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Turismo: El palacio de la Aljafería (Zaragoza)

Reinauguramos la sección de Turismo en Culturalia, en la que intentaremos presentaros patrimonio, yacimientos arqueológicos museos o lugares destacados que vale la pena conocer, principalmente de España pero también de otros países. Una sección que os servirá de ayuda si estáis organizando algún viaje o si tan solo queréis conocer otros lugares.

El primer destino que vamos a tratar en esta sección es la Aljafería de Zaragoza, palacio que fue declarado monumento nacional de interés histórico-artístico en el año 1931. El complejo que desde entonces ha sido restaurado por los arquitectos Francisco Íñiguez Almech, Ángel Peropadre Muniesa, Luis Franco Lahoz y Mariano Pemán Gavín y en el que se han llevado a cabo varias campañas de excavación arqueológica, acoge en la actualidad las Cortes de Aragón en una parte del conjunto monumental.

En el año 2001 la UNESCO declaró patrimonio de la humanidad el mudéjar de Aragón, destacando que el palacio de la Aljafería es uno de los monumentos más representativos y emblemáticos del arte mudéjar aragonés.

La historia constructiva del palacio se inicia en el siglo IX y abarca diversas épocas. La Aljafería conserva parte de su primitivo recinto fortificado, de planta cuadrangular y reforzado por grandes torreones ultrasemicirculares, a los que se suma la torre del Trovador, cuya zona inferior, datada en el siglo IX, es el resto más antiguo del conjunto arquitectónico.

Palacio de la Aljaferia_Arquerias
Arquerias Palacio de la Aljaferia

Este recinto alberga construcciones residenciales propias del estilo palacial islámico de influencia omeya. Por lo tanto, frente al espíritu defensivo y la reciedumbre de las murallas, el palacio taifal muestra un esquema compositivo con un gran patio rectangular, a cielo abierto y con una alberca en su lado sur; a continuación, dos pórticos laterales, con arquerías mixtilíneas y polilobuladas; y, al fondo, unas estancias tripartitas que en sus orígenes estaban destinadas para uso ceremonial y privado.

Asimismo, en el pórtico norte se encuentra un pequeño oratorio, de planta octogonal y de reducidas dimensiones, en cuyo interior podemos ver una fina y profusa decoración de yeso con los típicos motivos de ataurique y algunos fragmentos pictóricos de tonos vivos y contrastados.

Palacio de la Aljafería_Oratorio_nicho del mihrab
Oratorio_nicho del mihrab

Todos estos logros artísticos se corresponden con las obras realizadas en la segunda mitad del siglo XI bajo el mandato del rey Abú Yaáfar Áhmad ibn Sulaymán al-Muqtádir, y reflejan la importancia cultural y el virtuosismo plástico de su corte. El palacio de la Aljafería supone una de las mayores cimas del arte hispanomusulmán.

Tras la reconquista de Zaragoza por Alfonso I el Batallador en el año 1118, se inició la andadura cristiana de la Aljafería, de tal manera que se convirtió en el palacio de los monarcas aragoneses, quienes llevaron a cabo en su interior sucesivas obras de ampliación y de reacondicionamiento.

De todo este período medieval (siglos XII – XIV), cabe citar la iglesia de San Martín, la denominada «alcoba de Santa Isabel», la desaparecida capilla de San Jorge, la arquería oeste del patio de Santa Isabel y, sobre todo, las salas del palacio mudéjar del rey Pedro IV, coronadas por unos espléndidos alfarjes, recientemente recuperados.

El palacio de los Reyes Católico fue erigido sobre la fábrica musulmana entorno al año 1492, con el fin de simbolizar el poder y prestigio de los monarcas cristianos. La dirección de las obras recayó en elmaestro mudéjar Faraig de Gali, y en ellas se funde la herencia artística medieval con los nuevos aportes del Renacimiento, de ahí que dieran lugar a uno de los ejemplos más significativos del llamado «estilo Reyes Católicos».

Palacio de la Aljafería_escalinata
Escalinata

El palacio consta de una escalinata, una galería o corredor y un conjunto de salas, denominadas «de los Pasos Perdidos», que tienen su culminación en el gran Salón del Trono. De todas estas dependencias, lo más interesante son, por un lado, las solerías, a base de losetillas y azulejos de Muel, y, por otro, las techumbres de madera dorada y policromada, entre las que destaca el soberbio artesonado del Salón del Trono.

A partir de 1593, y por mandato del rey Felipe II, el ingeniero sienés Tiburcio Spanochi diseñó los planos para transformar la Aljafería en un fuerte o ciudadela «a la moderna», para lo cual se dotó al conjunto de un recinto amurallado exterior, con baluartes pentagonales en las esquinas y con un imponente foso de circunvalación, de paredes en ligero talud con puentes levadizos.

