Crítica teatral: Una vella, coneguda olor, en el TNC.


Cada uno de los barrios de una ciudad tiene una personalidad y un carácter propios, parecidos a los que posee una persona cualquiera. Así, pues, si nos preguntaran por alguno de los barrios con más personalidad de Barcelona, uno pensaría rápidamente en el Raval. El TNC nos propone un pequeño homenaje a este barrio con la programación de Una vella, coneguda olor de Josep M. Benet y Jornet, la primera parte de una trilogía que nos habla de Barcelona o más concretamente de una de las posibles Barcelonas, una ciudad y un barrio con un olor inconfundible.

Benet i Jornet escribió Una vella, coneguda olor en el año 1962 con la pretensión de realizar una fotografía teatral del barrio en el que había nacido y crecido, de aquí el “sentido de realidad” que posee la obra. Un retrato de un barrio popular y de sus habitantes que nos muestra el día a día de un grupo de vecinos que comparten sus vidas y los espacios comunes, los patios interiores de sus viviendas.

Un barrio, sin embargo, que no es percibido igual por todos sus habitantes. Maria (Sara Espígul), su protagonista, podríamos decir, principal, se siente abrumada por él. El lugar donde vive la mantiene aprisionada en un mundo de simpleza, de vulgaridad y de cotidianeidad insoportable para ella, que durante algunos años consiguió escapar de él, al menos parcialmente, al ser admitida en un colegio religioso de pago fuera del Raval. Su aparente libertad, sin embargo, terminó con la muerte de su padre y con el inicio de las penurias económicas que le siguieron. Por eso Maria quiere huir del encarcelamiento que representa su vida en el barrio, en el que se siente una extraña y en el que se ve obligada a convivir con una familia y unos vecinos con los que no puede compartir nada. Su única salida es Joan (Pau Roca) un joven vecino con estudios que trabaja en una entidad bancaria, aunque esta opción le exigirá demasiado.

Una vella, coneguda olor es, pues, una fiel fotografía que se materializa en el escenario. De nuevo el Teatre Nacional nos sorprende con la recreación “híper-realista” de una escenografía, en este caso de un patio de vecinos del barrio del Raval de los años sesenta. Todos los detalles en él son perfectos: los balcones, las cortinas, la ropa tendida, los trastos, las baldosas… Un escenario ideal para mostrarnos la vida diaria y privada de un barrio a punto de desaparecer afectado por el Plan Porcioles. Un barrio que en breve dejaría de ser él mismo para ser otra cosa. Un capítulo de la historia de una ciudad que se suma a muchos otros que con el paso del tiempo han ido transformando la piel de Barcelona: el derribo de las murallas, el Pla Cerdà, la especulación de los años 60, la Barcelona olímpica, el Plan 22@, todos ellos hitos de la historia de una ciudad que como un ser viviente se modifica, se transforma y evoluciona. Y también una oportunidad para Maria para liberarse de la tiranía del barrio que la oprime.

Para dar vida a los vecinos del Raval la obra necesita de dos generaciones de actores y actrices, los unos con más experiencia y los otros con una nueva mirada. Entre los primeros están Mercè Aránega, que destaca sin duda en la representación, Imma Colomer, Maife Gil, Fina Rius y Quimet Pla, no se resignan a que los echen de su barrio e intentarán organizarse y defenderse ante la amenaza. Los más jóvenes Sara Espígul, Gemma Martínez, Pau Roca y Pep Ambrós, están construyendo sus vidas y para ello han de vivir y experimentar de forma egoísta sus propias experiencias. Aquí es donde observamos la fotografía de los comportamientos: Mercè, la madre de Maria, que necesita y demanda el apoyo de su hija; Manel, el hermano con prometida pero que necesita saciar sus necesidades carnales antes de la boda con prostitutas (estamos hablando, recuerden, de la época franquista); Eulàlia, la vecina cotilla, que necesita saber todo lo que pasa a su alrededor y explicarlo, también, todo; Joan, el joven oficinista que quiere prosperar en la vida; Teresa, la hija del comerciante del barrio llena de arrogancia o Quimet, el escritor anónimo (puede que el mismo Benet i Jornet) que se documenta para escribir su obra… Dos generaciones que viven de forma diferente el final del barrio, los unos con tristeza y beligerancia, los otros con alegría o sin darle excesiva importancia.

Una interpretación totalmente adaptada a la esencia de la obra. Una suma de esfuerzos teatrales que acaban dando la impresión de que hemos presenciado un tiempo “en suspensión” de la vida de un barrio humilde, popular y con carácter; que hemos asistido, en definitiva, a un episodio cotidiano de la historia del Raval, del que salimos con la sensación de no haber ido al teatro sino de habernos quedado a charlar con los vecinos y de haber conocido, de primera mano, el día a día de un barrio repleto de sueños, de deseos y de proyectos dispuestos a ser derribados por la vida misma. Parece, pues, como si hubiéramos desempolvado un viejo álbum de fotos y nos hubiéramos dedicado a recordar el ayer, dejando fluir nuestros recuerdos.

Benet i Jornet sabe, pues, mostrarnos la esencia de un barrio, de “un entonces”, de una Barcelona y de un pasado que no era pasado cuando se escribió y que fue vivido muy de cerca por el autor. Una vella, coneguda olor es eso, es recuerdo del ayer y de las personas que existieron en él, un ejercicio de memoria histórica realizado con una precisión de miniaturista.

