Crítica teatral: El retrat de Dorian Gray, en el Teatre del Raval.


Hace poco más de dos semanas que el Teatre del Raval estrenó una nueva versión de la obra de Oscar Wilde El retrat de Dorian Gray llevada a cabo por La Companyia de l’Art, residente en la sala desde el año 2007.

Con el estreno de esta obra la compañía mantiene la línea de trabajo de adaptación de clásicos en lengua inglesa iniciada el año pasado con el éxito en la representación de Dotze homes sense pietat, de Reginald Rose. Ahora le ha tocado el turno a otro gran clásico de las letras inglesas como es Oscar Wilde, del que no se ha adaptado una de sus obras teatrales sino su novela más conocida, El retrato de Dorian Gray, escrita en el año 1891.

La trama de la novela/obra es de todos conocida: El joven y apuesto Dorian Gray queda maravillado por el cuadro que le ha pintado un amigo, Basil Hallward, y por la visión hedonista y clasista de la vida que defiende Lord Henry, amigo también del pintor, que influenciará la vida y el espíritu del joven Gray, que iniciará a partir de entonces una carrera hacia la degustación del placer individual y personal en la que todo lo demás se verá supeditado. Su vida, además, se verá afectada por un pacto con el diablo, una maldición que le asegura la vida (juventud) eterna mientras el cuadro pintado por su amigo Basil envejece y suma a su rostro las muestras de sus continuos vicios y pecados. Una maldición que ira minando su alma humana y su forma de entender y vivir la vida.

El retrato de Dorian Gray se convierte así en un análisis del comportamiento y de las ansias que mueven a las personas en la vida. Una obra que habla sobre el hedonismo y la búsqueda de los placeres que mueven a tantos, ya sea a finales del siglo XIX, cuando se escribió la obra, o en la actualidad, en la que el epicureísmo y el hedonismo, transformados las más de las veces en el consumismo, mueven los corazones de muchos. Y no solo este tema le proporciona actualidad a la obra. El culto al físico y a la belleza, a la eterna juventud, es otra de las materias principales del texto que Wilde modeló a la perfección dando forma a un lienzo que permitía al joven Dorian Gray mantener su belleza y juventud mientras la imagen del cuadro degeneraba y mostraba la realidad pérfida de sus actos.

El retrato de Dorian Gray es, sin embargo, una novela de difícil adaptación teatral. La Companyia de l’Art ha hecho un merecido y digno esfuerzo aunque no ha podido encajar toda la grandeza del escrito de Wilde. La acción de la obra se concentra en el salón del joven Gray, por lo que toda la trama que se desarrolla en la novela fuera de esta se hace invisible, y solo la conocemos por las conversaciones desarrolladas en el salón. Un espacio, por cierto, excelentemente reproducido con una escenografía y un vestuario que muestran un trabajo relevante.

A la representación le falta, si un caso, un poco más de energía y agilidad ya que parece más interesada en la trama que en el análisis del alma de Dorian Gray, por lo que el estudio de la belleza, del hedonismo, del egoísmo y del clasismo de la obra original no está todo lo presente que tendría que estar. En este aspecto el personaje de Lord Henry y la interpretación de Òscar Bosch son las que presentan más fidelidad a la obra de Wilde y le proporcionan a la obra, y al mismo Dorian, la batería de cuestiones y de debates socio-morales-espirituales que le guiarán desde la inocencia juvenil a la perversión adulta, una clara alusión a la malignidad a la que llevan los deseos y las pasiones humanas, al menos en un escritor y en una época como la británica de finales del siglo XIX.

La adaptación de La Companyia de l’Art también transita por el carácter sexual de la obra original y del autor. La homosexualidad de Wilde, conocida en la época y por la cual tuvo incluso que sufrir una reclusión penitenciaria, está presente en la adaptación teatral, en la que todos los personajes principales, y alguno de los secundarios, muestran sucintamente su opción sexual a través de sus palabras, de sus miradas y de sus gestos, un elemento clave para manifestar el deseo de romper con unas normas sociales cerradas e impuestas por una sociedad, la inglesa de finales del siglo XIX, opuestas en muchos aspectos, que no todos, con la situación que vivimos en la actualidad.

Las interpretaciones son mucho más que correctas, aunque dos destacan, a mi parecer, del resto. Una, como ya decía, la de Òscar Bosch, que hace de un esplendido Lord Henry, un noble cansado de su vida familiar y social fría e impuesta y deseoso de experimentar con sus placeres; la otra es la de Francesc Oller, que encarna al pintor amigo de Dorian con gran naturalidad y presteza.

Todo un gran reto para una pequeña compañía que nos deja claro su desenvolvimiento y su atrevimiento a la hora de adaptar grandes piezas clásicas del teatro, y nos confirma la voluntad de su directora, Empar López, de hacer cada vez más grande el Teatre del Raval, proponiéndonos una programación acertada, diversa y actual. El retrat de Dorian Gray es una buena oportunidad, pues, para comprobar que nuestras dudas, nuestros debates y nuestros valores no son tan modernos como creemos, y para reflexionar sobre dónde nos lleva nuestra locura actual de consumir todo lo que podemos, incluso a las personas, y de dedicarnos con cuerpo y alma a cuidar de nuestro físico, de nuestra belleza y de nuestra juventud, dejando en banda otros valores menos hedonistas y que son la clave, sin duda, para, al menos, superar la actual crisis económica mundial generada, no en pequeña medida, por todos esas ansias y apetitos que nos hacen, a veces, pactar con el “diablo” para conseguirlos y devorarlos.

