Locas, el éxito de la escena alternativa madrileña llega al Versus Teatrede Barcelona.
Tras el reconocimiento recibido por la crítica y el público de la escena alternativa madrileña, Locas llega al Versus Teatre para acercarnos una divertida y a la vez dura historia sobre la locura al siglo XXI. El texto del joven dramaturgo José Pascual Abellán recibió numerosos elogios por el fiel retrato de los trastornos derivados de la sociedad de hoy en día y por las espléndidas actuaciones de las dos protagonistas, Ángeles González Cuerda y Maribel Jara. Su experiencia anterior como maestro de educación especial le permitió construir un relato que refleja de forma sorprendente la realidad de los delirios y los trastornos mentales, combinando de forma inteligente y respetuosa la comedia con el drama que viven los dos personajes.
La obra llega también con el eco derivado del controvertido cierre del Teatro Casa de Vacas de Madrid, que dejó a Locas sin espacio de representación el mismo día que empezaba la temporada.
Según el autor, se trata de una obra sobre los trastornos de la realidad y la necesidad del ser humano de inventar personajes para sobrevivir. Dos mujeres, dos vidas, el silencio y la necesidad de ser felices.
A lo largo de los siglos pensadores de la mente estudiaron el origen y el tratamiento de esta enfermedad esquiva e históricamente contradictoria. Pero serán dos mujeres, locas, o no, y que se encuentran en la consulta de un psiquiatra, o no, las que se encargarán de tirar por tierra todas las teorías habidas o por haber, descubriendo cuál es el verdadero origen de la locura. O de la cordura…porque, ¿qué significa estar loco?, y ¿estar cuerdo? ¿Acaso no son lo mismo?
Jennifertiene 4 empresas y una vida envidiable, un marido, un amante, y un apartamento en Lloret. Marta está casada con un marido al que ve, con suerte, un día a la semana, dos hijos a los que ve en la hora de la comida, una amiga que presume en sus narices de ser feliz y una tele donde no para de ver “El diario de Patricia”…
Muchas diferencias y algo en común: las dos están a un lado o al otro de la línea, la línea que separa lo que es de lo que no es…la locura de la cordura. Y es tan fácil estar a un lado o al otro…
Locas, o de cómo el ser humano tiene la imperiosa necesidad de inventarse personajes para sobrevivir en la realidad.
“Locas” se representará en el Versus Teatre del 2 al 14 de agosto de 2011.
Dirección y dramaturgia: José Pascual Abellán
Reparto: Ángeles González Cuerda y Maribel Jara
Codirección: Doriam Sojo
Música original: José Francisco Giménez
Escenografía: Joaquín Román / Teatro A Cuestas
Producción: Teatro A Cuestas
Coordinación vestuario: Jonatan Mármol
Horarios: de martes a sábado a las 22:30 y domingos a las 20:30 horas. Precio: 16 € Idioma: castellano Duración de la obra:75 minutos
Aterriza este mes de julio en el Teatre Gaudí Barcelona una de las obras de teatro más reconocidas de Oscar Wilde, La importància de ser Frank, una comedia de enredos donde el sentido del humor, la ironía y los dobles sentidos marcan una trama salpicada por el amor y las falsas mentiras.
La importància de ser Frank de Oscar Wilde es una comedia de líos y falsas identidades en la que John Worthing, un joven adinerado que se relaciona con el alta sociedad de Londres, lleva una doble vida: en su residencia en el campo es John, un hombre serio y respetable, tutor de la joven y adorable Cecily, mientras que a la ciudad se hace pasar por Frank, un supuesto hermano imaginario de John, que vive sólo para distraerse y pasarlo bien con su amigo Algernon, un bala perdida de buena familia. Algernon, descubre esta doble vida de John y confiesa que él mismo también lleva a cabo un juego similar para huir de sus obligaciones sociales.
John, haciéndose pasar por Frank, se enamora y pide en matrimonio a Gwendolen, prima de Algernon, pero Algernon, también haciéndose pasar por Frank, se presenta en casa de John y enamora y pide en matrimonio a Cecily. Cuando las chicas, que viven enamoradas del nombre de Frank, descubren que ninguno de ellos se llama así, empiezan los problemas.