Una vella, coneguda olor” se representa en la Sala Petita del TNC del 29 de septiembre al 27 de noviembre de 2011.

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Autor: Josep M. Benet y Jornet
Dirección: Sergi Belbel
Reparto: Pep Ambrós, Mercè Aránega, Imma Colomer, Sara Espígul, Borja Espinosa, Maife Gil, Gemma Martínez, Quimet Pla, Fina Rius y Pau Roca
Con las voces de: Jordi Boixaderas, Camilo Garcia, Maria Jesús Lleonart y Jan Pol Roig Paloma
Escenografía: Max Glaenzel con la colaboración de Estel Cristià
Vestuario: Mercè Paloma
Iluminación: Kiko Planas (aai)
Música: Òscar Roig
Banda sonora: José A. Gutiérrez
Caracterización: Toni Santos
Producción: Teatre Nacional de Catalunya y Centre d’Arts Escèniques de Terrassa

Horarios: miércoles y viernes a las 20:00 horas; jueves a las 17:00 horas; sábado a las 17:00 horas y 21:30 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: 10-26 €
Duración de la obra:
1 hora y 25 minutos
Idioma:
catalán
Coloquio: viernes 7 de octubre
Espectáculo recomendado a partir de 12 años
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Crítica teatral: Forever King of pop, en el Arteria Paral·lel de Barcelona.


Regresa a Barcelona Forever King of pop, el homenaje escénico y musical que recorre la vida y los éxitos de Michael Jackson, la mítica figura de la música pop. El espectáculo se re-estrena el próximo 3 de noviembre en el teatro Arteria Paral·lel donde permanecerá hasta el 2 de enero del año que viene.

Seguramente hemos de estar agradecidos todos aquellos que gozábamos con su música de Michael Jackson de que la productora Summum Music se haya decidido a rendir un homenaje en España a una de las mayores figuras musicales que han existido en las últimas décadas. Después de sufrir todas las angustias, desvelos y desasosiegos provocadas por la desaparición del cantante y por los resultados de las investigaciones que se iniciaron tras su muerte, era lógico y esperado que los reconocimientos, los homenajes y las gratitudes hacia el astro de la música iniciaran un exitoso y, por que no, beneficioso camino.

Este es el caso de Forever King of pop, la reverencia teatral y musical que se re-estrena en el teatro Arteria Paral·lel de Barcelona el próximo 3 de noviembre. Y como los “maestros de ceremonia” de la obra nos indican bien al principio, el espectáculo no es un concierto a la vieja usanza, sino un recorrido por la música y la vida de Jackson, con el beneplácito, incluso, de la familia del cantante. Para ello todo está organizado: un escenario metalífero y urbano, como era habitual en muchos de los videoclips del artista; las voces templadas de los cantantes preparadas para rememorar sus grandes temas y los bailarines dispuestos a reinterpretar algunas de las coreografías de Jackson y de presentarnos, también, otras nuevas creadas para el espectáculo.


Todo está provisto para que el sueño y la magia nos devuelva, aunque solo sea por unos momentos, la música de los 80’s y 90’s y la figura de Michael. El público podrá gozar de nuevo de Jackson, de sus movimientos, de su música y de su corporeidad, ya que, de nuevo, el espectáculo nos permite reencontrarnos con el astro. Los bailarines, los cantantes y sobre todo, los dobles de Michael, nos harán creer que el genio de la música está allí, de nuevo, con nosotros. Para ello el espectáculo ha mezclado los mejores ingredientes: diversos de los numerosísimos números 1 de Jackson y alguno de los dobles “oficiales” del cantante. Su aparición, al más puro estilo jacksoniano, hará las delicias del público, necesitado, seguro, de un poco de la magia que tanto el cantante, como sus canciones, sus videos y sus coreografías, nos han proporcionado a lo largo de nuestra vida. Uno a uno irán sonando los grandes éxitos de la música de Jackson: Blame it to the boogie, Beat it, Billie Jean, Thriller, They don’t care about us, Smooth criminal, Man in the mirror, Heal de world, Earth song… y así hasta 29 temas del cantante.

Un resultado, pues, único, brillante y magnífico en los escenarios españoles. Una ocasión para asistir a un concierto/homenaje donde, seguro, que cada uno de los espectadores podrá gozar con sus temas preferidos de Michael Jackson. A destacar, sin duda alguna, la coreografía de Thriller, con zombies, tumbas, hombres lobos y novias asustadizas… y, de forma muy personal, la coreografía de Earth Song (seguramente mi canción de Michael) en la cual la sencillez y la pasión convierten un tema magnífico en una obra de arte.

Veremos pues a Michael, mejor dicho, a tres Michaels Jackson, oiremos sus canciones, veremos a un grupo de bailarines completar sus coreografías y sus famosos pasos de baile, conoceremos algo también de la vida del cantante, y creeremos algo que es verdad: que Michael Jackson y su música no han muerto, que siguen viv@s y actuales, y que no morirán nunca, ya que, como podremos observar una vez acabado el espectáculo, la música de Jackson está dentro de nosotros, la llevamos en el corazón como la banda sonora que acompaña muchos de los recuerdos de nuestra vida.