El Retrato de Dorian Gray” se representa en el Teatre del Raval desde el 13 de enero de 2011.
ESPECTÁCULO PRORROGADO HASTA EL PRÓXIMO 20 DE MARZO DE 2011.

Autor: Oscar Wilde
Dirección: Empar López
Adaptación teatral: Empar López
Traducción: Tamar Aguilar
Intérpretes: Sergio M. Alonso, Òscar Bosch, Francesc Oller, Joan Codina y Enric Cervera
Diseño escenografía: Marina Vives y Xavier García
Diseño de luces: Aurélie Raoût
Diseño de sonido: Cristina Rodríguez
Diseño de vestuario: Luna
Producción: Natàlia Olcina

Horarios: De jueves a sábado a las 21:00 horas y los domingos a las 19:30 horas.
Precio: Jueves 16 €; viernes, sábados y domingos 18:00 €.
Duración de la obra: 80 minutos.
Idioma: catalán.

Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Crítica cinematográfica: Camino a la libertad, de Peter Weir


El pasado 5 de enero se estrenó en España Camino a la libertad, un periplo vital y espacial basado en la novela de Slavomir Rawicz, The Long Walk, un polémico alegato de supervivencia del propio autor dirigida por Peter Weir e interpretada por Colin Farrell, Dejan Angelov, Dragos Bucur, Ed Harris, Jim Sturgess, Sattar Dikambayev y Yordan Bikov.

Camino a la libertad es una película dura, una película que nos transporta a algunos de los lugares más despiadados que existen en la tierra y en el alma humana. Una película basada en una obra pretendidamente “histórica” de cuya veracidad se ha dudado desde el mismo momento de su publicación en el año 1956.

El argumento de la película nos transporta a la Rusia comunista poco después de la conquista de Polonia, cuyo territorio fue dividido entre la URRS y la Alemania nazi. Janusz, un soldado polaco acusado de espionaje es deportado a un gulag en Siberia. En unas condiciones pésimas y soportando durísimos trabajos forzados, Janusz y un pequeño grupo de cautivos deciden escaparse del campo de concentración. Su decisión les llevará a soportar las más duras condiciones que el hombre pueda sufrir: el frío de Siberia, el calor del desierto del Gobi, las alturas gigantescas del Himalaya. Todo por poder escapar de la cautividad impuesta por el enemigo y por alcanzar la libertad.

Como decía Camino a la libertad es una película dura. No solo el paisaje sino también las peripecias y tragedias que tienen que sufrir los evadidos harán que no podamos apartar la mirada de la pantalla. Una fotografía dura, triste y casi lacerante acompañará a los protagonistas, Colin Farrell, Dejan Angelov, Dragos Bucur, Ed Harris, Jim Sturgess, Sattar Dikambayev y Yordan Bikov a lo largo de todo el metraje. E iremos conociendo la historia de cada uno de los personajes, sus infiernos interiores y exteriores, al mismo tiempo que éstos superan una a una, aunque no todos, las duras pruebas de resistencia anímica y física que su “camino hacia la libertad” les depara. Es, así, una obra de sufrimiento. El espectador no lo pasará bien, pero se verá asaltado de una sensación de resistencia y de lucha por los valores e incluso por la libertad y la democracia a la que la historia aspira.

Entre los actores vemos nombres conocidos y otros no tanto, al menos aquí en España. De entre ellos Ed Harris compone una actuación genial, de aquellas a las que nos tiene acostumbrados; Jim Sturgess borda su papel de polaco insumiso y luchador hasta el final, el alma del grupo; y Colin Farrell hace creíble su personaje de asesino sin principios que puede matar a una persona simplemente por su jersey.

Una historia firme que nos hará encaminarnos, junto a los protagonistas, por aquellos lugares del mundo más inhóspitos y rivales de la supervivencia humana, para recuperar una historia, la del mundo durante la Segunda Mundial, que es posiblemente, periodo más fatídico y el más sangriento que vivió la raza humana, y que llevó a los hombres y a los Estados a iniciar y mantener una guerra despiadada e inhumana, propia, sin duda alguna, de la humanidad que nos caracteriza.

Título: Camino de la libertad
Director: Peter Weir.
Intérpretes: Colin Farrell, Dejan Angelov, Dragos Bucur, Ed Harris, Jim Sturgess, Sattar Dikambayev y Yordan Bikov.
Guionista: Keith R. Clarke, Peter Weir.
Fotografía: Russell Boyd.
Distribuidora: Aurum Producciones.
Música: Burkhard Dallwitz.
Duración: 133 min.
Nacionalidad: EE.UU.
Fecha de estreno en España: 5 de enero de 2011
Productora: Imagenation Abu Dhabi, Exclusive Films [us].

Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Novela: El águila de la novena legión, de Rosemary Sutcliff. Editorial Plataforma.


Aquí os reseñamos una obra interesantísima de Rosemary Sutcliff, El Águila de la Novena Legión, la novela en la que se ha basado la película La legión del Águila, de Kevin Macdonald que se estrenará en España el próximo 8 de abril de 2010. Una historia que nos dirige a la Britania romana del siglo II d.C. y al desenlace de un gran misterio que rodea la desaparición de una legión.