Además, lady Bracknell, madre de Gwendolen, se niega a dar en matrimonio a su hija a consecuencia de las extrañas circunstancias que rodean los orígenes familiares de John, que fue adoptado de pequeño y no conoce a sus padres, ni siquiera su nombre auténtico.
Estrenada en el año1895, The importance of being Earnest suele ser considerada la mejor obra teatral de Wilde. Contiene escenas dignas de figurar en la más selectiva de las antologías del teatro universal. La obra es una parodia de parodias. El autor aplica hasta las últimas consecuencias su dogma estético según la cual sólo de la forma artística puede nacer otra forma artística.
Wilde usa mucho en esta obra el ingenio verbal y los juegos de palabras. Ya en el título mismo, The importance of being Earnest, juega con el nombre Ernesto y el adjetivo earnest, “serio”, “formal”… “Frank”. En esta obra, como en otras comedias, Wilde hace un retrato de la alta sociedad de su época, un retrato crítico, ácido y sobre todo cómico.
“La importància…” es una obra alegre, con unos diálogos de un humor inteligente, irónico y, a veces, absurdo, donde nada es lo que parece. Un malentendido originado por un nombre falso, nos lleva a toda una serie de líos amorosos que se resolverán con un final sorpresivo y rocambolesco que acabará poniendo todas las cosas a su lugar”. En definitiva, es una comedia alegre, amable y fresca para pasar un buen rato estos días de verano.
“La importància de ser Frank” se representará en el Teatre Gaudí Barcelona del 5 de agosto al 2 de octubre de 2011.
Autor: Oscar Wilde
Director: Ivan Campillo
Reparto: Miquel Agell, Ivan Campillo, Ferran Castells, Clara Galí, Montse Sagués, Laura Sancho y Manel Solàs
Escenografía: Eloi Linuesa
Vestuario: Aitziber Sanz y Mireia Llatge
Iluminación: Dani Gener
Caracterización: Toni Santos
Producción: Cia i Produccions Lazzigags
Horarios: de miércoles a sábado a las 20:45 horas y domingos a las 19:00 horas. Precio: 18 €. Idioma: catalán.
El SAT! Teatre presenta mañana Lugares extrañamente Desastrosos la nueva creación de la compañía de danza Thomas Noone Dance.
En el escenario tres parejas y un músico que toca varios instrumentos. Cada una de las parejas baila su relación, sus emociones. Comparten cierto sentido de un inminente desastre, una danza dinámica y explosiva y un intenso lenguaje expresivo. Con música original del compositor e intérprete inglés Jim Pinchen, Lugares extrañamente Desastrosos es la nueva creación de Thomas Noone Dance, con la que festeja su 10º aniversario en los escenarios.
Los elementos escenográficos eluden esta ruta hacia el desastre emprendida por los seis bailarines. Thomas Noone ha querido con esta pieza centrarse en aquellas situaciones que irrevocablemente nos dirigen hacia el caos, aunque Lugares… no es una pieza melancólica sino mas bien irónica e impregnada del humor que caracteriza sus obras. Una danza de múltiples riquezas, con un dinámico sentido del ritmo, un uso extremo de los recursos del cuerpo y con la precisión habitual de las propuestas del coreógrafo y bailarín británico, residente en Barcelona desde hace 15 años.
La obra se estrena el 28 de julio en el SAT! Teatre donde Thomas Noone Dance es compañía residente desde 2005.
Próximos proyectos:
Además de esta nueva obra, TND estrenará el próximo 27 de octubre en La Sala Teatre de Sabadell su primera producción para el público familiar. Balbir, el meu avi, obra que se inspira en los cuentos de la mitología hindú que Noone escuchaba de niño a su abuelo.
“Lugares extrañamente Desastrosos” se representará en el SAT! Teatre los días 28 y 29 de julio de 2011.
