Crítica teatro: Decadència, en la Sala Atrium

Vivimos en un mundo donde se impone poco a poco la ideología ultraconservadora, que nos propone una existencia a diferentes niveles, esto es, los ricos derrochando su patrimonio y contribuyendo socialmente lo menos posible y los no tan ricos cada vez con mayores problemas para llegar a final de mes. No es de extrañar, pues, que el teatro nos proponga material escénico al respecto para impulsar un debate artístico y social. Es en este contexto en el que se estrena en la Sala Atrium Decandència, de Steven Berkoff, una crítica a las clases altas y su forma de vida dirigida por Glòria Balañà i Altimira e interpretada por Carles Martínez y Míriam Alamany.

“Una pareja de amantes ricos vive en un estado de éxtasis permanente, consumiendo ópera, langostas, caviar, alcohol y sexo sin cesar. Cuando no hay fiestas, se aburren y cazan por distraerse, por pasar los domingos, por descansar del sexo sin dejar el placer y la excitación que les proporciona la caza. No hay nada más en el mundo. No importa más que su paraíso y sus presas. Helen y Steve viven su romance hasta el final y el obstáculo que podría destruirlos, encarnado en los patéticos Sybil y Les, no puede con ellos. Una vez más, el triunfo decadente de la clase acomodada, el triunfo del dinero y del poder.”

Decadència es un retrato crítico de la actual evolución social, política y económica mundial, que se centra en la vida ociosa y libertina de un par de parejas de clase alta. Glòria Balañà i Altimira ha querido mostrarnos su día a día, en el que el placer y los excesos están presentes, junto con un desprecio amplio y profundo de las clases sociales inferiores.

Decadencia_Sala Atrium

Martínez y Alamany dan vida, así, a diversos personajes nauseabundos aunque de forma admirable, con la dificultad añadida, en este caso, de la recitación de un texto en verso, una obra de ingeniería poética elaborada por Neus Bonilla y Carme Camacho, que sirve de contrapunto a la decadente acción que se desarrolla sobre el escenario: personajes que han perdido el sentido de la vida y que solo se mueven por el placer que les puede proporcionar su estatus social y económico.

La escenografía es mínima, reducida a un enorme “cuadro digital” que preside el espacio y un sillón, que hacen fijar la atención del público tan solo en la interpretación de los actores. Una delicia observar tan de cerca la placenteras vicisitudes de los personajes dominados por la buena comida, el alcohol, la ópera y el sexo, todo ello en diverso orden e intensidad. El vestuario y el maquillaje de los actores ayudan, también, a crear ese ambiente de decadencia que la obra intenta transmitir y que la proximidad con el público la hace, incluso, sentir.

Decadència nos permite, así, reflexionar sobre nuestra sociedad próxima, ya, a mediados del siglo XXI, y aunque fabricada con bastantes tópicos sobre el dispendio de la riqueza, nos puede ayudar a entender cómo evolucionamos política, social y económicamente, y cómo las ansias de riqueza y de poder, pueden afectar al planeta en el que vivimos, si no ponemos un poco de sentido común en nuestras vidas, ya sea la de los que lo tienen todo o la de los que se esfuerzan por tener algo, aunque solo sea un poco de dignidad.

“Decadència” se representa en la Sala Atrium del 1 al 27 de julio de 2025.

Autor: Steven Berkoff
Dirección: Glòria Balañà i Altimira
Traducción: Neus Bonilla y Carme Camacho
Intérpretes: Carles Martínez y Míriam Alamany
Espacio escénico: Alfonso Ferri
Iluminación: Sylvia Kuchinow
Sonido: Àlex Polls
Producción: Festival GREC, Vania Produccions y Atrium Produccions

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas y domingos a las 18:30 horas
Precio: 22€ (entrada general)
Idioma: catalán
Duración: 75 minutos
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Los dos hidalgos de Verona, en el teatre Grec

Llegamos ya al ecuador de la edición del Festival Grec de este año y comenzamos, un poco tarde, con la reseña de Los dos hidalgos de Verona, una comedia de juventud de Shakespeare adaptada y actualizada por la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

“Los dos hidalgos de Verona es una de las primeras comedias escritas por William Shakespeare que nos ofrece una mirada interesante a los temas del amor, la amistad y la traición.
La historia gira en torno a dos jóvenes nobles de Verona: Valentín y Proteo. Al principio, su amistad parece inquebrantable, pero todo cambia cuando ambos se enamoran de la misma mujer: Silvia, la hija del Duque de Milán. Lo que comienza como una historia de amistad y romance rápidamente se convierte en una red de engaños, mentiras y conflictos emocionales”.

