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CrĆ­tica teatro: Ser o no ser, en el teatro La Latina

El pasado 17 de marzo el teatro La Latina estrenó Ser o no ser, una comedia que trata sobre el nazismo y en la que Hitler es uno de sus personajes. Una obra, por cierto, creada para el cine por Ernst Lubitsch y Edwin Justus Mayer en el año 1942 y versionada en el año 1983 por Mel Brooks, algo que ya de por sí nos puede dar una idea del tipo de obra a la que nos referimos.

Ā«Varsovia, agosto de 1939. La CompaƱƭa teatral del matrimonio Tura se instala en un teatro para ensayar Ā”Gestapo!, un obra que satiriza la amenaza mundial que suponen Hitler y el nazismo. A la vez, representan Hamlet, cuyo verso ā€œser o no serā€ serĆ” la clave de un affaire extraconyugal. Pero los problemas se les multiplicarĆ”n tras la invasión alemana de Polonia. Los actores de la CompaƱƭa tendrĆ”n que ingeniar una doble trama teatral, de guardarropĆ­a y suplantación, para desactivar la entrega de un documento a las autoridades nazis que puede acabar con la Resistencia y para huir de Polonia a InglaterraĀ».

Echanove se atreve con una comedia en la que el auge del nazismo y los inicios de la Segunda Guerra Mundial estÔn muy presentes y en donde los equívocos y las situaciones comprometidas son la clave de la trama. De esta forma veremos como lo grave de la situación política y militar de Europa a finales de los años 30 del siglo pasado se entremezcla con la actividad de la resistencia polaca y con los líos de faldas propios de la compañía de teatro Tura, un mix este que, evidentemente, generarÔ la comicidad de la propuesta.

Ser o no ser_1

Ser o no ser se basa, así, en el humor dentro de lo trÔgico, de una compañía de teatro que intenta sobrevivir en una situación muy complicada, con la intención de abandonar lo antes posible el país. El humor, así, estÔ servido, y la comedia no dejarÔ de ser un in crescendo de acciones y reacciones que pondrÔn constantemente en peligro a todos los miembros de la compañía.

Hasta aquí, la trama, todo estÔ bien. La contrariedad comienza con el reparto. No vamos a poner en duda el saber hacer de Echanove, que da vida a Joseph Tura, el personaje principal de la representación, pero la vis cómica del actor no es, seguramente, la mÔs adecuda para una comedia de enredos de este tipo. Este hecho provoca que la propuesta quede tocada. A lo que se suma una adaptación y una escenografía que dificultan al espectador seguir la acción, sobre todo en la consumación final de la trama. El resultado, así, queda afectado escénicamente, aunque en parte es compensado por la pericia y el buen hacer del resto de la compañía, que consigue elevar, ahora sí, el tono humorístico de la obra.

Ser o no ser es una propuesta que gustarƔ, no lo dudo, pero que no acaba de explotar todas las posibilidades de una comedia que tanto Lubitsch como Brooks consiguieron plasmar en todas sus posibilidades. Y es tambiƩn una oportunidad para confirmar que el humor puede con todo, incluso al adentrarse en una Ʃpoca y en un contexto, el del nazismo, y salirse airoso del intento.

«Ser o no ser» se representa en el teatro La Latina de Madrid desde el 17 de marzo de 2022.

AutorĆ­a: Ernst Lubitsch y Edwin Justus Mayer
Director: Juan Echanove
Adaptación: Bernardo SÔnchez
Reparto: Juan Echanove, Lucƭa Quintana, Ɓngel Burgos, Gabriel Garbisu, David Pinilla, Eugenio Villota, NicolƔs Illoro
DiseƱo de escena y vestuario: Ana Garay
Diseño de iluminación: Carlos Torrijos
TƩcnico de sonido y video: Natalia Moreno
Vestuario: Peris Costumes
Maquillaje y peluquerĆ­a: Chema Noci
MĆŗsica: Jose Recacha

Horarios: MiƩrcoles a viernes a las 20:00h; SƔbados a las 18:00h y 21:00h y Domingos y festivos a las 19:00h
Precios:
Platea: de 24,00€ a 28,00€
Club: de 20,00€ a 24,00€
Anfiteatro: de 17,00€ a 20,00€
Precios reducidos los miƩrcoles

Duración: 100 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa

68a Edición del Festival Internacional de Teatro ClÔsico de Mérida

Entre el 1 de julio y el 21 de agosto de 2022 tendrÔ lugar la 68a Edición del Festival Internacional de Teatro ClÔsico de Mérida, dirigido por Jesús Cimarro a través de la empresa Pentación EspectÔculos. En esta ocasión, el espectacular Teatro Romano de la ciudad acogerÔ 9 espectÔculos nacionales e internacionales, con gran presencia femenina, entre los que no faltarÔ música, danza y por supuesto, los mejores clÔsicos.

