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Crítica literaria: Cuando nada vale nada, de Raj Patel

Portada del libro

¿Cuál es el futuro de nuestro sistema político, económico y social?, ¿Cuál es el origen de la gran crisis económica que sufre el mundo a nivel global?, ¿existe alguna alternativa a la precaria situación actual?

Estas son las preguntas que intenta responder Raj Patel en su última obra publicada Cuando nada vale nada, editada por la editorial Los libros del lince. Patel nos propone un viaje a las entrañas sobre las que se sostiene nuestro sistema socio-económico capitalista y global. Un análisis con claros ejemplos que nos revela cuáles son las reglas con las que se juega la partida vital de los más de seis mil millones de habitantes que habitan nuestro planeta. Unas reglas neo-liberales basadas en el capitalismo más sangrante que aunque afectan a toda la población del planeta solo benefician a una ridícula minoría de ella, aquella que domina y controla los puestos claves de la administración política y económica global.

Raj Patel utiliza con un objetivo claramente divulgativo, todos los ejemplos necesarios para hacer entender los puntos cardinales de su análisis y critica del sistema capitalista y financiero internacional, con la meta de hacer entender sus postulados al público lector, lo que convierte su libro en una plataforma de ideas para poder entender como está organizado la realidad que vivimos en la actualidad. Su análisis abarca desde las tesis defendidas por los artífices del nuevo sistema económico (bueno, si hemos de ser certeros no es un sistema tan nuevo!), las formas de actuar de sus protagonistas principales (el mercado y las corporaciones) y las consecuencias que más de doscientos años de capitalismo han ocasionado tanto a las diferentes sociedades y países como al propio planeta en el que vivimos.

Un mal uso que desde hace ya algunos años nos está demostrando los efectos que ha tenido sobre todos nosotros, sin ningún tipo de excepción. Cuando nada vale nada nos muestra el funcionamiento del mercado como elemento que da valor a las cosas, tanto las que lo tienen como las que no; el ideario político, social y económico de las empresas en franca contradicción con el pensamiento democrático contra el que han tenido que batallar desde su creación allá a finales del siglo XVIII; las formas de funcionamiento del capital financiero; o las intensas e internas relaciones de éste con los gobiernos nacionales en los que se apoya y al que consolidan al mismo tiempo.

Raj Patel

Son páginas estas que dejan al lector bien a las claras los entresijos de la realidad actual sobre la que vivimos desde un punto de vista de activista y colaborador que Patel ha mantenido y mantiene con diversas instituciones universitarias e internacionales como la ONU o el Instituto para la Alimentación y Políticas del Desarrollo. Su dedicación al tema permite a Patel mostrar su visión precisa y veraz de una situación que día a día se nos hace presente a la hora de encender el televisor, conectar la radio o de leer las primeras páginas del periódico acostumbrado.

Aunque Patel no se queda en eso, sino que se atreve a proponer en los últimos capítulos del libro posibilidades de cambio, de modificación de las actuales estructuras de dominio económico, basándose en la realidad, en ejemplos conocidos y desarrollados también en la actualidad como puede ser la búsqueda y consolidación de los derechos internacionales, los presupuestos participativos propios de diversas experiencias suramericanas y la lucha en defensa de una acción sostenible y ecológica de la humanidad sobre el planeta, que hemos de tener claro que no está a nuestra merced explotadora y destructora sino que tan solo habitamos y por eso, solo por eso, hemos de respetar y salvaguardar para las generaciones venideras.

Un libro necesario para entender lo que se oculta detrás de las noticias que se nos dan a conocer a diario a través de los diversos medios de comunicación, con un estilo claro y entendedor lejos de la dificultad que se podría esperar de un tratado sobre economía al uso.

Toda una muestra de que otra opción existe, aunque lejana y difícil, pero practicable y alentadora, la de crear un mundo en la que no se pueda decir que nada vale nada y en la que no estemos a merced de los poderosos y los que controlan los mecanismos de nuestro actual y dominante sistema capitalista.

Título: Cuando nada vale nada. Las causas de la crisis y una propuesta de salida radical
Autor: Raj Patel
Colección: Sin fronteras
ISBN: 978-84-937562-6-0
Precio: 21 €
Formato: 23,3 x 15, cm.
Páginas: 264

Ficha editorial del libro: http://www.loslibrosdellince.com/libros.php?q=64

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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Crítica teatral: El sueño de Bambi

El pasado 23 de septiembre el saT! Teatre estrenó El sueño de Bambi, una de las pequeñas joyas de esta temporada, un drama familiar y vital de la mano de Christian Avilés dirigido por Anna Sarrablo e interpretado por Montse Alcoverro, Thais Blume, Luis Espinosa, Núria Martínez y el propio Christián Avilés.
¡¡Una pequeña joya que no aspira nada más y nada menos que a eso!! La trama del Sueño de Bambi nos ubica en un espacio familiar, seguramente como el de muchas familias que conocemos o que viven cerca de nosotros. Julia (Núria Martínez) vuelve a casa después de recibir el aviso de su hermana menor (Thais Blume) de que su madre (Montse Alcoverro) morirá pronto. Al llegar a casa descubre, o mejor dicho reencuentra, a la familia que abandonó hace ya tiempo al sentirse asfixiada en un ambiente opresivo dominado por una matriarca que no aceptó nunca su papel en la vida al frente de la familia. Julia volverá a compartir los problemas familiares a los que sumará algunos nuevos: un hermano mayor que ha asumido la dirección de la familia tras la muerte del padre y la postración en una silla de ruedas de la madre; una hermana que asegura que habla con los muertos; un hermano menor discapacitado que suma a su inocencia existencial un pesado lastre al día a día de la familia. A todo ello Julia añade una experiencia amorosa errática que le ha llevado a compartir su vida con un marido que no la hace feliz, aunque le ha dado un hijo, insustituible en su vida.