Artesonado en sala de los Pasos Perdidos

Después de este primer acondicionamiento militar, durante los siglos XVIII y XIX se produjeron en el edificio profundas intervenciones para su adaptación como acuartelamiento, y, de ellas, todavía se conservan los bloques construidos en época de Carlos III y dos de los torreones neogóticos añadidos en tiempos de Isabel II.

Por todo ello, hay que resaltar que muy pocos monumentos aragoneses cuentan con muestras arquitectónicas tan sobresalientes como las existentes en la Aljafería de Zaragoza, pues en ella se resumen diez siglos de la vida cotidiana y de los acontecimientos histórico-artísticos de Aragón.

Desde el año 1987, el palacio de la Aljafería, vuelve a ocupar un lugar relevante al acoger entre sus viejos muros a las Cortes de Aragón.

Palacio de la Aljafería
Calle de los Diputados, s/n, 50003 Zaragoza

Información práctica:

Crítica: Elcano, viaje a la historia, de Tomás Mazón Serrano, Ed. Encuentro

Elcano, viaje a la historia, de Tomás Mazón

La historia de los descubrimiento, sean estos los que sean, siempre se convierte en un relato interesante. El esfuerzo de la humanidad por alcanzar un conocimiento o un nuevo dominio sobre la naturaleza es el argumento idóneo para una novela, por la suma de genialidad, dramatismo y esfuerzo que ello comporta. Dar por primera vez la vuelta al mundo a comienzos del siglo XVI con la tecnología que se poseía por aquel entonces es toda una hazaña llevada a cabo por Magallanes, Elcano y los suyos, que Tomás Mazón Serrano nos relata en el libro Elcano, viaje a la historia, publicado el pasado octubre por la editorial Encuentro.

La obra ayuda a cubrir un vacío en la bibliografía en castellano sobre la aventura de Magallanes y Elcano y su primera circunnavegación de La Tierra, de la que si bien ya se habían publicado monografías y novelas históricas, aún necesitaba una revisión de carácter histórico divulgativo como la de Mazón Serrano, propietario de la web rutaelcano.com dedicada a la gesta y que contiene gran información y de calidad sobre la hazaña náutica.

Mazón Serrano nos relata la primera vuelta al mundo desde una perspectiva realista y basada en las fuentes, narrando con un estilo, a veces novelesco, la deriva del descubrimiento, desde su organización en la corte del emperador Carlos V, su realización y la severidad de la aventura, realizada no olvidemos, con una tecnología marítima arcaica y en muchos casos con conocimientos erróneos sobre la naturaleza y dimensiones de La Tierra.

Así, pues, seguiremos las hazañas de los “descubridores” primero en su intento de llegar a la Especiería, esto es, las tierras ricas en especias de Oriente, evitando a los portugueses, que guardaban el conocimiento de sus rutas comerciales como oro en paño. Asimismo, Mazón Serrano se interesa por la personalidad de los personajes principales, entre ellos Magallanes, Elcano y los capitanes de los navíos que iniciaron la aventura, y nos narra las vicisitudes y la tragedia que también marcaron el avance de la empresa, como la rebeliones que se produjeron, la muerte de Magallanes o la decisión, una vez llegados a la Especiería, de continuar el viaje de circunnavegación que haría famosos a los líderes de la expedición.

Pero Elcano, Viaje a la Historia, aunque posee muchos aciertos, también muestra algunos inconvenientes que afectan a su lectura. Si bien el relato de la expedición es comprensible y asequible, se duplica a menudo al presentar tanto las fuentes citadas como el relato del autor, hecho este que ralentiza la lectura. Otro de los puntos débiles del libro es su brevedad. La primera circunnavegación del planeta nos es explicada en 219 páginas, en algunos momentos con una gran brevedad, lo que puede provocar una impresión de «ausencia» de relato en la narración de Mazón Serrano, y la sensación de que nos perdemos algo importante. Si bien esta brevedad permite al autor dedicar una parte importante de la obra tanto a explicar a los lectores los conocimientos técnicos-náuticos de la época como a presentar varios anexos con información sobre los navegantes, las tripulaciones o las fuentes utilizadas. A lo que se suma toda una serie de láminas centrales y un desplegable final con mapas a todo color que nos permiten seguir el itinerario seguido por Magallanes y Elcano y su flota.

