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Crítica cómic: Batman año 100, Paul Pope, Debolsillo.

batman año 100 portadaEn el año 2039 el gobierno controla la sociedad con mano dura. No hay libertad, todo está bajo el control de los agentes federales. Una sociedad oscura y sin esperanza. Lo que no significa que no exista el crimen y la corrupción. Parece que los superhéroes tampoco existen, pero hay una anomalía llamada Batman, que no ha sido controlada y no se sabe muy bien si es tan solo una leyenda del pasado. Un agente federal ha sido abatido y el principal sospechoso no es otro que el hombre murciélago. Gordon, nieto del comisario James Gordon, investigará su existencia; paralelamente Batman y su equipo intentarán averiguar qué ha ocurrido y qué se esconde tras este asesinato y la corrupción gubernamental intentará acabar con todos ellos. Bienvenidos a un futuro nada halagüeño, triste y desalmado, a un futuro de cómic distópico al estilo Orwell, Bradbury o Huxley.

Estamos ante una de las historias más interesantes de Batman de los últimos 8 años. Fue creada en 2006 por Paul Pope como guionista y dibujante y coloreada por José Villarrubia, y no en vano se llevó dos premios Eisner (los mas importantes en Estados Unidos en la industria del cómic) a la mejor serie limitada y al mejor escritor / artista.

El cómic se inicia con una trepidante y brutal persecución de Batman por parte de la policía federal. Podemos sentir su sudor, su sufrimiento y sus heridas y vibrar con la magnífica narración cinematográfica que utiliza Pope en esta larga escena. Una tensión que se dilata al intercalar acertadamente en ella la comisión en Washington que está siguiendo los hechos, la presentación del capitán de policía Gordon y la actividad del equipo de apoyo del hombre murciélago. Más de 40 páginas que se leen de un tirón con emoción y nos presentan la trama de la historia a la vez que nos sumergen en las calles de la decadente Gotham City. El resto de páginas siguen estando a la altura, muy bien resueltas en sus enfoques utilizando muchos planos detallistas y con predominio de viñetas rectangulares. Paul Pope impregna la narración de un halo de ciencia ficción con elementos fantásticos como los telépatas y otros artilugios. Estamos en el futuro, pero salvo por estos pocos cambios tecnológicos, tanto podría ser 2039 como 2000 o 1939.

batman año 100_1¿Quién se esconde bajo la máscara de Batman? La investigación de Gordon destaca por su originalidad al mezclar la realidad y la ficción, con el origen real de los tebeos de Batman en el año 1939, o sea su primera aparición, y las publicaciones posteriores más emblemáticas como Batman año uno o El regreso del caballero oscuro ambas de Frank Miller. El cómic contiene diversos pequeños guiños para los fieles seguidores, mientras avanzamos en la intrigante investigación de lo que se esconde tras el asesinato del agente federal. De hecho algunas viñetas recuerdan la Gotham City que retrató Frank Miller en sus obras.

Destaco también el acierto de las apariciones de Batman a través de cámaras de seguridad o holollamadas, que consiguen un efecto de intensidad y furia en su figura casi de “película de terror asiática” en la forma en la que están dibujadas con un color y unos halos de luz chisporreantes. Al igual que el efecto que usa el hombre murciélago al ponerse una dentadura postiza para convertirse en una figura más temible. ¡Impresionan las viñetas en que predomina el rojo! También es digno de mención el efecto de velocidad que se consigue con la utilización en las viñetas de luces distorsionadas.

Paul Pope es un guionista y dibujante alternativo que inició su carrera como dibujante manga para Kodansha. Ha publicado en distintas editoriales americanas, destacando en trabajos como One-Trick Ripoff, Heavy Liquid, 100 % y más recientemente en la exitosa Battling Boy. Su historia corta “El compañero adolescente del héroe” en la serie Solo de DC, ya le valió un Eisner en esta categoría en 2006. Ha trabajado en el campo de la publicidad con diversos y variados trabajos, incluyendo el diseño de moda, y en la ilustración. En 2010 fue distinguido como Master Artist por el American Council of the Arts. La crítica ha afirmado que su estilo al dibujar recoge lo mejor de los clásicos americanos como Jack Kirby, Alex Toth, y Frank Miller y de europeos como Hugo Pratt, Guido Crepax y Daniel Torres.

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Paul Pope

Sin lugar a dudas Batman año 100 es una de sus más destacadas obras. Su estilo de dibujo diferente, algo feista, oscuro y grotesco, pero también elegante, puede no atraer al lector en una primera ojeada, pero si se le da una oportunidad, le permitirá sentir muy viva esta peculiar aventura del superhéroe. El autor quería que se sintiese la acción física y que la violencia fuese palpable, por eso el traje de Batman es más rudo y se compone de duras botas militares, pantalones atados con cuerdas y unos guantes que no le tapan las muñecas. Es un traje de trabajo, no para posar de forma “guay” sobre una azotea. Un nuevo diseño que puede chocar y no gustar a primeras. Otro punto a favor para comprar este tomo de DeBolsillo es que es una historia completa y autoconclusiva. No incluye incursiones de otras series que alarguen innecesariamente la trama, como ocurría con la reciente saga “El Tribunal de los Búhos”, y no hay que saber nada de la mitología sobre el hombre murciélago para disfrutar de veras con este cómic.

La serie completa que recopila DeBolsillo se compone de los 4 números americanos publicados en el año 2006. Este cómic ya fue publicado en España en 2008 por Planeta DeAgostini y ahora le llega el turno en esta línea de DeBolsillo para celebrar el 75 cumpleaños de Batman. Aunque esta edición es de tamaño pequeño, está claro que no cabe en un bolsillo, pero es más manejable, económica y está pensada para acercar el cómic a lectores ocasionales de este medio. La edición en tapa blanda es correcta e incluye las cuatro portadas originales.

Si te gusta el ambiente a lo Blade Runner, las historias potentes e innovadoras, los futuros distópicos y, claro está, Batman, este es tu cómic.