A este difícil mosaico familiar se suma, durante la primera noche de estancia de Julia en la casa, la muerte de la madre, lo que creará una atmósfera trágico-cómica en la cual los vínculos emocionales y la normal existencia de los miembros de la familia estallarán y se recompondrán, bajo los atentos ojos del fantasma materno.

Lo que en un principio podría parecer un acostumbrado drama familiar en el que ver y analizar las relaciones y los sentimientos generados y aletargado en una familia cualquiera (incluso en la nuestra), se convierte a los pocos minutos de iniciada la sesión en una caja de sorpresas en la que el drama, la comedia e incluso el espiritismo tendrán un espacio en la trama.

A través de sutiles y excelentes cambios de luz y juegos de sonido Sarrablo nos permite ser testigo de tres espacios al mismo tiempo: el primero en el que se desarrolla la acción familiar y la inesperada muerte de la madre (o casi inesperada); otro segundo en el que deambulará el tiempo del espíritu de la madre e incluso otro tercero, más musical, en el que se harán realidad los sueños de los miembros de una familia castigada por una realidad más dura de la merecida.

A través de todos estos tiempos los actores nos hacen vivir su drama y las circunstancias y los desvelos que los han obligado y les obligan a actuar como lo han hecho. La muerte de la madre será la excusa que permitirá a todos sus hijos ser conscientes de la realidad, como el personaje aludido en el título de la obra, a despertarse a ella y a intentar poner orden en su existencia. El sueño de Bambi es, así, un análisis de la familia, la familia actual y de la rémora que los vínculos familiares pueden crear en cada uno de sus miembros, sin excepción.

Por otra parte nos deja escenas memorables, como la de la muerte de la matriarca, convertida en un último adiós apacible con uno de sus hijos, el más débil de ellos; la escena de la comida, en la que se nos narra en dos tiempos toda la verdad que contiene, o los anhelos encontrados y explicitados en la actuación de sus personajes, que no dejan de ser los anhelos que todos experimentamos al hacernos adultos.

Merece la pena hablar también de las interpretaciones que dan fuerza y forma a un texto y una dirección loables. Cinco personajes entre los que destaca el de la madre (Montse Alcoverro) obsesionada con la figura de su marido y sus responsabilidades familiares; una hija mayor (Núria Martínez) hostil e independiente que ha conseguido crear una vida demasiado parecida a la que ha compartido en la casa familiar; una hija menor (Thais Blume) de tonalidades más amables aunque dotada de unas capacidades extrasensoriales que le hacen difícil hacerse entender con la gente que le rodea; un hermano mayor (Luis Espinosa) dispuesto a ser independiente pero varado por la realidad de la familia y un hermano menor (Christián Avilés) al que la vida le ha deparado un corta e inocua existencia.

En resumen, una tragicomedia de carácter familiar que tendremos que visionar para saber cual es su desenlace, y cómo y en qué afecta la desaparición del eslabón más importante y fuerte de una familia en los sueños y las ilusiones de aquellos a los que deja atrás.

Toda una pequeña joya que no se ha de perder.

“El sueño de Bambi” se representa en el saT! Teatre del 23 de septiembre al 17 de octubre de 2010.

Autor: Christián Avilés
Dirección: Anna Sarralbo
Intérpretes: Montse Alcoverro, Thais Blume, Luis Espinosa y Núria Martínez y Christián Avilés
Diseño de sonido: Bárbara Granados
Escenografía: Sergi Broto
Diseño de iluminación: Liber Borges

Duración del espectáculo: 1 hora y 20 minutos
Idioma del espectáculo: castellano

Horarios:
Jueves y viernes a las 21:0 horas; sábados a las 21:30 horas y domingos y martes a las 18:30 horas.
Precio: 16 €.

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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Publicado originalmente en: http://www.indienauta.com

Concert musical: Quimi Portet a les festes de la Mercè-2010

Un any més les festes de la Mercè han permès als ciutadans sortir a gaudir de la seva Festa Major, dels seus correfocs, dels seus gegants desfilant alegres pels carrers de la ciutat, i per descomptat dels seus concerts. En aquest aspecte, el ventall era prou ampli perquè ningú quedés sense la seva ració de música al carrer.

En aquesta ocasió, aquells que han confeccionat el cartell musical d’aquests dies han tingut la brillant idea de programar, en el primer espectacle de la Plaça Catalunya, i a les 21 hores, el concert d’un dels músics més interessants de l’escena catalana: Quimi Portet, que arribava a la capital catalana per presentar el seu darrer treball, Viatge a Montserrat, una nova mostra de la qualitat d’aquest músic vigatà, ple de poesia, referències a poblacions catalanes, amor, sexe i paisatges bucòlics.