En el año 117 d. C. la Novena Legión Hispánica se internó en las nieblas de Caledonia y entró en la leyenda, pues nadie tuvo nunca más noticia de ella ni de los hombres que la integraban. Veinte años después, Marco, hijo de unos centuriones de la desdichada legión, recala en Britania con su unidad de auxiliares galos. Gravemente herido durante un levantamiento de la población britana de origen celta, debe abandonar el servicio, pero se le presenta la oportunidad de correr la mayor aventura de su vida porque al norte del Muro de Adriano, entre las tribus todavía por conquistar, corre el rumor de que ha reaparecido un poderoso amuleto de guerra: el Águila de una legión romana. Sólo puede ser el Águila de la Novena y Marco se internará en las brumas del norte para arrebatar el trofeo a los bárbaros, devolver el honor a la legión de su padre y resolver el enigma de su misteriosa desaparición.

El águila de la novena legión es la primera parte de la trilogía que ha vendido 1.000.000 de ejemplares y ha sido traducida a 16 idiomas.

Rosemary Sutcliff (West Clanden 1920 – Surrey 1992) fue hija de un oficial naval inglés. Tuvo una infancia muy viajera siguiendo los diferentes destinos de su padre. Aquejada desde muy pequeña de artritis, se vio muy pronto obligada a utilizar una silla de ruedas, lo que propició que fuese una gran lectora y una entusiasta estudiosa del mundo del arte. Al finalizar la Segunda Guerra Mundial centró su actividad en la escritura, especializándose en novelas históricas que reconstruyen con minuciosidad y gran calidad literaria buena parte de la historia de la Britania romana y las leyendas que surgieron de la Edad Oscura.

La autora está considerada como una de las mejores escritoras de novelas para niños y adultos o, como ella prefería decir, para edades comprendidas entre los 8 y los 88 años. Escribió más de 50 libros que se han traducido a más de 20 idiomas. Aparte de ficción histórica y fantasía, también escribió guiones para radio y televisión. Nació en 1920 y falleció en 1992.

Entre sus numerosos títulos mencionaremos Aquila, el último romano; Sword at Sunset; The Mark of the Horse Lord; Song for a Dark Queen; Naves negras ante Troya; The Hound of Ulster; Beowulf; adaptaciones de las leyendas irlandesas, y su autobiografía, Blue Remembered Hills. Hizo viajar a sus lectores a la Grecia antigua, a la Inglaterra artúrica, a la Edad Media, a la época de Isabel I de Inglaterra y de los Tudor, a la Guerra Civil Inglesa y al comienzo del siglo XIX en Medina. La primera historia que escribió fue Wild Sunrise, acerca de un jefe britano que se rebelaba ante la invasión romana. Exploró a fondo el dominio romano en El águila de la Novena Legión, escrita en 1954, de la que se han vendido más de un millón de ejemplares.

Tírulo: El Águila de la Novena Legión
Autora: Rosemary Sutcliff
Editorial: Plataforma
Colección: Histórica
Fecha de publicación: noviembre 2008
ISBN: 978-84-96981-25-6
Páginas: 300
Precio: € 19.95

Estrena cinematogràfica de la setmana: Mil cretins, de Ventura Pons.


El pròxim divendres 28 de gener se s’estrena Mil cretins la nova pel·lícula de Ventura Pons basada en els relats de Quim Monzó. Quinze històries, contemporànies i algunes històriques, on, en clau d’humor, sarcasme i valentia, es passa comptes amb el dolor, la vellesa, la mort i l’amor però sobretot amb l’estupidesa humana, sense concessions, mirant a la cara el difícil equilibri entre vida i misèria humana.

“Per què tornar a en Monzó després de l’èxit d’El perquè de tot plegat? Crec que és molt fàcil explicar-ho. Segueixo adorant els seus contes, crec que cada cop fereixen més i el contingut temàtic de la seva darrera obra pateix d’una evolució semblant a la que he experimentat personalment o com, suposo, la majoria de la meva generació. En Quim, amb els anys, ha derivat des de la seva indagació al voltant de les relacions humanes cap a “passar comptes amb el dolor, la vellesa, la mort i l’amor” però sobretot amb l’estupidesa humana, sense concessions, mirant a la cara el difícil equilibri entre vida i misèria humana. Sense renunciar mai al sempre omnipresent humor, però la vida, amb els anys, es veu d’una altra manera.

Però sobretot m’he posat en aquest projecte perquè donant-li moltes voltes he trobat una estructura narrativa absolutament diferent. Mil cretins no té res a veure amb el fris minimalista d’El perquè de tot plegat? Conceptualment se m’ha ocorregut establir una narració dividida en tres parts – una petita burla dels tres actes convencionals – que presenta un hipotètic narrador, escriptor de guions de cine. A la primera ens trobem amb vuit histories sobre la permanent estupidesa d’aquests pobres insectes, els humans, de tall contemporani. A la segona, revisem sis contes històrics amb situacions i personatges mítics, reals o no, tant li fa, de tots coneguts i per això serà explicada com si es tractés de cinema mut – una opció que em sembla molt divertida, a la vegada que de pas rendim homenatge a la gran tradició escenogràfica catalana del tombant segle XX. A la tercera, on només hi ha una història, l’escriptor assisteix desesperat a la never ending agonia dels seus ancians pares que l’obliga a revisitar la seva infància, la seva vida familiar. Ell no pot més i quasi entra en una depressió però finalment serà salvat per l’aparició de tota la colla dels personatges dels catorze episodis que hem vist a les dues primeres parts, el fruit de la seva imaginació, que li demanen que no els abandoni i que segueixi amb ells més i més. És a dir, la pròpia capacitat de creació, d’inventiva, la teva dedicació a una feina que dona sentit a la teva existència et pot salvar del trist pas per la vida”. Ventura Pons.