Título: Batman año 100
Editorial: DeBolsillo
Guion y dibujo: Paul Pope
Color: José Villarrubia
Editorial: Debolsillo
Formato: Rústica, 240 páginas, 15 x 21 cm, a color
PVP: 14,95 €
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Taradete

Crítica cómic: Superlópez. La montaña de diamantes, de Jan. Ediciones B

Superlopez_la montaña de diamantesEl número 165 de la colección Magos del Humor incluye la última aventura de Superlópez titulada La Montaña de Diamantes, que se convierte en la historieta número 67 de este personaje que nació en el lejano 1973. Atrás quedan los más recientes, mediáticos y esperados episodios como el retorno del Supergrupo o “El ladrón del tiempo” con la parodia de la serie Doctor Who.

La portada es clara y contundente. Esta historia nos transporta al mundo real de los diamantes de sangre en África. Una portada explícita en la que Superlópez sujeta en un primer plano un diamante del que gotea sangre y no es habitual que en este tipo de cómics sea de su color: roja. Un diamante que nos presenta en sus pulidas caras a algunos de los protagonistas de la historia.

La aventura nos muestra cómo son obtenidos estos diamantes en las zonas de guerra, gracias a la esclavización del pueblo. Diamantes ilegales para el mercado negro. Un problema triste y verídico trasladado con la maestría de Jan a un tebeo de Superlópez para todas las edades. Eso por sí solo ya es un mérito. Jan se documenta para sus cómics, tarda sus buenos cuatro meses en dibujar uno. El primero de ellos lo emplea tan solo en la documentación de la trama. En este la historia nos presenta cómo personas de diferentes ámbitos como militares, mercenarios, políticos y delincuentes quieren hacerse con la mina, los tejemanejes que se cocinan en aquellos lares, las personas oprimidas, cómo alguna ONG intenta ayudar y el proceder de la temible Al Taeda. Pero un amigo de nuestro superhéroe está en peligro en esa zona, hecho que pondrá a Superlópez en conocimiento del problema. ¡La aventura está, así, asegurada!

suprlopezHace mucho que las tramas de Superlópez ya no buscan la risa fácil, y cuando no están centradas en la fantasía, nos presentan en forma de aventuras los problemas presentes en el nuestro mundo. Sus historia se convierten, así, en crítica social o de temáticas actuales, pero La Montaña de Diamantes se lleva la palma en realismo. Ya de entrada este es un álbum extraño pues Superlópez no aparece hasta la página 14 y sólo lo hace en 19 páginas de las 46 que contiene el cómic. No sé si esto es positivo, pero demuestra que Jan es un autor como la copa de un pino que no necesita de su creación estrella para continuar interesando a sus lectores. No se puede negar que Jan es fiel a lo que el mismo dice: “Crítico sí soy pero no intento informar, cuando dibujo intento hacer pensar de una forma indirecta o directa a los niños que están leyendo. Creo que ayuda a hacer lectores con criterio. No soy partidario de los cómics tipo gag que se hacían todos iguales y terminaban con una persecución con un garrote. No puedo hacer historias vacías de contenido“.

Como ya es habitual en las historias de Superlópez el humor contenido es poco, tan solo la coña de los nombres de los protagonistas y las localizaciones, y algún que otro chiste recurrente y/o macabro. Los niños pueden descubrir una problemática real de África y los conflictos que allí se producen, aunque es algo confuso seguir quién es quién con tanto personaje y nombre de general, altezas y las diferentes situaciones inconexas que se narran en los diversos países.

El hecho de ser un acérrimo seguidor de Superlópez ayuda a que su lectura sea más clara, porque muchos personajes como Zorraima, Abu Sail, Kamba Balila o Mabila Kimbala ya aparecieron hace tiempo en otros álbumes como La guerra de Lady Araña (1999) o A toda crisis (2009) y hace que te sitúes más en el contexto y la acción. Sin olvidar a la delincuente de armas tomar Lady Araña, si bien al ser este un personaje más atractivo y maloso, rápidamente te familiarizas con ella, aunque sea la primera vez que la veas entintada sobre el papel.

Los capítulos se dividen según la acción que se desarrolla en los diferentes escenarios como Paris, la mina, Bombokie, Ahaggor Sahra… en los que se observa una buena ambientación y el contraste entre los decorados y los fondos más sencillos de África con algunos más detallados como los de Paris. Y es que la parte gráfica de Jan siempre esta a la altura y sigue siendo tan atrayente, bonita, viva, expresiva y animada como la primera vez que leímos un tebeo de Superlópez y nos atrapó para siempre. El autor domina y juega con la composición de la página a su antojo, pero su lectura siempre es fluida. Esta es la parte que no sufre altibajos, un dibujo flexible que muestra un dominio increíble, y que sigue agradando historia a historia.

La Montaña de diamantes esta especialmente recomendada para los fans de Superlópez y para los que quieran leer una historia que trata sobre las minas de diamantes de sangre. Pero si eres lector primerizo del héroe que ya peina canas, empieza antes mejor por otra de sus aventuras publicadas en Ediciones B.

Título: La montaña de diamantes (Magos del Humor)
Colección: Magos del Humor nº 165
Autor: Jan
Encuadernación: Tapa dura
Número de páginas: 46
Editorial: Ediciones B
Precio: 12 €
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Taradete

Crítica cómic: Los Hombrecitos (Les Petits Hommes), Pierre Seron, Dolmen Editorial

LOS-HOMBRECITOS_portadaDolmen Editorial ha publicado el primer tomo de la serie Los Hombrecitos (Les Petits Hommes). Esta serie franco-belga de aventuras y humor fue creada en el lejano1967 por Pierre Seron a la edad de 25 años, en colaboración con los guionistas Albert Desprechins y, más tarde, Mittéï, que utilizaba el seudónimo Hao, y finalizó en el año 2010 antes de retirarse de la profesión su creador Pierre Seron.