Coreógrafo: Thomas Noone
Ayudante coreográfico: Nuria Martínez
Música: Jim Pinchen
Iluminación: Enric Alarcón
Bailarines: Silvia Albanese, Javier G. Arozena, Alba Barral, Arnau Castro, Jerónimo Forteza y Elena Montes
En un mundo de karaoke… Un hombre. Un micro. Mil voces. Su misión: cantar… El músico y showman Niko Costello da vida a El hombre de las mil voces (3D), en un unipersonal humorístico-musical en el cual interpreta clásicos de la música de todos los tiempos. Un verdadero antihéroe, capaz de imitar a veinticinco artistas diferentes en una sola canción ó hacer música con cucharas, globos o su propio cuerpo. Un hilarante y sorprendente viaje musical para todas las edades.
Aterriza a Barcelona un auténtico showman, músico, cantante, artista y sobre todo el hombre con más registros vocales que se ha visto nunca. Ahora, durante 5 únicas semanas, el Versus Teatre presenta el espectáculo de Niko Costello, El hombre de las 1000 Voces (3D).
Una oportunidad única para ver a esta máquina de imitar cantantes en potencia. Niko Costello es Gloria Gaynor, Frank Sinatra, Roy Orbison, Bee Gees, Michael Jackson, Queen, Louis Armstrong o Elvis Presley. A lo largo de 60 intensos minutos, el joven talento, realiza un viaje espectacular por la historia del cine y la música. Su equipaje es ligero: Un micrófono, pequeños elementos de atrezo y una gran imaginación. El resultado: una auténtica explosión de ironía, habilidad y sobre todo muy buena música.
Uno de los números estrella del joven cantante es la interpretación en directo del conocido tema We are The World. 6 minutos intensos de música donde Niko Costello interpreta en riguroso directo, cada una de las más de 20 voces que salen en el famoso tema producido por Quincy Jones. Una puesta en escena que a buen seguro pondrá los pelos de punta a todos los asistentes.
Niko Costello apenas acaba de darse a conocer al gran público y allá donde va arrasa y consigue arrancar los aplausos de todos los asistentes. Con tan sólo 37 años ya ha ganado varios concursos de televisión gracias a su capacidad de imitar voces. Además, ha participado en la grabación de la BSO de la película Torrente 3.
“El hombre de las mil voces (3D)» se representa en el Versus Teatre del 16 de julio al 21 de agosto de 2011.
Creación, dirección e interpretación: Niko Costello
Horarios: de miércoles a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas.
Viernes 22 de julio NO HAY FUNCIÓN Precio: 16 €
Llega a el espacio escénico de la Nau Ivanow la adaptación de la compañía Ras Teatre de la obra de Martin McDonaghThe Lonesome West, dirigida por Pepa Fluvià e interpretada por Eduard Buch, Isidre Montserrat, Sergio Alfonso y Aida Oset.
En el pequeño pueblo irlandés de Leenane, los hermanos solteros Coleman y Valene Connor, que acaban de enterrar su padre, muerto «accidentalmente», mantienen una violenta relación llena de reproches. Parece que la convivencia entre ellos es imposible pero un pacto los mantiene ligados. El padre Welsh, mosén de la comunidad, busca restablecer la paz en el pueblo y particularmente entre los hermanos, pero sus crisis de fe lo mantienen sumergido en el alcoholismo que sólo remite ante la presencia de Girleen, una joven que trafica con alcohol para conseguir sus sueños y que oculta sus verdaderos sentimientos.
Martin McDonagh, nacido en Londres de padres irlandeses, está considerado el autor irlandés más destacado de las últimas décadas. El 1996 escribe su primera obra, The Beauty Queen, que inicia la “Trilogía de Leenane” formada también por Skull in Connemara y The Lonesome West. McDonagh se ha convertido en el dramaturgo anglosajón más representado en Norteamérica, después de Shakespeare. Su teatro cultiva una vertiente extrema: el teatro de la crueldad, conocido como in your face, basado en acentuar los aspectos violentos y groseros de las obras para captar la atención del espectador, con situaciones impactantes que no lo pueden dejar indiferente.
La compañía RasTeatre desarrolla su tarea escénica en el ámbito del teatro contemporáneo, que habla de las relaciones humanas, que trata temas que preocupan, que inquietan o que pueden conmover a cualquier persona. Un teatro donde los personajes están vivos en todos el sentidos de la palabra: vivos en el escenario, vivos en sus conflictos, vivos en sus contradicciones y vivos en sus instintos.
