iberismo (2012), Los españoles (Elba, 2016) y Como Sobreviver a Portugal (2014). Entre su obra, destacan, además, tres ensayos de temática espiritual y cinco novelas, la primera de las cuales –Não Tenhas Medo do Escuro (2009)– recibió el Premio Revelación de la Asociación Portuguesa de Escritores. El país que nunca existió representa la culminación de todas sus reflexiones sobre la cuestión ibérica.
Título:El país que nunca existió Autor: Gabriel Magalhães Colección: Elba ISBN: 978-84-126497-3-4 Formato: 12,5 x 20 cm Páginas: 344 Precio: 24 €
Vivimos meses de festivales de verano. Toda ciudad o localidad que se precie celebra un festival, ya sea de arte, de cine, de música, de lo que sea… Pero entre todos ellos destacan algunos por su trayectoria, su riqueza histórica y patrimonial y por la calidad de su programación. Este es el caso del Festival de Teatro Clásico de Almagro, que este año se celebró entre el 29 de junio y 23 de julio y que ha destacado por una programación diversa, integradora y de altura.
Nosotros asistimos a las representaciones de dos obras clásicas y de dos recitales. En esta entrada valoraremos las dos representaciones escénicas, La discreta enamorada de Lope de Vega y Mañanas de abril y mayo de Calderón de la Barca.
La discreta enamorada, Joven Compañía nacional de Teatro Clásico.
Nunca es tarde para ver una buena obra de teatro, y menos si el autor es Lope de Vega. En esta ocasión tuvimos la fortuna de poder asistir a la representación de la adaptación de la JovenCompañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) de La discreta enamorada, un ejercicio de teatro histórico llevado a cabo por una de las compañías mejor conocedoras de la época.
La versión dirigida por Homar y representada en el Espacio Adolfo Marsillach hace equilibrios entre lo clásico de la propuesta y lo moderno de los tiempos en los que vivimos. 14 intérpretes, entre ellos Lluis Homar y Montse Diez, ponen en acción de forma competente la trama que Lope creó para esta obra, en la que el autor cuestiona las normal sociales de la época con una trama de apariencias equívocas que da mucho juego.
Así, pues, somos testigos de todas las artimañas que ha de poner en juego Fenisa (Cristina Marín-Miró), con el objetivo de evitar su futuro matrimonio con el capitán Bernardo (Homar), mucho mayor que ella, y enlazarse con su hijo Lucindo (Felipe Muñoz), del que está realmente enamorada. Sus tretas inician una deriva de confusiones y malos entendidos que darán vida a una trama en la que la comedia tiene un papel preponderante.
Los miembros de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico hacen un alarde de interpretación y declamación para hacerse con uno de los clásicos de Lope de Vega y salirse airosos de la tentativa. Para ello se ha adaptado y resumido el texto y se le ha dado una ambientación entre clásica y moderna, en la que también tiene cabida la música. Es una suerte poder disfrutar de un texto clásico con una adaptación que mantiene muchos de los dejes y formas del castellano de la época, pero de una forma entendible para el público actual.
Por lo que respecta al escenario, se ha optado por la creación de diversos espacios atenuados que enmarcan el avance de la acción y que le dan un toque grácil y actualizado a la propuesta.
Una oportunidad, sin duda, de disfrutar del teatro clásico adaptándolo a formas escénicas más modernas, pero que no pierde su idiosincracia por el camino. Algo que es muy de agradecer.
La discreta enamorada. Espacio: Espacio Adolfo Marsillach Fechas: 14 al 23 de julio de 2023, 22:45 h
Autor: Lope de Vega Dirección: Lluís Homar Reparto: Iñigo Arricibita, Xavi Caudevilla, Montse Díez, Cristina García, Ania Hernández, Nora Hernández, Antonio Hernández Fimia, Lluís Homar, Pascual Laborda, Cristina Marín-Miró, Felipe Muñoz, Miriam Queba, María Rasco, Marc Servera Escenografía: Jose Novoa Iluminación: Pilar Valdelvira Vestuario: Deborah Macías Composición musical: Marc Servera
Mañanas de abril y mayo, Teatro Fernán Gómez y Teatro de Malta.
«Mañanas de abril y mayo es una deliciosa comedia llena de alegría y vitalidad. Plagada de enredos y confusiones, donde se recrea un Madrid verde y florido, bucólico y sensual, en el que las jóvenes parejas de enamorados se confunden, se evitan, se engañan, se sorprenden, se buscan, y, a veces, hasta se encuentran. Todo es juego y alegría en este Calderón primaveral y retozón, donde la fuerza de la naturaleza se impone a la reflexión, y los huertos, jardines y bosquecillos de Madrid resultan ser los otros grandes protagonistas de la trama».