Dicho esto y teniendo en cuenta una brevedad que sabe a poco, Serrano Mazón consigue, incluso con cierto grado de admiración, relatar la aventura de unos hombres que arriesgaron su vida no tan solo para enriquecerse con el comercio de especias, sino, sobre todo en el tramo final de su aventura, para alcanzar la gloria, la de ser los hombres que consiguieron dar la primera vuelta al mundo y confirmar con su hazaña los enunciados científicos acumulados en Europa hasta ese momento.

Título: Elcano, Viaje a la historia
Autor: Tomás Mazón Serrano
Editorial: Encuentro
Colección: Nuevo Ensayo
Materia: Historia; Historia de España; Historia moderna; Historia marítima
Páginas: 328
Formato:15 x 23 cm | 16 páginas con mapas a color + 1 desplegable
Fecha de publicación: 1 octubre 2020
ISBN: 978-84-1339-023-9
Precio: 24€

NOTA CULTURALIA: 7,9

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Jorge Pisa

Crítica teatro: Avinguda Nacional, en la Sala Beckett

Regresa el teatro a la Sala Beckett tras el cierre de la actividad escénica el pasado octubre debido a la puesta en marcha de las medidas anticovid aprobadas por la Generalitat, y lo hace con Avinguda Nacional del dramaturgo checo Jaroslav Rudiš, una propuesta que no dejará indiferente a nadie dirigida por Martí Torras Mayneris e interpretada por Josep Julien, Patrícia Bargalló, Babou Cham, y Oriol Roca.

«Se hace llamar Vandam. Como Jean-Claude van Damme. Es un héroe. Un guerrero. Lo sabe todo de los combates. Tiene una opinión sobre todo. La política. Las mujeres. El mundo… En 1989, en Praga, marchó por la Avenida Nacional, donde el 17 de noviembre tuvo lugar una manifestación que llevó a la caída del régimen comunista en la antigua Checoslovaquia. Ahora, su segunda casa es el bar Severka. Este es su mundo. Es aquí donde discute de política, donde reniega, donde a veces levanta el brazo derecho, evocando el saludo de los romanos, da lecciones sobre la vida o rompe los dientes a alguien».

Avinguda Nacional es una obra dura, no apta para todas las sensibilidades, un texto despiadado que nos traslada al infierno personal en el que sobrevive un ser devastado. En ella se habla de la vida pero de una forma atroz, o lo que es lo mismo, a través de los ojos de Vandam (Josep Julien), un personaje al que la existencia ha maltratado y que por lo tanto se cree con el derecho a maltratar a los demás.

La dirección de Martí Torras Mayneris nos presenta un escenario desolado, en el que Vandam nos irá abriendo su alma al mismo tiempo que nos relata su pasado y su presente. Alguien que se ha pasado la vida mintiendo e imponiéndose a los demás, las más de las veces a través de la violencia, la cual conoce muy bien, hecho este que le permitirá, incluso, dar lecciones sobre ella.

Avinguda Nacional_1

Josep Julien encarna brillantemente a ese ser oscuro y violento y le da vida de una forma que, por momentos, da miedo. La personificación es perfecta, hasta tal punto que el actor consigue desaparecer de escena para poder mostrar las obscenas y repulsivas entrañas del personaje que interpreta. Un acierto que, sin duda, se debe tanto al actor como a la dirección. El resultado es una obra impecable e implacable que permite al publico reflexionar no solo sobre la violencia en sí sino también sobre actitudes cívicas en las que el furor contra los diferentes, contra los que no opinan igual o contra los que no son iguales tiene un papel destacado.

Pero Vandam no está solo en escena, aunque en la obra se imponga el monólogo al diálogo. A Julien le acompañan sobre el escenario los actores Patrícia Bargalló y Babou Cham, que dan la réplica al personaje desde su misma sustancia y el músico Oriol Roca, que interpreta el hilo musical minimalista de la representación e encarna, también de forma minimalista, al hijo de Vandam.

Así, pues, la Beckett retoma su programación escénica con una pequeña joya, a la que ha dado forma el dramaturgo checo Jaroslav Rudiš, ha adaptado Martí Torras Mayneris y ha elevado casi a la perfección Josep Julien, una reflexión sobre la violencia y las causas que nos llevan irremisiblemente hacia ella, personalmente y como sociedad.

Avinguda Nacional es una producción de la Sala Beckett en el contexto del proyecto Fabulamundi. Playwriting Europe, que quiere promover el conocimiento y el intercambio de textos y autores entre los diferentes países miembros. La Sala Beckett forma parte desde 2017 conjuntamente con teatros de Alemania, Austria, Francia, Italia, Polonia, República Checa y Rumanía.

«Avinguda nacional» se representa en la Sala Beckett del 24 al 29 de noviembre de 2020.