“The Lonesome West” se representará en la Nau Ivanow del 21 al 24 de julio de 2011.
Dirección: Pepa Fluvià
Intérpretes: Eduard Buch, Isidre Montserrat, Sergio Alfonso y Aida Oset
Escenografía y atrezo: Elisenda Rodríguez y GRUP SISTERART (Laia Sisteró, Maria Josep Subirachs y Marc Parés)
Diseño de iluminación: Bernat Tresserra
Diseño de sonido: Toni Farran
Música: Aida Oset, Marc Ortiz y Toni Farran
Compañía: Ras Teatre
Horarios: de jueves a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 18:00 horas. Precio: 15 €, Amics de la Nau 12 €. Duración de la obra: 100 minutos aproximadamente.
La compañía de teatro postdramático PVZ os propone una radiografía de cuerpos y vidas atrofiadas con el estreno el próximo viernes 29 de julio de Mors Moris.
Mors Moris es una poesía con alambre de espinos, un testimonio de la disolución del ser humano. Los protagonistas inician una trayectoria en los sentidos más profundos de lo que es conciencia, ser, devenir, en un conflicto entre sus vicios y la necesidad de auto salvación. ¿Qué es la vida sino una muerte diaria?”
El mundo es un cementerio decadente de cuerpos y almas agotadas. Me alimento del éxtasis social y respiro muerte. Compro, compro, compro, pago facturas, tasas del banco, hipoteca, coche, aparcamiento, asistencia social, colegio, universidad, máster, impuestos, comisiones, sgae. Durante el día engullo mi cuerpo con cafeína, bebidas energéticas, quemador de calorías, cola zero zero zero, durante la noche compro mi sueño con somníferos y pongo la tele para cubrir el silencio. Compro, compro. Mi alma esta agotada. La engaño en encuentros carnales, pero fallo en llenar el vacío con amor. Decadente. Aún tengo esperanza. Que mi vida es más que un sacrificio con fines efímeros y vuelo roto entre cuatro paredes. Mi alma esta agotada. Respiro muerte.
PVZ no está subvencionada por ninguna administración.
“Mors Moris” se representará en La Riereta Teatre los días 29 y 30 de julio de 2011.
Autor y director: Mad Pirvan
Reparto: Maria Griñó, Marta Sanz, Montse Jiménez, Oscar Vinilo y Mad Pirvan
Compañía: PVZ
Horarios: 21:30 horas Precio: 9 €; 7 € en Atrápalo
El Gran Teatre del Liceu presenta este mes de julio en siete únicas funciones la adaptación de la opera Carmen de Bizet realizada por Calixto Bieito e interpretada por Béatrice Uria-Monzon, Fabio Armiliato, María Bayo, Jossie Pérez, Neil Shicoff y Ainhoa Arteta.
Carmenes un verdadero arquetipo del género, de una popularidad sin parangón, objeto de admiración de músicos y artistas, y base de un gran número de adaptaciones. Innovadora por su concepción, tiene la grandeza que le proporciona una historia muy bien trabada y la extraordinaria inventiva melódica, armónica e instrumental de su música.
El enfrentamiento entre, por un lado, la gitana que defiende con pasión su personal sentido de la libertad, y por el otro, la mentalidad posesiva y convencionalmente masculina del soldado navarro, desemboca en una tragedia que supera con mucho el contexto argumental, que fácilmente habría podido hacerlo caer en el tópico de una Andalucía de toreros y castañuelas. La nueva puesta en escena que dirige Calixto Bieito está basada en la creación que presentó en el Festival de Peralada.
“Carmen” Opéra-comique en cuatro actos. Libreto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy basado en la novela de Prosper Mérimée. Música de Georges Bizet. Estrenada el 3 de marzo de 1875 en la Opéra Comique de París.
Estrenada en Barcelona en el Teatre Líric el 2 de agosto de 1881. Estrenada en el Gran Teatre del Liceu el 26 de enero de 1888.
Retransmisión de una función en julio en la playa y en el Palau Robert.
“Carmen” se representará los días 21, 22, 24, 25, 27, 28 y 30 de julio de 2011.
