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CrĆ­tica teatro: Los dos hidalgos de Verona, en el teatre Grec

Llegamos ya al ecuador de la edición del Festival Grec de este año y comenzamos, un poco tarde, con la reseña de Los dos hidalgos de Verona, una comedia de juventud de Shakespeare adaptada y actualizada por la Compañía Nacional de Teatro ClÔsico.

ā€œLos dos hidalgos de Verona es una de las primeras comedias escritas por William Shakespeare que nos ofrece una mirada interesante a los temas del amor, la amistad y la traición.
La historia gira en torno a dos jóvenes nobles de Verona: ValentĆ­n y Proteo. Al principio, su amistad parece inquebrantable, pero todo cambia cuando ambos se enamoran de la misma mujer: Silvia, la hija del Duque de MilĆ”n. Lo que comienza como una historia de amistad y romance rĆ”pidamente se convierte en una red de engaƱos, mentiras y conflictos emocionalesā€.

Pues ya lo veis, una de las primeras obras que escribió Shakespeare que, aunque no es tan conocida como otras obras suyas, nos muestra algunos de los ardides y argucias escénicas que el autor inglés desarrolló mÔs adelante. Y como buena comedia, el amor y todo lo que este sentimiento desencadena en la voluntad de los hombres es el tema principal que las compañías CNTC, Cheek by Jowl y LAZONA han intentado actualizar y llevar a un mundo fÔcilmente reconocible para nosotros.

Estamos, pues, ante una propuesta minimalista en la que sobre el escenario casi no hay nada, excepto un muro que hace las funciones de bambalina o decorado y tras el que se amagan los actores. De esta forma lo que prima en la representación es la interpretación del reparto, integrado en los papeles principales por Manuel Moya (Valentín), Alfredo Noval (Proteo), Irene Serrano (Julia), Goizalde Núñez (Lucetta), Rebeca MatellÔn (Silvia) y Jorge Basanta (Duque de MilÔn), que dan lo mejor de sí para hacer frente a traiciones, engaños, disfraces y malevolencias, todo ello bañado con un ligero sentido del humor que recorre los incesantes vericuetos de la obra.

La propuesta del Grec tiene puntos fuertes y débiles también. Entre los primeros destaca la versión del texto de Shakespeare, obra de Declan Donnellan y Nick Ormerod, que mantiene la tensión cómico-trÔgica que la obra requiere para un público del siglo XXI; también la interpretación de los miembros de la compañía, que estÔ a la altura de la obra del dramaturgo inglés. Por desgracia el ritmo perezoso de la obra ralentiza el avance de la representación, de casi dos horas de duración, hecho este que ni la rotura de la cuarta pared en diversos momentos de la obra consigue atenuar, aunque sí que la provee de sus momentos mÔs humorísticos de la mano del personaje de Lucetta (Goizalde Núñez).

Los clÔsicos siempre estÔn presentes y nos sirven como espejo fosilizado de nuestra sociedad y de nuestro comportamiento individual, para constatar cómo cualquier acción o voluntad puede trocar en su contraria, con la misma facilidad que la intensidad y el tono de la luz cambia a lo largo del día. Los dos hidalgos de Verona nos lo deja claro, y de ahí que sea una lección teatral que vale la pena recuperar.

«Los dos hidalgos de Verona» se representa en el Teatre Grec el 18 y el 19 de julio de 2025

AutorĆ­a: William Shakespeare
Dirección: Declan Donnellan
Adaptación: Declan Donnellan, Nick Ormerod
Interpretación: Jorge Basanta, Prince Ezeanyim, Alberto Gómez Taboada, Rebeca MatellÔn; Manuel Moya, Alfredo Noval, Goizalde Núñez, Antonio Prieto, Irene Serrano
DiseƱo de escenografƭa y vestuario: Nick Ormerod
Diseño de iluminación: Ganecha Gil
DiseƱo de sonido: Sandra Vicente y Kevin Dornan
Composición musical: Marc Álvarez
Movimiento y coreografĆ­a: Amaya Galeote
Producción: Compañía Nacional de Teatro ClÔsico, Cheek by Jowl y LAZONA

Duración: 110 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Crónica concierto: West Side Story, Shakespeare al cinema, L’Auditori

Cada vez es mĆ”s habitual encontrar en las programación de los auditorios espaƱoles conciertos de bandas sonoras, normalmente vinculados a autores populares como John Williams, Ennio Morricone o Hans Zimmer. No son, sin embargo, tan habitual los conciertos de bandas sonoras asociadas a gĆ©neros cinematogrĆ”ficos o a adaptaciones de obras o autores teatrales. Este es el caso de West Side Story, Shakespeare al cinema, concierto que ofreció la Banda Municipal de Barcelona (BMB) bajo la dirección de Rafa Agulló en L’ Auditori de Barcelona el pasado domingo 11 de mayo.

Una experiencia musical shakesperiana que inundó el auditorio con las composiciones de algunos de los compositores de bandas sonoras mÔs relevantes de la historia. El concierto comenzó a lo grande con la interpretación de una suite de temas del film Julio César (1953), banda sonora compuesta por Miklos Rozsa que supo transferir a su composición la grandeza de la Roma imperial dotÔndola, asimismo, de temas mÔs intimistas que mostraban musicalmente las pasiones que llevaron a la muerte de Julio César.