La edición de este año incluye la programación de varios espectÔculos como la versión de Julio César del Complejo Teatral de Buenos Aires; la música y la poesía de Safo con Christina Rosenvinge bajo la dirección de Marta Pazos; una versión de El misÔntropo de Menandro y a Assumpta Serna protagonizando Minerva. También se programarÔn en el mes de julio dos espectÔculos de danza: Ariadna, al hilo del mito de la mano del Ballet de Rafaela Carrasco y De Sheherazade de la compañía de María Pagés.

El mes de agosto arranca con Miles Gloriosus, dirigido por Pep Anton Gómez y protagonizado por Carlos Sobera. SeguirÔ El aroma de Roma, un musical protagonizado por Leo Rivera y Agustín Jiménez y el mes finalizarÔ con La tumba de Antígona de María Zambrano, con dirección de Cristina D. Silveira.

Festival de Merida_1

Este aƱo el Festival inaugura un nuevo espacio dentro de la programación teatral, el Teatro MarĆ­a Luisa, que acogerĆ” 5 espectĆ”culos durante el mes de julio. ComenzarĆ” la compaƱƭa Els Joglars con Ā”QuĆ© salga Aristófanes!, espectĆ”culo que conmemora el 60 aniversario de la compaƱƭa; seguido de PenĆ©lope, del Ballet de Murcia. ContinuarĆ” una versión de AntĆ­gona de la compaƱƭa portuguesa ChapitĆ“, tras el que llegarĆ” una versión del clĆ”sico de Cervantes, Numancia, una coproducción de la compaƱƭa Nao d’amores y de la CompaƱƭa Nacional de Teatro ClĆ”sico (CNTC). Para cerrar la programación de este nuevo espacio contaremos con una versión de Las Bingueras de EurĆ­pides a cargo de Las NiƱas de CĆ”diz.

La edición del Festival cuenta un año mÔs con las sedes en Medellín, Regina y CÔparra donde podrÔn verse algunas de las obras que triunfaron en la pasada edición como Los Dioses y Dios de Rafael Álvarez El Brujo, Mercado de amores, Las Suplicantes e Hipatia de Alejandría y ademÔs una nueva producción en colaboración con la ONCE: 2500 años de Antígonas y Creontes.

A estas, se suma, como cada dos años, la extensión del Festival en Madrid, con representaciones de las obras de las pasadas ediciones Hipatia de Alejandría, Las Suplicantes, Tito Andrónico y 50.000 pesetas en los teatros Bellas Artes y Reina Victoria.

El Festival cuenta, como en las ediciones anteriores, numerosas actividades como cursos, exposiciones y talleres, propuestas infantiles y para adultos y el pasacalle Las Pasiones de Zeus se celebrarƔn en distintos espacios de la ciudad emeritense.

Como cada aƱo el festival volverƔ a ser accesible, con funciones audiodescritas, subtituladas, con bucle magnƩtico y amplificadas con auriculares en el Teatro Romano y sus otras sedes.

Os dejamos aquíoel programa de la 68a Edición del Festival Internacional de Teatro ClÔsico de Mérida:

Nos vemos en MƩrida!!

68a Edición del Festival Internacional de Teatro ClÔsico de Mérida

CuƔndo: Del 1 de julio y el 21 de agosto de 2022
Dónde: Mérida y otras localizaciones
MÔs información: Web Festival Internacional Teatro ClÔsico de Mérida

CrĆ­tica teatre: Cantando bajo la lluvia, el nou musical de Nostromo Live

S’ha de ser valent i agosarat per portar a l’escena teatral la adaptació de Cantando bajo la lluvia, un dels grans musicals de l’època daurada de Hollywood. Però aquĆ­ estem, asseguts al TĆ­voli, amb les espectatives molt i molt altes per veure la visió del clĆ ssic que ƀngel LlĆ cer i Manu Guix ens proposen.