Títol: Mil cretins
Guió, Direcció i Producció: Ventura Pons
Intèrprets: Joan Crosas, Aleix Albareda, Roger Príncep, Òscar Rabadan, Francesc Orella, Dafnis Balduz, Mingo Ràfols, Marta Millà, Carol Badillo, Clara Segura, Ramon Pujol, Mercè Comas, Montse Perez, Mar Ulldemolins, Roger Berruezo, Julieta Serrano, Roger Batalla, Elena Tarrats, Edu Soto, Peter Vives, Aida Flix, Toni Albà, Pau Poch, Nil Cardoner, Pere Brasó, Marc Clotet, Ariadna Cabrol, Joel Joan, Alícia Roy, Santi Millan, Jordi Bosch, Joan borràs i Carme Molina.
Basat en relats de: Quim Monzó
Música: Carles Cases
Director d’art: Bel·lo Torras
Director de fotografia: Joan Minguell
Muntatge: Pere Abadal
Directora de producció: Maite Fontanet
Gènere: Comèdia
Nacionalitat: Espanya
Duració: 120 minuts
Data d’estrena: 28 / 01 / 2011.
Productora: Els Films de la Rambla.

“Mil cretins” està basada en els següents contes de Quim Monzó: El senyor Beneset, Un tall, La lloança, Quan la Berta obre la porta, La forquilla, La carta, Quan en Sergi traballa de nit, Dissabte, La sang del mes que ve, La Bella dorment, Les llibertats helvètiques, El gripau, Una nit, Fam i set de justícia y L’arribada de la primavera.

Crítica cinematográfica: No controles, de Borja Cobeaga.


Nochevieja del 2010. Una monumental nevada colapsa el aeropuerto de Bilbao, provocando la suspensión de todos los vuelos previstos para esa noche. Éste bien podría ser el inicio de una película de catástrofes, pero nada más lejos de la realidad (o sí, pero las calamidades no vendrán provocadas por la meteorología): así comienza la comedia romántica No controles, segundo film del joven director Borja Cobeaga, quien ya sorprendió con su debut, Pagafantas, en 2009, y que ahora regresa con un largometraje más redondo que aquél, confirmando las buenas expectativas que sobre él se habían depositado.

Sin duda, un aeropuerto paralizado por la nieve no es el mejor lugar para pasar el fin de año. Allí se encuentran Sergio y Bea, una expareja que ha vuelto a Bilbao para pasar unos días en casa de los padres de él porque el muchacho no encuentra la manera de comunicar la ruptura a su familia, que sigue creyendo que ambos continúan juntos. Sus vuelos no partirán, así que al joven, que a pesar de haber transcurrido siete meses desde la separación todavía sigue enamorado de ella, se le presenta la oportunidad de recuperarla, pero tendrá que hacerlo antes de que el tráfico aéreo vuelva a la normalidad. En su misión contará con la inestimable ayuda de Juancarlitros, un rara avis compañero suyo en el colegio y que encuentra por casualidad en el avión, Juanan, un divorciado a quien su viaje a Punta Cana no ha ido tan bien como esperaba, Laura, una inexperta azafata de vuelo, y Jimmy, el chico para todo del hotel en el que se hospedarán esa noche, además de todos los pasajeros de los vuelos cancelados que amablemente se prestarán a seguir el juego, ya sea por solidaridad o aburrimiento. Y todo en una angustiosa cuenta atrás durante la Nochevieja del 2010.

Afortunadamente, la comedia romántica ya no es lo que era. Muchos son los ejemplos que últimamente corroboran esta afirmación, pero en No controles es más que evidente: lejos de las situaciones exageradamente almibaradas, con pegajosas parejas que pasan los minutos del metraje besándose, aquí se presenta una pareja rota y con vidas que, en apariencia, ya han superado la ruptura; la acción no concede intimidad a los protagonistas, ni oportunidades para que el galán embelese con besos apasionados a su amada. En realidad, el protagonista es un hombre gris, lejos de ser un héroe se presenta como un antihéroe que para lograr su objetivo no duda en protagonizar ridículas escenas, traspasando la línea hasta el patetismo. También tiene elementos propios de los buddy films o cine de colegas: la especial situación en la que se encuentran hace que se establezca entre los pasajeros una singular confraternidad que los convierte, por unas horas, en íntimos amigos que toman como propia la situación de Sergio. Además, al tópico argumento de chico pretende volver con chica, Cobeaga aporta su amplitud de miras, en cuanto a cine se refiere, y transforma el que sería un desesperado intento por recuperar el amor perdido debido a la cobardía del protagonista en una cuenta atrás típica del thriller clásico: hay un tiempo determinado para lograr el objetivo, pasado ese tiempo (en este caso, la Nochevieja del 2010), el aeropuerto volverá a su habitual rutina, la chica a Alemania y el joven a su trabajo en Ciudad Real. En resumen, y en palabras de Juancarlitros, ésta es una especie de Jungla de Cristal del amor, y con la canción No controles de Olé Olé sonando de fondo.