Forever King of pop” se representará en el teatro Arteria Paral·lel del 3 de noviembre de 2011 al 2 de enero de 2012.


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Director escénico, artístico y textos: Jesús Sanz Sebastián
Dirección musical y arreglos: Miguel Blanco
Coro gospel, dirección de coro gospel: Pahola Gutiérrez Vargas
Bailarina y coreógrafa: Yolanda Torosio Hernández
Reparto: Samuel Gómez, Mónica Delgado, Marcos Pérez, Yolanda Torosio, Carolina Serrato, Alex Forriols, Carmelo Segura, Amaranta Ausín, Hugo Rosales, Lucky Luciano, Alejandra Barella, Alejandro Gutiérrez, Yurena, Chelo Ramìreza, Vito Bambú, Tamara Suárez, Ángel Pardo, Irán Alegría, María Ayo
Vestuario: Merche Montilla Cano
Dobles Michael Jackson: Fran Jacson, Mampuede y Koldo Mikel Lopez
Músicos: José Ángel Sagi Diaz, Ángel Crespo, Adrián Bartol Molina, Oliver, Iñaki Arakistain, Patxi Urchegui y Josué García
Producción: Summum Music
Escenografía: David Bello
Efectos especiales: Iñigo Sáenz
Iluminación: Roberto Bressó

Horarios: miércoles y jueves a las 20:30 horas; viernes a las 21:30 horas; sábados a las 18:00 y a las 22:00 horas y domingos a las 17:00 y a las 20:30 horas.
Precio: de 23,9 a 54,5 €.
Idioma: castellano
Duración del espectáculo: 2 horas y 30 minutos con 15 minutos de descanso
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Novedad editorial: Brañaganda, de David Monteagudo

El mito del hombre lobo ha sido un tema frecuente tanto en la literatura como en el cine, dos ámbitos que han utilizado la enorme fascinación que generan esas leyendas y supersticiones sobre seres monstruosos para justificar sus terroríficas historias. Una muestra más de ese interés es Brañaganda, la última novela de David Monteagudo, un misterioso relato en el que se cuestiona la existencia de los hombres lobo tras las inexplicables muertes de varias mujeres acaecidas en una población de la Galicia profunda.

El escritor David Monteagudo

Un aislado pueblo gallego –Brañaganda– ve interrumpida su idílica existencia tras la muerte de algunas mujeres de la localidad, todas ellas víctimas de una violenta ejecución. En ese ambiente opresor, y a pesar de los esfuerzos del marido de la maestra local para ofrecer unas explicaciones objetivas y racionales a los sucesos, hay quien cree que el autor de esos asesinatos es un lobishome que ejerce la función de brazo ejecutor de un juez moral, un justiciero que tiene como objetivo castigar los pecados más sórdidos que, en los últimos tiempos, se han ido gestando en esa pequeña población.

A pesar de descubrir su vocación literaria algo tarde, a los cuarenta años, David Monteagudo (Viveiro, Lugo, 1962) inició su carrera literaria de forma exitosa con la publicación de Fin (2009), una novela en la que unos viejos amigos, unidos por un turbio episodio del pasado en común, se reúnen en un refugio de montaña, un libro que fue muy bien recibido por la crítica especializada. Su segunda novela fue Marcos Montes (2010), la historia de un obrero que intenta salir con vida de la mina en la que está atrapado tras un accidente. Ahora, con Brañaganda, Monteagudo ofrece su particular visión sobre aquellos mitos protagonizados por hombres lobo, un magnífico relato para el que recupera los paisajes verdes y húmedos de su infancia y que confirma las buenas expectativas que se habían creado sobre él.

Título: Brañaganda
Autor: David Monteagudo
Editorial: Acantilado
Colección: Narrativa del acantilado
Páginas: 288 páginas
Fecha de publicación: Octubre 2011
ISBN: 9788415277378
Precio: 19,00 €

Estreno cinematográfico: Detrás de las paredes, de Jim Sheridan

El próximo 4 de noviembre se estrena en las pantallas de nuestro país Detrás de las paredes, un enfermizo thriller que gira alrededor de una casa de ensueño que termina por convertirse en una pesadilla, una película dirigida por Jim Sheridan y protagonizada por un conocidísimo trío de actores: Daniel Craig, Rachel Weisz y Naomi Watts.

Fotograma de la película

Will Atenton y su esposa Libby han tomado una importante decisión: abandonar el ajetreo reinante en Nueva York para trasladarse a una tranquila casa de Nueva Inglaterra. Así, lo que empieza como una ilusionante experiencia deja de serlo cuando la familia descubre que una madre y sus hijos fueron asesinados en esa casa, al parecer víctimas del marido. De esta manera, y con la ayuda de una vecina (Ann Paterson), Will empezará a indagar qué sucedió en realidad, iniciando una escalofriante investigación que pondrá en peligro el bienestar de su familia.

Dirigida por Jim Sheridan (Hermanos), Detrás de las paredes plantea un inquietante rompecabezas en el que nada es lo que parece, un film que cuenta con un reparto de lujo, encabezado por Daniel Craig (Cowboys & Aliens), Rachel Weisz (Ágora) y Naomi Watts (Conocerás al hombre de tus sueños), a quienes acompañan Rachel G. Fox,  Marton Csokas (La deuda), Claire Geare (Origen), Taylor Geare (Brothers), Mark Wilson (El ahorcado), Jonathan Potts (La trampa del mal) y Lynne Griffin (True Identity).