Autor: Jaroslav Rudiš
Traducción: Naila Rami Oms
Dirección y adaptación: Martí Torras Mayneris
Reparto: Patrícia Bargalló, Babou Cham, Josep Julien y Oriol Roca
Escenografía: Judit Colomer
Iluminación: Gane Gil
Vestuario y caracterización: Fàtima Campos
Espacio sonoro: Oscar Villar
Música: Oriol Roca
Producción: Sala Backett

Horarios: de martes a sábado a las 20:00 horas y domingo a las 19:00 horas.
Precio: de 10€ a 18€
Duración: 1 hora y 25 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 9

Naturaleza encendida en el Real Jardín Botánico de madrid

Llega la Navidad y con ella cuando el sol se pone, florece la magia en el Real Jardín Botánico de Madrid.

Estas Navidades podrás vivir una experiencia extraordinaria en un entorno lleno de sorpresas, luces y lugares ideales en los que capturar los momentos más especiales de estas fiestas. Flora es una edición de Naturaleza Encendida que consigue asombrar a todos los públicos al contemplar sus impresionantes esculturas lumínicas de flores a tamaño gigante, al escuchar las sinfonías cantadas por los árboles, o al ver cómo nuestros deseos pueden llegar a volar. Algunos de los árboles más representativos del Jardín cobran vida y conoceremos muchas de las especies que habitan esta joya de botánica del Real Jardín Botánico de Madrid.

Naturaleza Encendida es una oportunidad única para vivir una experiencia inmersiva mágica en un espacio natural. Un paseo nocturno donde tú eres el protagonista, en un emplazamiento extraordinario y tranquilo, donde la vida se ilumina en el centro de la ciudad.

Embárcate en esta aventura increíble que te invita a descubrir la naturaleza y el ecosistema ahora en Madrid. Recorre lugares llenos de sorpresas y magia, aptos para todos los públicos y en entornos seguros.

Naturaleza encendida en el Real Jardín Botánico
Del 17 noviembre de 2020 al 10 de enero de 2021
Horarios: de 18:00h a 23:00h (último acceso a las 22.00h)
Dirección: Plaza de Murillo 2, 28014 Madrid

Información y entradas: https://naturalezaencendida.com/

Crítica cine: Contagio en alta mar, de Neasa Hardiman (2019)

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Hoy llega a las pantallas españolas Contagio en alta mar, un thriller irlandés de terror náutico dirigido por Neasa Hardiman e interpretado por Connie Nielsen, Dougray Scott, Hermione Corfield y Olwen Fouere.

Contagio en alta mar es una película alejada de las grandes producciones americanas que nos pretende narrar una historia entre el thriller y el terror desde un punto de vista que podríamos considerar realista. El film nos cuenta una historia interpretada por un grupo de pescadores irlandeses que salen a faenar en el arrastrero de pesca Niamh Cinn Óir, una tripulación variopinta que trabaja como si fuera una pequeña familia, lo que seguro que hace que la historia se nos haga más cercana y por tanto, también más turbadora.

La necesidad obligará a la tripulación a arriesgarse en alta mar para obtener una gran captura. Pero la llegada de un parásito desconocido proveniente de los abismos del océano impedirá que sus aspiraciones se hagan realidad. Comenzará, así, una lucha para vencer el peligro que representa el parasito y regresar a tierra sanos y salvos, para lo que contarán con la ayuda de Siobhán (Hermione Corfield) una estudiante de biología marina que les acompaña en el arrastrero investigando los patrones de comportamiento de la fauna oceánica.

Contagio en alta mar_1

El film presenta, así, elementos de terror, encarnados en el ser parasitario de carácter lovecraftiano que amenazará la vida de los integrantes de la tripulación, a los que se suman elementos de thriller y supervivencia marítima que nos permitirán conocer un poco más a los personajes y nos harán preguntarnos el porqué de lo que está pasando.

Neasa Hardiman, acostumbrada más al medio televisivo que al cinematográfico, ha intentado, como decía, dar a la historia un toque realista, que sin duda hará pensar al espectador en la situación actual provocada por la pandemia de Covid-19. Y es que mucho de lo que pasa en el pesquero a pequeña escala se puede trasladar a la situación que vivimos a nivel planetario en la actualidad, produciéndose en el film también una pugna entre las necesidades económicas de la tripulación y el riesgo que supone enfrentarse a la amenaza parasitaria, en la que el miedo al contagio, los efectos negativos de la cuarentena o el sacrificio por los demás estarán muy presentes en el film.