El programa sinfónico continuó con la interpretación de Romeo y Julieta de Nino Rota, seguramente la trama teatral mÔs famosa y, también, la mÔs adaptada de Shakespeare, a la que dio forma cinematogrÔfica Franco Zeffirelli en el año 1968. La Banda Municipal de Barcelona, supo transmitir la tensión amorosa que enfrentó a los clanes familiares de la ciudad de Verona con una composición emotiva y poco habitual en los conciertos de bandas sonoras.

Para finalizar la primera parte del concierto la orquesta interpretó una suite de la banda sonora compuesta por Patrick Doyle en el año 1989 para el Enrique V dirigido por Keneth Brannag. En esta ocasión la orquesta acertó a la hora de interpretar musicalmente la disputa personal y política del príncipe de la casa Lancaster durante la Guerra de los Cien Años, con una interpretación que aunaba la delicadeza compositiva de Doyle y la tensión del conflicto militar.

MĆŗsics de la Banda Municipal de Barcelona (BMB) temporada 2024-2025

Como plato fuerte, y como no podía ser de otra forma, la segunda parte del concierto estuvo dedicada a la interpretación de una suite sinfónica de West Side Story, sin duda alguna la gran obra maestra compuesta por Leonard Bernstein para la película de Robert Wise del año 1957. En esta suite de 25 minutos la orquesta interperpretó con la energía requerida para la ocasión diversos temas instrumentales del film, una actualización de la historia de Romeo y Julieta ambientada en las calles de Nueva York de los años 50. Una selección que sin duda padeció por la ausencia, aunque solo fuera de forma instrumental, de temas como los archifamosos Maria o Tonight.

La Banda Municipal de Barcelona contentó, así, con una orquesta configurada especialmente con instrumentos de viento, a un auditorio voluntarioso que agradeció su entrega con aplausos que incrementaron a medida que avanzaba la velada musical, y que llegaron a su punto mÔximo con West Side Story.

Un tipo de concierto, dedicado no tanto a un compositor de bandas sonoras sino a un hilo argumental especĆ­fico, que esperamos que gane hueco en programaciones futuras.

Concierto: West Side Story. Shakespeare al cinema
Banda Municipal de Barcelona (BMB)
Dirección: Rafael Agulló
Fecha: 11 de mayo de 2025 a las 18:00 horas
Espacio: Sala 1 Pau Casals (L’Auditori)
Precio: de 12 € a 16 €
Duración: 120 minutos (aprox.)
NOTA CULTURALIA: 8,5

Concierto: West Side Story, Shakespeare en el cine, L’ Auditori (Barcelona)

Shakespeare, el genio teatral mÔs reconocido universalmente, ha sido trasladado al lenguaje cinematogrÔfico en producciones que han logrado vehicular musicalmente la tensión de sus tramas escénicas, encarnadas por personalidades desconcertantemente convincentes.

De ahĆ­ que sus bandas sonoras hayan intentando condensar la fuerza de sus relatos en composición musicales que han quedado en la memoria del pĆŗblico. En el concierto West Side Story, Shakespeare en el cine del próximo 11 de mayo podremos eschuchar algunos de estos intentos. Desde Julio CĆ©sar de Miklós Rózsa a las icónicas ā€œDanzas sinfónicasā€ de la versión de Romeo y Julieta que es West Side Story, pasando por la composición de Nino Rota para el filme Romeo y Julieta de 1968 y la suite de la pelĆ­cula Enrique V compuesta por Patrick Doyle, mĆŗsica de altos vuelos, hasta el punto de que Simon Rattle optó por grabarla al frente de la Orquesta Sinfónica de Birmingham.

Programa

Miklós Rózsa: Julio CĆ©sar (1953) 6’
Nino Rota: Romeo y Julieta (1968) 8’
Patrick Doyle: Suite de la pelĆ­cula Enrique V (1989) 17’
Leonard Bernstein: West Side Story. Danzas sinfónicas (1957) 25’

Artistas

Banda Municipal de Barcelona (BMB)
Dirección: Rafael Agulló

Concierto: West Side Story. Shakespeare en el cine

Fecha: 11 de mayo de 2025 a las 18:00 horas
Espacio: Sala 1 Pau Casals (L’Auditori)
Precio: de 12 € a 16 €
Duración: 120 minutos (aprox.)
Información y entradas: Web L’Auditori

CrĆ­tica teatro: La comedia de los errores, en el teatro La Latina (Madrid)

Comienza la nueva temporada teatral y con ella la llegada de tƭtulos destacados a la cartelera de Madrid. Uno de ellos es La comedia de los errores de AndrƩs Lima, un espectƔculo teatral en el que la comedia y los errores estƔn muy pero que muy presentes en el Teatro de la Latina.