Detrás de las paredes se estrenará en nuestros cines el 4 de noviembre de 2011.

Título: Detrás de las paredes
Título original: Dream House
Género: Thriller Suspense
Nacionalidad: USA
Año: 2011
Duración: 91 minutos
Director: Jim Sheridan
Guión: David Loucka
Intérpretes: Naomi Watts, Rachel Weisz, Daniel Craig, Rachel G. Fox, Marton Csokas, Claire Geare, Taylor Geare, Mark Wilson, Jonathan Potts, Lynne Griffin

Crítica literaria: Dexter. Ética y estética de un asesino en serie, editorial Laertes.


«Me llamo Dexter. Dexter Morgan. No sé lo que me hizo ser como soy, pero lo que fuera, me dejó un gran vacío dentro».

Vaya, de antemano, mi prudencia ante ensayos dedicados a series de TV que todavía no han finalizado. El pretender hacer análisis de un producto que sigue en plena producción (en el caso que nos ocupa, parece que con intención de que dure más de lo previsto cuando se preparaba el libro) y, en especial, tratándose de un protagonista tan complejo como Dexter Morgan, que todavía, en su desarrollo, puede dar más de una sorpresa, no sólo deja el volumen inconcluso, sino que podría llegar a contradecir muchas de las ideas que se vierten en los diferentes textos que lo componen. Quedan advertidos los lectores: el libro abarca hasta el final de la cuarta temporada y, por lo que se intuye, parece que fue el asombroso cliffhanger con el que finaliza lo que motivó la urgencia en elaborar el estudio. Sólo así se explica la reiterada y entusiasta (hasta la extenuación) mención a ese final en casi todos los textos recogidos en él.

Por si quedara alguien que no conoce la serie, recordemos que se trata de una adaptación (directa, al menos en su primera temporada) de las novelas firmadas por Jeff Lindsay y protagonizadas por Dexter Morgan, analista de sangre en el Departamento de Homicidios de la Policía Metropolitana de Miami, quien mantiene una doble vida: durante la noche ejerce como asesino en serie, liquidando de manera ritual a los criminales que han quedado impunes. En definitiva, un justiciero con trastornos psicopatológicos. La serie televisiva se ha convertido en uno de los grandes éxitos de los últimos años y ha generado un intenso debate por la afinidad que los espectadores pueden llegar a sentir por el protagonista.

El libro editado por Patricia Trapero Llobera, en el que intervienen expertos en Comunicación, Psicología, Bellas Artes, Historia del Arte…, vendría a ser una adaptación para los lectores españoles del volumen “Dexter”: Investigating Cutting Edge Television (citado en la bibliografía), en el que Douglas L. Howard recogía las tesis de varios especialistas. Si en aquél caso eran dieciséis los capítulos, en el publicado por Laertes nos encontramos con diez escritos en los que se abordan diferentes aspectos de la serie, así como se fundamentan otros matices como la interpretación, el retrato-tipo femenino, el entorno geográfico y social, etc.

En el prólogo de José-Igor Prieto Arranz se resume eficazmente lo que vamos a encontrar a posteriori. Aborda en él todas las caras del poliedro que permite tener una visión global del contenido y el continente de la serie. Y, en efecto, se cubren las principales cuestiones que pueden dar sentido a un trabajo ambicioso elaborado como reflejo de lo que representa la ficción televisiva actual. Desde los diferentes caminos que ha seguido la saga literaria respecto a la audiovisual; la repercusión nacional (a través del canal de cable Showtime) e internacional; la controversia que produce el considerar como héroe a un brutal asesino; la influencia de internet; el bilingüismo del producto y su dificil adaptación en la versión doblada; las características de los psicópatas rivales de Dexter… Pero, de entre todos los trabajos incluidos, me han gustado tres que marcan la diferencia.

El primero, dedicado al trabajo actoral y a la manera en que se debe interpretar a un psicópata. Curiosamente, Martín B. Fons Sastre, su autor, no estudia el personaje tan magníficamente interpretado por Michael C. Hall. Se detiene, al contrario, en John Lithgow, quien borda el de Arthur Mitchell/Trinity. Fons Sastre dignifica el trabajo del actor, analizando con detalle el duro desempeño que se debe realizar para personificar con detalle y sin caer en el estereotipo (si es que un psicópata puede enmarcarse en alguno) a alguien tan complejo.

También es interesante el estudio científico desarrollado por Jaume Rosselló Mir y Xavier Revert Vidal en el que clarifican los cuadros clínicos de las diferentes tipologías de psicópatas, algo que va más allá de la ficción y que apoya la veracidad del estudio pormenorizado que, seguro, han realizado los creadores de la serie. Esta pequeña guía, basada principalmente en los trabajos del célebre doctor Hervey Cleckley, resume muchos años de investigación sobre tan peliagudo asunto.

Jordi Pallarés Olivé nos deja, por último, una acertada visión de Dexter Morgan desde el punto de vista del superhéroe, faceta que queda remarcada en la segunda temporada con el personaje de The Dark Defender, pero que no ha sido explotada en la producción, aunque los espectadores puedan ver al forense como a un héroe justiciero.