Dirección musical: Marc Piollet
Dirección de escena: Calixto Bieito
Reparto: Béatrice Uria-Monzon, Fabio Armiliato, María Bayo, Jossie Pérez, Neil Shicoff, Ainhoa Arteta y otros.
Escenografía: Alfons Flores
Vestuario: Mercè Paloma
Iluminación: Xavier Clot
Nueva coproducción: Gran Teatre del Liceu / Teatro Massimo (Palermo) / Teatro Reggio (Turín) Orquesta Sinfónica y Coro del Gran Teatre del Liceu Cor Vivaldi-Petits Cantors de Catalunya
Horarios: los días 21, 22, 25, 27 y 28 de julio a las 20:00 y el día 24 de julio a las 17:00 horas. Precio: de 9,50 a 194 €.
El Círcol Maldà programa del 15 al 24 de julio Oblideu-vos de nosaltres, una obra que de la mano de Evelyn Arévalo reconstruye el cosmos político e ideológico del poeta y dramaturgo Tadeusz Różewicz.
«No mentiré
No formo ninguna unidad he sido destrozado y desnudado
Quién entonces se inclinará quien se interesará por estos fragmentos» Tadeusz Różewicz
Un espectáculo de amor y guerra a partir de textos del poeta polaco T. Rozewicz. Una dramaturgia conmovedora de Evelyn Arévalo sobre los supervivientes de la Segunda Guerra Mundial y la reconstrucción de una Europa que ya nunca volverá a ser igual.
Parte de un presente, de un ahora y reconstruye, desde la cotidianidad, desde los fragmentos del día a día de personajes rotos, su historia, la historia de una Europa que desaparece o que intenta aparecer después de haber desaparecido.
“Oblideu-vos de nosaltres” se representará en el Círcol Maldà del 15 al 24 de julio de 2011.
Dramaturgia y dirección: Evelyn Arévalo
Intérpretes: Arnau Puig, Mireia Sanmartin y Evelyn Arévalo
Audiovisual: Setzenou
Traducción poemas: Josep-A. Ysern i Lagarda
Técnico: Edgar Paulinho
Producción: Marina Marcos
Horarios: jueves, viernes y sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas. Precio: 15 €
L’Associació d’Actors i Directors Professionals de Catalunya (AADPC) presenta el seu projecte de gestió i pla d’usos de la fàbrica de creació La Escocesa, una antiga fàbrica del barri de Poblenou reconvertida en centre de creació teatral, que esdevindrà un espai cultural neuràlgic de Barcelona, a imatge d’altres ja existents dedicats a diferents disciplines (la Central del Circ, el Centre de Creació de Dansa de l’Illa Philips, La Seca o la Fabra i Coats), complementant el mapa d’equipaments culturals de la ciutat que ha impulsat l’ICUB de l’Ajuntament de Barcelona els darrers anys.
Aquest centre de creació i formació per a actors i directors, dirigit i gestionat per l’Associació d’Actors i Directors Professionals de Catalunya (AADPC), serà el projecte de futur d’una associació que enguany celebra 30 anys i busca nous horitzons: per aconseguir que la societat cregui cada cop més en la necessitat de consumir teatre, és imprescindible teixir una pedrera de futur i posar a l’abast dels actors i directors del nostre país totes aquelles eines necessàries per què puguin seguir trobant noves maneres d’explicar històries.
Aquesta idea es farà realitat a La Escocesa, un laboratori d’idees que aportarà unes condicions òptimes per al suport de la creació actoral i escènica, un centre d’investigació i recerca de nous llenguatges on prevalgui l’acció, el risc, l’experimentació, la formació, la pràctica, l’assaig, la repetició i l’actuació. Es crearà doncs un espai estable i definitiu per a la trobada, fonamentat en dues línies essencials: la de l’actor i la del director.
El compromís de l’AADPC és la reflexió i el debat per a la creació de sinergies i acords que enforteixin el sector, impulsant les activitats que col·laborin a elevar el nivell cultural, artístic i professional. Amb La Escocesa, els objectius passen a un pla tant material com teòric: oferir un espai en condicions òptimes que estimuli la creació contemporània i, per l’altra, capacitar els actors i directors per què puguin adaptar-se als nous temps i a les noves demandes. Permetrà, en definitiva, compensar l’actual desequilibri entre la vocació professional i les oportunitats reals.