La aposta Ć©s reformular amb una visió mĆ©s irònica, amb tocs d’humor i gags que fan homenatge a escenes de diferents clĆ ssics com Ā«A night at the operaĀ». Ɖs en general un homenatge i seguix una lĆ­nia continuista amb el musical protagonitzat per Fred Astaire i Ginger Rogers i que narra una història d’amor dels anys 20 del segle passat, quan s’obria pas el cinema sonor.

La seva ambiciosa proposta, a jutjar per la reacció del pĆŗblic ha estat gairebĆ© perfecta. Tot i que l’espectacle te una bona qualitat, en alguns moments m’ha semblat lent.

A continuació anem a  desgranar una mica cadascun dels aspectes que mĆ©s m’han agradat.

Destacaria l’orquesta, els 17 mĆŗsics que van aconseguir des de la primera nota de l’obertura fer callar el pĆŗblic i captivar-lo. Crec que Ć©s un personatge principal mĆ©s. La sincronització perfecta amb els actors demostra que ells són part de l’escena.

LlĆ cer segueix amb forƧa fidelitat la pelĀ·lĆ­cula, però s’alia amb la tecnologia, les projeccions, per crear escenes genials que et porten al cinema mud dels anys 20.

Personalment, m’haguĆ©s agradat que el text fos en catalĆ  i que si no hi havia mĆ©s remei que traduir alguna icònica cançó de l’anglĆØs, per allò de fer mĆ©s entenedora la trama, tambĆ© fos amb la nostra llengua, però suposo que tot Ć©s qüestió de voluntat. I si l’obra ha de fer gira per fora de Catalunya, s’havia de fer un altre esforƧ econòmic per la feina de tornar a traduir-ho al castellĆ .

Un dels plats forts d’aquest musical optimista i vital, Ć©s precisament aquesta energia positiva que transmet al pĆŗblic, que pica de mans per acompanyar el ritme de les canƧons o son convidats a interactuar amb Mireia Portas en les escenes de dicció.

Pel que fa a l’actuació dels personatges, penso que s’han deixat endur una mica per la forma de gesticular de les pelĀ·lĆ­cules dels anys 20. Ɖs a dir, els trobo exagerats, amb el to i els gestos. A mi  em posa nerviosa tanta solemnitat ja que em recorda al teatre amateur, on tot i la bona voluntat dels actors, no acaben de ser creĆÆbles. Però com tot, Ć©s qüestió de gustos, perquĆØ quan alguna cosa em grinyolava, girava el cap i observava la reacció del pĆŗblic, i els veia totalment enganxats a l’escena.

Pel que fa a les interpretacions, per mi el que Ć©s deixa la veu, els peus i la suor a l’escenari es Ricky Mata. Que juga perfectament en totes les escenes amb l’espectador, i diu en veu alta el que tots estem pensant, fent de el nostre Ā«Pepito grilloĀ» colĀ·lectiu.

I  en la part femenina, em decanto per Sylvia Parejo, amb la seva intervenció de Ā«Beutiful girlĀ» al primer acte, amb una gran qualitat vocal i escĆØnica. Magnifica. 

L’Escenografia d’Enric Planas i  tot l’equip tĆØcnic d’AgustĆ­ Custey potser són els grans guanyadors de la nit. ParlĆ vem abans que els mĆŗsics eren un personatge mĆ©s que t’acompanyava durant tota l’obra, però no podem obviar la gran qualitat escenogrĆ fica que ajuda a l’espectador i als personatges a portar un ritme constant que et fa estar entretingut, gaudint de cadascun dels canvis coreografiats a la perfecció.  Estem parlant de 23 actors i ballarins , 29 mĆŗsics en directe, 190 canvis de vestuari, 75 canvis d’escena i a mĆ©s un tanc amb 1000 litres d’aigua, i gestionar això amb dos passes en cap de setmana tĆ© la seva dificultat.

«Cantando bajo la lluvia» se represent en el teatre Tívoli del del 15 de setembre al 28 de novembre de 2021.