Ésta es una obra coral en la que los enamorados protagonistas son Unax Ugalde (a quien vimos en Alatriste y la reciente Bon appétit) y la televisiva Alexandra Jiménez (Los Serrano); ambos cumplen en sus respectivos papeles, a pesar de las dudas previas sobre Ugalde a la hora de encarar su primer papel cómico, pero lo cierto es que la fuerza interpretativa de la película recae en unos secundarios cuidadosamente elegidos, entre los que destacan Secun de la Rosa con una actuación espléndida en la piel del cabreado Juanan, y sobretodo, y por quien se recordará esta película, Julián López como el fiel escudero del protagonista, Juancarlitros, o lo que podría denominarse el hombre desactualizado: quien más quien menos tiene en su círculo de amistades a un tipo graciosillo, sin ninguna vergüenza y fuera de contexto como él, pero es imposible reunir tantos clichés y encima construir un personaje genial, arrancando desde su primera aparición las carcajadas de un público entregado y, porqué no decirlo, identificado en cierta manera con él.

Por todo ello No controles es una imprescindible comedia romántica que entusiasmará a toda clase de público, aunque será el que ronda la treintena el que más conectará con las situaciones. Ah, y si acuden a verla, no se pierdan los créditos del final, el perfecto colofón a una hora y media divertidísima.

Título: No controles
Director: Borja Cobeaga
Intérpretes: Alexandra Jiménez, Julián López, Mariví Bilbao, Miguel Ángel Muñoz, Secun de la Rosa y Unax Ugalde.
Guionista: Borja Cobeaga y Diego San José.
Fotografía: Aitor Mantxola.
Productora: Etb (Euskal Telebista), Antena 3 Films.
Nacionalidad: España
Fecha de estreno: 05 / 01 / 2011.
Distribuidora: Vértice Cine.
Género: Comedia
Duración: 96 minutos

Estreno teatral: Soy la otra (La Diva), en el SAT! Teatre.

El pasado viernes 21 de enero el SAT! Teatre estrenó Soy la otra (La Diva) de Alba Sarraute, un cabaret contemporáneo creado a partir de la interpretación multilíngüe de una actriz, payasa, músico y acróbata; una revisión del género y una apuesta por las nuevas formas interpretativas en torno la figura del clown.

Del 21 al 30 de enero de 2011 vuelve a Barcelona Alba Sarraute, la nueva cara del circo catalán, con un cabaret contemporáneo que explica la historia de una diva desde sus inicios hasta su declive. Música, clown, acrobacia y circo en un espectáculo de varieté tragicómico.

Después del éxito de “Mirando a Yukali” (premiado por el público del IV Festival Internacional de Payasas de Andorra 2009 y en la Fira de Tàrrega 2009), de haver actuado con Albert Pla y Lídia Pujol en “Llits” del Teatre Nacional de Catalunya y de haber sido reconocida como el esperado relevo generacional de las artes del clown, Alba Sarraute vuelve con un concierto-especctáculo que ella misma describe como un varieté tragicómico.

Soy la otra (La Diva)” es un viaje por la vida de una Diva en un solo acto que narra los impulsos que la llevan a aspirar y conseguir una vida prefabricada, excéntrica, falta de hogar; y esas contradicciones del complejo mundo interno de una cantante de cabaret en busca de su padre, hasta su propia decadencia.

La Diva quiere ser querida, aclamada, por eso exagera su seducción. El payaso también. Se maquilla, cuida el vestuario, reclama atención e intenta vivir de manera espléndida. Busca la libertad, persigue los límites, rompe fronteras, y cuando llega al punto de perderse entra en un espacio oscuro y subterráneo del ser.

El espectáculo se desarrolla a partir de una gran variedad de recursos escénicos, la interpretación multilíngüe de una actriz, payasa, músico y acróbata; el acompañamiento musical del piano de cola, bateria y contrabajo, una revisión del género y una apuesta por las nuevas formas interpretativas sobre la figura del clown contemporáneo.

Alba Sarraute
cuenta con la dirección escénica de Blai Mateu (recientemente galardonado con el Premio Ciutat de Barcelona 2010 y el Premi Nacional de Circ 2010), quien hace pocos días presentó, por segundo año consecutivo, “Le sort du dedans” en el Mercat de les Flors.

Soy la otra (La Diva)” se representa en el SAT! Teatre del 21 al 30 de enero de 2011.

Idea i dramaturgia: Alba Sarraute
Dirección: Blai Mateu
Dirección musical: Roc Sala
Intérpretes: Alba Sarraute, Roc Sala, Pol Caturla y Alexandre Guitart
Equipo técnico: Quim Aragó, Ton Mentruit y Núria Navarro
Diseño de luces y producción técnica: Quim Aragó (Escènica integral)
Diseño de sonido: Ton Mentruit
Escenografía: Marlako, Pilar Albaladejo (Pro-Escena), Tomislav Ruzic, Alba Sarraute y Núria Navarro
Vestuario: Alba Sarraute, Rosa Solé y Alexa Lecompte

Horarios:
Jueves y viernes a las 21:00 horas_; sábados a las 21:30 horas y domingo a las 18:30 horas.
Precio: 12 €
Duración del espectáculo: 1 hora
Idioma: Multilingüe

Más información:
Web de Alba Sarraute: http://www.albasarraute.com/

Festival Lady Folk. Barcelona. 5 de febrer de 2011.


El pròxim 5 de febrer tindrà lloc a la ciutat de Barcelona el Festival Lady Folk, un esdeveniment musical dedicat exclusivament a artistes femenines que desenvolupen la seva activitat en el marc de la música folk underground catalana i que comptarà amb les actuacions de Edith Crash, Juliane Heinemann i Ninette & the Goldfish. Els concerts estan inclosos dins de l’activitat de la 24ª edició del festival Tradicionarius, Festival Folk Internacional.