Objectius:
– Generador de projectes. Plataforma que inverteixi, atregui, descobreixi, desenvolupi i exposi talent.
– Aparador. Escenari de les propostes dels professionals del sector que estiguin treballant en projectes teatrals i no estiguin sotmesos als circuits comercials. La exhibició d’aquests projectes no és comercial sinó per confrontar experiències i enriquir-se de les opinions dels companys.
– Trampolí al món laboral. Motor de foment de l’ocupació i treball per a actors i directors professionals.
– Pont entre el producte experimental i el producte comercial.
– Residències, aules de formació, punt de trobada.
Atès que l’espectador és l’element que tanca el cercle de la creació escènica, els actors i directors disposaran d’un escenari que els permetrà mostrar, internament, tots aquells treballs que s’hagin creat a La Escocesa, ja siguin productes acabats o works in process. Aquest escenari estarà situat a la principal sala d’assaig de La Escocesa, un multi-espai perfectament equipat.
La Escocesa és a més un espai de relació obert al barri, als veïns, als ciutadans, al públic consolidat i al públic nouvingut. Vol acostar el procés de creació teatral, els seus diferents mètodes i llenguatges a la ciutadania mitjançant una pedagogia ben definida i vertebrada, a partir d’un programa d’activitats didàctiques, formatives i lúdiques.
El nou equipament també vol establir un circuit regular de produccions: creacions amb segell distintiu de qualitat que permetin la vinculació de totes les propostes que generi amb els diferents festivals i fires de teatre de Catalunya, Espanya i Europa.
Llega a la cartelera barcelonesa una nueva versión de Romeo y Julieta, la gran tragedia amorosa escrita por William Shakespeare readaptada, actualizada y situada en el ambiente más contemporáneo de las luchas de bandas de la calle de la mano de D’Block, The On Stage Company.
Este mes de julio se estrenan en Barcelona (quién sabe si por casualidad) dos revisiones escénicas del Romeo y Julieta de William Shakespeare. De ellas el espectáculo que nos interesa en esta reseña es la adaptación que de este clásico ha realizado la compañía D’Block, The On Stage Company, una revisión musical y coreografiada que traslada la trama de la obra desde finales del siglo XVI a principios del siglo XXI.
No voy a descubrir nada nuevo si digo que Romeo y Julieta debe de ser una de las piezas más revisada de la historia del teatro, pues hemos visto adaptaciones de ella en todos los media habidos y por haber, ya sean los más clásicos como los más modernos. D’Block, no ha sido menos y ha querido presentarnos su versión del hito shakesperiano que no ha constado tan solo, se lo aseguro, de la simple sustitución en su título de la “y” por un signo de “+”. Su adaptación recupera la obra en un siglo que parece que vive continuamente dirigiendo su mirada al pasado, alimentándose de aquello “ya hecho” para fundamentar lo “por hacer”.
Esta versión como decía traslada el drama amoroso ideado por Shakespeare a nuestro entorno, una ciudad, y a nuestro ámbito social, en donde las dos dinastías veronesas, los Montesco y los Capuleto, se transforman en dos bandas callejeras rivales, cuyo lenguaje vital no es otro que la danza urbana y la música. D’Block ha seguido los pasos, así, de West Side Story, la ya clásica adaptación realizada en Hollywood en el año 1961, dirigida por Robert Wise y Jerome Robbins, con música de Leonard Bernstein y letras de Stephen Sondheim. Aún así, podríamos decir, que el espectáculo presentado en el Teatre Gaudí es una adaptación de las dos obras, del original “inglés” y el original “americano”. En definitiva, como una suma, tal y como nos indica el signo “+” entre el Romeo y la Julieta del título.