Otro de los clásicos de esta edición que tuvimos ocasión de ver fue Mañanas de abril y mayo de Calderón de la Barca, una versión tuneada llevada a cabo por las compañías Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa y Teatro de Malta y representada en la Antigua Universidad Renacentista (AUREA).
En esta ocasión la clave del embrollo entre galanes y damas es una confusión que se produce en el parque y que provocará el enredo que hará que Don Juan dude de la fidelidad de su amada Doña Ana y que Don Hipólito lleve a cabo diversas argucias para hacerse corresponder por el amor de Doña Clara. Como veis, la estructura es la propia de una comedia del Siglo de Oro, en la que la maraña argumental provee a la representación de la clave de la comedia.
Es seguramente la adaptación al estilo “Blake Edwards” lo que le da a la obra su fundamento más identificativo. Carolina África y Laila Ripoll se han encargado de darle a la representación un toque muy de los años 50 y 60, en el que han incluido color, luz, alegría y, también, música, rejuveneciendo la propuesta para un público más actual.
El resultado puede que no sea el mejor, ya que al acierto de la actualización le falta un ritmo algo más sosegado, en el que el espectador acabe de asimilar a los personajes y el avance de la trama, que es confusa de por sí. Puede, además, que la abreviación del texto original no se haya hecho de la forma más atinada posible.
En relación al reparto, destacan sobre todo, el atrevimiento de Don Hipólito (José Ramón Iglesias), lo bohemio de Dona Clara (Ana Varela) e impetuoso de Don Juan (Pablo Béjar) y la sorna de los criados, ya sea Arceo (Guillermo Calero) o Inés (Sandra Landín).
Comentario aparte lo merece el escenario donde se realizó la representación de la obra, la Antigua Universidad Renacentista de Almagro (AUREA), un lujo arquitectónico no al alcance de todos.
En resumen, una comedia clásica del Siglo de Oro, adaptada como un clásico de Hollywood, para un público actual.
Mañanas de abril y mayo Espacio: AUREA Fechas: 21 – 22 Julio 2023, 20:00 h.
Compañía: Teatro Fernán Gómez, Centro Cultural de la Villa y Teatro de Malta (Madrid / Castilla-La Mancha) Duración: 90 min. Idioma: Español
Autor: Calderón de la Barca Versión: Carolina África Dirección: Laila Ripoll Reparto: Pablo Béjar, Guillermo Calero, José Ramón Iglesias, Sandra Landín, Juan Carlos Pertusa, Alba Recondo, Nieves Soria y Ana Varela Escenografía: Arturo Martín Burgos Iluminación: Luis Perdiguero Música y espacio sonoro: Mariano Marín Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas
Una vez llegado el verano siempre es bueno refrescarse, ya sea yendo a la playa, poniendo el aire acondicionado en casa o salir a ver una comedia de teatro. Este es el caso de El joc de la veritat, una comedia sentimental en la que la verdad está en juego.
«Albert y Joana ya llevan unos años de relación de pareja y esta reclama con urgencia nuevas expectativas. Enric y Carmen ya han superado este estadio y su relación parece estar a prueba de todo.
Todo sigue su curso, hasta el día en que las cosas empiezan a torcerse y las mentiras afloran entre los cuatro. ¿Pero quién engaña quién? ¿Y a quién afectan estas mentiras? ¿La mentira por sí sola es un motivo de infidelidad? Las mentiras… o las verdades se convierten al fin en un juego demasiado peligroso».
El espectáculo programado por el Teatre Gaudí, escrito y dirigido por Miquel Murga e interpretado por Octavi Pujades, Míriam Tortosa, Cristina Dilla y Roger Cantos, nos ofrece una comedia fresca en la que las relaciones de pareja y las mentiras de pareja están muy presentes. Porque ¿mientes a alguien si no le explicas la verdad? Aquí es donde radica la esencia de este vodevil que se irá complicando sentimentalmente a medida que la trama avance.
Así, pues, tenemos un texto dinámico en el que se ve la traza de Murga para crear escenas algo alocadas y divertidas que afectan a la vida de pareja de los cuatro protagonistas. Y en esta interpretación coral, se nota la buena química que hay entre los cuatro protagonistas: Octavi Pujades y Cristina Dilla encarnan a una pareja bien situada económicamente que parece haber perdido la pasión de los primeros días. Roger Cantos y Míriam Tortosa dan vida a una pareja más joven y algo más abierta. Las relaciones entre ambas parejas será la clave de la comedia, cuyos enredos seguro que harán reír al público asistente.