Ā«AntĆ­folo y Dromio de Siracusa, amo y criado, llegan a Ɖfeso buscando a sus respectivos hermanos gemelos. El padre de todos ellos tambiĆ©n llega a Ɖfeso, siendo detenido por extranjero sin papeles nada mĆ”s pisar puerto, y es condenado a muerte. Sólo encontrando a sus hijos podrĆ” salvarse.
AntĆ­folo y Dromio de Ɖfeso viven en la ciudad siendo confundidos con sus hermanos siracusanos. Luciana y Adriana, pareja de estos Ćŗltimos son las primeras en confundir a sus maridos con sus hermanos. A partir de aquĆ­ errores con antiguos deudores, joyas en manos equivocadas, deudas no saldadas, irĆ”n endemoniando a nuestros personajes hasta el punto de necesitar a un exorcista. Entonces es cuando el desastre se convierte en una fiestaĀ».

Esta versión de La comedia de los errores es muy diferentes, seguro, a las anteriores, ya que la voluntad del equipo artístico no ha sido otra que «romper», en el buen sentido de la palabra, una historia ideada por William Shakespeare y basada en el Menaechmi, de Plauto, para darle un toque de sorna y de «siglo XXI» que le van muy bien.

La comedia de los errores_1

Olvidaos de un relato en el que la trama se desarrolla para ser recibida de una forma usual por el público presente. Lima, Boronat y el reparto de la obra se dedican a jugar con el texto y con los recursos teatrales para adaptar una trama que por otra parte podría resultar excéntrica, e incluso absurda en algunos momentos, para un público actual. Así pues, los continuos errores provocados por los personajes-actores irÔn incrementando la hilaridad del argumento; la falta de intérpretes en algunas escenas (seis actores para mÔs de una veintena de personajes) crearÔ situaciones hilarantes e incluso el desgarro (continuo) de la cuarta pared harÔ que una obra clÔsica se convierta en un espectÔculo cómico mucho mÔs cercano.

Es así que Lima y Boronat consiguen darle a un clÔsico un toque mÔs cercano al teatro del absurdo de lo que el mismo Shakespeare o el bueno de Plauto podrían haber imaginado nunca. Sobre el escenario se irÔ intensificando una alboroto cómico que lo arrollarÔ todo, multiplicado por una interacción con el público impropia (en el buen sentido de la palabra) de una propuesta de este tipo.

He de reconocer que inicialmente me turbó el tono que iba adoptando la obra, ya que esperaba algo mÔs «clÔsico» en el desarrollo, no por otra la obra se estrenó el año pasado en el Festival de Teatro ClÔsico de Mérida. Pero una vez que uno se mete en la cocción de la obra, os puedo asegurar que la sonrisa primero y las carcajadas después estÔn aseguradas.

En ello no es ajeno el grupo de actores protagonista, Pepón Nieto, Santiago Molero, Fernando Soto, Rulo Pardo, Avelino Piedad y Esteban Garrido. Cada uno de ellos interpreta a diversos personajes, lo que acentúa, como podréis imaginar, los errores en la representación y componen un ejercicio de humor sorprendente.

De ahƭ que La comedia de los errores sea una propuesta ideal para comenzar la temporada escƩnica con humor y con buen pie, rememorando a los clƔsicos y divirtiƩndoos con las chanzas, los errores y las vicisitudes de dos parejas de gemelos y unos padres a los que la vida les ha deparado una existencia repleta de absurdos y confusiones.

La comedia de los errores se representarĆ” en el teatro Goya de Barcelona del 22 de octubre al 3 de noviembre de 2024

«La comedia de los errores» se representa en el teatro La Latina de Madrid del 27 de agosto al 22 de septiembre de 2024.

Dirección: Andrés Lima
Versión: Albert Boronat
Reparto: Pepón Nieto, Fernando Soto, Rulo Pardo, Santiago Molero, Avelino Piedad, Esteban Garrido
DiseƱo escenografƭa: Beatriz San Juan
DiseƱo vestuario: Paola Torres
Diseño iluminación: Pedro Yagüe
Espacio sonoro: Sergio SƔnchez Bou
Producción: Festival Internacional de Teatro ClÔsico de Mérida, Pentación y Mixtolobo

Horarios: De martes a viernes a las 20:00 horas; sƔbados y domingos a las 19:00 horas
Precio: A partir de 18€
Duración: 110 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

18º Festival de Teatro ClÔsico de Olmedo (julio 2024)

Del 19 al 28 de julio de 2024 tendrÔ lugar la decimoctava edición del Festival Olmedo ClÔsico, que programa una selección de trece espectÔculos que se van a exhibir a lo largo de sus diez días de duración. La muestra se completa con las otras actividades que constituyen la esencia de Olmedo ClÔsico: las Jornadas sobre teatro clÔsico y el Curso de anÔlisis e interpretación actoral. En la selección se han tenido en cuenta la calidad, pero también la variedad en cuanto a autores, géneros, épocas y territorios, así como de compañías y dramaturgias.