Pues ya lo veis, una de las primeras obras que escribió Shakespeare que, aunque no es tan conocida como otras obras suyas, nos muestra algunos de los ardides y argucias escénicas que el autor inglés desarrolló más adelante. Y como buena comedia, el amor y todo lo que este sentimiento desencadena en la voluntad de los hombres es el tema principal que las compañías CNTC, Cheek by Jowl y LAZONA han intentado actualizar y llevar a un mundo fácilmente reconocible para nosotros.

Estamos, pues, ante una propuesta minimalista en la que sobre el escenario casi no hay nada, excepto un muro que hace las funciones de bambalina o decorado y tras el que se amagan los actores. De esta forma lo que prima en la representación es la interpretación del reparto, integrado en los papeles principales por Manuel Moya (Valentín), Alfredo Noval (Proteo), Irene Serrano (Julia), Goizalde Núñez (Lucetta), Rebeca Matellán (Silvia) y Jorge Basanta (Duque de Milán), que dan lo mejor de sí para hacer frente a traiciones, engaños, disfraces y malevolencias, todo ello bañado con un ligero sentido del humor que recorre los incesantes vericuetos de la obra.

La propuesta del Grec tiene puntos fuertes y débiles también. Entre los primeros destaca la versión del texto de Shakespeare, obra de Declan Donnellan y Nick Ormerod, que mantiene la tensión cómico-trágica que la obra requiere para un público del siglo XXI; también la interpretación de los miembros de la compañía, que está a la altura de la obra del dramaturgo inglés. Por desgracia el ritmo perezoso de la obra ralentiza el avance de la representación, de casi dos horas de duración, hecho este que ni la rotura de la cuarta pared en diversos momentos de la obra consigue atenuar, aunque sí que la provee de sus momentos más humorísticos de la mano del personaje de Lucetta (Goizalde Núñez).

Los clásicos siempre están presentes y nos sirven como espejo fosilizado de nuestra sociedad y de nuestro comportamiento individual, para constatar cómo cualquier acción o voluntad puede trocar en su contraria, con la misma facilidad que la intensidad y el tono de la luz cambia a lo largo del día. Los dos hidalgos de Verona nos lo deja claro, y de ahí que sea una lección teatral que vale la pena recuperar.

«Los dos hidalgos de Verona» se representa en el Teatre Grec el 18 y el 19 de julio de 2025

Autoría: William Shakespeare
Dirección: Declan Donnellan
Adaptación: Declan Donnellan, Nick Ormerod
Interpretación: Jorge Basanta, Prince Ezeanyim, Alberto Gómez Taboada, Rebeca Matellán; Manuel Moya, Alfredo Noval, Goizalde Núñez, Antonio Prieto, Irene Serrano
Diseño de escenografía y vestuario: Nick Ormerod
Diseño de iluminación: Ganecha Gil
Diseño de sonido: Sandra Vicente y Kevin Dornan
Composición musical: Marc Álvarez
Movimiento y coreografía: Amaya Galeote
Producción: Compañía Nacional de Teatro Clásico, Cheek by Jowl y LAZONA

Duración: 110 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Estreno teatro: El monstre, en la Sala Beckett

La Sala Beckett estrena en el marco del Festival Grec 2025 El Monstre, de Josep Maria Miró, una historia interpretada por Àurea Márquez, Joan Negrié y Albert Prat sobre la necesidad de tener miedo. ¿Por qué necesitamos construir monstruos? ¿De qué nos protegemos? Estas son algunas de las preguntas que formula la obra a través de un ambicioso juego formal e interpretativo.