Por lo que respecta al escenario, se ha buscado un decorado efectivo y divertido que simula un tablero del parchís, con diversos colores que nos indican los distintos espacios y que potencian la idea de juego en la que se basa la obra.
El joc de la veritat es una buena oportunidad para desconectar de la calurosas veladas en este mes de julio en la ciudad condal, y reírnos de los problemas que conllevan a veces las relaciones entre las personas, y decidir si vale la pena saberlo todo, o mejor dicho, si la verdad en la vida, o en este caso en las relaciones de pareja, está sobrevalorada.
«El joc de la veritat» se representa en el Teatre Gaudí, del 25 de mayo al 30 de julio de 2023.
Texto y dirección: Miquel Murga Intérpretes: Octavi Pujades, Míriam Tortosa, Cristina Dilla, Roger Cantos Producción: Hamlet Produccions Iluminación: Quim Algora Espacio escénico: Laura Orri Figurinismo: Àngels Cases
Horarios: Web Teatre Gaudí Precio: desde 18€ Duración: 70 minutos Idioma: catalán NOTA CULTURALIA: 7,5 ——
Una vez finalizada la 46ª edición del Festival de Teatro Clásico de Almagro y tras haber disfrutado de una programación de alta graduación escénica, vale la pena valorar algunas de las propuestas a las que asistimos. Y comenzamos con dos recitales.
Toda la noche m´alumbres, Corral de Comedias (21 y 22 de julio)
El primero, Toda la noche m´alumbres, es un recital entretejido a partir de la música antigua, la lírica y la mística del Siglo de Oroespañol, una propuesta en la que Pepe Viyuela y Elena González declaman parte del arsenal poético castellano de la época, acompañados por la arpa clásica y la voz de Sara Águeda.
El recital, que mezcla poesía, voz, actuación y música no deja impasible a nadie, y más porque se representa en el Corral de Comedia de Almagro, lugar en el que se funde la historia y el teatro y, en esta ocasión, la poesía. De ahí que el juego entre esos diferentes géneros, que no lo son tanto, lleve al espectador a ser testigo de las representaciones teatrales de otra época. Por las voces de los intérpretes pasan las palabras de autores como San Juan de la Cruz, Santa Teresa, Garcilaso, Góngora, Lope de Vega o Jorge Manrique, dejando un muy buen sabor de boca al público en este homenaje al amor y a la vida.
La propuesta se desarrolla con un mínimo de factores escénicos, salvo la presencia de los propios «recitadores» y el juego de luz y oscuridad propio del espacio del corral, que combina muy bien con el objeto de la representación, en la que destaca, sin duda, la arpa de Águeda, como símbolo de la época que se quiere evocar.
Sin duda un aditamento perfecto para un Festival que busca la excelencia del teatro español del Siglo de Oro. Como el propio festival indica, un recital que hace anidar en el oído y el corazón del espectador la belleza que viaja en la palabra.
Toda la noche m´alumbres Dirección: Elena González y Pepe Viyuela Música: Sara Águeda Reparto: Elena González, Pepe Viyuela, Sara Águeda (arpa)
Espacio: Corral de Comedias Fechas: 21 – 22 Julio 2023 Compañía: Cía. El Vodevil (Madrid) Duración: 70 min. Idioma: Español
Yo deseo (recital electrónico de inconfesiones femeninas), Casa Palacio de Juan Jedler (21 y 22 de julio de 2023)
Por su parte, en el espacio escénico de la Casa Palacio de Juan Jedler, se representó las noches del 21 y 22 de julio Yo deseo, un recital electrónico que mezcla de forma innovadora textos escritos por mujeres a lo largo de la historia en el que reflexionan sobre el deseo, el cuerpo, la belleza, la excitación y el sexo femenino, temáticas y actitudes normalmente vinculadas al texto masculino. Pero que en esta ocasión la dirección de Eduardo Mayo, la interpretación de Eva Rufo y la música de Enrico Bárbaro, nos hacen conocer de una forma atractiva y novedosa.
Todo en Yo deseo está muy trabajado. Lo primero la selección de textos que van desde la Antigüedad al la Actualidad, y que recogen el testimonio de autoras desde Safo, Sor Juana Inés, Li Ye, Wallada, Hildegarda de Bingen, Hadewijch de Amberes, Hafsa Al-Rakunía, Christine de Pizan, Florencia Pinar, Teresa de Ávila a Aphra Behn.