Por lo que se refiere a autores, Pedro Calderón de la Barca serÔ el principal beneficiado este año, con cuatro espectÔculos. Estos incluyen una de sus obras maestras, El alcalde de Zalamea, pero también otras nunca vistas en los escenarios actuales, como El castillo de Lindabridis y El sitio de BredÔ, o las que componen el espectÔculo Monstruos. El prodigio de los dioses. Tampoco el gran Lope de Vega faltarÔ a la cita de este año, y lo harÔ con su cara mÔs conocida, de la que es parte fundamental Fuenteovejuna, a la que dedicaremos la propuesta de «Versos esenciales» de esta edición; también La francesa Laura, que ha permanecido oculta hasta que muy recientemente la inteligencia artificial ayudó a descubrirla. Otros dos dramaturgos del Siglo de Oro acompañarÔn a los dos grandes: Juan Ruiz de Alarcón y Francisco Rojas Zorrilla. Ambos lo hacen con obras que no se han visto en los escenarios contemporÔneos: La monja alférez, recuperada hace poco para el repertorio de Alarcón; y Los bandos de Verona, la particular historia de Romeo y Julieta dramatizada por Rojas.

Es uno de los empeños de esta edición hacer evidente la enorme riqueza de nuestro repertorio clÔsico, capaz de interpelar y divertir al espectador actual.

Contaremos tambiĆ©n con espectĆ”culos elaborados a partir de fuentes clĆ”sicas diversas, como Burro (con textos de Esopo, Apuleyo, Cervantes…) o Canciones del Siglo de Oro; tambiĆ©n la ya apuntada de Monstruos. No faltarĆ” a la cita como cada aƱo William Shakespeare, en esta ocasión con una peculiar versión de La comedia de los errores. Del panorama internacional contamos tambiĆ©n con Las locuras por el veraneo de Carlo Goldoni.

La tragedia, el drama, la comedia: todos los gĆ©neros estarĆ”n representados. De darles vida se encargan algunas de las compaƱƭas punteras del clĆ”sico, con largas y exitosas trayectorias, asiduas visitantes del festival, como la CompaƱƭa Nacional de Teatro ClĆ”sico, Fundación Siglo de Oro, Nao d’amores, Noviembre Teatro o Teatro Corsario. Al frente estĆ”n directores tan consolidados como Eduardo Vasco, Ana Zamora, Yayo CĆ”ceres o JesĆŗs PeƱa, junto a quienes inician una trayectoria que se promete brillante, como David Boceta, Daniel Alonso de Santos o Marta Poveda.

PROGRAMACIƓN FESTIVAL OLMEDO CLƁSICO 2024

ā— 19 julio 23:00 h – El alcalde de Zalamea, de Calderón de la Barca, Teatro Corsario – Corrala del Palacio del Caballero

ā— 20 julio 23:00 h – Burro, Ay Teatro, sobre pasajes de Esopo, Apuleyo, Cervantes y otros – Corrala Palacio del Caballero

ā— 21 julio 23:00 h – El castillo de Lindabridis, de Calderón de la Barca, Nao d’amores – Corrala Palacio del Caballero

ā— 22 julio 18:00 h – El sitio de BredĆ”, de Calderón de la Barca, Instituto del Teatro de Madrid, Centro de Artes EscĆ©nicas San Pedro

ā— 22 julio 22:30 h – La monja alfĆ©rez, de Juan Ruiz de Alarcón, Teatro CĆ­rculo (Nueva York) – Corrala Palacio del Caballero

ā— 23 julio 19:00 h – Fuenteovejuna en sus versos esenciales, Olmedo ClĆ”sico – Centro de Artes EscĆ©nicas San Pedro

ā— 23 julio 22:30 h – La francesa Laura, de Lope de Vega, Fundación Siglo de Oro – Corrala Palacio del Caballero

ā— 24 julio 19:00 h – Concierto Canciones del Siglo de Oro, por los britĆ”nicos Auric – Centro de Artes EscĆ©nicas San Pedro

ā— 24 julio 22:30 h – Monstruos. El prodigio de los dioses, sobre textos de Calderón de la Barca, Prodigio Teatro – Corrala Palacio del Caballero

ā— 25 julio 22:30 h – Julio CĆ©sar, basada en textos y tradiciones sobre el polĆ­tico y militar romano, desde Plutarco a Shakespeare, Marmore/ChapitĆ“ (Portugal) – Corrala Palacio del Caballero

ā— 26 julio 23:00 h – Los bandos de Verona, de Francisco de Rojas Zorrilla, Saga Producciones y Secuencia 3 – Corrala Palacio del Caballero

ā— 27 julio 23:00 h – Las locuras por el veraneo, de Carlo Goldoni, Noviembre Teatro – Corrala Palacio del Caballero

ā— 28 julio 23:00 h – La comedia de los errores, de William Shakespeare, Pentación EspectĆ”culos – Corrala Palacio del Caballero

Las 18 Jornadas sobre teatro clÔsico se celebrarÔn del lunes 22 al miércoles 24 de julio, bajo el lema «Y sin embargo, amigos: estudiar y representar a nuestros clÔsicos». Se proponen abordar las relaciones entre esos dos mundos que tan fructíferas han sido para la normalización de ese teatro. A ello se dedicarÔn sus doce sesiones, que incluyen espectÔculos, recitales, presentaciones y diÔlogos entre miembros de las diferentes facetas implicadas en el clÔsico, con los espectadores en lugar privilegiado.