El guapo de El Último de la Fila va realitzar un magnífic concert, acompanyat de forma superba d’Antonio Fidel (baix, fidel escuder de mestre, amb més de 30 anys acompanyant-lo), Jordi Busquets (guitarra, ex-Sapo) i Xarli Oliver (bateria capaç de dotar d’un ritme frenètic la poesia de Portet), i on el pes específic el van portar les cançons del seu darrer treball; així, doncs, gairebé totes les seves darreres composicions van sonar davant d’un públic entregat des del primer instant, amb especial atenció a Ales de colibrí, Manyagues, A Barcelona, Si plou, ho farem al pavelló, Pasturarem entre els lliris, Homes i dones del cap dret, entre d’altres. També va incloure referències als seus altres discos en solitari (tots excepte el Cançoner electromagnètic), amb Flors i violes com la primera incursió al passat, però no l’única: Em trenques el cor, Massa ( a qui va dotar d’un ritme frenètic, despullant-la de qualsevol toc de melangia), Progresso adequadament i per descomptat, La Rambla, aconseguint el deliri del públic.

Amb la intenció de fer un show on l’espectador fos més que això i tingués un paper important durant la nit, l’Astre Intercomarcal va proposar un joc als seus seguidors, fent que cada cop  que es mencionés el nom concret d’una ciutat del Vallès o es pronunciés la paraula “llibertat”, el públic cridés amb totes les forces. Per això, quan va sonar Sabadell era d’esperar que la massa es tornés boja, i, cada cop que des de l’escenari es veia la gent massa serena, només calia cridar “llibertat” per tornar a la histèria col·lectiva.

Digne hereu del mestre Sisa (a qui el músic va recordar just a l’inici del concert), Portet va delectar la concurrència amb la seva música, amb la seva varietat de ritmes (òbviament van sonar rock, pop, però també ritmes tribals per acompanyar La Terra és plana, una versió accelerada amb tocs ska d’El meu hamster va anar a Cuba, un particular pasdoble per homenatjar el pensador Francesc Pujols o un seriós flirteig com a cantautor a Em dius que el nostre amor, de Toti Soler ), però també amb la seva simpatia, aconseguint que el trànsit entre cançó i cançó tingués el mateix nivell (excel·lent) que durant l’actuació musical, destacant pel seu divertit discurs.

Així, doncs, el públic, format per una majoria de nostàlgics seguidors del músic des dels temps de Los Burros i El Último de la Fila, va sortir més que satisfet de l’hora i mitja de concert, malgrat que el cantautor galàctic no va accedir a algunes de les seves peticions (han passat massa temps per tornar a tocar Jamón de mono), i amb el convenciment que el mestre Portet està en el millor moment de la seva carrera. Potser ara ja no omplirà grans estadis de futbol ni farà grans gires mundials, però ni falta que li fa.

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Escrit per: Robert Martínez Colomé

Estreno teatral: Pasta fullada

El Teatro Gaudí Barcelona inaugura la nueva temporada y nueva sala reformada con el estreno el próximo 1 de octubre de Pasta fullada, irónica y profunda comedia dramática sobre el sentido de la vida en sociedad, las relaciones sentimentales y el sexo sin tabúes que mantienen dos parejas sexagenarias. Una obra firmada por Ever Blanchet y dirigida por Òscar Molina, que cuenta con cuatro viejos conocidos de los escenarios catalanes: Margarida Minguillon, Carme Sansa, Josep Minguell y Carles Sales.
Los cuatro actores se adentran en las vidas de dos matrimonios que superan los sesenta años y que forman una pequeña comunidad donde las discusiones sobre la vida, el amor y el sexo fluyen de forma espontánea e incluso obscena -a pesar de los prejuicios existentes en su generación. La confianza y libertad sin tabúes que comparten les aportan una aparente sensación de comodidad, donde sus ideas, sus valores y su amistad permanecen indemnes. No obstante, secretos inconfesables, deseos escondidos e insatisfacciones vitales, que hasta ahora parecen haber estado al margen de la parcela compartida, empiezan en tambalear su ideal plan de vida.

Pasta fullada forma parte de una trilogía sobre la experiencia afectiva de las personas, de las circunstancias que las propician y de los destinos que acaban por construir. En el centro de esta reflexión está la mujer, que crea, engendra y participa cada vez más en todos los ámbitos de la vida social y laboral. La obra busca los límites de la amistad en la vida social y en las relaciones afectivas, dando protagonismo a la voz humana.

En la obra se muestra la vida de cuatro personajes, dos parejas de amigos que llevan y soportan una amistad de muchos años. A lo largo del tiempo, aquellas fatigas de pareja se alimentan de la energía del otro par o de una de las amigas o del amigo. Sin demasiado conflicto, los personajes viven un guión que los complace, sin saberlo todo unos de los otros. En cambio, creen que se conocen mucho.

Por otra parte, sin estar en la escena estarán presentes los hijos de una de las parejas, lo cual explica también los conflictos generacionales que vive una familia de hoy día. Que pueden ser semejantes a los del pasado pero tienen elementos nuevos, valores estéticos nuevos.

Pasta fullada, sin decirlo, explica la importancia de la tolerancia y la complicidad en las amistades. La obra habla mucho de sexo, en cambio esconde la seguridad que da la amistad y tener a tu lado amigos que te escuchen., con una mirada cargada de ironía y cinismo.