Contagio en alta mar aprueba en lo que respecta a las interpretaciones, ya que en su gran mayoría son creíbles y hacen que el espectador se meta fácilmente en una trama que incluye a muy pocos personajes, no por otra la acción se desarrolla en un pequeño pesquero en alta mar. De entre todos destacan Hermione Corfield que interperta a la joven estudiante universitaria que acompaña a los pescadores; Ardalan Esmaili que da vida al ingenero que mantiene a flote a la embarcación pesquera y Connie Nielsen y Dougray Scott que encarnan a los propietarios del pesquero y personalizan los problemas económicos y emocionales que el trabajo en el mar comporta.

Así, pues, Contagio en alta mar es un film pequeño pero realizado con esmero, con sencillos pero efectivos efectos especiales. La dirección escueta y el guión rápido de Neasa Hardiman, dan forma a un relato interesante, sobre todo para aquellos y aquellas interesados en los films de terror y de descubriemnto, en este caso de un ser vivo que puede amenazar la supervivencia de la humanidad… Les suena de algo?? Lástima que la conclusión del film se le vaya algo de las manos…

Título: Contagio en alta mar
Año: 2019
Duración: 94 min.
País: Irlanda
Dirección: Neasa Hardiman
Guión: Neasa Hardiman
Música: Christoffer Franzén
Fotografía: Ruairi O’Brien
Reparto: Connie Nielsen, Dougray Scott, Hermione Corfield, Olwen Fouere, Jack Hickey, Ardalan Esmaili, Elie Bouakaze, Dag Malmberg
Producción: Irlanda, Estados Unidos, Reino Unido, Suecia, Bélgica
Bright Moving Pictures, Creativity Capital, Fantastic Films, Frakas Productions, Makar Productions, Flexibon Films. Distribuida por Eagle Film Production Company
Género: Drama | Terror | Thriller | Aventuras marinas

NOTA CULTURALIA: 6,5
NOTA ABANDOMOVIEZ: 6,21
NOTA IMDB: 5,7
NOTA ROTTEN TOMATOES:

• Crítica: 86%
• Audiencia: 47%

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Jorge Pisa

Exposición: Vampiros, La evolución del mito, en CaixaForum Barcelona

CaixaForum Barcelona inaugura la exposición Vampiros, La evolución del mito, que permanecerá abierta hasta el 31 de enero de 2021.

El mito del vampiro y el cine han estado vinculados a lo largo de los siglos XX y XXI en una relación simbiótica e ilusoria. Esta exposición permite al visitante sumergirse en el mundo de los vampiros y conocer las relaciones entre las diferentes facetas de estos seres maléficos, a partir de diferentes disciplinas artísticas.

A principios del siglo XX, la recién nacida industria cinematográfica se apropió rápidamente del mito del vampiro, surgido de antiguas supersticiones griegas y árabes, extendido en Europa Central durante la Edad Media y reforzado durante el siglo XVIII en escritos científicos y en novelas del romanticismo inglés del siglo XIX. La película expresionista Nosferatu (1922), de F. W. Murnau, una adaptación libre de la novela Drácula, de Bram Stoker, se convirtió en la obra fundamental de la relación entre el cine y el mito del vampiro.

Desde entonces, el cine y el vampirismo han estado vinculados en su aproximación sobre el personaje y representan dos facetas de una misma narrativa estética. Muchos de los grandes cineastas han sucumbido a la tentación de representar su propia visión del mito para transmitir algo sobre su práctica artística, como Dreyer, Browning, Tourneur, Polanski, Herzog, Coppola, Burton, Bigelow y Weerasethakul. Drácula es sin duda el vampiro más recurrente de esta historia cinematográfica, y ha contado con producciones en todo el mundo (Hollywood, Europa, México, Filipinas, Nigeria, Hong Kong, etc.).

La exposición reúne una selección de la vorágine de películas de fantasía que el mito ha propiciado, desde proyectos de vanguardia hasta blockbusters. Relata las tensiones entre el cine y este mito, consciente de las metamorfosis del vampiro que están intrínsecamente ligadas a las transformaciones del medio cinematográfico. Además de mostrar películas y obras literarias, la exposición expone una selección de apariciones del vampiro en otras disciplinas artísticas, como los collages surrealistas de Max Ernst, algunos grabados de Los Caprichos de Goya, las inquietantes pinturas del artista contemporáneo Wes Lang o la icónica imagen de Drácula interpretado por Bela Lugosi usada por Andy Warhol en su litografía titulada The kiss.

El diálogo y los encuentros entre películas y obras de arte proporcionan los fundamentos de esta exposición multidisciplinar, que coloca el cine como eje narrativo principal.