El 18 Curso de anÔlisis e interpretación actoral «Fernando Urdiales» se impartirÔ del 25 al 27 de julio. El programa integra diferentes aspectos teóricos y prÔcticos del teatro clÔsico español (dramaturgia, dicción del verso, canto, danza e interpretación), ademÔs de proponer una puesta en escena sobre fragmentos de La traición en la amistad de María de Zayas.

También el teatro estarÔ presente en la exposición de fotografías de Pío Baruque Fotógrafos, que recupera algunos de los grandes momentos vividos a lo largo de la trayectoria de Olmedo ClÔsico.

MƁS INFORMACIƓN:
Web Festival Olmedo ClƔsico
Programa completo festival

CrĆ­tica teatro: La tendresa, en el Teatre Poliorama

El pasado 28 de junio regresaba al Poliorama La tendresa, la obra creada por Alfredo Sanzol galardonada con el Premio Nacional de Literatura DramÔtica 2017 y el XII Premio Valle-InclÔn de Teatro, una versión libre de las comedias de Shakespeare que nos habla del amor, del atrevimiento y del sufrimiento.

«La tendresa narra la historia de una reina algo maga y sus dos hijas, que viajan en la Armada Invencible, obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses después de haber invadido Inglaterra. La reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre le han condicionado la vida y le han robado la libertad, así que no estÔ dispuesta a permitir que sus hijas tengan el mismo destino que ella. Cuando la Armada pasa cerca de una isla que la reina considera desierta, provoca una gran tormenta que hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esta isla con sus hijas para no tener que volver a ver nunca mÔs a ningún hombre. El problema es que eligen una isla en la que desde hace veinte años vive un leñador con sus dos hijos, que se escondieron para no volver a ver a una mujer en su vida».

La ternura es una propuesta, sin duda, ganadora, por la trama de comedia que nos propone, basada en el universo y el libro de estilo de Shakespeare, en un texto travieso y en unas actuaciones que estƔn en lƭnea con todo lo anterior.

Sanzol nos habla en su Tendresa del amor y de los riesgos que comporta y que, como bien sabéis, nos hacen ser mÔs humanos. BasÔndose en las estratagemas literarias shakesperianas la obra nos presenta dos grupos humanos, uno masculino y uno femenino, recluidos en una isla desierta (pretendídamente desierta), en la que ambos grupos han decidido apartarte del sexo contrario. Esta situación provocarÔ, como es lógico, aventuras, enredos, confusiones y finalmente, y como no puede ser de otra forma, una atracción entre los miembros de los dos grupos, que se intentarÔ evitar a toda costa por parte de los progenitores.

Sanzol ha creado para su obra una escenografía vacía y con muy poco atrezo, lo que fuerza al espectador a imaginarse parte de la obra y sumergirse en la acción que se desarrolla encima del escenario.

Por lo que respecta al reparto, La Ternura apuesta por talentos jóvenes y talentos con mÔs experiencia. Entre estos últimos destacan Marta Pérez y Jordi Rico, que interpretan respectivamente a la madre y al padre que intentan alejar del amor a sus hijas e hijos para evitarles penurias emocionales. Genial Pérez en su papel de pérfida madre cansada de la dominación masculina. Entre los mÔs jóvenes hallamos a Laura Aubert, Anna Castells, Albert Prat y Ferran Vilajosana, que proveen a la representación de la frescura y la inocencia propia de la juventud, y que serÔ la clave de los enredos que acabarÔn afectando a las entrañas emocionales de todos los protagonistas.

La tendresa os harƔ reƭr al contemplar los vanos esfuerzos de los protagonistas por luchar contra sus sentimientos, algunos sabiendo que la clave del amor es indomable y otros confundiƩndose al recorrer una emociones o bien desconocidas o bien olvidadas hace mucho tiempo.

Una propuesta fresca y muy recomendable, sin duda, para sobrevivir a este tórrido mes de julio en la ciudad condal.

«La tendresa» se representa en el Teatre Poliorama del 28 de junio al 4 de agosto de 2023

Texto y dirección: Alfredo Sanzol
Traducción: Joan Lluís Bozzo
Reparto: Laura Aubert, Anna Castells, Marta PƩrez, Albert Prat, Jordi Rico y Ferran Vilajosana
EscenografĆ­a y vestuario: Alejandro AndĆŗjar
Iluminación: Pedro Yagüe
Música original: Fernando VelÔzquez
Sonido: Roger Ɓbalos
Caracterización: Eva FernÔndez
Producción: TRES PER 3, en colaboración con Dagoll Dagom y T de Teatre, El Teatro de la Ciudad y el apoyo del ICEC

Horarios: de lunes a viernes a las 20:30 horas
Precio: desde 12,5€
Idioma: catalƔn
Duración: 1 hora y 50 minutos
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

CrĆ­tica teatral: El Rei Lear en el Teatre Lliure

El pasado 17 de diciembre regresaba El Rei Lear al Teatre Lliure, una de las producciones de mayor éxito programadas el año pasado, dirigida por Lluís Pascual e interpretada, entre otros, por Núria Espert, Jordi Bosch, Míriam Iscla, Teresa Lozano, Ramon Madaula, Julio Manrique y David Selvas.