Una madrugada, Santi y Berta, incapaces de conciliar el sueño, se desvelan y mantienen una conversación. Algo les inquieta. Tiene que ver con lo que son hoy y con el pequeño pueblo en el que viven. También con la reaparición en sus vidas de alguien a quien en el pueblo bautizaron como “el Monstre” después de su desaparición hace casi veinte años y de uno de los capítulos más oscuros y turbios ocurridos en este sitio.

El Monstre es un texto para tres intérpretes que transita por la oscuridad individual y colectiva de una comunidad, en una apuesta radical y esencial por el lenguaje como vertebrador de la teatralidad. La obra ha obtenido el XXXII Premio Jardiel Poncela de textos teatrales y el XVIII Premi Quim Masó de proyectos teatrales en lengua catalana.

“El monstre” se representa en la Sala Beckett del 3 al 27 de julio de 2025.

Autoría y dirección: Josep Maria Miró
Reparto: Àurea Márquez, Joan Negrié y Albert Prat
Escenografía y vestuario: Albert Pascual
Iluminación: Toni Ubach
Composición musical: Yair Karelic
Producción: Sala Trono

Horarios: de martes a sábado a las 19:30 horas y domingos a las 18:00 horas
Duración: 1h y 35min
Idioma: catalán
Precio: de 11 € a 22 €

Exposición: Rubens y los artistas del barroco flamenco, Caixa Fórum Barcelona

Llega a Caixa Forum Barcelona la exposición Rubens y los artistas del barroco flamenco, una muestra que reúne obras y objetos procedentes de los fondos menos conocidos del Museo Nacional del Prado.

La creatividad inigualable de Rubens, su influencia y la renovación estética que promovió protagonizan esta exposición, en la que sus cuadros dialogan con las obras de artistas como Van Dyck, Jordaens o Brueghel.

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Rubens fue el motor de una fuerza creadora que conquistó la Europa del siglo XVII. Sus arrebatadas composiciones, de un dinamismo casi violento, y la sensualidad que transmite su obra supusieron la definición de la pintura del Barroco. La influencia de su estillo en otros artistas ha hecho del arte barroco flamenco uno de los momentos más sugerentes y visualmente atractivos de la cultura occidental.

Las casi sesenta piezas de esta exposición, que incluyen El nacimiento de Apolo y DianaLa muerte de Séneca y La Inmaculada Concepción, provienen del Museo Nacional del Prado. El conjunto revela la carga intelectual y el estilo distintivo de Rubens y sus coetáneos flamencos, y se divide en siete ámbitos:
● Pasiones divinas
● Imagen y contrarreforma
● La creación arrebatada
● Mecenazgo y coleccionismo
● Arte y propaganda
● Rostros y personalidades
● Dentro y fuera y Naturaleza muerta, naturaleza viva

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Exposición: Rubens y los artistas del barroco flamenco
Espacio: Caixa Forum Barcelona
Fechas: del 29 de mayo al 21 de septiembre de 2025
Entradas y Más información: Web Cosmo Caixa Barcelona

Crónica concierto: Hollywood, l’època daurada. De Korngold a Williams, Palau de la Música Catalana

La música del cine posee una fuerza especial vinculada al propio aliento de las imágenes a las que acompaña. De ahí que todos y todas tengamos en la memoria alguna película preferida asociada muy íntimamente con su banda sonora y con la época o la ocasión en que la disfrutamos. Y estos son los ingredientes que dan substancia a un concierto de bandas sonoras, y más concreto al concierto Hollywood, l’època daurada. De Korngold a Williams que programó el Palau de la Música Catalana el pasado 7 de junio.

En esta ocasión La Orquesta Sinfònica del Vallès (OSV) se atrevió, por fin, con los grandes clásicos de las bandas sonoras de Hollywood, un concierto esperado por los amantes de la música de cine aunque no es demasiado habitual en la programación de las salas de concierto.

El repaso que propuso la OSV no fue riguroso ni amplio, algo, por otra parte, imposible en un formato de concierto convencional, si no que se basó en algunos de los más destacados compositores de bandas sonoras de la época del Hollywood clásico. De esta forma el concierto dio inicio con una primera parte dedicada a Erich Wolfgang Korngold, compositor de origen austrohúngaro responsable de bandas sonoras de películas como El príncipe y el mendigo (1937), Robin de los bosques (1938), o La vida privada de Elizabeth y Essex (1939).