Sin embargo, y ahora vienen los “peros”, en su conjunto se detecta una continua repetición de ideas y de referencias que cansa al lector. Es correcto explicar las bases argumentales de la serie, pero hacerlo en casi la totalidad de la obra, una y otra vez, cuando se complementa con una guía de episodios, llega a molestar. Quizás un poco más de coordinación para que cada autor se limitara a lo concreto de su tema no produciría ese “frenazo” en la lectura, releyendo lo que otros ya han expuesto. Lo mismo sucede con el mencionado cliffhanger de la cuarta temporada, citado hasta la saciedad, que hace pensar en ese “entusiasmo” que sintieron los espectadores al verse sorprendidos de manera tan espeluznante, y que pudo desembocar en el proyecto del libro. Si añadimos las insuficiencias de la corrección ortotipográfica, cada día más descuidada en las ediciones españolas (¿ni siquiera se utiliza el corrector de word?) y errores como los localizados en el texto de Anna Tous Rovirosa, en los que ubica a personajes o sucesos en una temporada diferente a la correcta para luego contradecirse, concluiremos que un estudio que se pretende de referencia debió pulirse al detalle. Sin olvidar, por supuesto, lo comentado más arriba: Se está analizando un producto cuya producción y desarrollo sigue en marcha, dando la impresión de que el libro, a su vez, está inacabado.

Título: Dexter. Ética y estética de un asesino en serie
Autores: Patricia Trapero Llobera (ed.) y VV.AA.
Editorial: Laertes
Materia: Comunicación audiovisual
Páginas: 302
Formato: 23 x 16
Edición: Noviembre 2010
Precio: 19,50 €
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Escrito por: José A. Muñoz

Crítica teatral: Entrevista amb un vampir que al final va resultar que potser no ho era tant, de Paco Mir

A finals dels anys 70 l’escriptora Anne Rice va publicar una novel·la titulada Entrevista amb un vampir, una crònica gòtica que va adquirir una gran popularitat gràcies a la versió cinematogràfica que en va fer Hollywood, estrenada l’any 1994. Els relats enfrontant una periodista i un vampir, però, no han de ser necessàriament foscos i tenebrosos, i demostrar això és el que pretén el Versus Teatre amb el seu nou espectacle: Entrevista amb un vampir, una història que té un subtítol –que al final va resultar que potser no ho era tant– prou indicatiu del caràcter humorístic que ofereix aquesta obra de teatre.

La companyia Grappa Teatre s’ha associat amb el tricicle Paco Mir per realitzar aquest muntatge amb el vampirisme com a motiu principal; així, el petit escenari del Versus Teatre ha estat transformat en el plató on es grava l’emissió del programa Mysteryus, un d’aquells espais televisius que tant han triomfat en els darrers anys, centrat en la investigació dels fenòmens paranormals. Al capdavant del programa hi ha la famosa Maria Pau Palau, una presumptuosa periodista que, uns dies abans, va escandalitzar els seus seguidors al publicar un article negant l’existència dels anomenats vampirs, una opinió polèmica que el convidat del programa –el senyor Joan Taboada– intentarà rebatre amb un argument contundent: ell mateix és un vampir i, com s’encarrega de deixar clar en la seva intervenció, ho és per vanitat, convertit en un ésser d’aquestes característiques pel mateix Johann Sebastian Bach al segle XVIII.

D’aquesta manera, i seguint l’estructura d’una típica entrevista televisiva, es van succeint, un darrere l’altre, una sèrie de gags que ens permetran conèixer la vida d’aquest excèntric personatge, una criatura de la nit que comparteix pis amb una dona-llop, que pot llegir els pensaments de les persones, que té la capacitat de transformar-se en ratpenat (això sí, només quan ell ho vol) i que ens demostrarà com n’estem, d’equivocats, quan pensem en els tòpics que envolten aquesta clàssica figura d’ultratomba, malgrat les sospites que sosté la presentadora sobre si el que explica aquest home és cert o tan sols es tracta d’un farsant.

Entrevista amb un vampir… és un espectacle senzill, de petit format, basat en l’única novel·la publicada per l’escriptora noruega Josephine P. Hey en la dècada dels anys trenta. Possiblement el públic espera assistir a una funció on l’humor negre sigui omnipresent, però no és així, ja que els seus responsables s’han decantat per un estil més aviat blanc, fins i tot una mica surrealista, que aprofita la confrontació de dos caràcters diametralment oposats per provocar el riure de l’espectador: per un costat, la incrèdula periodista que, amb les seves punyents preguntes, intenta descobrir la veritat; per altra banda, el senyor Taboada, un personatge pusil·lànime que, en tot moment, se sent atacat i humiliat per la senyora Palau, fent constants intents per abandonar el plató, però tornant sempre al seu seient. En aquest sentit, els permanents equívocs i les diferents situacions plantejades en l’espectacle recorden els enfrontaments pallasso llest-pallasso ximple que tantes vegades ens han fet riure amb anterioritat, i que aquí ho tornaran a fer, arribant a la conclusió que, sovint, ni el llest és tan espavilat ni el ximple és tan babau.