En España los más mayores del lugar la pudieron descubrir en la revista Spirou-Ardilla (1979) de la Editorial Mundis, que publicó dos historias largas. Cinco años más tarde se volvió a saber de ella con la edición de cuatro nuevas aventuras de Los hombrecitos en aquella revista de páginas suaves y muy finas llamada Fuera Borda (1984) de la editorial Sarpe. En 1991 Ediciones B publicó un solo tomo rebautizando la serie con el nombre de Los Peques. La historieta de esta serie “El Éxodo” encandiló a los lectores españoles y se publicó en las tres editoriales ya citadas, y eso que no es ni de lejos la mejor de todas. Ahora, gracias a Dolmen Editorial, por fin podremos descubrir poco a poco las otras cincuenta historias de Los Hombrecitos. Hemos tenido que esperar unos 30 años y aunque exteriormente ya no somos niños, este es un tomo de cómic tradicional para todos los públicos que aguanta muy bien el paso del tiempo. Y Seron a medida que avanzaba la serie, gracias a la renovación y experimentación gráfica que fue introduciendo en ella, aunque sin llegar a ser tan popular como otras, la convirtió en un cómic de culto.

A grosso modo la trama de Los Hombrecitos se inicia en el pueblo de Rajevols. Un científico descubre un pequeño meteorito en el patio de su casa. Al tocarlo el hombre se hace pequeño, pero es que además a todos los que toca también empequeñecen. En poco tiempo los habitantes del pueblo quedan reducidos al tamaño más o menos de un pitufo y tienen que irse a vivir a un lugar nuevo y más apropiado para sus nuevas estaturas. La aventura sazonada con humor comienza…

La edición de Dolmen editorial.

El tomo publicado por Dolmen recopila las primeras 6 historietas publicadas de forma cronológica. Algunas permanecían inéditas en España:

Alerta en Eslapión (30 páginas)
Los militares quieren construir un campamento justo encima de la ciudad de Eslapión que es el conjunto de cisternas subterráneas donde habitan los Hombrecitos. Renaud y sus amigos emprenden una carrera a contrarreloj de sabotajes para impedirlo, pero no es fácil con su tamaño. En esta historia en un flash-back se narra por qué los hombrecitos son pequeños. Esta fue la primera historieta publicada en capítulos en la revista Spirou en 1967.

Los fugitivos (30 páginas)
No todo el mundo es un buen ciudadano en Eslapión, por eso en la ciudad también existe una prisión. Berto y Gus consiguen fugarse de ella y ante el temor de que por su culpa, los “grandes” los descubran, Renaud y otros hombrecitos inician su persecución.

El hombre que ríe (30 páginas)
El hombrecito Gustavo encargado de recolectar champiñones, un alimento muy apreciado por nuestros héroes, tiene unos extraños síntomas: no puede parar de reír. Los médicos de Eslapión no saben que hacer, así que ha llagado la hora de buscar ayuda medica del exterior.

El gallo en su salsa (20 páginas)
Los Hombrecitos quieren construir una piscina en su ciudad. En el transporte aéreo nocturno de bloques de mármol para la nueva piscina, una de sus naves se estrella contra una veleta en forma de gallo en la iglesia de “los grandes” de Rajevols. Esto ha provocado destrozos que no han de ser descubiertos.

Pascuas para dos niños (6 páginas)
Historia corta en que los Hombrecitos ayudan a una familia a tener un día de Pascua como la tradición belga manda.

Ratones y hombrecitos (44 páginas)
Debido a un accidente los Hombrecitos se quedan sin un bien muy preciado: azúcar. Tendrán que realizar una incursión a Rajevols en su busca. En su regreso una de las naves no funciona bien y comprobarán que sin ella las distancias son mucho mayores para los Hombrecitos.

los hombrecitos PAG-17En este recorrido que presenta el tomo vemos como el dibujo de Seron se va soltando y evolucionando en cada historia. Los fondos se van haciendo más completos y los dibujos más detallados y dinámicos en cada aventura. Su dibujo más moderno se asemeja al del gran dibujante André Franquin, esto es, un dibujo atractivo y simpático que ya entra de primeras. Por otro lado las siguientes tramas ya no serán tan sencillas y poseerán más misterio y emoción. Otro punto a favor de la serie son los graciosos juegos de palabras que ya aparecen en este primer tomo.

Según afirma la crítica, con la llegada del guionista Mittéï la serie ganó en aventura y ritmo y a partir de que Pierre Seron cogió en solitario las riendas de la serie, esta mejoró todavía más convirtiéndose en una gran obra del noveno arte. Se introducen grandes decorados, maquinas y naves de ciencia ficción, más humor y emocionantes aventuras. También se va profundizando en la parte humana de los personajes. Seron experimenta con el leguaje del cómic, innovando y sorprendiendo al lector. Algo que ya asomaba tímidamente en los primeros números que aparecen en este tomo, en el que se juega con la barrera entre la realidad y la ficción. En un momento dado en una historieta se ve un cómic tirado en el suelo abierto por una pagina en la que observamos una viñeta de una anterior aventura de Los hombrecitos (página 134); en otra secuencia un hombrecito transporta un álbum de Spirou (página 64). Otra parte que hace interesante la saga es la sorprendente combinación de naturaleza y tecnología en forma de naves y vehículos muy de ciencia ficción.

Los Hombrecitos primeras historias se lee de forma amena pero hay que tener en cuenta que han pasado 44 años desde que las historietas fueron creadas y que con los números publicados por Dolmen la serie estaba arrancando. Este tomo tiene, sin embargo, su valor histórico y lo mejor está por llegar con más acción y humor.