La puesta en escena mezcla la sencillez y la sobriedad del espacio con la fragancia verbal de Eva Rufo, actriz familiarizada con el repertorio clásico, que pone voz y cuerpo a los desvelos de la mujer a lo largo de la historia. Rufo está acompañada por la música electrónica de Enrico Bárbaro, a lo que se suma un sugestivo juego de luces, que provee al espectáculo de una sensualidad y de un aroma que le va muy pero que muy bien.
Ya lo veis, dos recitales, sí, pero muy diferentes entre ellos que nos revelan las voces de otras épocas, algunas más conocidas y otras menos, pero que contribuyen a hacer que el Festival de Teatro Clásico de Almagro se haya convertido en un referente, ya sea por la belleza del lugar en el que se desarrolla o por la excelente y diversa programación que ofrece al público asistente, que anida en sus espacios escénicos a lo largo de los meses de junio y julio de este abrasador verano.
Yo deseo (recital electrónico de inconfesiones femeninas) Dirección: Eduardo Mayo Adaptación: Sergio Adillo Iluminación: Fernando Herranz Música: Enrico Barbaro Reparto: Eva Rufo y Enrico Barbaro Escenografía: Eduardo Mayo y Fernando Herranz
Espacio: Casa Palacio de Juan Jedler Fechas: 21 – 22 Julio 2023, 22:45 h. Compañía: La Carne (Madrid) Duración: 75 min. Idioma: Español
El pasado 28 de junio regresaba al Poliorama La tendresa, la obra creada por Alfredo Sanzol galardonada con el Premio Nacional de Literatura Dramática 2017 y el XII Premio Valle-Inclán de Teatro, una versión libre de las comedias de Shakespeare que nos habla del amor, del atrevimiento y del sufrimiento.
«La tendresa narra la historia de una reina algo maga y sus dos hijas, que viajan en la Armada Invencible, obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses después de haber invadido Inglaterra. La reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre le han condicionado la vida y le han robado la libertad, así que no está dispuesta a permitir que sus hijas tengan el mismo destino que ella. Cuando la Armada pasa cerca de una isla que la reina considera desierta, provoca una gran tormenta que hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esta isla con sus hijas para no tener que volver a ver nunca más a ningún hombre. El problema es que eligen una isla en la que desde hace veinte años vive un leñador con sus dos hijos, que se escondieron para no volver a ver a una mujer en su vida».
La ternura es una propuesta, sin duda, ganadora, por la trama de comedia que nos propone, basada en el universo y el libro de estilo de Shakespeare, en un texto travieso y en unas actuaciones que están en línea con todo lo anterior.
Sanzol nos habla en su Tendresa del amor y de los riesgos que comporta y que, como bien sabéis, nos hacen ser más humanos. Basándose en las estratagemas literariasshakesperianas la obra nos presenta dos grupos humanos, uno masculino y uno femenino, recluidos en una isla desierta (pretendídamente desierta), en la que ambos grupos han decidido apartarte del sexo contrario. Esta situación provocará, como es lógico, aventuras, enredos, confusiones y finalmente, y como no puede ser de otra forma, una atracción entre los miembros de los dos grupos, que se intentará evitar a toda costa por parte de los progenitores.
Sanzol ha creado para su obra una escenografía vacía y con muy poco atrezo, lo que fuerza al espectador a imaginarse parte de la obra y sumergirse en la acción que se desarrolla encima del escenario.
Por lo que respecta al reparto, La Ternura apuesta por talentos jóvenes y talentos con más experiencia. Entre estos últimos destacan Marta Pérez y Jordi Rico, que interpretan respectivamente a la madre y al padre que intentan alejar del amor a sus hijas e hijos para evitarles penurias emocionales. Genial Pérez en su papel de pérfida madre cansada de la dominación masculina. Entre los más jóvenes hallamos a Laura Aubert, Anna Castells, Albert Prat y Ferran Vilajosana, que proveen a la representación de la frescura y la inocencia propia de la juventud, y que será la clave de los enredos que acabarán afectando a las entrañas emocionales de todos los protagonistas.
La tendresa os hará reír al contemplar los vanos esfuerzos de los protagonistas por luchar contra sus sentimientos, algunos sabiendo que la clave del amor es indomable y otros confundiéndose al recorrer una emociones o bien desconocidas o bien olvidadas hace mucho tiempo.