Una propuesta que aunque radia una brillante energía, contenida en el texto de Shakespeare y en el talento sin discusión del elenco, muestra algún que otro desencuentro. La obra se centra, como es sabido, en otra historia trÔgica que tiene como fondo las relaciones de familia, el orgullo y el odio, y algunos de los personajes mÔs icónicos de la «marca Shakespeare».

La producción del Lliure optó el aƱo pasado por dar un giro de gĆ©nero a la propuesta al elegir a la gran Espert para interpretar al gran Lear, hecho este que debĆ­a resaltar, si cabe, una historia ya brillantemente trĆ”gica. Espert aporta a su personaje una riqueza y una experiencia no alcanzable por otros actores y/o actrices, si bien, y esta es una opinión obviamente personal, la interpretación de la Espert no acaba de ajustarse a lo insigne y aborrecible del personaje. Como si la producción fuera consciente de ello, Espert se rodea por un equipo de actores y actrices de primera, que envuelven el desempeƱo de la veterana actriz con su propio trabajo actoral, potenciando de esta forma el esplendor de la obra. El elenco de ā€œchampionsā€Ā estĆ” liderado por Jordi Bosch y Ramon Madaula, a los que arropan a su vez actores mĆ”s jóvenes como MĆ­riam Iscla, Julio Manrique y David Selvas.

El rei Lear_1Debemos, sin embargo, realizar un punto y aparte para destacar entre todas la actuación de Teresa Lozano, que se distingue con un brillo especial en su interpretación del buzón de Lear, y que sorprende en varias ocasiones por su frescura, su veteranía e incluso su desempeño musical.

A la interiorización de la obra tampoco ayuda, y esta es otra, claro estÔ, opinión personal, la escenografía minimalista de la representación. En este caso se ha optado por un escenario central acotado a lado y lado por 2 plateas. Si bien, no existe un mínimo elemento de situación escenogrÔfico, a excepción de diversas plataformas que se elevan o descienden a voluntad, consiguiendo que la acción de la obra transcurra en un espacio modelable, sí, pero que no enriquece el desarrollo de la acción y obliga a los actores y actrices a entrar y salir constantemente por las puertas de acceso del público, haciéndole difícil al espectador concretar el avance de la trama.

Aún así, la programación de El Rei Lear permite al público adulto mÔs versado en la obra de Shakespeare, interesarse por la plasmación y la innovación relacionadas con una de las tragedias mÔs famosas del autor, mientras que al mÔs joven le puede atraer la reflexión sobre la familia y la gestión de la vejez, una cuestión muy viva en la sociedad en la que vivimos. A lo que se suma la confirmación, sorprendente para algunos, de la presencia de exabruptos violentos en la dramaturgia shakesperiana.

El teatro mueve, en el interior de los espectadores, toda una serie de fibras y vísceras difíciles de cuantificar. El Rei Lear nos permite poner muchas de ellas en movimiento, ya sea por el recuerdo de alguna que otra representación de la obra, por ver de nuevo sobre los escenarios a Nuria Espert, o por contemplar el trabajo actoral de un elenco que, seguro, muy pocas producciones se pueden permitir.

ā€œEl rei Learā€ se representa en el Teatre Lliure MontjuĆÆc hasta el 31 de enero de 2016.

Autor: William Shakespeare
Dirección: Lluís Pasqual
Reparto: Aleix Albareda, Jordi Bosch, Jordi Collet, Laura Conejero, Rafa Delgado, NĆŗria Espert, MĆ­riam Iscla, Jordi Llovet, Teresa Lozano, Ramon Madaula, Julio Manrique, ƒscar Rabadan, Andrea Ros y David Selvas
Traducción: del inglés: Joan Sellent
Versión: Lluís Pasqual
EscenografĆ­a: LluĆ­s Pasqual y Alejandro AndĆŗjar
Vestuario: Alejandro AndĆŗjar
Caracterización: Eva FernÔndez
Iluminación: Pascal Mérat
Dirección musical: Dani Espasa
Sonido: Roc Mateu
Producción: Teatre Lliure

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sƔbados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: 29 € / 22 € dĆ­a del espectador / disponibilidad de descuentos
Idioma: catalƔn
Duración: 1 hora y 40 minutos (primera parte) / 20 minutos (pausa) / 1 hora (segunda parte)

NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa

La Badabadoc, nueva sala de exhibición escénica en Barcelona

sobrejulieta_cartel-480x691La Badabadoc se estrena como sala de exhibición escénica con la obra #sobrejulieta de la compañía madrileña Grumelot.

Con esta representación La Badabadoc inicia un calendario escénico cerrado hasta febrero del año que viene y que incluye dos estrenos mÔs: del 27 al 31 de enero la compañía HandMadeDance representarÔ la pieza de baile Lushfields, y durante la última semana de febrero, del 24 al 28, se presentarÔ la obra de teatro Woysec.