LadyFolk és el primer festival de música dedicat exclusivament a artistes femenines que exerceixen la seva activitat a l’undergroud de Catalunya, lluny dels grans circuïts comercials i l’atenció dels mass media. Només dones: Pel seu component estètic, per la seva atracció, per la seva particular visió de la música, els sentiments i la seva transmissió. Sense tòpics. De la més acarnissada a la més dolça. Com un petit homenatge als precedents que tant han marcat la historia de la música folk durant dècades: Joan Baez, Joni Mitchel, Edith Piaf, Ani di Franco, etc. El propòsit d’aquesta reunió parteix del folk. El folk entès com a manera d’entendre l’activitat artística més que com a etiqueta estilística. Així podrem descobrir noves propostes que s’escapen de les etiquetes i podrem recórrer els diferents camins que tracen les artistes del cartell. Des les propostes més jazzies a les més western.

La varietat en la procedència geogràfica del cartell no ha estat casualitat; ha sorgit en intentar elaborar un cartell de propostes interessants. LadyFolk prescindeix de tot això. LadyFolk neix de l’underground. LadyFolk ha recol·lectat els músics de manera artesanal, un a un, i els ha trasplantat dels seus circuïts habituals de sales petites al festival amb l’únic i lloable requisit de la seva solvència artística. Res de guitarres xineses desafinades, posades en escena raquítiques o actituds desinflades. Cada una de les Folk Ladies té presencia, talent i capacitat d’atrapar a l’espectador, escórrer la seva ànima i deixar empremta en la seva memòria.

La programació del Festival Lady Folk inclou les actuacions de:

Edith Crash

En el fons, Edith Crash és una banda de rock. Una banda d’una sola persona, d’un sol instrument i d’una sola veu. Però, definitivament, és rock. Brut, fosc, captivador, sexy… Crash, nascuda a Perpignan, no encaixa en el que un espera d’una cantautora francesa. Oblida’t d’Edith Piaff, Françoise Hardy o la chanson i comença a pensar en PJ Harvey, en el punk rock i en una tradició musical més atlàntica: blues sense ser blues, rock sense ser rock, folk sense ser folk, western sense ser western… El tot i el res. Com la teoria del caos, però en cançons contemporànies!

——————————–

Juliane Heinemann

Després d’una bona escoltada a les cançons de l’alemanya Juliane Heinemann, segueixes pensant quan va ser que el jazz i el folk es van donar de la mà. Potser va ser en els llunyans 70. Potser va ser gràcies a Joni Mitchell. Potser va ser gràcies a l’avantguarda musical i artística novaiorquesa. Potser la Velvet. Potser Nico. I potser (només potser) ens trobem davant d’una digníssima hereva de tot aquest corrent. La millor manera de descobrir-ho és acostar-se a un dels concerts de la Heinemann.

—————————————

Ninette & the Goldfish

De totes les propostes del festival, la de Ninette & The Goldfish possiblement sigui la més netament folk. Això sí, parlem d’un folk contemporani, amb la mirada fixa en el rock, el blues, la tradició southern i la nova corrent americana. Aquest duet barceloní està pujant de forma meteòrica amb un discurs nítid, màgic i magnètic. La veu de Ninette és la d’una veterana, i els acompanyaments de Goldfish a les sis cordes, excel·lents. Un projecte que vessa talent per totes les costures.

Aquí us deixem nota de la programació i del lloc de celebració del Festival Lady Folk, que tindrà lloc a Barcelona el pròxim dia 5 de febrer de 2011.

Dia: 5 de febrer de 2010
Lloc: C.A.T. Centre Artesà Tradicionàrius. Travessia de St. Antoni, 6-8. Gràcia, 08012 Barcelona

Programació:
21:00-21:45 Edith Crash
22:00-22:45 Juliane Heinemann
23:00-23:45 Ninette & the Goldfish

Entradas: 12 €
Amigos del C.A.T: 10 €
Descuentos: Atrapalo y TresC

Per veure els videos de les artistes que participen al Festival Lady Folk clica aquí.

Per a més informació:

www.dangerhill.wordpress.com
http://www.myspace.com/550478726

Estreno cinematográfico: Más allá de la vida, de Clint Eastwood.


El próximo viernes 21 de enero llega a las carteleras españolas Más allá de la vida un thriller paranormal dirigido por Clint Eastwood e interpretado, entre otros, por Matt Damon, Bryce Dallas Howard, Cecile de France, Jay Mohr y Jenifer Lewis.

Más allá de la vida narra la historia de tres personas que están obsesionadas por la mortalidad de formas diferentes. George (Matt Damon) es un trabajador manual norteamericano que tiene una conexión especial con la vida después de la muerte. En el otro lado del mundo, Marie (Cécile de France), una periodista francesa, tiene una experiencia cercana a la muerte que sacude su concepto sobre la realidad. Y cuando Marcus (Frankie/George McLaren), un escolar londinense, pierde a la persona que estaba más cercana a él, necesita desesperadamente respuestas. Cada uno de ellos en una senda en búsqueda de la verdad, sus vidas se cruzan, cambiadas para siempre por lo que creen que podría o debería existir en la otra vida.

Título: Más Allá de la Vida
Título Original: Hereafter
Director: Clint Eastwood
Guión: Peter Morgan
Intérpretes: Matt Damon, Bryce Dallas Howard, Cecile de France, Jay Mohr, Jenifer Lewis, Richard Kind, Derek Jacobi, Marthe Keller, Frankie McLaren, George McLaren
Género: Thriller Sobrenatural
Nacionalidad: USA
Fecha de Estreno: Viernes, 21 de enero de 2011

Para más información:

http://hereafter.warnerbros.com/
http://wwws.warnerbros.es/hereafter/index.html

Crítica televisiva: Hispania, la leyenda. Capítulo noveno, La batalla final.