El volumen de Dolmen Editorial es muy atractivo con 193 páginas en papel grueso de calidad y en tapa dura al estilo de los de Johan y Pirluit. Esta línea editorial llamada Fuera Borda, en homenaje a los más viejos del lugar, es toda una gozada. Incluso se han publicado las portadas originales, algo que no tiene la edición original de Dupuis. El tomo se complementa con 19 páginas de extras para saber más de la serie. El único punto negativo es que la calidad de impresión de alguna historieta, como por ejemplo “Los fugitivos”, no es la óptima, pero es lo máximo que la editorial ha podido conseguir ya que el material de origen de Dupuis provenía de escaneos, y aún así esta parte ha quedado mejor que en los propios tomo de Dupuis. En el futuro esto solo ocurrirá con alguna historieta corta. De todas formas Fernando Fuentes, rotulista y diseñador de estos tomos, nos lo explica mejor:

pagina-de-extras-los-hombreComo bien dices los materiales originales estaban escaneados, menos la primera historia del tomo. Y eso, desgraciadamente se nota. Lo que hicimos es mejorar esos materiales dentro de lo posible: igualamos el nivel de tinta negra en todas las imágenes, y retocamos un poco la línea, dado que cuando se escanea de material impreso siempre pierde definición. Aún así, algunas imágenes escaneadas estaban peor tratadas en origen que el resto del material y de hay puede venir que algunas se vean mejor que otras“.

Los Hombrecitos primeras historias esta recomendado para todos los adultos que quieran disfrutar de una lectura entretenida y jovial e incluso puede llegar a gustar a los niños y jóvenes de hoy, si se les descubre a través de los mayores. Es lo que tienen los buenos clásicos.

Título: Los Hombrecitos. 1967 – 1970. Primeras Historias
Guión: Albert Desprechins
Dibujo: Pierre Seron
Editorial: Dolmen editorial
Formato: Libro cartoné, 188 págs.  21,5 x 28,5 cm, a color.
Precio: 29,95 €
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Taradete

Crítica: Batman. Serenata nocturna: El origen del caballero oscuro, David Hernando, Timun Mas.

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Los escándalos políticos y financieros nos han ido golpeando a lo largo de los últimos años y nos han ido descubriendo la falsedad de personas que creíamos honradas, sacando a la luz jugadas de mala fe y actos poco éticos, léase preferentes y los casos de corrupción económica y política. Toda esta falta de honestidad tiene su paralelismo, también y aunque no lo parezca, en el mundo del cómic en los hechos que narra el libro Batman Serenata nocturna El origen del caballero oscuro de David Hernando.

Son muchos los niños, jóvenes y adultos que leíamos o leemos con placer los cómics de Batman, visionamos las series antiguas y disfrutamos de las modernas películas. Muchos seguidores e incluso lectores profanos piensan que Batman fue creado por el guionista y dibujante Bob Kane. Esta es la leyenda que precede al señor de la noche, pero resulta que esto no es cierto. No es más que otro mito que se desmorona al leer la obra de David Hernando.

Batman nació en 1939, en el número 27 de Detective Cómics gracias al afán de Bob Kane de crear un éxito parecido al de Superman y poder lucrarse con él. Como suele decirse, el resto es historia… pero falsa. El libro nos habla del escritor y guionista Bill Finger, quien dio forma al característico atuendo de Batman a partir del dibujo con predomino del color rojo que le propuso Bob Kane, para más inri, calcado de otro personaje clásico del cómic. Finger es el guionista de la primera historia y de muchas más que le siguieron, así como el creador de algunos de los extravagantes y conocidos villanos de la serie. En definitiva, el que dio alma y vida a Batman.

Descubriremos en este libro y con estupor la enorme injusticia que acompañó a Bill Finger a lo largo de su vida. El no estar nunca acreditado en la creación de Batman; el estar la mayor parte del tiempo a la sombra de Bob Kane mientras este obtenía todo el éxito, el mérito y el dinero por la creación del personaje. La lectura se nos presenta en forma de relato de ficción, como si David Hernando hubiera estado ahí y nos contase todo lo que sucedió a través de un ensayo novelado.

Sabremos cómo era y qué anhelaba Bob Kane, cómo se aprovechó del buen hacer de Bill Finger y de dibujantes como Jerry Robinson, que fue ni más ni menos que el creador visual del Joker que luego desarrollo Finger. Bob Kane es el malo de la “historieta”, y con razón, pero David Hernando no carga las tintas y se limita a narrarnos los hechos. Kane fue también un adelantado a su tiempo en la visión del negocio de los derechos de autor y dirigiendo su propio estudio. Y sí, veremos como Finger era un genio como guionista, amante de la cultura y el arte, un apasionado de su trabajo, pero un desastre en otros aspectos de su vida personal.

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¿Cómo actuó la editorial DC con los creadores de Batman en las diferentes épocas de la trayectoria del personaje? El libro nos narra los modos de proceder de la editorial, los problemas que tuvieron los cómics esos años y los primeros movimientos del fandom.

La verdadera historia de la creación y desarrollo de Batman no la descubre David Hernando, es algo que ya se intuía, se supo internamente desde los primeros años de existencia del cómic y ya es de dominio público entre los interesados en la materia. ¿Por qué entonces era un secreto a voces? ¿Por qué perdura, al menos oficialmente, la mentira de que Bob Kane es el único creador de Batman?

Batman serenata nocturna se lee de un tirón sin dificultades, está muy bien escrito y es muy ameno. Demuestra un gran trabajo de investigación, entrevistas y datos biográficos que quedan muy bien camuflados en el relato y se nos trasmiten sin darnos cuenta, por lo que su lectura gustará también a los curiosos ajenos a la temática del cómic. Un libro que te dejará algo compungido y conmovido por lo que cuenta y es muy posible que te emocione en algunos pasajes y descubras detalles de la creación de esta leyenda del cómic y su evolución a lo largo del tiempo.

Y aunque la injusticia inicial continúe viva hasta hoy, una vez leído el libro, como muy bien explica David Hernando, algo cambiará en la percepción del lector cada vez que lea en cualquier soporte la advertencia “Batman, creado por Bob Kane”. Además al final del libro se publica la carta con la que Kane se defendió de los primeros escritos que implicaban a Finger en la creación del hombre-murciélago. Y se añaden 8 páginas a color con fotos personales de los protagonistas implicados en la trama y una ilustración, que no tiene desperdicio, de cómo hubiera sido el Batman de Bob Kane sin la intervención de Bill Finger.