Damunt d’un escenari pràcticament buit (dues cadires i un panell galàctic), sense cap mena d’artifici, només hi trobarem dos actors, i per aquest motiu es fa imprescindible que existeixi una bona entesa entre ells, ja que l’èxit de la representació depèn exclusivament del seu treball, i, aquí, la complicitat entre tots dos resulta evident. Així, tant Teresa Ros com Gilbert Bosch fan una tasca excepcional defensant els seus personatges; Ros fa la feina fosca al realitzar les preguntes per intentar descobrir la veritable identitat del seu entrevistat, mentre que Bosch exerceix de simpàtic vampir, un paper agraït a qui l’actor assigna una actitud insegura que esdevé còmica cada cop que se sent ultratjat per la presentadora. A més Bosch treu molt profit de la seva capacitat gestual, un fet que ens fa pensar que hi ha tingut molt a veure la mà del director de l’obra, Paco Mir, un mestre en aquest sentit.

En definitiva, si voleu conèixer una de les figures més terrorífiques del cinema i la literatura dels darrers temps però des d’un punt de vista més divertit i menys sinistre, Entrevista amb un vampir… és la vostra obra, una magnífica ocasió per riure amb la manera com alguns defensen les seves insòlites creences, pensaments que, encara ara, conserven aquelles persones que no es perden els programes sobre inexplicables fenòmens, similars al Mysteryus.

«Entrevista amb un vampir que al final va resultar que potser no ho era tant» es podrà veure al Versus Teatre fins al 6 de novembre de 2011.

Autora: Josephine P. Hey
Adaptació: Paco Mir, Teresa Ros i Gilbert Bosch
Direcció: Paco Mir
Intèrprets: Teresa Ros, Gilbert Bosch
Espai escènic: Paula Bosch
Vestuari: Anna Güell
Disseny d’il·luminació: Àlex Felip
Tècnic d’il·luminació: Andriy Kravchyk
Tècnic de so: Montse Lila
Disseny gràfic: Masato Takagaki
Assessor esotèric: David Bosch

Idioma: català.
Durada: 1 hora i 15 minuts
Horaris: de dijous a dissabte a les 21:00 hores; diumenge a les 20:00 hores
Preu: 16 €

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Escrit per: Robert Martínez Colomé

Crítica teatral: L’impostor, Versió del Tartuf de Molière, en el Versus teatre.


Seguramente no existe una temporada teatral en ninguna ciudad española, ni tampoco en el mundo, al menos en el Occidental, en la que no se represente, como mínimo, una de la obra escrita por Molière, sin duda alguna uno de los dramaturgos franceses más reconocido, sino el que más, de todos los tiempos. Esta vez, y al inicio de la temporada, el Versus Teatre se ha atrevido con el estreno de L’impostor, Versió del Tartuf de Molière, una adaptación de la obra el autor francés dirigida por Frederic Roda al frente de la compañía Die Probe.

Y como pasa con todos los clásicos, la obra escogida, El Tartufo, pretende analizar los sentimientos y las ambiciones clásicas que vivifican y alteran los corazones humanos, los antiguos y los modernos, condimentado todo ello con un gran sentido del humor evidente a lo ancho y largo de la obra.

Tartufo o el impostor nos traslada a mediados del siglo XVII, a la casa del burgués Segimon cuyo entendimiento está confundido y obnubilado por la influencia que ejerce sobre él, y por tanto sobre el resto de la familia, Tartufo, un “supuesto” fraile beatucho acogido en la casa. Segimon, cegado por su reverencia hacia Tartufo, se propone unirlo en matrimonio con su propia hija, Anna, si bien esta está enamorada de Maurici. La decisión tomada por Segimon llevará a su mujer, Elvira y a una de las criadas, Francina, a luchar contra el triste destino matrimonial que Segimon depara a su hija, intentando desenmascarar a Tartufo. Toda esta complicada situación familiar lleva, como no, a que se represente sobre el escenario una trama cómica de intentos, equívocos y consecuencias, que afectará de pleno a la vida en la casa e incluso al destino económico y social de la familia.

La joven compañía teatral Die Probe lleva a cabo, pues, una relectura de una de las obras más conocidas de Molière, y lo hace con un carácter joven, un hecho que se nota tanto en los intérpretes y, a pesar de la veteranía del director Frederic Roda, en alguna inconveniencia a la hora de configurar el espectáculo. Y seguramente la mayor de ellas sea, justamente, la adaptación de la obra.

Me explico. La versión del Tartufo estrenada en el Versus opta por mantener una imagen clásica de la obra, apartándose de las muy de moda y peligrosas actualizaciones escénicas. Es todo un placer, además, deleitarse con un texto interpretado en catalán y en verso, con unas rimas y un ingenio preciosistas, que nos permiten gozar aún más del perfil clásico de la adaptación. Todo esto nos introduce rápidamente en la trama de la historia, a lo que no son ajenos los esfuerzos de sus jóvenes actores.

Si bien, la adaptación desbarata gran parte de los aciertos del intento. La drástica reducción del número de personajes y la dramática supresión de parte de la trama producen un efecto de desconcierto en el espectador, que, sobre todo en el último acto, se ve sorprendido por una deriva del argumento que no le permite comprender lo que se está narrando sobre el escenario. El cambio en el ritmo de representación, es pues, un bache que hace descarrilar, en parte, los logros de un proyecto que se nota materializado con mucho más que empeño.