Una propuesta fresca y muy recomendable, sin duda, para sobrevivir a este tórrido mes de julio en la ciudad condal.
«La tendresa» se representa en el Teatre Poliorama del 28 de junio al 4 de agosto de 2023
Texto y dirección: Alfredo Sanzol Traducción: Joan Lluís Bozzo Reparto: Laura Aubert, Anna Castells, Marta Pérez, Albert Prat, Jordi Rico y Ferran Vilajosana Escenografía y vestuario: Alejandro Andújar Iluminación: Pedro Yagüe Música original: Fernando Velázquez Sonido: Roger Ábalos Caracterización: Eva Fernández Producción: TRES PER 3, en colaboración con Dagoll Dagom y T de Teatre, El Teatro de la Ciudad y el apoyo del ICEC
Horarios: de lunes a viernes a las 20:30 horas Precio: desde 12,5€ Idioma: catalán Duración: 1 hora y 50 minutos NOTA CULTURALIA: 8,5 ——
Onada edicions publica en un format molt còmode per l’estiu l’última proposta de la Marta Tena. Estem davant de poc més de 416 pàgines que costa portar una lectura fluida. No us equivoqueu, la trama és complicada i gens previsible, però personalment m’ha faltat intriga i foscor en els seus paràgrafs, i menys conflictes interns dels protagonistes.
Després de la lectura d'»Una lluna a la finestra» esperava que les noves aventures de la Jana Miró, m’atrapessin de la mateixa manera en aquesta nova aventura. Potser el llibre em va arribar en un moment amb poc temps per robar-li a la vida i deixar-me engolir per les pàgines, però m’ha costat poder entrar a la trama.
Marta Tena aconseguix però, fer un retrat molt acurat del paisatge de les terres del Sénia, és fàcil ubicar molts dels llocs que descriu i imaginar-te transitant per les diferents carreteres. Tot i això, de vegades m’he sentit sobrepassada pels detalls a l’hora de voler retratar la gastronomia, els vins, i m’ha semblat que no calia repetir-se tant en un aspecte que ja va descriure en profunditat en el seu primer volum.
Els personatges de la Mercedes i especialment de la Bruna, la nostra segona protagonista, han quedat una mica desdibuixats i és una pena, perquè el lector no acaba d’entendre les seves motivacions, ens falta una mica més de capes i matisos de la seva infantesa i adolescència, però sobretot ens falta poder entrar al seu subconscient per empatitzar amb elles. Com ho fa amb la seva àvia, la Carmen, de qui ens podem posar a la seva pell.
Entenc que possiblement aquest silenci o omissió del passat de la Bruna és definit per la voluntat de Tena, de sorprendre el lector a l’hora de desvetllar el desenllaç de la trama, així i tot hagués preferit un capítol menys sobre els dubtes existencials de la Jana i dels seus conflictes a la feina i més perfil psicològic del personatge de la Bruna. Ja que he trobat a faltar la tensió persistent que tant em va enganxar d’ «Una lluna a la finestra«.
Marta Tena Subirats és nascuda a la Sénia (Montsià) en ple hivern de 1966. La passió per la llengua i la literatura la van portar a estudiar Filologia Hispànica en plena joventut i Filologia Catalana en la seva maduresa. Des de fa un grapat d’anys és catedràtica de Llengua i Literatura castellanes en un institut de secundària i professora associada al Campus de les Terres de l’Ebre de la URV. També és doctora en Didàctica de la llengua i la literatura. El seu lligam amb les lletres no s’acaba amb la passió d’una voraç lectora ni la d’una professora amb vocació, sinó que s’ha reforçat amb la d’autora de tres novel·les: Juego de Quimeras (Ed. Dauro, 2015), Tots els colors del vent (Onada Edicions, 2017) i Una lluna a la finestra (Onada Edicions, 2020), amb les quals es compromet amb la memòria i la gent del seu territori. Ha estat guanyadora del I Premi del V Concurs de Microrelats Molí Fariner d’Agullent (2022). En la seva pàgina web http://www.donadelletra.es es pot gaudir dels articles que publica mensualment en l’Ebre Digital i d’altres textos com narracions inèdites, poemes, vídeos…
Títol:Murs d’aigua Autora: Marta Tena Subirats Editorial: Onada Edicions Col·lecció: Narratives Pàgines: 416 Publicació: 2023 ISBN: 978-84-19606-27-3 Format: Tapa tova Preu: • Tapa dura: 20,90 €
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