Exposición: Vampiros, La evolución del mito
Espacio: CaixaForum Barcelona
Fechas: del 29 de octubre de 2020 al 31 enero de 2021

Exposición: Barcelona Memoria Fotográfica, en el IDEAL

El pasado 1 de octubre el centro IDEAL inauguró la exposición «Barcelona Memoria Fotográfica», la primera experiència immersiva sobre la Barcelona de los años 50 y 60 a través de la mirada de 6 de los mejores fotògrafos catalanes: Català-Roca, Maspons, Pomés, Biarnés, Miserachs y Colita.

La exposición, que es la primera producción propia del IDEAL y es también la primera experiencia inmersiva realizada a través de la fotografía, nos permite visitar la Barcelona de los años 1950-1960 con un formato innovador. La experiencia está formada por piezas inmersivas de gran formato a 360º, realidad virtual, proyecciones y propuestas interactivas a través de la inteligencia artificial.

Barcelona Memoria Fotografica_1

Barcelona Memoria Fotogràfica es la primera experiencia inmersiva sobre la ciudad de Barcelona a través de la mirada de 6 de los mejores artistas de la fotografía del país. Una visión inédita sobre la ciudad de los años 50 y 60 a través del arte digital con espectaculares fotografías de Francesc Català-Roca, Oriol Maspons, Leopoldo Pomés, Joana Biarnés, Xavier Miserachs y Colita.

Dentro de Barcelona Memòria Fotogràfica podreis encontrar una sala de revelado tal y como eran en los años 50-60, un fotomatón que utiliza la inteligencia artificial, la producción “Seis miradas” proyectada en la sala inmersiva, donde las imágenes cobran tridimensionalidad y profundidad, dotando la obra de vida propia y, finalmente, un viaje al pasado: ”Barcelona a través del tiempo”, una pieza de realidad virtual en 360º y estereoscópica filmada durante las jornadas de confinamiento a causa de la Covid19.

La experiencia de realidad virtual permite a los visitantes entrar dentro de las mejores fotografías de los 6 maestros de la fotografía de la Barcelona de esa época, y conocer los lugares que los inspiraron como el Puerto, las Ramblas, Montjuïc o la azotea de la Pedrera, y las situaciones y las personas de las que eran protagonistas. Se trata de un viaje del pasado al presente y del presente al pasado, gracias a la fusión entre las fotografías originales y las imágenes actuales de la ciudad.

Exposición: Barcelona Memoria Fotográfica
Espacio: IDEAL, Centre d’Arts Digitals
Fechas: del 30 de septiembre de 2020 al 10 de enero de 2021
Precio: De Lunes a Domingo. Abierto de 11h a 20h
Martes Cerrado

Crítica literaria: Hacia las estrellas, Mary Robinette Kowal, Oz editorial

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Este verano descubrí a una autora nueva, desconocida para mi, Mary Robinette Kowal, y su novela Hacia las estrellas, la primera entrega de la saga La astronauta que nos sitúa en el pasado, durante la carrera espacial norteamericana de los años 50, alterado por el impacto de un gran meteorito sobre el planeta, una novedad editorial que me ha permitido conocer la obra de ciencia ficción de esta joven escritora estadounidense.

En un frío día primaveral de 1952, un meteorito impacta contra la Tierra y arrasa la Costa Este de Estados Unidos. Pronto, las consecuencias de cataclismo harán del planeta un lugar inhóspito, como ocurrió antes con la extinción de los dinosaurios. Esta terrible amenaza obliga a la humanidad a acelerar radicalmente sus esfuerzos para colonizar el espacio.
Elma York, piloto del Servicio Aéreo Femenino y matemática, será una de las mujeres que trabajarán en la Coalición Espacial Internacional como calculadoras para llevar al hombre a la Luna. Su ambición por convertirse en astronauta hará que se enfrente a una sociedad que no está preparada para ver a una mujer rumbo hacia las estrellas.

Hacia las estrellas es una novela reivindicativa y feminista y sitúa la acción en plena Guerra Fría, pero sobre un contexto histórico alterado por el impacto del gran meteorito, lo que permite a la autora dejar volar la imaginación sobre lo que podría haber pasado sí… La idea es buena y Kowal sabe sacar provecho de la premisa, no por otra la obra ha ganado los premios Hugo, Nébula y Locus, convirtiéndose en la mejor novela de ciencia ficción del año y es la primera entrega de una saga con cuatro novelas escritas y una en creación que se espera para el año 2022.

El estilo de Hacia las estrellas es sencillo y nada pretencioso, no esperéis nada vinculado a la ciencia-ficción dura, sino un argumento que podríamos decir que suma ciencia-ficción y relato histórico, ya que os recuerdo que está ambientado en los años 50. Una situación en la que sus protagonistas, entre las que destaca Elma York, una calculadora matemática con experiencia como piloto, lucharán para salvar al planeta y hacerse valer en un mundo, el de la ciencia y el de la política, dominado por los hombres.