Direcció: ƀngel LlĆ cer
Interprets: Ivan Labanda, Diana Roig, Ricky Mata, Mireia Portas, José Luis Mosquera, Oriol Burés, Clara Altarriba, Bernat Cot, Bittor FernÔndez, Miguel Ángel Belotto, Júlia Bonjoch, Sylvia Parejo
Autors: Betty Comden y Adolph Green
Traducció i adaptació: Marc Artigau
Direcció musical: Manu Guix y Andreu Gallén
Lletres: Arthur Freed
MĆŗsica original: Nacio Herb Brown
Bailarins: Diana Girbau, Empar Esteve, Sara Martín, Carmen Soler, Clara Casals, AdriÔn García, Marc Sol, Albert Escobar, Pablo López, Julia Saura Chema Zamora
EscenografĆ­a: Enric Planas
Iluminació: Albert Faura
So: Roc Mateu
Vestuari: MĆ­riam Compte
CoreografĆ­a: Myriam Benedited

Horaris i preus: PƔgina Grup BalaƱƠ
Duració: 2 hores i 30 min
Idioma: castellĆ 
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Teresa Gilisbars

CrĆ­tica teatro: El coronel no tiene quien le escriba, en el Teatre Poliorama

Hablar, o escribir, de Gabriel García MÔrquez es siempre una gran ocasión. Su obra representa un hito en la historia de la literatura en castellano. Por eso el estreno de la adaptación teatral de una de sus obras, en este caso de la novela corta El coronel no tiene quien le escriba, publicada en el año 1961, es una dicha, sobre todo si tenemos en cuenta que el texto era una de las piezas literarias mÔs queridas por el autor.

El coronel no tiene quien le escriba nos sitúa en Colombia en los años 50. Un coronel jubilado (Imanol Arias) y su esposa (Ana Villa) malviven a la espera, desde hace quince años, de que el gobierno apruebe la pensión debida a él como veterano de guerra. Pero la carta con la confirmación no acaba de llegar nunca, por lo que la situación económica y social de la pareja ha ido empeorando. Ambos cuidan del gallo de pelea que fue propiedad de su hijo, que murió hace años. A medida que se agrave la situación económica, el coronel y su mujer tendrÔn que decidir cuÔles son sus prioridades, seguir alimentando al gallo hasta que llegue la temporada de peleas o venderlo para no morir de hambre.

El coronel no tiene quien le escriba_1

La obra nos sitúa en un contexto de trÔgica penuria en el que el coronel y su mujer verÔn palidecer poco a poco sus condiciones de vida. De ahí que el director, Carlos Saura, haya optado por una adaptación minimalista, en la que una decoración digitalizada y un poco de atrezo dan forma a todos los espacios en los que se desarrolla la acción. Saura prosigue, de esta forma, en su voluntad de adaptar grandes obras literarias iberoamericanas, lo que le llevó a dirigir con acierto La fiesta de Chivo, obra escrita por Mario Vargas Llosa e interpretada sobre los escenarios por Juan Echanove y que sigue dando admirables resultados con El coronel no tiene quien le escriba.

El tono de la dirección es, ademÔs, sobrio, permitiendo al personaje principal, interpretado por Imanol Arias, adueñarse del protagonismo de la pieza con una interpretación intensa y solvente en la que da vida al coronel desahuciado y maltratado por el olvido y la escasez, pero que mantiene intacta su dignidad como persona. Y de eso se trata, de la dignidad de los derrotados, aquel rescoldo que queda intacto de una persona cuando ha sido vencida, de una forma u otra, por la vida. Arias acierta, pues, en la caracterización del personaje, con la ayuda de un reparto que estÔ a la altura de las circunstancias escénicas y que incluye a la mujer del coronel, interpretada por Ana Villa en la sesión a la que asistimos nosotros, el médico de la localidad, al que da vida Fran Calvo y Don Sabas, el potentado de la localidad, encarnado por Jorge Basanta y que simboliza los valores opuestos a los que defiende el coronel.

De esta forma El coronel no tiene quien le escriba nos permite gozar de una de las obras de referencia de Garcƭa MƔrquez, adaptado de forma muy convincente al teatro y que nos hace reflexionar sobre la vida, ya sea sobre los recuerdos, sobre la pƩrdida de un hijo o sobre la defensa de la dignidad y de los principios que nos llevan a todas y a todos a avanzar en la vida, perfilando nuestro propio camino con todas y cada una de sus consecuencias.

ā€œEl coronel no tiene quien le escribaā€ se representa en el Teatre Poliorama de 5 al 30 de mayo de 2021.