La portada del libro es una bonita ilustración del aclamado Paco Roca, autor de obras como Arrugas, El Invierno del dibujante o Los Surcos del Azar. En ella vemos al guionista rodeado de los elementos principales que necesita para crear: una máquina de escribir, su libreta de apuntes y montones de hojas, entre otros objetos.

David Hernando es autor entre otros de los libros “Batman el resto es silencio” (Editorial Dolmen) ganadora del premio de la crítica a la mejor obra teórica de 2004 y “Superman: la creación de un superhéroe” (Editorial Timun Mas). Ha sido editor de Batman y Superman en España entre 2006 y 2011.

Título: Batman. Serenata nocturna: El origen del caballero oscuro
Autor: David Hernando
Formato: Tapa dura sin s/cub. (cartoné) | 14 x 22,5 cm.
Páginas: 232 páginas
Editor: Timun Mas Narrativa
Fecha de publicación: 6 de mayo de 2014
Colección: Ciencia Ficción
Idioma: Español
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Taradete

Crítica cinematográfica: Dredd, de Pete Travis.

Breve Sinopsis:

En un futuro cercano, Norteamérica es un páramo asolado por la radiación con una única y gran megalópolis que se extiende a lo largo de su costa este: Mega City 1. Esta inmensa y violenta urbe cuenta con una población de más de 400 millones de personas, cada uno de los cuales es un infractor en potencia. Los únicos que intentan imponer el orden entre semejante caos urbano son los jueces, a la vez agentes de la ley, jueces, jurados y verdugos. Y la perfecta personificación de estos jueces es Dredd, una leyenda viva de justicia blindada dedicado por entero a hacer cumplir la ley.

Hace ya 35 años que Juez Dredd apareció publicado por primera vez en las páginas de la revista británica 2000 AD. El guionista escocés John Wagner y el dibujante español Carlos Ezquerra fueron los responsables del alumbramiento.

El siglo XXII se presenta muy apocalíptico. Ha habido guerras nucleares y las personas viven hacinadas y degradadas en grandes urbes. La delincuencia es elevada y para controlarla están los Jueces, garantes de la ley y el orden: son juez, jurado y verdugo. Un cómic violento pero con dosis de humor negro generado por lo intransigente de su protagonista al relacionarse con hordas de mutantes, cyborgs y monstruos dispares que incumplen la Ley.

La película Dredd traslada con acierto el ambiente de decadencia, violencia y suciedad que impregna los paisajes del cómic de donde proviene. Incluso con algún breve pasaje de sexo como la muy sugerida felación, una escena que no pasaría la censura si la película hubiera sido producida por otros estudios. El apartado de la parafernalia armamentística de los Jueces también está bien explotado.

El irreconocible Karl Urban, al que vimos como Leonard McCoy en la nueva versión de Star trek (J.J. Abrams, 2009) o Éomer en la trilogía de El Señor de los Anillos (Peter Jackson, 2001-2003) aceptó el papel de protagonista porque el personaje de Dredd no se quitaba el casco nunca, como en el cómic. Según el propio Urban, le motivaba tener que interpretar emociones utilizando sólo su voz y su cuerpo. No sale mal parado ya que Juez Dredd muestra pocos sentimientos y solo vive para cumplir su trabajo a rajatabla.

Como todo policía que se precie, Dredd tiene en este film una pareja de patrulla, la novata y bella Anderson (Olivia Thirlby). Ella pone los sentimientos humanos y eso que es una especie de mutante que puede leer la mente de los que la rodean. Para ello su personaje necesita ir sin casco, ya que esta protección malogra sus capacidades. Debido a esta circunstancia podremos al menos disfrutar de su rostro e interpretación. Dos protagonistas con el casco puesto durante toda la película hubiera sido demasiado!!

La “mala de tebeo” de la función es la desfigurada Ma-Ma (Lena Headey). Una actriz que ya conoce el mal en su papel en la serie Juego de Tronos y que aquí se acentúa por la vía más drástica y sin sutilezas. Nadie va a fastidiarle su negocio de tráfico de droga, el argumento delictivo principal del film.

El problema de esta película es que el tráiler te la vende como otra súper producción basada en un personaje del 9º arte y no lo es. No deja de ser una película de serie B que aparenta gran presupuesto. Parece que te vayas a encontrar un argumento interesante con esa nueva droga (el SLO-MO, una especie de retardador temporal) y las bandas que trafican con ella por el medio, pero a la que entran en el mega bloque Peach Tress se acaba el argumento para convertirse en una Jungla de Cristal sin el ritmo y el vigor que tenían las entregas de la saga interpretada por Bruce Willis.

Dredd no es una mala película, entretiene y si se hubiera estrenado en los ochenta ganaría muchos puntos, pues su factura en la acción es de esa época, aunque con algunos aciertos visuales como el efecto de la droga rodados en cámara lenta (Slow-motion) o los diferentes planos de ciertas caídas libres, que lucirán más en su versión en 3D. Pero el producto final no deja de ser un continuo avance por parte de Dredd y su compañera Anderson atrapados en el mastodóntico edificio cargándose a los delincuentes que no son rival para ellos. No hay malos destacables, con más presupuesto algún robot no habría estado mal.

Es inevitable encontrar en todas las críticas de Dredd la comparación con la película Juez Dredd interpretada por Sylvester Stallone en el año 1995 y dirigida por Danny Cannon, de origen británico igual que Pete Travis, el director de la nueva entrega. Los fans del personaje no perdonaron a Stallone que se quitase el casco a los cinco minutos, ni que convirtiera al implacable y despiadado Dredd de los cómics en apto para todos los públicos. Tenían razón. La crítica también la vapuleo pero eso ya es normal siendo una película de Sly. Diciendo esto puede que me gane enemigos, pero considero la versión del año 1995 una película más entretenida, en la que pasan más cosas, aunque no capte la esencia del personaje y su mundo como en esta nueva entrega. Por otro lado en la versión del 95 la parte superior del uniforme se parecía más al original y el mentón y los “morros” de Stallone llenaban más la pantalla. Ni que decir que la esplendida banda sonora de Alan Silvestri lucía mucho más que la de Paul Leonard Morgan para esta nueva era en que vivimos de acordes sencillos, repetitivos, sin melodías, ni temas principales.