En este aspecto, la narración de Kowal me ha recordado a Lo que hay que tener (The Right Stuff) de Tom Wolfe, novela que narraba la gloria y los sinsabores de los astronautas que participaron en la carrera espacial norteamericana y también al film Figuras ocultas (2016), dirigido por Theodore Melfi e interpretado por las actrices Taraji P. Henson, Octavia Spencer, Janelle Monáe, que daban vida, en esta ocasión de forma realista o histórica, a las calculadoras negras de la NASA que fueron imprescindibles, a la vez que olvidadas, para alcanzar el éxito en la carrera espacial por parte de los Estados Unidos.

El estilo de Kowal es directo y en él acostumbra a pesar más el diálogo entre los personajes que no la prosa descriptiva, lo que provee a la novela de mayor ritmo, a lo que se suma el constante sentido del humor reivindicativo que sus personajes femeninos que mantendrán a lo largo de la narración, hecho este que ayuda a darle un toque mucho menos sombrío a la narración de lo que podría parecer: una suma de los esfuerzos planetarios para sobrevivir a una catástrofe planetaria global y la lucha de las mujeres protagonistas para hacer valer sus capacidades en un mundo, los años 50 alternativos, dominado por los hombres.

Un descubrimiento en la ciencia-ficción que vale la pena tener en cuenta, ya que la segunda novela de la saga se ha publicado en español el pasado mes de septiembre por la misma OZ editorial y con el título El destino celeste. Una buena recomendación y una muy aconsejable lectura!!

Mary Robinette Kowal es una autora estadounidense de ciencia ficción y fantasía histórica que ha saltado a la fama recientemente por su saga La astronauta, con la que ha ganado los prestigiosos premios Nébula, Locus y Hugo. Además, Hacia las estrellas, la primera entrega de esta serie, figura entre los diez mejores libros de ciencia ficción de publicaciones como el Publishers Weekly, Locus, el Chicago Review of Books o The Verge.

Título: Hacia las estrellas
Autora: Mary Robinette Kowal
Editorial: Oz editorial
Formato: rústica con solapas, 15 x 23 cm
Páginas: 408
ISBN: 978-84-17525-48-4
Fecha de publicación: 18 de marzo de 2020
Precio: 15,90€
También disponible en ebook
NOTA CULTURALIA: 8

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Jorge Pisa

Crítica serie TV: El colapso, Canal+ (2019)

Vamos a reseñar hoy El Colapso, una serie que dio mucho que hablar el pasado verano, producida por Canal+ y dirigida por Jérémy Bernard, Guillaume Desjardins y Bastien Ughetto, tres realizadores del colectivo Les Parasites. Una propuesta que trata, como su nombre indica, sobre el colapso de la sociedad y que aunque producida en el año 2019, hemos de recordar que se estrenó en España en el mes de julio pasado, en un momento en el que la Covid-19 afectaba, (… y por desgracia aún afecta) a la población mundial, hecho este que ayuda a explicar su repercusión mediática.

¿Qué pasaría con nuestra sociedad si el sistema colapsara mañana? En Francia, cuando la civilización se derrumba, todos intentan sobrevivir. Los alimentos escasean, la gasolina escasea, los más frágiles están abandonados…

El colapso es una apuesta arriesgada que se estrenó, seguramente, en la «mejor» coyuntura en la que se podría estrenar, ya que nos habla de una crisis mundial en un momento en el que la humanidad está viviendo un episodio pandémico que amenaza su futuro. Arriesgada también por el formato que presenta, ya que está compuesta de ocho capítulos de unos 20 minutos cada uno rodados en plano secuencia o toma sin cortes y que nos muestras ocho escenas que muy bien podrían darse en cualquier momento y en cualquier lugar del planeta, esto es, como respondería la gente ante el final de la civilización tal y como la conocemos.

Ocho historias que se ambientan en lugares diferentes, como sus títulos indican, lugares cotidianos en los que todos y todas nos podríamos ver inmersos, ya sea el supermercado, la gasolinera o una residencia de ancianos. El realismo de la serie se intensifica, además, con el rodaje en plano secuencia, con tomas de cámara en movimiento y un montaje minimalista,  que nos permiten acompañar a los protagonistas como si fueramos a su lado en un momento desesperado, en el que no sabemos ni cómo responderíamos nosotros mismos.

Además, la causa auténtica del colapso no la conoceremos nunca, sino solo sus dramáticas consecuencias. Esto puede desituar a parte del público pero potencia en gran medida el contexto de desinformación en el que viven los protagonistas, otro elemento que da realismo a la serie.