Después de nueve entregas de Hispania la leyenda llegamos al desenlace de la primera temporada de la serie con un episodio que consiguió reunir a 3.376.000 espectadores delante del televisor y del que vamos a pasar, a continuación, a resumir su argumento.

Ha sido en el campamento romano donde se ha centrado gran parte de la trama de este capítulo. Si bien creíamos que Marco había sido envenenado por Galba nos hemos dado cuenta de que tan solo había sido adormilado por el pretor, que ha pretendido castigarle a él y a su mujer Claudia a lo largo del capítulo por su traición. La entrega de Viriato por parte de Cesáreo con el objetivo de éste de recuperar a su hijo Darío, ha permitido que casi todos los rebeldes se concentraran, en contra de su voluntad, en el campamento legionario.

Cuando todo parecía perdido para la causa indígena, Viriato apresado y torturado, Sandro y Paulo encarcelados y Héctor crucificado, las tropas lusitanas (que no hispanas!!) se han concentrado para atacar al ejército romano, lideradas por Cesáreo y el resto de caudillos lusitanos. En el interior del campamento la acción no ha cesado en ningún momento: enfrentamientos gladiatoriales entre los cautivos lusitanos, intentos de asesinato, torturas al fiel Marco y por fin, casi en el último momento, la rebelión de la legión en contra de Galba y a favor de su general.

Todo estaba preparado para que se produjera el enfrentamiento final (de la temporada) entre romanos y lusitanos que se ha llevado a cabo en dos escenarios. Mientras que el grueso de la lucha se ha producido en el campo de batalla, un pequeño grupo de lusitanos ha liberado a Viriato y a sus hombres. La victoria final ha sido para el bando lusitano y se ha conseguido gracias a una astuta táctica militar de los indígenas y tras la llegada al campo de batalla de Viriato con el estandarte de la legión, prueba de que el campamento romano había sido tomado y de la muerte del propio Galba.

El intento de asesinato de Galba

Como podemos observar en este último capitulo de la temporada la tensión ha incrementado por momentos centrándose en los preparativos militares del enfrentamiento entre lusitanos y romanos. La ocasión no ha sido la mejor para estos últimos, ya que en el campamento romano se ha producido una rebelión en contra del pretor y general Galba, como sabemos ya, un hecho algo común en la larga historia romana. Es así, que mediando un conflicto interno en la legión, no podía ser, ni mucho menos, el mejor momento para enfrentarse con el enemigo. La sedición se ha producido, además, en el momento en el que los soldados han sido testigos de la humillación de Marco, su oficial superior.

En el apartado más dramático he de alzar una crítica airada ante la rápida recuperación tanto de Marco como de Viriato tras las torturas de las que han sido objeto. O son superhombres o es un nuevo “error” el hecho de que después de haber sufrido una cruel y dura tortura ambos se hayan recuperado apresuradamente de sus heridas, que hubieran acabado, sin duda, con la vida de más de un hombre.

Ha sido interesante ver como se ha organizado una especie de combate de gladiadores entre los cautivos lusitanos en el campamento legionario. Un elemento tan característico de la cultura romana que hemos visto en diversas películas ambientadas en la antigüedad. Una escena parecida se puede ver en Espartaco, de Stanley Kubrick (1960), en la que los gladiadores rebelados hacen combatir entre ellos a dos senadores “capturados” como venganza ante el estado de esclavitud al que se habían visto sometidos. En la serie el enfrentamiento gladiatorial está organizado como espectáculo para levantar la moral de las tropas en horas bajas tras la detención y atropello del general Marco.

Pasaremos ahora a considerar un poco más detenidamente el enfrentamiento armado entre romanos y lusitanos que, y como viene siendo habitual en el “cine de romanos” al uso, no se ha plasmado de la forma más correcta en el aspecto histórico. Una batalla en la Antigüedad no es, como estamos acostumbrados a ver, un tumulto alocado en el que millares de soldados, sin orden alguno, luchen en combates singulares y fuera de formación, como hemos visto en el capítulo del martes pasado. Al contrario, el éxito o el fracaso de un ejército radicaba, las más de las veces, en el mantenimiento de las formaciones cerradas de hombres (legiones, cohortes, manípulos) durante el choque armado, por lo cual tan solo se luchaba entre las primeras líneas de ataque de ambos ejércitos y no de la forma desparramada que hemos visto en la reconstrucción de Hispania, en la cual aunque el ejército romano si que estaba ordenado inicialmente en el campo de batalla, el lusitano no, lo que ha llevado, en el momento del choque, a un desperdigamiento militar en el que las líneas y las formaciones se han acabado diluyendo hasta su total desaparición. Es sabido, que la reconstrucción histórica de una batalla es difícil y compleja, y no daría lugar a los “heroicos” combates personales que hemos visto protagonizados por Darío, Paulo o Sandro. Aunque no estaría mal que en alguna ocasión se intentara mostrar de una forma algo más correcta e histórica un enfrentamiento de este tipo, que daría a la película, documental o capítulo una solidez “histórica” desconocida en el género. De nuevo una pena!!