Orquesta Simfonica del Valles

El concierto se centró en esta primera parte después de interpretar la apertura del film Kings Row (1942) en la música orquestal de Korngold con la interpretación de tres movimientos de su Concierto para violín del año 1947, con el lucimiento en la interpretación como violín solista de Heidi Hatch. Una delicia difícil de oír en directo y en la que eran evidente su ascendente cinematográfico al adaptar composiciones para bandas sonoras anteriores como Another Dawn (1937), Juarez (1939), Anthony Adverse (1936) o El príncipe y el mendigo (1937).

La segunda parte del concierto abrazó las composiciones de los grandes de las bandas sonoras del Hollywood clásico. La selección comenzó con la apertura del Halcón del mar del propio Korngold y prosiguió con la interpretación de las suites de Casablanca de Max Steiner y Psicosis de Bernard Hermann y, como no podía ser de otra forma, con la interpretación del tema principal de la Guerra de las Galaxias de John Williams, del que quedó manifiesta su clara influencia «korngoldiana». A este tema sumó como bis la interpretación de la Marcha imperial también de Williams para El Imperio contraataca.

Como ya nos tiene acostumbrados la OSV, en esta segunda parte del concierto los diversos temas fueron acomodados por la voz narrativa de Luis Posada, que enriqueció la recepción de los temas interpretados por la orquesta por parte del público. En este apartado se ha de reconocer que la OSV ha sabido encontrar la fórmula ideal para un concierto de soundtracks, que suma a la interpretación de las diversas bandas sonoras, la narración de Posada y todo ello acompañado por el juego de imágenes en la gran pantalla central sobre la orquesta. Con Psicosis la fórmula proveyó a la interpretación de una terrorífica emotividad difícil de superar.

Desde Culturalia no podemos más que felicitar a la Orquesta Simfònica del Vallés y al Palau de la Música Catalana por atreverse con la programación de conciertos de compositores clásicos de bandas sonoras no tan ampliamente conocidos y por la recreación musical y escénica de sus conciertos, una línea de programación que continua la próxima temporada con conciertos dedicados a la música de cine que incluye homenajes a Ennio Morricone y Nino Rota; Williams y Zimmer, la música del cine de terror y, como plato especial, la proyección del clásico de la ciencia-ficción Blade Runner con música en directo, propuestas que, sin duda alguna, vale la pena tener bien marcadas en vuestro calendario de eventos musicales que no os podéis perder.

Concierto: Hollywood, la época dorada. De Korngold a Williams

Programa
Concierto para violín, E. W. Korngold
Fecha: Sábado 7 de junio de 2025
Horario: 18:30 h
Ciclo: Sinfónicos en el Palau
Organizan: Orquestra Simfònica del Vallès y Fundació Orfeó Català-Palau de la Música

Ficha artística
Heidi Hatch, violín
Orquestra Simfònica del Vallès
Director: Andrés Salado
Ciclo:Sinfónicos en el Palau
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Ciencia-ficción: El último asesinato en el fin del mundo, Stuart Turton, Ático de los libros

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Ático de los libros sorprendió a finales del año pasado con la publicación de El último asesinato en el fin del mundo, de Stuart Turton, una asombrosa novela literaria de intriga que nos presenta un misterio trascendental en un lugar extraordinario y con un final inesperado.

Fuera de la isla no hay nada: una niebla que mata todo lo que toca destruyó por completo el mundo. En la isla, sin embargo, ciento veintidós aldeanos y los tres científicos que los gobiernan viven en un paraíso idílico gracias al sistema de seguridad que los protege de la niebla.

En la isla, los días son plácidos y los isleños viven felices pescando y cultivando la tierra hasta que, para horror de todos, descubren que uno de sus tres amados científicos ha sido brutalmente asesinado. Y eso no es todo: el asesinato ha desencadenado una cuenta atrás que hará que, si el crimen no se resuelve en las próximas 107 horas, el sistema que los protege se desactive y la niebla inunde la isla y acabe con todos los que están en ella.