Dirección: Carlos Saura
Reparto: Imanol Arias, Ana Villa, Cristina de Inza, Jorge Basanta, Fran Calvo y Marta Molina
Adaptación: Natalio Grueso
DiseƱo de escenografƭa: Carlos Saura
Diseño de iluminación: Paco Belda y Mario Martínez
DiseƱo de sonido: Enrique Mingo
Vestuario: Carlos Saura

Duración: 90 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Los teatros que debes visitar en CataluƱa y que no estƔn en Barcelona

El teatro es una de las disciplinas que mejor representa lo que conocemos como cultura. Incluso es mucho mÔs que eso. Se trata de un espacio de relación personal, de interacción, donde se ve en vivo y en directo una representación. Su importancia en nuestra sociedad ha provocado que, a lo largo de los años, se haya ido erigiendo como uno de los edificios mÔs emblemÔticos, casi imprescindibles, de muchos municipios. Permitiendo un espacio cultural a toda clase de públicos.

Sabemos que Cataluña es tierra de teatros, especialmente Barcelona, una de las capitales mundiales. Pero en el territorio catalÔn podemos encontrar diferentes espacios culturales de este tipo que son una auténtica obra de arte, por fuera y por dentro, por lo que se representa y por lo que son. Arte en estado puro. Los repasamos a continuación.

Edificios centenarios

Saliendo de la capital catalana, es de obligada parada el Teatro Municipal de Girona, una de las ciudades mÔs visitadas de España. Cerca del Ayuntamiento, en pleno centro de la ciudad, encontramos este edificio de 1769. En su última remodelación, en 1860, le dejaron una imagen renacentista como si fuera un palacio, decorado de rojo y dorado. Su parte mÔs singular es una gran escalinata que conduce a la sala principal con unos arcos dorados que no te dejarÔn indiferente.

También merece especial mención el Teatro Fortuny de Reus, construido en 1882. De un estilo modernista, debe su nombre a Mariano Fortuny, un pintor de la localidad. Aunque era un punto de encuentro de la burguesía de la zona, fue cayendo en el olvido hasta tener que ir reestructurando su órgano de gobierno. Una vez propiedad pública, en 1988, se restauró y volvió a primera línea con un concierto de Montserrat Caballé. Si la fachada llama la atención, el interior te deja sin palabras.

Pero los teatros de hace unos años no solamente actuaban como espacio de representación, sino también como un centro neurÔlgico de la propia ciudad. Uno de los ejemplos mÔs claros que encontramos es el Teatro Ateneu de Igualada, un espacio en el centro de Cataluña que acoge hoy en día representaciones teatrales, cinematogrÔficas e incluso cenas y celebraciones. Toda una obra de arte de estilo modernista con mÔs de 100 años de historia (1878).

Para aquellos que desconozcan el significado de la palabra ā€œateneuā€, es la traducción al catalĆ”n de ā€œateneoā€, que significa algo mĆ”s que un espacio cultural. Es donde se reunĆ­a la gente del municipio y se realizaban todo tipo de actividades como formación acadĆ©mica, almacenaje de documentos, representaciones, comidas y entretenimientos de todo tipo como, por ejemplo, juegos de cartas y otros pasatiempos. Actualmente, con el auge de internet, cada vez son mĆ”s las actividades de ocio en la red, una nueva manera de socializar y pasar el tiempo distinta a la de antes y que difiere un poco de lo que hacĆ­an nuestros mayores en el bar del pueblo.

Los teatros que debes visitar en CataluƱa y que no estƔn en Barcelona_destacado

Obras recientes

Cerca de Igualada, en Manresa, encontramos uno de los edificios emblemƔticos de la capital del Bages: el Teatro Kursaal. En el centro de la ciudad y construido en 1927, fue encargado por un empresario cinematogrƔfico y elaborado por Josep Firmat i Serramalera, uno de los arquitectos novecentista con mƔs nombre. Es todo un laberinto y una obra magnƔnima: mƔs de cuatro pisos, conectados entre sƭ con escalinatas y patios interiores. Como sucede en otras localidades, su polivalencia y su amplia agenda son dos de sus caracterƭsticas mƔs destacables.

Mucho mÔs reciente y de un estilo totalmente diferente a los comentados anteriormente encontramos La Llotja, en Lleida. Es un edificio moderno, de 2010, y multidisciplinar. De gestión pública, su uso no se limita a las representaciones teatrales, sino que también responde a funciones de gran formato como conciertos, clases de música o incluso un palacio de congresos para acoger eventos de primer nivel. Su exterior no deja indiferente, con su tonalidad marrón y sus numerosas vidrieras de colores.