La derrota romana

Más ridícula ha sido la entrada de Viriato en escena a caballo portando el estandarte de la legión, hecho que ha “paralizado” la batalla. Algo insólito e increíble en un momento en que millares de hombres están luchando. Si un caso la llegada de Viriato con la insignia romana podría provocar miedo en los soldados enemigos, los cuales, como pasó en muchas ocasiones, podían huir, entonces, del campo de batalla, momento aprovechado, normalmente, por el ejército vencedor para perseguir y diezmar al enemigo. Pero la llegada de Viriato no puede paralizar a unos rivales que, por lo que hemos ido viendo a lo largo de las diferentes entregas de la serie, se odian y desprecian ampliamente. El único aspecto “histórico” de esta escena es la importancia que los legionarios romanos daban a sus insignias y estandartes militares a los que se rendía un culto casi divino, y que representaba casi un icono sagrado para la supervivencia de la legión.

Como podemos ver, aunque la tensión dramática del episodio ha ido creciendo a lo largo del mismo, dirigiéndonos hacia un desenlace inesperado por todos, la corrección histórica del mismo ha seguido las huellas de las entregas anteriores, primando la trama argumental sobre la veracidad. Hecho que podemos comprobar en uno de los diálogos finales del episodio, en el que un lusitano indica a Darío y los suyos que Cartago ha sido tomada por los romanos, lo que hace prever, en próximas entregas, que la presencia militar romana en la península Ibérica ha de incrementar, quedando libre el Senado romano de enviar legiones a África.

Pues bien, ese comentario solo puede hacer referencia a la toma y destrucción de la ciudad de Cartago por parte del ejército romano en el año 148 a.C. Sin embargo la historia nos dice que Galba fue nombrado gobernador en Hispania Ulterior durante los años 151 y 150 a.C. y regresó a Roma en el año 149 a.C., donde fue acusado ante el Senado por sus actos de gobierno en la provincia. Así, pues, como la mala noticia llegada de África para los pobres lusitanos es anunciada poco después de que Galba sea acuchillado por su mujer Claudia en el campamento romano y dado por muerto, aunque verdaderamente no lo esté, y el pretor aún está en Hispania (es decir, al final de su mandato, o lo que es lo mismo, a finales del 150 a.C.) podemos observar como la caída de Cartago se ha avanzado dos años en la historia. Todo un alarde para los guionistas de la serie!!

Tendremos que esperar algunos meses para ver nuevos capítulos de Hispania la leyenda, ya que como decía al inicio de esta reseña, la novena era la última entrega de esta primera temporada. Así, pues, para acabar este breve análisis haré mención de una de las frases más acertadas e históricas que se han pronunciado en este capítulo, y que no es otra que la que le dice Marco a Viriato antes de la batalla final arriba mencionada: “Roma no se irá de estas tierras”. Y no lo hizo, y por ello Roma formó parte, a partir de entonces, de la historia de España y forma parte, de una manera u otra, en nuestro día a día, ya que el legado romano es parte de la base de nuestra civilización, con todo lo bueno y todo lo malo que esto conlleve.

———————————————————–

Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Estreno teatral: Shakespeare x4 – Macbeth, en la Sala Ivanow.


La Nau Ivanow
continua con su programación shakesperiana con el estreno de Shakespeare x4 – Macbeth, una producción de la Factoria Escènica Internacional y La conquesta del Pol Sud, con dirección de Carles Fernández Giua e interpretación de Dani Arrebola, Jordi Brunet, Marc Garcia Coté, Laia Martí y Pau Sastre.

Macbeth es un guerrero que, para curarse del pánico que lo ha acompañado toda su vida, acaba convirtiéndose en la misma fuente del terror. Macbeth es un hombre que, por querer tener más de lo que tiene, que es mucho, lo acaba perdiendo todo: esposa, amigos, posición, reconocimiento… hasta la propia vida. Macbeth se consume en una espiral de violencia y de terror, pero ¿por qué lo hace?

Macbeth es también la historia de una mujer. Lady Macbeth es, aparentemente, una mujer valiente porque consigue sobreponerse al pánico, porque es quien asume el peso, terrible, de todas las decisiones… pero ¿por qué se comporta así? ¿Qué la hace lanzarse a un camino de sufrimiento?

Macbeth habla pues de una pareja, habla del amor, la necesidad, la dependencia, el deseo, los sueños… Es la historia de un hombre que lo pierde todo, que deja escapar la felicidad que tenía tan al alcance…

Carles Fernández Giua es licenciado en Derecho y Dirección Escénica por el Institut del Teatre de Barcelona y estudia Historia del Arte. Actualmente, compagina la dirección teatral y la traducción. Ha trabajado como ayudante de dirección de Carme Portaceli, Xavier Albertí, Franco di Francescantonio, Roberto Romei y Francesc Nel·lo.

Shakespeare x4 – Macbeth” se representará en la Sala Andy Warhol de la Nau Ivanow del 17 de enero al 13 de febrero de 2011.

Dirección y adaptación: Carles Fernández Giua
Traducción: Salvador Oliva
Intérpretes: Dani Arrebola, Jordi Brunet, Marc Garcia Coté, Laia Martí y Pau Sastre
Espacio escénico y diseño de vídeo: Eugenio Szwarcer
Vestuario: Lluna Albert
Diseño de sonido: José Antonio Gutiérrez – Guti
Iluminación: Luís Martí
Coreografía de esgrima: Tono Saló
Producción: Factoria Escènica Internacional y La conquesta del Pol Sud

Horarios: de miércoles a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 19:00 horas.
Precio: 18 €
Idioma: catalán
Duración de la obra: 1 hora y 40 minutos