Para colmo, el sistema de seguridad ha borrado la memoria de todos los lugareños sobre lo que pasó la noche del asesinato, así que ¡uno de ellos es un asesino y ni siquiera lo sabe!

Solo tienen 107 horas para encontrar al culpable y salvarse, y el tiempo no deja de correr.

Stuart Turton es escritor y periodista. Ha trabajado en Shanghái y Dubái. Su primera novela, Las siete muertes de Evelyn Hardcastle, se ha traducido a más de treinta idiomas y ha llegado a las listas de más vendidos en Italia, Rusia, Polonia, España y Reino Unido. Ha ganado el premio Costa a la Mejor Novela y ha sido finalista de los premios Specsavers National Book Award y British Book Award a la mejor novela debut del año. Su siguiente novela, El diablo y el mar oscuro, también ha sido un éxito de público y crítica.

Título: El último asesinato en el fin del mundo
Autor: Stuart Turton
Editorial: Ático de los libros
Formato: 15 x 23 cm, rústica con solapas
Páginas: 432 pp.
Fecha de publicación: 28/10/2024
Precio: 22,95€

Música: El español que enamoró al mundo: Una vida de Julio Iglesias, de Ignacio Peyró, Libros del Asteroide

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Hoy os presentamos en Culturalia una novedad curiosa pero a la vez reveladora: El español que enamoró al mundo, Una vida de Julio Iglesias, de Ignacio Peyró, un actualizado retrato de Julio Iglesias y una parábola de la evolución de la sociedad española en los últimos cincuenta años.

Prosista de referencia en el español actual, Ignacio Peyró se acerca por primera vez a la cultura popular con un retrato biográfico de Julio Iglesias desde sus comienzos marcados por la enfermedad hasta la consagración en Europa y América y su última conversión en meme. Al narrar la construcción del personaje, el libro se erige, también, en relato de cincuenta años de vida social española y en parábola de la evolución de nuestra sociedad desde el tardofranquismo hasta nuestros días. En la estela de las vidas de Pla y Maurois, de Chesterton o Evelyn Waugh, El español que enamoró al mundo busca redescubrir el arte del perfil en un libro con la intensidad propia del periodismo y el placer que solo da la literatura.

Imagen de la seducción y del éxito, la riqueza y la fama, Julio Iglesias ha alcanzado una celebridad a escala global como ningún otro español –con la excepción de Dalí y Picasso– ha conseguido en nuestro tiempo. Su carrera, sin embargo, ha estado atravesada de contradicciones: con más impacto popular que aprobación de las elites culturales, Iglesias ha sido criticado por sus méritos artísticos, sus alineamientos políticos, sus manejos económicos o su condición de latin lover.

Ignacio Peyró

Ignacio Peyró es autor de Comimos y bebimos. Notas de cocina y vida (Libros del Asteroide, 2018); los diarios Ya sentarás cabeza. Cuando fuimos periodistas (2006-2011) (Libros del Asteroide, 2020); la biografía El español que enamoró al mundo (Libros del Asteroide, 2025); y el diccionario de cultura inglesa Pompa y circunstancia (2014), entre otros. Traductor y prologuista de clásicos como Kipling, Auchincloss o Assía, ha sido periodista parlamentario, cultural y de opinión y fue editor fundador de The Objective. Ha trabajado como asesor y escritor de discursos para distintas personalidades de nuestra vida pública. Dirige el Instituto Cervantes de Roma tras dirigir el de Londres, escribe en El País y colabora en la Ser.

Título: El español que enamoró al mundo, Una vida de Julio Iglesias
Autor: Ignacio Peyró
Editorial: ‎ Libros del Asteroide
Fecha de publicación: ‎ 24 febrero 2025
Idioma: ‎ Español
Páginas: 336
Dimensiones: ‎ 19.99 x 12.5 x 2.51 cm
Precio:
● Papel: 20,95€
● Ebook: 10,99€

Crítica teatro: Una mena d’Alaska, en el teatre Lliure

Siempre es un acontecimiento escénico asistir a la representación de una obra de Harold Pinter. Todo ha de salir muy bien para que la obra salga bien. Por eso el estreno de Una mena d’Alaska en el Lliure presagiaba una noche de teatro en mayúsculas.