La juventud, además, es manifiesta en la compañía y se hace evidente en el transcurso de la obra. La mayoría de los actores y actrices están aún en fase de aprendizaje, y se nota, lo que nos puede hacer valorar aún más el esfuerzo interpretativo. Aún así, es de derecho destacarla actuación de Anaïs Garcia y Laura Fité, la primera como una fiel criada alegre y metomentodo; y la segunda como Tartufo, que en esta versión adopta un componente andrógino (una mujer interpretando a un personaje masculino) que permite a la obra introducir un elemento de misterio y ocultación muy adecuado a un personaje mentiroso, conspirativo e intrigante que busca su éxito personal aún a expensas de destruir a la familia que lo acoge. Una juventud teatral que no ha podido ser equilibrada por la dirección escénica de Frederic Roda, que nos presenta una adaptación con unos perfiles no del todo definidos.

Aún así, y si tomamos a L’impostor. Versió del Tartuf de Molière como un ejercicio de maduración profesional (que creo que es lo que es), es de ley reconocerle algunos aciertos, sobre todo la valentía de atreverse con un Molière, y nada menos que con el Tartufo, y el hecho de permitirnos recrearnos de nuevo con una obra y con unos personajes que han dejado huella en la historia del teatro.

L’impostor. Versió del Tartuf de Molière” se representa en el Versus Teatre del 11 de octubre al 2 de noviembre de 2011.

Dirección: Frederic Roda
Versión: Joan Oliver
Reparto: Marina Barberà, Laura Fité, Anaïs Garcia, Anna Massó, Marc Rius y Jordi Sanosa
Cía: Die probe
Iluminación: Marc Martin
Técnico de iluminación: Andriy Kravchyk
Diseño de vestuario: Companyia Acte Quatre
Producción: Die probe y Acces Teatre SL con el apoyo de Teatre de Ponent, sl.

Horarios: martes y miércoles a las 21:00 horas.
Precio: 12 €.
Idioma: catalán.
Duración: 1 hora y 10 minutos.
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Crítica literaria: La devoción del sospechoso X, de Keigo Higashino

Desde hace unos años la cultura japonesa se está haciendo, poco a poco, un hueco en Occidente, convirtiéndose en un fenómeno común para cada uno de nosotros; así, primero fue el manga, más tarde se multiplicaron los restaurantes ofreciendo su delicioso sushi, luego nos aterraron con su cine y ahora es el turno de disfrutar de la literatura nipona (que es mucho más que Murakami). Y qué mejor forma que hacerlo con un libro que llega avalado por sus más de dos millones de copias vendidas: La devoción del sospechoso X, una historia policíaca que en 2006 ganó el premio Naoki a la mejor novela y que encumbró a su autor, Keigo Higashino, como uno de los escritores de moda en Japón.

En el Tokio actual, en un ambiente frío y melancólico, Yasuko Hanaoka intenta rehacer su existencia y la de su hija tras separarse del tremendo marido que no hacía otra cosa que aprovecharse de ella. Sin embargo, el hombre consigue localizarla cuando sus días volvían a tener sentido y, en su enfrentamiento, Hanaoka sólo encuentra una solución: matarlo, un acto instintivo que podría arruinar la vida de ambas mujeres. Así, y cuando todo parece perdido, su vecino, el señor Ishigami, se ofrecerá a ayudarlas. Con todo, las sospechas de la policía sobre la joven y la aparición de Yukawa, viejo amigo de Ishigami, dificultarán el éxito del plan.

El escritor Keigo Higashino

Keigo Higashino plantea, con una prosa de estilo directo y sin excesos ni artificios, una novela negra nada convencional, ya que se aleja de los thrillers más trepidantes para montar un soberbio ejercicio de lógica (“La lógica nos ayudará”, afirma Ishigami), un enigmático puzle, de precisión milimétrica y con las matemáticas de fondo, en el que cada pieza tiene su función específica. Además el lector descubre muy pronto el crimen alrededor del cual girará la trama y su autor, así que la sorpresa no vendrá dada por saber quién es el asesino en cuestión; de este modo, y lejos de perder el interés del lector, Higashino encuentra en él un cómplice que seguirá con atención el desarrollo de la investigación policial, con el principal aliciente de saber si la coartada ideada cuidadosamente por Ishigami triunfará o no, reservándonos un espléndido giro argumental en los últimos capítulos.

Asimismo, otra de las particularidades de esta historia es que también puede considerarse una original variante de las novelas de temática sentimental: nadie debe obviar que el motor de este asunto es el amor –más bien devoción– que profesa Ishigami por Hanaoka, un afecto enfermizo e incondicional que hará que el matemático arriesgue su monótona vida con la única intención de salvaguardar la suerte de madre e hija.

Sin duda el secreto de La devoción del sospechoso X radica, principalmente, en la meticulosa confección de dos de sus personajes: Manabu Yukawa y Tetsuya Ishigami, antiguos compañeros de universidad, el primero es un científico especializado en física que, en ocasiones, se ofrece a ayudar a la policía en sus investigaciones (también conocido como el Profesor Galileo), mientras que el segundo es un maestro de instituto obsesionado con las matemáticas. Ambos son dos mentes privilegiadas, cada uno en su campo, que el destino hará que, tras años sin saber nada el uno del otro, se vuelvan a encontrar, una situación que recuerda una de las premisas necesarias en todas las historias de superhéroes: un personaje de extraordinarias aptitudes necesita enfrentarse a un rival de su mismo nivel. Y en esta ocasión la magnífica mente  de Ishigami pensará una estratagema sin fisuras aparentes, hasta que la excepcional astucia de Yukawa vaya desentrañando la verdad, obteniendo como resultado final un intenso duelo intelectual que hará las delicias del lector más exigente.