También de obra nueva, de 2011, es el Teatro La Lira, en Ripoll. Es una construcción que cuenta con un puente que cruza el río Ter conectando el núcleo de la ciudad con zonas algo mÔs apartadas. Un hecho poco habitual en la construcción de espacios culturales que tiene su simbolismo, pues quiere unir las diferentes partes del municipio. Su material de lÔminas de acero provoca un choque visual muy interesante en comparación con las casas del entorno. Como suele suceder en el arte, provoca todo tipo de reacciones.

Teatro: Trigo sucio, en el Teatro Reina Victoria de Madrid


Os recomendamos hoy en Culturalia Trigo sucio, en el Teatro Reina Victoria de Madrid, una reflexión sobre los acontecimientos que llevaron a la creación movimiento de denuncia social #MeToo.

En la meca del cine, el jefe de un estudio cinematogrÔfico dedica su tiempo a seducir a artistas guapas, comprar a la prensa y hacer películas de nulo interés cultural. Para él tan sólo importa el sexo, el poder y el dinero. Hasta que una joven aspirante a actriz se resiste a ponerle precio a su carrera, lo que precipitarÔ la caída del magnate hasta lo mÔs hondo del escalafón social.

Tradicionalmente, Mamet ha mantenido siempre una especial relación con España. Nominado al Premio Princesa de Asturias de las Letras 2017, no sólo se han representado en este país muchas de sus obras, sino que siempre han sido producciones de primer nivel. Su nueva obra, con temas recurrentes como el abuso de poder y los juicios mediÔticos, no es una excepción. Ni tampoco es excepcional que la haya dejado en manos de la misma compañía que ya trajo a este país «Muñeca de porcelana» y «La culpa», asegurando de nuevo los mejores teatros y unos elementos artísticos al mismo nivel que las anteriores. Por eso, España serÔ de nuevo el primer país donde se verÔ «Trigo Sucio» después de su estreno mundial en Londres protagonizado por John Malkovich.

«Trigo sucio»https://www.elteatroreinavictoria.com/obra-de-teatro/trigo-sucio/ se representa en el Teatro Reina Victoria de Madrid del 5 de mayo al 4 de julio de 2021.

Autor: David Mamet
Dirección: Juan Carlos Rubio
Versión: Bernabé Rico
Reparto: Nancho Novo, Eva Isanta, Candela Serrat y Fernando Ramallo
Diseño escenografía: Curt Allen Wilmer (AAPEE) en colaboración con EstudioDeDos
DiseƱo vestuario: Pier Paolo Ɓlvaro (AAPEE)
Iluminación: José Manuel Guerra
Distribución: Pentación
Producción: TALYCUAL, La Alegría, Pentación, La Claqueta y Kubelik

Horarios: de miƩrcoles a viernes a las 20:00 horas, sƔbados a las 18:00 y a las 20:30 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio:
• Patio de butacas: 28€
• Palcos y anfiteatro: 24€
Precios reducidos los miƩrcoles.
Duración: 80 minutos
Idioma: castellano
Edad recomendada: mayores de 16 aƱos

Estreno teatro: La Panadera, en el Teatro MarĆ­a Guerrero (Madrid)

El pasado 27 de enero se estrenó en el Teatro María Guerrero de Madrid La Panadera, una obra que nos hace reflexionar sobre la sexualidad, el género y nuestro comportamiento en las redes sociales.

La Panadera cuenta la historia de Concha, una mujer de cuarenta aƱos, encargada de una panaderƭa, casada, con dos hijos. Una mujer con una vida tranquila y feliz que un dƭa se despierta con la noticia de que por las redes sociales corre un vƭdeo ƭntimo suyo manteniendo relaciones sexuales con una pareja que tuvo hace 15 aƱos. El vƭdeo sale ahora a la luz y se extiende de manera incontrolada porque ese hombre se ha hecho famoso en Italia gracias a un reality televisivo.

La desnudez, la rabia, la impotencia, la vergüenza y el dolor salpican a todos sus seres queridos. Desde su padre, Ramón, un hombre de campo, nacido en el treinta y ocho, a su hijo, Gael, un niño de once años, al que trata de ocultar lo acontecido, pero que sabe manejar un ordenador infinitamente mejor que ella, hasta su marido, Aitor, que intenta acompañar a Concha en el dolor, pero que no puede evitar dejarse invadir por el juicio social.