#sobrejulieta es un monólogo desesperado por ser un diÔlogo. Una historia de amor. Chica conoce a público, se enamora vehementemente, y usa las palabras de Shakespeare para comunicarse, deseando el encuentro que detone en sus cerebros y sus cuerpos la cascada de reacciones bioquímicas que llamamos amor.

#sobrejulieta es una pieza construida a partir de la investigación en torno a tres lenguajes: el Romeo y Julieta de Shakespeare como materia textual; la retórica científica en relación con la realidad bioquímica del amor y la muerte; y la inevitable multiplicidad de universos referenciales que definen la idea de lo romÔntico.

A partir de la intersección de estas realidades: la descripción poética de la experiencia emocional en Shakespeare; las circunstancias bioquímicas que mediatizan esta experiencia; el mundo referencial y el mundo virtual como espacio para la narrativa del amor, Grumelot crea un espectÔculo de pequeño formato para una actriz que, jugando con los lenguajes contemporÔneos -a caballo entre el teatro clÔsico y lo performativo-, envuelva al espectador en la experiencia física del amor romÔntico y la incertidumbre de la muerte, siempre desde un punto de vista lúdico y desde la concepción del teatro como espacio para el disfrute colectivo.

Ā«#sobrejulietaĀ» se representa en La Badabadoc del 25 al 29 de noviembre de 2015.

Dirección: ĆĆ±igo Rodrƍguez-Claro y Carlota GaviƱo
Reparto: Carlota GaviƱo

Funciones programadas de #sobrejulieta:

Estreno: miƩrcoles, 25 de noviembre de 2015
– 20:30h Función

Jueves, 26 de noviembre de 2015
– 20:30h Función

Viernes, 27 de noviembre de 2015
– 20:30h Función

SƔbado, 28 de noviembre de 2015
– 18:00h Función
– 20:30h Función

Domingo, 29 de noviembre de 2015
– 20:30h Función

Precios de las entradas:
Reservas: 12€
Taquilla: 15€
Jubilados y Asociación de Actores: 7,50€

Reservas: por email a reservas@badabadoc.es o por telƩfono al 934884035.
Venta de entradas: AtrƔpalo

Ubicación La Badabadoc:
Calle Quevedo 36, Barcelona

AdriĆ  Aubert, director de ā€œNit de Reisā€ al CĆ­rcol MaldĆ : ā€œA travĆ©s del teatre, entenc quĆØ faig al món.ā€

Els embolics amorosos de Shakespeare airegen el tarannĆ  reflexiu de l’AdriĆ . I la meva gravadora queda desaparellada.

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L’AdriĆ  a l’abordatge
(Fotografia: Antonio Poveda)

QuĆØ passa la ā€œNit de Reisā€?

Doncs que, amb la mateixa ilĀ·lusió que tenen tots els nens la vigĆ­lia del sis de gener, els personatges s’enfronten als seus dilemes prenent una decisió. I tot plegat, envoltat de misteri…

Dius que Ć©s una obra que ā€œens serĆ  rabiosament properaā€.

No m’agrada fer servir la paraula ā€œactualā€: Ɖs absurd quan parlem d’un autor que va escriure fa quatre-cents cinquanta anys. TambĆ© ho Ć©s que volguem apropiar-nos de la seva actualitat. Però Shakespeare parlava sobre nosaltres mateixos, i sobre el que vivim diĆ riament. Per això, dic ā€œproperaā€. I ā€œrabiosamentā€ perquĆØ aquĆ­ no tracta ningĆŗ amb pietat: Ho fa amb una crueltat que fa pensar!

La veu principal de ā€œNit de Reisā€ Ć©s la del bufó. Ɖs cruel tambĆ©?

Totalment! Ɖs l’únic que s’atreveix a dir la veritat a tothom. I no nomĆ©s això: Aconsegueix que els altres la reconeguin i l’acceptin. I Ć©s necessĆ ria aquesta crueltat: Ens cal que posin la veritat davant dels nostres ulls per poder descobrir el que ens passa.

El duc Orsino representa la idealització de l’amor.

El mateix bufó canta al duc una cançó que Ć©s una burla sarcĆ stica sobre l’amor i sobre aquells que el viuen d’una manera passional i turmentosa alhora. I diu: ā€œDeixa de viure autoflagelĀ·lant-te i mira de saber quĆØ Ć©s el que sents realment en comptes de donar contĆ­nuament consells als altres.ā€

Els criats, en canvi, practiquen un amor terrenal.

Són els que actuen amb menys seny, però els que probablement millor assoleixen els seus objectius al final. Per bĆ© o per mal. I Ć©s que no hi ha res fĆ cil per a ningĆŗ! A l’època en quĆØ Shakespeare escriu aquesta obra, deixa enrere la comĆØdia mĆ©s ingĆØnua i passa a adoptar un tractament mĆ©s fosc amb uns personatges mĆ©s complexos.

La vostra proposta destaca per la jovialitat i dinamisme dels actors.

Això Ć©s el resultat de treballar molt per a quĆØ tinguessin clarĆ­ssim el que estan fent. D’aquesta manera, pot crear-se entre ells un ambient de complicitat i gaudeixen de la seva feina.

Quines són les teves virtuts principals com a director?