La devoción del sospechoso X es la mejor carta de presentación para descubrir a un autor de enorme talento, Keigo Higashino, un escritor que ya ha publicado un total de trece novelas policíacas en su país que, además, han pasado a ser un excelente material para la industria cinematográfica nipona (sus textos han significado un filón para realizar varias películas y series de televisión). Dicho en otras palabras: con esta historia Higashino nos seducirá sin remedio y hará que esperemos con ansiedad la publicación de su siguiente novela.

Título: La devoción del sospechoso X / La devoció del sospitós X
Título original: Yôgisha X no Kenshin
Autor: Keigo Higashino
Traducción: Francisco Barberán / Marc Barrobés
Editorial: Ediciones B
Colección: La Trama
Fecha de publicación: Septiembre de 2011
Páginas: 325
ISBN: 9788466647366
Precio: 19 €

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Escrito por: Robert Martínez Colomé

Concierto: Pedro Guerra presenta su nuevo disco, el mono espabilado, en el teatro Coliseum de Barcelona.


El próximo 12 de noviembre Pedro Guerra regresa a Barcelona para presentar su nuevo disco El mono espabilado. La cita tendrá lugar en el teatro Coliseum y está organizada por The Project y de Grup Balaña.

A estas alturas, Pedro Guerra tiene poco que demostrar para ser considerado uno de los mejores cantautores de este país. Creador de clásicos imperecederos como Contamíname o Biografía entre tantos otros, el canario publicó el pasado mes de octubre El mono espabilado, un álbum con 13 nuevas canciones que además incluye colaboraciones con Miguel Poveda e Iván Ferreiro. Pedro Guerra presentará el disco en Barcelona el sábado 12 de noviembre en el Teatre Coliseum, acompañado por una formación acústica e intimista (piano, bajo, batería y guitarra) ideal para desgranar toda la calidez de su exquisito repertorio.

Temas del nuevo disco: El mono espabilado.

Concierto Pedro Guerra:

Día: 12 de noviembre de 2011.
Lugar: teatro Coliseum.
Hora: 21 horas.
Precio: de 15 a 35 €

Novetat editorial: L’arnès del cavaller. Armes i armadures catalanes medievals, de Martí de Riquer

Els historiadors sempre han sentit una especial fascinació vers els aspectes militars de la nostra Història; així, sovint han emprat totes les fonts que tenien a la seva disposició per esbrinar com enfrontaven els conflictes més sagnants els guerrers d’èpoques passades. Un d’aquests erudits és Martí de Riquer, reconegut expert en literatura medieval que fa anys que estudia els textos de l’època per conèixer tots els detalls de les armes emprades pels cavallers de l’edat mitjana, i d’aquesta exhaustiva investigació va néixer L’arnès del cavaller. Armes i armadures catalanes medievals, un llibre que té el mèrit de ser el primer estudi català d’aquest estil, publicat l’any 1968, i que ara reedita La Magrana de forma encertada.

Martí de Riquer

A finals dels anys 70, la investigació que el professor De Riquer (Barcelona, 1914) estava realitzant de la novel•la cavalleresca del segle XV, li va fer veure que era necessari elaborar un glossari aclarint els termes militars no descrits fins aleshores; així, i gràcies a l’estudi de les obres d’art i dels textos conservats de l’època, va aparèixer aquest llibre, amb la intenció d’“observar la vida medieval i el temperament dels seus homes”, segons les paraules del mateix autor. De Riquer va emmarcar aquest volum entre els segles X i XVI, i en ell va compilar minuciosos detalls entorn de les armes ofensives i defensives, les armadures i els seus components i, en definitiva, del conjunt de l’arnès que el cavaller utilitzava en les seves activitats militars. A més, l’historiador va diferenciar l’armadura segons el moment en què es feia servir; d’aquesta manera distingiríem entre la vestimenta que s’usava per anar a la batalla o la que el noble lluïa davant de la cort i el poble com a signe d’identitat de la seva classe social.

L’any 1968 L’arnès del cavaller. Armes i armadures catalanes medievals va ser el primer manual terminològic confeccionat de forma acurada, amb l’autor recollint, documentant i explicant de forma entenedora cadascuna de les parts de què constava la indumentària dels cavallers medievals catalans. A més, Martí de Riquer hi explica l’origen, els usos i els costums que s’associaven a les armes, les peces que integraven una armadura i els complements necessaris per a la protecció del cavall, esdevenint una obra completa, avalada per la signatura d’un dels més reconeguts especialistes en la matèria i convertida, amb el temps, en un text imprescindible pels amants de la història i de la literatura de l’edat mitjana.

Títol: L’arnès del cavaller. Armes i armadures catalanes medievals
Autor: Martí de Riquer
Editorial: La Magrana
Col•lecció: Orígens
Pàgines: 528 pàgines
Data de publicació: Octubre 2011
ISBN: 9788482641843
Preu: 27,00 €

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Sobre Monstruos Reales y Humanos Invisibles

El rincón con mis relatos de ficción, humor y fantasía por Fer Alvarado