El colapso_1

Las situaciones son dramáticas, los comportamientos a veces muy egosistas y crueles y las consecuencias del colapso llegan a ser en algunos capítulos muy trágicas, como en el capítulo de la aldea, el de la central nuclear o, especialmente, el de la residencia.

La serie tuvo un presupueto de 2 millones de euros y ha sido creada por el colectivo Les Parasites, formado por Jérémy Bernard, Guillaume Desjardins y Bastien Ughetto, tres realizadores que estudiaron en la EICAR (Escuela Internacional de Creación Audiovisual y Realización) y conocedores los tres del mundo televisivo y cuenta con un reparto variado que interpreta a los diversos personajes de los diferentes capítulos-situaciones, que si bien son relatos individuales, se conectan de alguna forma entre ellos a los largo de la serie.

No os espereis grandes efectos especiales, un reparto reconocible, al menos a mí no me lo pareció, ni estrellas invitadas para ensalzar la serie, sino una reconstrucción creíble de cómo podría ser el incio del colapso de la sociedad actual, en este caso retratada en Francia, y de qué le pasaría a la gente común, a nosotros mismos, en esos trágicos y luctuosos momentos. Una serie que nos permitirá reflexionar, también, sobre nuestra propia forma de pensar y de actuar y de cómo construímos nuestra propia realidad.

Título original: El colapso (L’effondrement)
Año: 2019
Duración: 8 capítulos
País: Francia
Dirección: Jérémy Bernard, Guillaume Desjardins, Bastien Ughetto
Guión: Jérémy Bernard, Guillaume Desjardins, Bastien Ughetto
Música: Edouard Joguet
Reparto: Bellamine Abdelmalek, Lubna Azabal, Lola Burbail, Thibault de Montalembert, Audrey Fleurot, Samir Guesmi, Claire Guillon, Caroline Piette, Philippe Rebbot, Pierre Rousselet, Bastien Ughetto
Producción: Canal+
Género: Miniserie de TV | Thriller | Drama | Supervivencia | Fin del mundo

NOTA CULTURALIA: 8
NOTA IMDB: 7,9
NOTA FILMAFFINITY: 7,4

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Jorge Pisa

Exposición: Invitadas. Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931), en el Museo del Prado

El pasado martes 6 de octubre el Museo del Prado inauguró la exposición Invitadas, Fragmentos sobre mujeres ideología y artes plásticas en España (1833-1931), la primera exposición temporal que organiza tras su reapertura el pasado 6 de junio, y que tiene como objetivo reflexionar sobre el papel de la mujer y los diferentes roles que desempeñó en el sistema artístico español desde el reinado de Isabel II hasta el de su nieto Alfonso XIII.

Comisariada por Carlos G. Navarro, conservador del Área de Pintura del siglo XIX, y con el apoyo de la Fundación AXA, esta exposición se podrá visitar en las salas A y B del edificio Jerónimos hasta el 14 de marzo de 2021. Estructurada en 17 secciones, la muestra recorre una selección de más de 130 obras, procedentes en su mayoría de la colección del Museo Nacional del Prado, pero también de las colecciones reales de Patrimonio Nacional y de otras colecciones públicas y privadas, que, en gran parte, participaron en exposiciones internacionales o fueron ganadoras de premios de Exposiciones Nacionales creadas en 1853 para fomentar el progreso del arte español y constituir una imagen ideológica de la nación.

Enmarcada en un periodo cronológico que va desde los tiempos de Rosario Weiss (1814-1843) hasta los de Elena Brockmann (1867-1946), la exposición se ordena en dos partes articuladas a su vez en distintos fragmentos temáticos. En la primera se ilustra el respaldo oficial que recibieron aquellas imágenes de la mujer que se plegaban al ideal burgués. El Estado legitimó estas obras mediante encargos, premios o adquisiciones, y fueron aceptadas como valiosas muestras de la madurez de sus autores, al tiempo que se rechazaban todas aquellas que se oponían a ese imaginario. El contexto en el que se validaron estas representaciones sirve de antesala a la segunda parte de la muestra. En ella se abordan aspectos centrales de las carreras de las mujeres artistas, cuyo desarrollo estuvo determinado por el pensamiento predominante en su época, que diseñó su formación, participación en la escena artística y reconocimiento público. Para conformar y visibilizar este segundo episodio se han elegido los nombres imprescindibles, desde las románticas hasta las que trabajaron en el quicio de las vanguardias.

Exposición: Invitadas. Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931)
Comisario: Carlos G. Navarro, conservador del Área de Pintura del siglo XIX del Museo Nacional del Prado
Fechas: del 6 de octubre de 2020 al 14 de marzo de 2021