M’interessa allò que Ć©s teatral i, a la vegada, amb una part molt humana, molt viva. Justament, en això Ćŗltim Shakespeare era un expert: Sabia perfectament com som! M’apassiona la lectura interpretativa del text i enriquir-la amb la visió dels actors desprĆ©s.

I els teus defectes?

Tendeixo al perfeccionisme. I m’agradaria aprendre a mirar-me les coses des de fora i aconseguir que l’expressió i el gest dels actors fossin prou visibles a l’espectador.

Amb els teus actors, sou Els Pirates i ja porteu uns anys solcant mars escĆØnics.

Fa quinze anys que estem junts i ens entenem malgrat que tinguem visions diferents del teatre. Sabem què vol dir treballar junts i, sobretot, què vol dir treballar. També és important saber què fem.

I quĆØ us uneix?

Sobretot, una amistat immensa. Vam començar a fer teatre quan érem adolescents i mai no ens hem separat. Mentre es forjava la nostra amistat, anàvem aprenent a fer teatre. Els Pirates són un lloc on tenim espai per aprendre!

En quĆØ us diferencieu de les altres companyies que estrenen amb regularitat a Barcelona avui?

En l’antiguitat; en quĆØ la mĆŗsica Ć©s indestriable als nostres espectacles (ens vam conĆØixer estudiant mĆŗsica a diferents escoles de Barcelona). I en les nostres arrels escĆØniques, que són clĆ ssiques.

Què és el teatre per als Pirates?

Som com nens petits: No ens hem preguntat mai perquè ens agrada el que fem. I juguem junts sense plantejar-nos quina és la nostra estètica o el nostre estil.

I per a tu?

Una manera d’explicar el món i la societat que anem construint… Allò que ens fa viure. Qualsevol espectador que trepitja un teatre, es pregunta coses. Molt sovint, els creadors pequem de voler concretar quines preguntes han de ser. La nostra feina hauria de limitar-se a fer viure el text i servir-lo al pĆŗblic de manera que li fos possible fer-ne una lectura. A travĆ©s del teatre, arribo a entendre quĆØ faig jo aquĆ­ i perquĆØ m’agrada relacionar-me amb la gent.

La gravadora entén ara que la soledat és un estat joiós per capturar respostes.

Per Juan Marea

ā€œNit de Reisā€ es representa al CĆ­rcol MaldĆ  de Barcelona fins a l’11 de gener.
http://circolmalda.cat/nit-de-reis/

ā€œNit de Reisā€ dels Pirates: carbó per als amargats

Els Pirates a l’abordatge a la Biblioteca de Catalunya! Al mĆ stil sobre la coberta de l’XI Festival Shakespeare, bramaven amb ferotgia ā€œque els folls facin servir el seu talent i que DĆ©u doni seny als qui ja en tenenā€.

Deixem-nos abordar: No pensen saquejar-nos als temorencs espectadors que els esperem des de les aigües calmades de la platea. Ans al contrari: Són pirates solidaris. Volen compartir un tresor lluent i molt solvent: la ā€œNit de Reisā€ de Shakespeare, que ja Ć©s una festa sobre el paper i ara torna a escenificar-se amb alegria contagiosa.

Nit ReisAubert, Puig i la cursa per l’amor escĆØnic
(Fotografia de Marina Raurell)

L’obra enfronta amants vergonyosos (expressiva Mònica Barrio, serena Queralt Casasayas, radiant Ricard FarrĆ©) amb amants desvergonyits (sensacional Arnau Puig, esvalotador Bernat Cot, eixerida NĆŗria CuyĆ s) sota la mirada entremaliada d’una encisadora Laura Aubert. En William els confon i barreja perquĆØ, al capdavall, quĆØ els mou amb mĆ©s convicció que la ilĀ·lusió d’estimar-se plegats?

Aquesta peƧa Ć©s un divertiment que ara AdriĆ  Aubert esprem amb deliciosos apunts musicals i retaules plens d’esvalot escĆØnic. I entre gags còmics i reflexions saboroses, Els Pirates gaudeixen de l’assalt.

El vers ennuega els que mĆ©s seriosament se’l prenen (molt rĆ­gids Xavi Frau i Cot com a nĆ ufrag retornat) però la ā€œjoie de vivreā€ de la Companyia encĆ©n la metxa de la pirotĆØcnia escĆØnica, que enlluerna un espai sobri interromput graciosament per les corredisses dels incendiaris actors. Potser per això quan arriba el moment d’airejar els capĆ­tols mĆ©s fulletonescos (el retrobament dels dos germans, el turment del duc incapaƧ de fer volar el seu amor idealitzat) ensopeguen exhausts. No hem de patir: Amb prou feines es fan alguna rascada al genoll i, al final, oneja amenaƧadora la calavera, que no Ć©s senyal de mort segura, sinó el sĆ­mbol del triomf de les entranyes!

Per Juan Marea

ā€œNit de Reisā€ es va presentar al XI Festival Shakespeare i es representarĆ  al CĆ­rcol MaldĆ  de Barcelona a partir del 10 de desembre.
http://circolmalda.cat/nit-de-reis/
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