Título: Dredd
Título original: Dredd 3D
Nacionalidad: USA, UK; India
Productora: Lionsgate, Reliance, DNA
Director: Pete Travis
Guión: Alex Garland
Reparto: Karl Urban, Olivia Thirlby, Lena Headey, Jason Cope, Rakie Ayola, Warrick Grier y Wood Harris
Género: Acción, Ciencia Ficción
Estreno en España: 7 de septiembre de 2012

Puedes leer más cosas como esta en El Rincón del Taradete

Reseña de comic: Axa el origen, de Enric Badía Romero.


AXA: EL ORIGEN
. El dibujo maestro de Romero.

Solo alguien con una voluntad y valor a toda prueba, está decidida a sobrevivir cueste lo que cueste

El sueño de todo dibujante es crear un personaje propio y que tenga éxito. Enric Badía Romero lo consiguió en 1978. El diario británico The Sun le había pedido que presentara una nueva heroína para una tira diaria. Nacía Axa y fue un éxito que se publicó en 30 países. Ganó el premio a la mejor daily strip europea. Los guiones corrieron a cargo de Donne Avenell.

La historia se iniciaba cuando la atractiva protagonista abandonaba las comodidades del Domo o la Cúpula (ciudad aislada de la destrucción exterior) para adentrarse en un mundo devastado por la guerra nuclear.

Después de seis años las tiras de prensa finalizaron abruptamente por parte de The Sun, pero Axa se resistía a caer en el olvido. La revista sueca Magnum encargó a Enric Badia Romero nuevas historias en 1988 y Axa revivió pero ya sin la atadura conceptual del anterior formato. Las aventuras de la heroína se plasmaban en páginas en formato cómic book donde se podía apreciar todo el arte de Romero con un nivel ya muy alto. Los dibujos estaban muy cuidados y la obra fue realizada en solitario, con historias donde predominaba la aventura: el andar de esta superviviente por el mundo apocalíptico y su lucha, sin descanso, ante multitud de peligros. Tramas de 24 páginas dignas de aparecer en aquella mítica Zona 84 de Toutain Editor.

Este es el material, inédito en España, que Ominiky ha empezado a recopilar en un primer tomo que incluye cuatro historias. En la primera asistiremos al nacimiento de Axa y seremos testigos de sus primeros pasos. Una adolescencia marcada por la violencia y el entrenamiento. En la segunda historia “la isla de Noé” la heroína llega a un lugar que parece que no ha sido afectado por el holocausto nuclear. En la tercera titulada “Colmena Letal” unos supervivientes necesitaran del ímpetu de Axa para poder escapar de ciertas garras. Cierra el tomo un homenaje a los clásicos monstruos de la literatura universal de terror con ¿Realidad o fantasía?

Todas las historias tienen un fuerte componente erótico, el que desprende la belleza de la protagonista, que no tarda en perder parte de su escueta vestimenta en los envites de las luchas o a la hora de dormir (que aprendan otras!!). Un erotismo sugerido aun cuando también hay sexo. El lector que se acerque por primera vez a Axa puede pensar que esto ya ha sido superado hoy en día, pero hay que recordar que las historias fueron dibujadas hace más de 20 años. Y también es verdad que Romero nunca ha querido traspasar la línea del sexo puro y duro. Le gusta más sugerir y hacer a Axa, así, más deseable, creando un personaje duro pero dulce a la vez, con algo de inocencia y buenas intenciones.

Una lectura amable y sin complicaciones argumentales. Aventura de ciencia ficción y fantasía realizada al estilo de antaño con un dibujo clásico de exquisita calidad por el que no han pasado los años, y que sigue apeteciendo leer.

El tomo está muy bien editado por lo que hay que felicitar a la joven editorial Ominiky. Las cuatro historias se complementan con una galería de ilustraciones, muchas de las cuáles han sido realizadas este mismo año. Abre el tomo el notable prólogo de Álvaro Prieto.

Estoy de acuerdo con Joan Pieras cuando afirma que la más bella y exuberante protagonista del mundo del cómic es Axa, y yo añado ¡ni Red Sonja ni ostias!

AXA: EL ORIGEN.
AUTOR:
Enric Badia Romero
GÉNERO: Aventura/fantasía/ciencia-ficción
FORMATO: 17 x 24cm, 128 páginas, B/N
ENCUADERNACIÓN: Cartoné (Tapa dura)
PRECIO: 15,50€

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Escrito por: Taradete

CONCURSO AXA: ¡GANA UN DIBUJO ORIGINAL!


Con motivo de la salida del primer tomo de Axa, El Rincón del Taradete organiza un concurso en el que sortea un “sketch, comission, arte original, dibujo o como queráis llamarlo” que Enric Badía Romero ha realizado para la ocasión. Las medidas son 21 x 29 cm y es a lápiz. Es una preciosa Axa en actitud de combate.
Si queréis participar en este concurso podéis visitar el blog El Rincón del Taradete.


Dibujando pasiones, de Daniel Suárez Pérez. Editorial Cultiva libros

Ahí va la información de un libro que nos han hecho llegar, Dibujando pasiones, de Daniel Suárez Pérez, una obra dedicada a la ilustración y al arte de ilustrar.

A través de la propia pasión por el dibujo, Daniel Suárez hace un recorrido por otras tantas pasiones (el cine, la música, la fantasía…) plasmadas en 48 ilustraciones realizadas con las técnicas más variadas (lápiz, acuarela, óleo, tinta, soporte digital…) y acompañadas por comentarios del propio autor acerca de las mismas y su realización. Un libro para todos los amantes del dibujo y de los mitos con los que todos hemos crecido y con los que seguimos disfrutando.