Nos ahorraremos explicar aquí la trama, conocida casi universalmente por todos y, si les parece bien, analizaremos un poco la producción presentada por D’Block. Lo primero que nos puede sorprender es la juventud que irradia la obra, tanto en el estilo como evidentemente en la edad de los protagonistas/bailarines. Otro elemento que nos puede chocar es la inexistencia (o casi inexistencia) del texto en el espectáculo, que es sustituido por los pasos de danza urbana, los cuales dominan los miembros de la compañía. Y es ésta la gran apuesta de D’Block, la traslación de la historia de amor más famosa del mundo al ámbito de la danza urbana.
Entraremos pues en un espacio donde las palabras dejan paso al cuerpo y el pasado cede su preeminencia a lo moderno, a la actualidad. El baile y el movimiento de los cuerpos de los miembros de la compañía está acompañado, evidentemente, de música, entre la que el hip hop y los ritmos pop y disco dominan sin discusión (disculpen si mi conocimiento de estilos musicales no es todo lo actual que debería…). Son, pues, los pasos de baile y la electricidad escénica lo que se impone desde un buen principio. Y se impone de tal forma que las palabras no hacen falta.
D’Block ha sabido darle al clásico una nueva esencia y un nuevo aroma que acerca al público más joven, y a veces al más apartado de los escenarios, a una obra de teatro, y con un éxito notable, si nos basamos en el constante clamor del público y los repetidos aplausos que coronaban un número de baile tras otro.
De entre todos ellos destacan, a mi forma de ver (personal, claro está) tres momentos: El primero la escena de la fiesta en la que un escabullido y aturdido Romeo acude para enamorarse de Julieta; el duelo decisivo entre Montescos y Capuletos en el que se plasma toda la tensión y la rivalidad contenida en la obra y en la que participa todo el público asistente (todo un acierto, si señor!!) y finalmente el baile/noche de amor plasmado en el escenario entre Romeo (Cristian Jiménez) y Julieta (Aina Lanas) en la que esta última se nos presenta de una forma excesivamente sensual (y digo excesivamente de una forma muy positiva!!).
Sin embargo el acierto de la obra no reside tan solo en la actuación/baile de sus principales protagonistas sino en la suma del esfuerzo y el vigor “bailístico” de toda la compañía que incluye a Mario Jiménez, Kiko López, Elena Carvajal, Marc Costa, Susanna Ayllón, Susanna Garcés, Esther Camacho, Sara Yermak, Samuel Faye y Sandra Macià (creo que no me dejo a ninguno!!) y su representación en el escenario central del Teatre Gaudí, lo que hace de Romeo + Julieta un espectáculo musical integral con la tensión y la fuerza necesaria para merecerse, este caluroso mes de julio, un espacio en la cartelera barcelonesa.
Será cuestión, pues, de comprobar como le sienta a una historia escrita en el siglo XVI un envoltorio del siglo XXI. Y si, la obra de Shakespeare es tan vigente, hoy en día, para que una compañía joven catalana de danza urbana se arriesgue a adaptarla y darle ese toque personal y actual que nos ofrece D’Block, The On Stage Company. Aunque, y esto se lo aseguro, solo lo podrá comprobar yendo al teatro y reviviendo una tragedia que nos habla de la rivalidad, el odio, la intransigencia y el miedo a lo otro (y también del amor), algo que, por suerte o por desgracia, no ha dejado de acompañar al hombre hasta nuestro aventajado, orgulloso y postmoderno siglo XXI.
“Romeo + Julieta” se representa en el Teatre Gaudí Barcelona del 3 al 31 de julio de 2011.
Autor: William Shakespeare
Autor revisión y producción: D’Block, The On Stage Company
Coreografía y montaje musical: Diversos coreógrafos (D’Block, The On Stage Company)
Bailarines: Cristian Jiménez, Aina Lanas, Mario Jiménez, Kiko López, Elena Carvajal, Marc Costa, Susanna Ayllón, Susanna Garcés, Esther Camacho, Sara Yermak, Samuel Faye y Sandra Macià
Intérpretes musicales femeninas: Aisha Fay y Elena Carvajal
Voz Rap: Efrén González (Al Margen)
Escenografía: Jordi Montaño
Diseño de luces: Jordi Montaño
Horarios: de miércoles a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 19:00 horas. Precio: 18 € Duración del espectáculo: 1 hora y 15 minutos
Culturalia 