“Pasta Fullada” se representará en el Teatre Gaudí Barcelona a partir de 1 de octubre de 2010.

Autor: Ever Blanchet
Director: Òscar Molina
Intérpretes: Carmen Sansa, Carles Sales, Josep Minguell y Margarida Minguillón.

Horarios: De jueves a sábado a las 20:45 horas y domingo a las 19:30 horas.
Precio: 18 €

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Publicado originalmente en: http://www.indienauta.com

Crítica: El Gran Vázquez

“Este es un País de miserables. Nadie hablará de nuestros tebeos, aquí lo único que interesa es que Superman se case o que un autor la palme. Verás cuando me muera. Todos, todos van a decir que ha muerto un genio, el creador de las hermanas Gilda, de Anacleto, de la familia Churumbel, de lo que sea…  Seguro que me dedican una página entera en los periódicos…” Vázquez

Extraído de una introducción de Joan Navarro en el catálogo del XI Salón Internacional de Cómic de Granada.

Hay infinidad de personas que no saben ni quien fue Vázquez en el mundo de la historieta, y eso que está considerado uno de los más grandes del cómic español en el género del humor. Pero habrá muchos menos que no han leído nunca una historieta de Anacleto agente secreto, Ángel Siseñor, la abuelita Paz, los casos del inspector O´Jal, Angelito, o de la familia Cebolleta, entre muchas otras. Efectivamente Vázquez era un genio y cuando murió en octubre de 1995 ocurrió lo que había vaticinado.

Sus personajes, como muchos de otros dibujantes, quedaron antes de tiempo en un segundo plano ante el apabullante éxito de Mortadelo y Filemón de Francisco Ibáñez. Sin embargo la vida que llevó fue digna de una película y esto es precisamente lo que es “El gran Vázquez”.  El primer biopic de un guionista y dibujante español. Algo que seguramente el autor jamás soñó que ocurriera.

Oscar Aibar director de “Atolladero”,“Platillos volantes”,“La máquina de bailar” y antiguo guionista de cómics conoció personalmente al autor cuando trabajaron juntos en la revista Makoki. Afirma que era todo “un hombre de principios”: jamás firmó un contrato de alquiler y dejaba sin pagar múltiples facturas. El empeño de Aibar en llevar a la pantalla al “admirado maestro” ha dado buenos frutos. Una película en que se nota el cariño por el autor que tantas buenas horas nos hizo pasar con su Anacleto o Gu-Gu entre otros, aunque mostrando que fue un moroso y sableador sin demasiados remordimientos. Un vividor: 3 años se pasó de hotel en hotel con Aurora, una de sus mujeres, sin pagar en ninguno.

La película esta ambientada en la Barcelona de los 60 en la época que Manuel Vázquez ya trabajaba para Bruguera y vemos su peculiar estilo de vida. La ambientación de esta Barcelona esta conseguida al plagar las calles de carteles, publicidad, a través de los quioscos, o las calles más pobres llenas de prostitutas. En aquellos años no es que la vida fuese fácil pero Vázquez se las ingenia con morro, estafas y engaños para vivir bien sin tener que pagar mucho. Y en el campo sentimental igual, se podía enamorar aún teniendo ya pareja e hijos con otras. Pero por encima de todo esto cuando se ponía a los lápices sus historias rebozaban esplendor creativo e innovación del encorsetamiento Brugueriano.

El papel del dibujante recae en las manos de Santiago Segura que hace una acertada y comedida interpretación de cómo debía de ser el personaje. Y eso que según sus propias palabras en algunas antiguas fotos ya parecía un calco de Torrente y por algunas antiguas entrevistas en blanco y negro que circulan por ahí. Como muchos el actor también disfruto de pequeño con sus divertidas historietas.

A los que nos gustan los cómics disfrutaremos con la recreación de la redacción de la antigua Editorial Bruguera a escala pequeña con su redactor jefe Rafael González interpretado por el eficiente Enrique Villén y algunos dibujantes, el cajón con los originales… A destacar la interpretación de Ibáñez por Manolo Solo, muy parecida al original físicamente y en la forma de hablar. Aunque hubiese sido un puntazo que de mayor hubiese sido el propio Ibáñez el que se interpretara así mismo. Escobar también se  parece al original. Como siempre Álex Angulo esta genial.

La película es divertida y te hace sonreír sin caer en la carcajada. Es una película agridulce al igual que su vida que estuvo llena de luces y sombras. Se toca muy bien la amargura y rabia del autor de no tener los derechos de sus personajes y ver como eran dibujados por otros sin cobrar un duro. Hay muchas anécdotas que han quedado relegadas porque con él nunca sabías donde empezaba la realidad y la ficción como en el caso de su propio personaje de historieta “los cuentos del Tío Vázquez”. Como bien dice bromeando Julia Galán primero vivía la experiencia y luego hacia el guión. Hay una de bien jugosa en la que Vázquez al volver para su casa se da cuenta de que hay un acreedor esperándole en el descansillo de la misma. El propio dibujante, como no se conocen personalmente, se hace pasar por otro acreedor que espera al moroso. Al cabo del rato al ver que no va a llegar el impresentable bajan los dos al bar y Vázquez encima consigue que le invite a comer. La picaresca fue su estilo de vida.