Los mensajes cibernƩticos sin piedad, que escondidos tras perfiles sin nombre, opinan, se mofan, y deshumanizan, llegan, y Concha tendrƔ que luchar para que el miedo, el dolor, las creencias, lo aprendido no la derroten. Intentando que su entorno familiar y social no salte por los aires.

«La Panadera» se representa en el Teatro María Guerrero de Madrid del 27 de enero al 7 de marzo de 2021.

Texto y dirección: Sandra Ferrús
Reparto: Cesar Cambeiro, Sandra Ferrús, Elías GonzÔlez, Susana HernÔndez y Martxelo Rubio
EscenografĆ­a y vestuario: Elisa Sanz (AAPEE)
Iluminación: Paloma Parra
MĆŗsica y espacio sonoro: Antonio De Cos
Producción: Centro DramÔtico Nacional, El Silencio Teatro e Iria Producciones

Horarios: de martes a domingo a las 17:00 horas
Precio: A partir de 12,5€
Duración: 1 hora y 30 minutos aproximadamente
Idioma: castellano

Estreno teatral: Galileu, en el Club Capitol

Hasta el próximo 21 de mayo podéis disfrutar de la obra Galileu en el teatro Club Capitol, una buena oportunidad para comprender la figura de Galileo Galilei y el impacto de sus descubrimientos astronómicos en el siglo XVII, de la mano de la música de Love of Lesbian.

El descubrimiento científico de Galileo Galilei fue fundamental para la vida de las personas de su época, para la filosofía, para la percepción del mundo y del ser humano y su lugar dentro el universo.

ā€œGalileuā€ es una versión para todos los pĆŗblicos pero tambiĆ©n para los adolescentes, una versión esencial para explicar quĆ© descubrió este gran cientĆ­fico.

Una obra representada por gente joven y dinÔmica, con la música poética de «Love of Lesbian», interpretada en directo por los propios actores.

«Galileu» se representa en el Club Capitol hasta el próximo 21 de mayo de 2017.

Dirección: Carme Portaceli
Actores: Oriol Guinart, Queralt Casasayas, Laura Aubert y Carlos Cuevas

Duración: 90 mins
Idioma: CatalƔn
Horarios y precio: web de Grup BalaƱa

Crƭtica teatral: La luz mƔs oscura, en el Club Capitol

la-luz-mas-oscura_portadaEl terror en el teatro es un género difícil y poco explorado. Crear una atmósfera terrorífica y sumergirse en ella es algo complicado que requiere mucho esfuerzo, medios, potentes interpretaciones y, sobre todo, que el espectador se deje sugestionar. La luz mÔs oscura se queda a medio camino, aunque pone su empeño en conseguirlo nada mÔs el público entra en la sala.

Sergi Vizcaíno escribe y dirige esta obra. En su haber cuenta con la dirección de diferentes capítulos de series televisivas y no es ajeno al terror, pues, entre otras incursiones al género, dirigió la película Xp3D. Con La luz mÔs oscura, Vizcaíno nos lleva a ciertos lugares y situaciones muy comunes en el cine de terror.

Nos pondrÔ en situación Angie Savall como maestra de ceremonias, con un discurso terrorífico inicial. La acción comienza en un viejo teatro maldito. Dos jóvenes realizan una invocación a los espíritus allí residentes a través de una tabla ouija. Y evidentemente hay presencias y muchas. Es original la forma en que se lleva a cabo toda esta escena, una de las mÔs divertidas, terroríficas y naturales de la función. Ariadna Gaya y Sergi Cervera bordan los típicos roles en una situación de este tipo. Ficción y espectadores se funden bien, aunque las reacciones del público, al ser inesperadas, rompen a veces la magia que se quiere crear. Los sustos y las risas nerviosas a destiempo, distraen y te sacan de la acción.

la-luz-mas-oscuraA partir de aquí la representación prosigue con lugares e historias ya mil veces exploradas: las posesiones, las sectas y por encima de todos la figura de SatÔn. Julia Molins sorprende con una escena bastante dramÔtica y poética bien llevada a cabo. El abrazo de SatÔn tiene todo el sabor de aquellas ilustraciones ochenteras de revistas como Creepy o Zona 84 y tiene fuerza visual. Podéis olvidaros de la dulce, o no, Ona Pala de la serie Cites de TV3, con un personaje con todos los ingredientes y culebrillas de una buena posesión.