Daniel Suárez Pérez nace en Madrid. Se licencia en Ciencias de la Imagen Visual y Auditiva en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid. Ha trabajado como dibujante en varias series de animación tanto españolas (Las tres mellizas, Juanito Jones, Los reinos del arco iris) como extranjeras (El oro del Rhin, producida por la BBC; Billy el gato; La magia del árbol lejano, o el spot Coyote de la Warner Bros). Ha realizado ilustraciones para varias entidades y publicaciones. Ha trabajado asimismo para la filmoteca Española, tanto en la Sección de Fondos Fílmicos, llevando a cabo labores de restauración de películas, como en el museo del cine, catalogando diseños de decorados de Films. También ha trabajando en la Biblioteca Nacional clasificando e informatizando el fondo de carteles de dicha entidad. Ha realizado diversos trabajos como diseñador gráfico y maquetador. Ha realizado un corto de dibujos animados, y tiene otros en proyecto.

Es miembro de la Asociación Profesional de Ilustradores de Madrid (APIM), y de la Asociación de Autores de Cómic de España (AACE).

Lo que quiero señalar siguiendo las pautas del propio libro, es el doble mérito del escritor y artista; que no ha elaborado simplemente unas sucesivas páginas de dibujos, sino que presenta una faceta erudítica que aparece en cada grupo de las imágenes, que van precedidas de un enjundioso estudio histórico de los orígenes del título de cada una de ellas (…) Sus dibujos producen remembranzas cuando traen hasta nosotros temas que hemos percibido de niños y también de jóvenes: El Far West, la ciencia ficción, los vampiros (…) el cine que va apareciendo en sus páginas nos remonta a los mejores años de nuestras vidas. ¿Por qué despiertan estas remembranzas? Porque Daniel Suárez las acompaña como experto narrador con una descripción que induce al lector a resucitar en su imaginación pasajes olvidados de su propia vida…
Vicente Llópiz, escritor e historiador.

Título: Dibujando pasiones
Autor: Daniel Suárez Pérez
Editorial:
Cultiva libros
ISBN:
978-84-9923-079-5
Páginas: 96 págs.
Género: Arte
Precio: 15 €
Fecha de publicación: noviembre de 2009

Dibujando pasiones de Daniel Suárez Pérez está disponible en Amazon, y en formato e-book en El Corte Inglés, Casa del Libro, etc., y en papel en Madrid Comics, Librería Doré, Librería Ocho y Medio, y otras.

Más información:

http://www.cultivalibros.com/libreria/dibujando-pasiones
http://dansupe.iespana.es

Crítica de cómic: Zombi. Guía de supervivencia. Ataques registrados, de DeBolsillo editorial

Max Brooks es un nombre reconocido entre los aficionados a la llamémosle literatura zombi gracias a su libro “Zombi: Guía de supervivencia” (2003) y a “Guerra Mundial Z” (2006). El primero, como su nombre indica, es un manual para sobrevivir en el caso de una invasión zombi, con consejos e utilidades efectivas y extrapolables a cualquier situación de guerra real o similar. “Guerra mundial Z” es una novela que se compone a base de ficticias entrevistas que intentan recomponer todo lo que ha pasado en una larga guerra contra los zombis.

Estos dos libros han sido un éxito de ventas para este guionista de programas como Saturday Night Live, actor de series de televisión y que incluso ha puesto voces a diversas series de dibujos animados como Batman del Futuro y la Liga de la Justicia. Sus padres son nada más y nada menos que el director de cine Mel Brooks y la actriz Anne Bancroft.

Vayamos al cómic en cuestión: Ataques Registrados.
En el citado libro “Zombi: Guía de supervivencia” había un apartado, casi al final, en el que se narraban supuestos ataques zombi en diferentes momentos de la historia. Esto es en sí este cómic.
Iniciando el viaje en el 60.000 A.C. en África Central hasta 1992 D.C. en el Parque Nacional de Joshua Tree, pasaremos por 10 periodos históricos más y lugares como el Japón Feudal del año 1611 o la Unión Soviética en1960. Cada época tiene su ataque zombi y el cómic narra en historias cortas pero con todo lujo de detalles escabrosos lo que sucede ante éstos.

Ibraim Roberson es el encargado de dibujar las 144 páginas de este cómic en un intenso blanco y negro. La fuerza de este cómic esta en sus imágenes con grandes dosis de violencia y escenas dantescas más que en la calidad de las historietas. El dibujo de Roberson es directo y sin concesiones. El cómic no tiene ni un solo globo de diálogo y se apoya en los recuadros de texto pero la planificación y los variados encuadres de las viñetas los hacen de lectura fluida.

 

Página del cómic

A destacar la primera historia con ¡zombis ya en la prehistoria! o el ataque a la colonia romana en la Britania del 121 D.C. mezclando hábilmente los hechos de la realidad histórica con la ficción. Tal vez la mejor en plan lucha sin cuartel sea la que acontece en el Norte de África (1893). Hay historias que se intentan alejar del típico ataque en masa Zombi, con planteamientos originales pero no quedan muy redondas. Utilizar a Zombis en paracaídas  como fuerza de choque en guerra esta bien, pero es algo que los seguidores de Hulk ya habíamos visto cuando lanzan al gigante verde desde una avión como arma literal de destrucción masiva.

Un cómic solo recomendado para completistas e incondicionales de la temática zombi o del terror con escenas gore. Relatos fríos sin ningún atisbo de esperanza ni mucho menos humor.

Título: Zombi Guía de Supervivencia.ATAQUES REGISTRADOS.
Autor: Max Brooks
Dibujo: Ibraim Roberson
Colección: BestSeller Cómic
Número de páginas: 144 páginas
PVP: 11,95 euros
Editorial: DeBolsillo

Podéis leer más cositas como esta en El Rincón del Taradete.

Crítica televisiva: The Walking Dead, piloto, en el canal Fox

Carátula de la serie

Rick Grimes, policía herido en acto de servicio, se despierta en un hospital desierto para descubrir que el mundo se ha vuelto loco y que los muertos caminan por las calles deseosos de comerse a cualquier ser vivo que se cruce en su camino. Su objetivo principal: localizar a su mujer y a su hijo, supuestamente refugiados en Atlanta. Grosso modo, esta sinopsis resume el planteamiento inicial de “The Walking Dead”, el aclamado cómic creado por Robert Kirkman junto a Tony Moore y Charlie Adlard que ahora podemos volver a disfrutar esta vez en forma de serie televisiva.