Es original la animación de sus famosos personajes como Anacleto, Las hermanas Gilda, la familia Cebolleta y su alter ego el Tío Vázquez. Y bueno el detalle del típico color bitono de los primeros tebeos Bruguera. La música de Mastretta recrea el tono de comedia de muchas situaciones. Y los colores apagados recrean ese ambiente triste y serio de la época aunque cuando Vázquez dibuja hay más color. Y es que Vázquez creaba en cualquier lugar menos en el lugar de trabajo. Esto es cierto.

Los 90 fueron duros para él, según Joan Navarro (editor de Glenat). Bruguera había desaparecido, y las cosas no le iban muy bien. Ya apenas existían revistas de humor. Y lo que le publicaba Glenat (gente peligrosa, agente del fisco…) le daba lo justo para ir viviendo. Esto se intuye un poco en el epilogo de la película y te queda la curiosidad por saber si la última y fuerte anécdota del film es cierta o no.

Una película española atípica para descubrir la inusual vida de este genio de la historieta. Ahora con motivo de la misma se han editado varias obras del autor. Lecturas recomendadas: A destacar el magno y recomendadísimo tomo: Lo peor de Vázquez de Glénat, los dedicados por RBA Clásicos del humor a Anacleto, las hermanas Gilda, Angelito, y la familia Cebolleta. También los dos Super Humor de Ediciones B. En octubre aparecerán más novedades editoriales.

Otras curiosidades de la película: En la última escena en que Vázquez abraza a Ibáñez en el Stand de firmas unos 20 de los figurantes son nietos del fallecido autor. Cuando la mujer del dibujante da a luz, el médico que asiste el parto es el autentico hijo (uno de ellos) de Vázquez.

UN POCO MÄS DE HISTORIA

El artista había empezado a publicar en Bruguera en el lejano 1948 con obras como “la mansión de los espectros”. Con un dibujo irreconocible al de su madurez, pero igualmente bueno. Para esta Editorial creó infinidad de portadas y personajes, algunos de muchísimo éxito como los mencionados. Y esto fue así hasta casi su cierre en 1986. También publicó a posteriori en Víbora o Makoki historietas más picantes. Pero mucho antes ya había dibujado historietas eróticas humorísticas con el seudónimo de Sappo pero con su estilo altamente reconocible. En la etapa posterior al cierre de Bruguera colaboró en varias editoriales regalando autenticas perlas de autor ya consagrado.

El mismo se hizo una leyenda dibujándose a si mismo y creando “los cuentos del Tío Vázquez”. En los que aparecía como un sableador, liante, jugador profesional del Bingo, amante de la belleza femenina (los que le conocieron afirman que les podía soltar alguna gorda a cualquier chica guapa pero con una gracia tan natural que estas no se enfadaban… se sonreían…) No en vano se dice que estuvo casado con siete mujeres y tuvo once hijos. Su propio hijo en una reciente entrevista en La Contra de La Vanguardia cuenta lo siguiente de cuando vivían juntos: “Trajo a casa una novia de 18 años, casi de mi edad, y me encantaba besarla por la mañana: ¡qué bien olía!”

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Escrito por: Taradete

Publicado originalmente en: El rincón del taradete

Crítica teatral: Lottegoesliquid

La Nau Ivanow propone una nueva experiencia escénica y teatral con la programación de Lottegoesliquid, una instalación escénica creada por la compañía Los resilentes que materializa las teorías sociológicas de Zygmunt Bauman.

Una experiencia escénica y casi una aventura teatral ya que Lottegoesliquid no es, ya desde su inicio, una obra de teatro en su sentido más canónico. Los espectadores son invitados a entrar en una sala con una construcción escenográfica muy característica. Una serie de espacios diseñados con unas estructuras efímeras nos sitúan en el mundo actual, en la vida de los personajes rasgados que nos presenta la obra.

El espectáculo, que no tiene inicio ni final, o mejor dicho, tiene una clara y comprometedora esencia cíclica, nos presenta a toda una serie de personajes individuales que, como en cualquier sociedad, interactúan en algún momento entre ellos, pasan de la individualidad a la colectividad a través de su comportamiento social.

Y es en esta relación donde se hace presente el pensamiento de sociólogo polaco Zygmunt Bauman, donde los roles y los lazos sociales se hacen líquidos, se degradan para dar paso a una crítica de la sociedad capitalista, se halle esta en el lugar donde se halle, en la cual valen más las posibilidades y la agilidad vital para adaptarse a ellas, que los lazos emocionales y sentimentales que los hombres y las mujeres han desarrollado desde los inicios de la historia para hacer frente a una realidad salvaje y agresiva.

Lottegoesliquid nos permite reflexionar y interactuar con la obra. Reflexionar sobre la tosca realidad afectiva, psicológica y emocional que el capitalismo más audaz (sin duda el que vivimos en la actualidad y que ha perpetrado la mayor crisis mundial después del Crack del 29, y lo que es peor, que parece que va ha salir indemne de ello) nos depara en la vivencia diaria. Palabras como lealtad, emoción, institución, fidelidad o comunidad dejan paso al homo consumista, aquel que solo debe preocuparse de saciar sus ansias de consumo. Interactuar porque la obra no tiene una única perspectiva ya que el público puede y debe cambiar de posición para seguir la multiplicidad de tramas individuales que dan esencia al espectáculo.