Thais CuriĆ” y Jordi Cadellans nos llevan al tercer escenario. Una algo larga escena de cama, con situacionesĀ muy bien resueltas e impactantes, en que juegan con los momentos de calma y los mĆ”s digamos ā€œmovidosā€ de una historia al estilo de Paranormal Activity. Finalmente las diversas historias se entrelazarĆ”n, con la voluntad de cerrar el relato escĆ©nico.

La obra posee buenos juegos de luces, escenarios sencillos de género y un uso, a veces algo iterativo de la música y de los efectos sonoros, pero sientes que le falta algo mÔs. Tal vez sea el relato dramÔtico compuesto por diversos territorios muy trillados que solo podrÔ satisfacer plenamente al espectador ajeno al cine de terror.

ā€œLa luz mĆ”s oscuraā€ se representa en el Club Capitol hasta el 30 de octubre de 2016.

Autor: Sergi VizcaĆ­no
Direcció: Sergi Vizcaíno
Reparto: Julia Molins, Thais CuriĆ”, Jordi Cadellans, Ariadna Gaya, Sergi Cervera y Angie Savall
Producción: ALG Management

Horarios y sesiones: Web Grup BalaƱa
Idioma: castellano
Duración: 75 min
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Taradete

Crƭtica teatral: Parelles Imperfectes, CompaƱƭa La Fusta

Parelles imperfectes_cartelEl mundo de la pareja es complicado. Esto es una obviedad y una realidad. Muchas obras de teatro suelen sacar partido a ciertos enfoques en clave de humor o drama. Vivencias, desencuentros, enemistades, engaƱos, confidencias… Todo esto se puede contar de forma divertida y es lo que nos presenta la joven compaƱƭa La Fusta con su obra Parelles Imperfectes. Cinco sketches muy diferentes en pequeƱo formato donde las risas no serĆ”n en pequeƱo formato.

Abre la función un encuentro esporÔdico en busca de sexo desenfrenado con una Iris Lloret que se va desencadenando en un in crescendo que nos demuestra la vis cómica de la actriz. ¿Qué puede ocurrir cuando no os llevÔis muy bien tú y la novia de tu mejor amigo? El equilibrio puede ser desquiciante. ¿0 cuando una mujer estÔ muy enamorada de su marido y solo parece darse cuenta de la verdadera situación su amiga mÔs intima? Esta pieza, una chispeante conversación telefónica, brilla por el desparpajo natural de Carolina Enrich y en ella volvemos a corroborar lo mencionado de Iris Lloret y su colección de caras y exclamaciones, con un acento particular, que viene y se va. El cuarto sketch es el mÔs intimista. El teatro mÔs introspectivo, a la vez que surrealista, con una muy original alegoría al cambio de pareja. Se cierra la función con la participación de los cuatro actores protagonistas, en la que se nos muestran los problemas que pueden acaecer cuando una pareja invita a una amiga a cenar para conocer al nuevo novio de esta. Carlos Pérez da juego como chulo de extrarradio.

Parelles imperfectes
Las piezas han sido escritas por dos de los actores Carlos PĆ©rez y Ɠscar SĆ”ez y funcionan muy bien por si solas y por contraste entre ellas, al ser muy diferentes entre sĆ­. Tienen ritmo y buenos giros finales. El escenario es intimista, solo cuatro cajas de madera que van cambiando de posición para componer la escena y no se requiere mucho mĆ”s para visualizar lo que nos muestra. El atrezo se transforma entre escena y escena a ojos del pĆŗblico, con lo que la representación gana en fluidez.

A una obra se le nota que funciona cuando los actores tienen alguna equivocación o desliz que salvan y el público sigue riendo con ellos. Y solo puliendo un poco mÔs este aspecto Parelles Imperfectes se puede convertir en una propuesta equilibrada para pasar un buen rato.

Esperemos poder volver a ver nuevamente este espectaculo de esta joven y prometedora compaƱƭa.

Obra: Parelles imperfectes
Dirección: Kiko Martínez
Textos: Carlos PĆ©rez y Ɠscar SĆ”ez
Reparto: Carolina Enrich, Iris Lloret, Carlos PĆ©rez y Ɠscar SĆ”ez

Taquilla inversa: pagas lo que quieres a la salida

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