Los protagonistas

La serie, presupuestos holgados aparte, destila un cariño evidente en realizar una adaptación digna, que este a la altura del material original. Como cualquier otra adaptación,  la serie cambia / reinventa (táchese lo que no proceda) algunas situaciones sin traicionar en ningún momento la esencia del cómic. El primer capítulo, estrenado, muy acertadamente, el día de Halloween, me pareció fantástico, destacando la cuidada ambientación, un maquillaje efectivo (obra del especialista Greg Nicotero), y, por encima de todo, la gran historia que nos cuenta. Frank Darabont, showrunner de la serie y director de corte clásico (véase “Cadena Perpetua”, “La Milla Verde” o “The Majestic”), dirige con buen pulso este primer episodio y nos ofrece una historia pausada, de pocos personajes, de primeras sensaciones, que sirve como introducción para situarnos en el universo creado por Kirkman. Habrá espectadores que ante el ritmo lento de la narración y esperando hordas de zombies a cada momento se sientan decepcionados.  A los espectadores impacientes sólo puedo decirles que lo mejor aún está por venir. “The Walking Dead” no es una serie de terror al uso. Los zombies son una excusa (perfecta) para hablar de las miserias de un grupo de supervivientes, relatando su día a día en este nuevo mundo donde encariñarse con cualquier personaje es una temeridad porque, como ha comentado alguna vez el propio Kirkman, ninguno de ellos tiene el futuro asegurado.

Altamente recomendable.

A destacar: los bemoles de AMC, la cadena de televisión USA que produce la serie, que ha dado luz verde a un proyecto que tiene la firme intención de ser fiel al original, detalles escabrosos incluidos.

A olvidar: nada (por ahora).

Si tienes tiempo libre: y aún no sigues la serie de cómic, ya tardas en comprarte los 12 volúmenes editados.
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Escrito por: Nexus6cat

Second chance: El Gran Vázquez, de Óscar Aibar


En los últimos años, la industria del cine ha mostrado cierto interés hacia el cómic, posiblemente por la preocupante falta de argumentos sólidos entre sus guionistas. De esta manera, cada vez se han vuelto más habituales los estrenos cinematográficos basados en historietas, sobretodo adaptaciones de los superhéroes más conocidos. En este país también se han realizado, con mayor o menor éxito, ese tipo de adaptaciones (sin ir más lejos, el año 2003 se estrenaba la primera versión sobre las aventuras de Mortadelo y Filemón, con Javier Fesser al mando). Pero lo que ya no es tan habitual es realizar una película cuyo protagonista no sea un dibujo, sino un dibujante; ése es el caso de El gran Vázquez, el biopic basado en las desventuras del dibujante Vázquez, creador, entre otros, de las hermanas Gilda, Anacleto, agente secreto o la familia Cebolleta una historia que ha llevado a la gran pantalla el director catalán Óscar Aibar (nadie mejor que él, un amante de las viñetas, que ya había hecho sus pinitos en el cómic cinematográfico con la película basada en el cómic Atolladero) y estrenada en los cines el pasado 24 de septiembre.

El gran Vázquez nos transporta a la Barcelona de mediados de los años 60, en una España gris (lo cierto es que la fotografía está muy bien conseguida, con esas tonalidades ocres que crean una atmósfera gastada, rancia) y famélica donde la gente tiene serios problemas para subsistir. En ese marco encontramos a nuestro protagonista, interpretado de forma excelente por Santiago Segura, un caradura real y que trabajaba (poco) en la editorial Bruguera como dibujante de tebeos. Su vida discurre divertida esquivando acreedores, piropeando mujeres, dibujando en los bares y huyendo de la editorial, adonde sólo se acerca para cobrar. Su intención es vivir trabajando lo mínimo indispensable, y utilizar su simpatía para aprovecharse de aquéllos que le rodean, todo un pícaro moderno que recuerda, en cierta manera, la tradicional novela picaresca, como El Buscón de Quevedo o El Lazarillo de Tormes.

Un brillante Segura, presente en la gran mayoría de planos de la película, capitanea el casting, donde encontramos nombres de larga trayectoria cinematográfica, como Álex Angulo (el contable que tratará de poner en vereda al incorregible Vázquez), Enrique Villén (director de la editorial) o Mercè Llorens (la sufrida esposa del dibujante), pero quizás el gran descubrimiento es Manolo Solo, el actor que se mimetiza en la otra estrella de Bruguera, Ibáñez, quien simboliza todo lo que Vázquez detesta: es el trabajador ideal, constante, sin quejarse nunca de las espartanas condiciones impuestas desde la dirección de la editorial, y que protagoniza una bonita historia de amistad con el protagonista.

Aibar nos presenta aquí una buena comedia con ligeros toques dramáticos, como cuando la mujer de Vázquez conoce a la otra familia del dibujante, mujer e hijo, engañados de igual manera que ella. La película destaca por su acertada recreación de la Barcelona de los años 60, y tiene momentos realmente divertidos (la imaginación del dibujante para salir airoso de los aprietos es inagotable). A pesar de ser una película bien resuelta y de tener un interesante argumento (mérito del protagonista, ya que ésta es una historia basada en aquellas anécdotas que explicaba el propio Vázquez como reales) hay algo que chirría de forma ostensible: las animaciones de los personajes no aportan nada a la historia, más bien distraen al espectador con diálogos insustanciales, pero es lo único negativo del film. El resto eclipsa esos pequeños detalles, haciendo que El gran Vázquez sea una divertida biografía de uno de los mejores dibujantes de este país, autor de aquellos personajes que tanto nos hacían reír en nuestra infancia.

Título: El gran Vázquez
Director: Óscar Aibar
Intérpretes: Santiago Segura, Mercè Llorens, Álex Angulo, Enrique Villén
País: España
Duración: 106 minutos

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Escrito por: Robert Martínez Colomé