Todo un reto para el espectador no acostumbrado a participar de esta forma en el planteamiento escénico. Una multiplicidad de tramas que no permite al público captar su totalidad ni en el espacio ni el tiempo, sino solo centrar su atención en una parte de la realidad, aquella que pueden captar sus sentidos, fiel reflejo del exceso de información de que disponemos en la actualidad, lo que no permite al ciudadanos conocer nada, tan solo poseer una parte de la verdad, la necesaria para seguir consumiendo hasta el último de sus días.

Una aventura escénica un tanto arriesgada la que nos presenta la compañía Los resilentes en la Nau Ivanow, solo apta para aquellos que posean una mentalidad abierta y a los que les guste experimentar en general y en particular en el teatro. Un buen ejemplo de cómo el discurso y el trabajo teatral también evoluciona hacia ideas y concepciones diferentes a las puestas en escena tradicionales.

LOTTEgoesLIQUID” se representa en la Sala Abaco de la Nau Ivanow del 23 de septiembre al 3 de octubre de 2010.

Concepto y dirección: Eleonora Herder
Dramaturgia: Lucía Carballal
Intérpretes: Joan Casas, Laura López, Lluna Pindado, Ramon Rojas, Anahí Setton, Arne Koehler y Albert Alemany
Escenificación: Eleonora Herder, Falk Roessler y Arne Koehler
Escenografía e iluminación: Enric Naudi y Elena Vitarelli
Espacio sonoro: Falk Roessler y Arne Koehler

Horarios: De jueves a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas. Los domingos habrá una charla con los artistas después de la función.
Precio: 12 €; Amics de la Nau, 10€

Duración del espectáculo: 1 hora y 30 minutos

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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Publicado originalmente en: http://www.indienauta.com

Crítica literaria: Barcino, de Maria Carme Roca

Como todo el mundo sabe, y solo hace falta entrar en una librería para comprobarlo, la novela histórica es un género en auge desde hace ya varios años. Así, uno puede trasladarse, si su imaginación y sus gustos se lo permiten, a la lejanía y exotismo de la antigua Mesopotamia, a las filosóficas y democráticas costas griegas, a la Roma imperial, a las legendarias e inhóspitas centurias medievales, al siglo de oro español, a la época de las grandes colonizaciones…

Aunque los lectores hispanos y catalanes no podían disfrutar, hasta hace poco, de demasiadas novelas de este género ambientadas en la península ibérica y más concretamente en tierras catalanas. Este espacio ha ido siendo ocupado en los últimos años por novelas históricas ambientadas en el territorio nacional ya sea en la antigüedad hispana como en la época medieval cristiana, lo que ha permitido a los lectores poder viajar al pasado a través de lugares conocidos y familiares, evitando las grandes aglomeraciones antiguas o los grandes personajes ya muy manidos.

Este es el caso de Barcino, la novela histórica escrita por Maria Carme Roca y publicada el año pasado en catalán por la editorial Columna. La novela recorre la vida de uno de los barceloneses (o mejor dicho, barcinonenses) mejor conocidos de la antigüedad: Lucio Minicio Natal Quadronio Vero, nacido a finales del siglo I d.C. A través de sus paginas veremos pasar la infancia del pequeño Lucio junto a su esclavo, Teseo, que se convertirá, sin duda, en su gran enemigo vital a lo largo del libro. La historia narrada por el propio Lucio, nos llevará a través de su adolescencia, su juventud y su entrada en el mundo adulto. Recorreremos su carrera política (cursus honorum) y su vida familiar organizada, como no podía ser de otra forma, sobre los engranajes y obligaciones de una familia plebeya rica, una de las más importantes, o incluso la más, de la ciudad de Barcino. La trama más particular del libro se enmarca en el contexto imperial de la época, bajo los reinados de los emperadores Trajano, Adriano y Antonino Pío, (siglo II d.C.) según algunos historiadores de la Antigüedad, uno de los periodos más felices de la historia humana.

Aún así, y aunque los ingredientes a priori parecen de lo más apetecibles, el libro no llega a explotar todo su potencial, algo que podemos ver en su propio título: Barcino. Uno, al comprar el libro, puede entender y entiende que la ciudad de Barcelona (la antigua Barcino) jugará un papel importante en la trama, casi como un protagonista secundario. Pero este no es el caso. La colonia esta presente como mera superficie vivencial, y aparte de algún breve comentario sobre el cardo y el decumanus maximus y las termas construidas en la época por la familia de los Minicio, la ciudad es casi invisible, oculta, lo que le resta credibilidad y realidad a la trama.

Otro de los handicaps de la obra es la orientación privada y familiar de la historia. Roca se interesa más por los aspectos privados y familiares de la trama que no por la historia política que acompañó a los Minicio a lo largo de su vida. Y es una lástima ya que los dos Lucio Minicio, padre e hijo, son, seguramente, los personajes mejor conocidos de la historia de Barcino, gracias a la conservación de diversas inscripciones que han llegado a nosotros y que nos informan de la carrera política de ambos. Aún así, Roca prefiere presentar su historia como un argumento familiar, en el que el servicio militar y político de los Minicio queda relegado a un segundo o tercer lugar. Toda una lástima, seguro!!

Maria Carme Roca

La apuesta de Roca se basa en el enfrentamiento existencial entre el heredero de la familia con uno de sus esclavos, Teseo, que además de esconder un oscuro origen, buscará desde un principio el perjuicio de su joven amo. Este enfrentamiento se desarrollará a lo largo de las páginas del libro, aunque en algunos momentos llegue a parecer algo inverosímil e irreal. Y es seguramente el momento más extraño y difícil de la obra, la victoria de los caballos de los Minicio Natal en las Olimpiadas griegas de la época (un hecho real), guiados por el liberto Teseo, el que la autora elimina de la trama, citándola tan solo brevemente. Una elusión que priva a la obra de unas páginas que le podrían haber proporcionado la fuerza y la energía de las carrera de cuadrigas…!!

Por todo ello, por sus aciertos y sus fracasos, Barcino se queda a medio camino de lo que podría haber sido. No nos muestra demasiado de la ciudad antigua ni de los aspectos históricos más conocidos del linaje de los Minicio Natal y nos presenta una trama decepcionante en alguno de sus momentos. Aún así, es una buena opción para todos aquellos que prefieran viajar al pasado guiados por la mano de un personaje cercano y próximo, paisano de una ciudad que el paso del tiempo convertiría en una de las grandes metrópolis del Mediterráneo.

Título: Barcino
Autora: María Carme Roca
Editor: Columna
Fecha de publicación: marzo 2009
Colección: Classica
Número de Páginas: 336

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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Novedad literaria: Guerra de la doble muerte, de Alejandro Castroguer

La editorial Almuzara, pionera en España por haber provocado el brote y la infección de la literatura zombi a miles lectores gracias a la publicación de los dos títulos más representativos de este género a nivel mundial, Guerra Mundial Z y Zombi. Guía de supervivencia del norteamericano Max Brooks, vuelve a la carga, esta vez con una nueva obra de un autor nacional, Alejandro Castroguer, titulada Guerra de la doble muerte. Una historia en la que el autor logra con su pluma contar de forma magistral una verdadera pesadilla sobre el apocalipsis.
La trama se sitúa a mediados de diciembre de 2009. Unos asesinatos en Hornachuelos saltan a los titulares de los periódicos y los telediarios a pesar del intento de ocultación del Gobierno, quien lanza una cortina de humo en torno a la violencia de los ataques, a pesar de que éstos rozan el canibalismo. La crisis de la doble muerte estalla en toda Andalucía sin que nadie sepa responder a la misma con presteza.
Unos meses más tarde, en febrero de 2010, el estallido de la economía mundial apenas puede disimular la gravedad de lo ocurrido en Andalucía durante las últimas semanas. Se barajan diversas hipótesis como desencadenantes de la resurrección de la carne, pero lo único cierto es que el hambre se ha extendido por las ocho provincias andaluzas.
La Guerra de la Doble Muerte es la historia de Judith, Salvador y Jonás; la lucha de estos tres resucitados que, tras perder la práctica totalidad de sus recuerdos, han de enfrentarse a un mundo que no entienden y del que habrán de huir, aunque desconozcan cómo y hacia dónde. Mientras tanto, la propaganda desplegada por las fuerzas militares habla de la Ciudad Negra como única posibilidad de salvación… y de una supuesta cura de la enfermedad.
La multitud de zombies que transitan por sus páginas personifican en carne viva, nunca mejor dicho, una de las paradojas más terribles del capitalismo: sólo hay vida después de la muerte.

Alejandro Castroguer nació en el año 1971 en Málaga. Es diplomado en Magisterio (Ciencias Humanas). Escribe desde muy pequeño, y con su primera novela, Jeroglíficos de muerte y salvación quedó entre los finalistas del Premio Ateneo de Sevilla del año 1992.
Ha publicado varias novelas como Una raya de tiza, Soñaba que soñaba, Las puertas, Horizonte Marfil, Carcoma El bailarín de claqué y La octava noche. Castroguer pertenece al grupo literario Sevillaescribe con quien aparecerá en una próxima antología de la mano de su relato El noctívago demacrado en el que rinde homenaje a Lovecraft.

Título: Guerra de la doble muerte
Autor: Alejandro Castroguer
Editorial: Almuzara

Crítica literaria: Lazarillo Z. Matar zombis nunca fue pan comido

¿Qué pasaría si la historia del famoso Lazarillo de Tormes fuera una farsa? ¿Y si la versión oficial, falseada y anónima de esta obra ocultara una verdad atroz y perversa? Este es el punto de partida de Lazarillo Z. Matar zombis nunca fue pan comido, una vuelta de tuerca zombi a un clásico de la novela picaresca española del siglo XVI.

Y este es otro claro ejemplo del vigor que el género zombi ha alcanzado en los últimos tiempos y que ya afectó, en octubre del año pasado, a Orgullo y prejuicio de Jane Austin, otro clásico de la literatura inglesa del siglo XVIII. Solo hace falta contemplar la cartelera cinematográfica de la ciudad en donde vivimos, o el apartado de novedades literarias de nuestra librería más cercana para ser conscientes de que los muertos vivientes están muy pero que muy vivos.

Si esta semana se estrena en España Zombis nazis (Dead snow) una revisión noruega en clave de comedia con nazis de la Segunda Guerra Mundial putrefactos aunque aterradores, la llegada en marzo de este año a las librerías de Zoombi: El apocalipsis zombi con denominación de origen, de Alberto Bermúdez Ortiz, muestra bien a las claras que la fuerza del género está muy lejos de remitir, por lo que puede ser de buen preveer la continua llegada de “mercandiazgo Z ” durante los próximos meses y años, algo muy a celebrar por todos aquellos que disfruten con las historias protagonizadas por los despojos de los difuntos.

El Lazarillo Z parte de una idea inicial: Es el propio Lazarillo, el real, quien nos explica de su puño y letra la verdadera historia de su vida en pleno siglo XVI, una historia que ha llegado a la actualidad solo en una versión falsa y adulterada. Algo que no deja de ser parcialmente histórico, ya que la obra real fue censurada en su tiempo como no podía ser de otra forma, por la Inquisición, y tan solo pudo ser publicada en su forma original a partir del siglo XIX.

Hasta aquí el único parecido con la realidad. El Lazarillo Z nos retrotrae a un pasado en el que los muertos abandonan sus tumbas para cohabitar con los vivos, de una forma pacífica en un principio aunque cada vez más agresiva en los últimos tiempos. Para luchar contra este mal, proveniente, según parece, de las Américas españolas, la Corona ha creado un “grupo de choque” (aunque a veces no lo parezca) formado por elementos de las clases más populares y degradadas, que, como un pequeño comando intenta acabar de raíz con los brotes de esta malsana epidemia.

Aunque el argumento es (de momento) original, el libro padece de algunos fallos que limitan su acierto. La novela, de 191 páginas, acaba pareciendo tan solo un capítulo piloto de una posible saga de zombis ambientado en la España imperial de los Austrias, ya que presenta más la situación y a los personajes, principales y secundarios, que no desarrolla la acción Z, la que sin duda esperan los fans del género.

Por otro lado la “fuerza de choque anti-zombi”, el grupo protagonista de la novela, es bastante irreal, ya que por razón de sus componentes y de su extracción social, parece más un cuadro de bufones de Velázquez que un comando organizado para luchar contra una amenaza de este tipo. Sabemos que es mucho requerir al siglo XVI español tener organizada una CIA o un FBI competentes, aunque no es mucho pedir, sabedores de la potencia militar de los tercios españoles del momento, tener organizada una unidad con “cara y ojos”. Este elemento, además, le roba a la trama un grado de tensión y acción que se nota a lo largo de la novela.

La presentación y la interiorización en los personajes (con alguna sorpresa incluida) le roba a la novela la acción necesaria que una trama de este tipo necesita, lo que provoca, seguramente, que el lector se quede con las ganas de más, algo solo bueno si el autor y la editorial tienen planteado, como decíamos antes, alguna secuela de la novela.

Lazarillo Z. Matar zombis nunca fue pan comido, es así, un intento algo fallido, de llevar una moda en boga a un género muy nuestro, en el que el argumento y la acción han perdido presencia en favor de unos personajes poco creíbles y loables. Aún así es una novela fácil y rápida de leer, que seguramente colmará las expectativas de todos aquellos que, invadidos por la sed de sangre muerta y putrefacta (de la que verdaderamente hay muy poca!!), quieran retroceder en el tiempo a la época de la España imperial y compartir las aventuras de un lazarillo que más que picaresco, que también lo es, se convierte en un redentor de los muertos, sobre todo de aquellos que se resisten a obedecer las sagradas e imperturbables leyes de la vida y de la muerte.

Título: Lazarillo Z. Matar zombis nunca fue pan comido
Autor: Lázaro González Pérez de Tormes
Editorial: Debolsillo (Barcelona, 2009)

Escrito por:  Jorge Pisa Sánchez

Publicado originalmente en: http://www.revistadeletras.net/

Estreno teatral: La Doña (El último tango de una alcaldesa)

La Sala Muntaner estrena La Doña (El último tango de una alcaldesa), una sátira de la política y los políticos valencianos realizada en formato cabaret.
Tras 216 años como alcaldesa en el mismo ayuntamiento, la «Doña» decide escoger nuevas candidatas para un relevo que nunca se decide a llevar a cabo. Su cómoda butaca, su fiel electorado y sus pequeñas adicciones la retienen. Acompañada por su fiel perrita disecada, va contando los avatares de su vida, desnudando alma y cuerpo y cantando mientras elige entre sus votantes a una sucesora imposible.

La compañía de teatro-cabaret CABARETC quiere enfocar su trayectoria artística en la investigación y desarrollo de una fusión del cabaret alemán, el café-teatro francés, el teatro de revista mexicano y la técnica actoral universitaria.

«Doña (el último tango de una alcaldesa)» se representará en la Sala Muntaner del 22 de septiembre al 3 de octubre de 2010.

Autor: Tonino Guitián
Dirección: Juli Leal
Intérpretes: Tonino Guitián y Pau De Nut (violoncelista-cantista)
Compañía: CABARETC

Horarios: De miércoles a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 18:30 horas.
Precio: Miércoles y jueves 16 €; viernes, sábados y domingos 18 €.

Duración del espectáculo: 75 minutos
Idioma: castellano

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Publicado originalmente en http://www.indienauta.com