Pinter escribe una pieza tan enigmática como emocionante sobre un despertar fascinante y esperado, el de una mujer que ha sufrido encefalitis letárgica. La pieza transcurre en medio de ese estado tan reconocible en el que la realidad y la ensoñación conviven paralelamente, donde la vida y la muerte se entrelazan virtuosamente hasta el punto de llegar a dudar si lo soñado ha sido vivido o lo vivido solo ha sido un sueño. Un texto maravilloso y poético, cuyo trasfondo político se vislumbra sutilmente como el fondo de un lago en calma y nos invita a reflexionar sobre la sociedad dormida y el inminente despertar de esta época letárgica”.

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La magia de Pinter vuelve al Lliure bajo la dirección de Ivan Benet, con la interpretación de Mireia Aixalà, Carles Martínez y Aida Oset y los pasos de danza de Andrés Corchero, para mostrarnos, de nuevo, una situación escénica enigmática que adapta uno de los casos clínicos del neurólogo Oliver Sacks. De ahí que todo en la propuesta sea indescifrable.

Pinter nos presenta el caso del tratamiento de una paciente afectada encefalitis letárgica (Mireia Aixalà) que despierta tras 29 años de letargo, hecho este que generará una realidad extraña para ella, en la que estará acompañada por el médico (Carles Martínez) que le ha atendido durante su convalecencia. Como veis, una situación muy propia de Pinter que crea una situación escénica en la que nunca sabremos qué es realidad y qué no lo es, qué es verdaderamente lo que ha pasado y que es lo que está ocurriendo.

De ahí que la fuerza de la obra esté en la conexión que se establece entre los dos personajes principales sobre el escenario. Mireia Aixalà (Deborah) sorprende con una actuación muy convincente de su personaje, que fluctúa entre la incredulidad y los recuerdos de la infancia cuando cayó enferma. Carles Martínez (Dr. Hornby) interpreta hábilmente, como siempre, al doctor que ha conseguido hacer despertar a su paciente, ayudando a crear una atmósfera de misterio a veces contradictoria. Aida Oset encarna a Pauline, la hermana de Deborah y provee a la obra de un a veces arcano toque musical. Por último Andrés Corchero dota a la representación del fondo más onírico con movimientos de danza que ayudan a mostrar de alguna forma el alma de la paciente atrapada en un escenario ajeno a su capacidad racional de comprensión.

Pinter ha regresado al Lliure y lo ha hecho de forma contundente. La dirección de Benet ha conseguido recrear el universo tan propio del autor británico dándole el toque enigmático que requiere la trama. A ello ayuda la escenografía minimalista y la reducida presencia de luz, que ayuda a recrear el espacio intimo de los personajes.

Una propuesta que pierde algo de concisión y dinamismo con la adición de los pasos de danza de Corchero, que ralentiza de alguna forma la representación de la obra. Aún así, una muy buena ocasión para disfrutar de un Pinter algo más arduo de lo habitual, que ya es decir, y de una adaptación muy personal de su mundo escénico.

«Una mena d’Alaska» se representa en el Teatre Lliure del 7 de mayo al 1 de junio de 2025

Autor: Harold Pinter
Dirección: Ivan Benet
Reparto: Mireia Aixalà, Carles Martínez, Aida Oset, Andrés Corchero
Traducción: Cristina Genebat
Coreografía: Andrés Corchero
Escenografía: Sílvia Delagneau
Vestuario: Maria Armengol
Caracterización: Núria Llunell
Iluminación: Jaume Ventura
Espacio sonoro: Damien Bazin
Música original: Aida Oset

Horario: de miércoles a viernes a las 19:30 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:30 horas y domingos a las 18:30 horas
Precio: de 12€ a 32€
Duración: 1 hora y 20 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Exposición: Cerdeña. La isla megalítica, en el Museu d’Arqueologia de Catalunya

Hoy os presentamos en Culturalia una nueva exposición del MAC (Museu d’Arqueologia de Catalunya): Cerdeña, la isla megalítica, una muestra que os dará a conocer las vinculaciones de las civilizaciones antiguas en la isla de Cerdeña con otras culturas y territorios del Mediterráneo antiguo.

Los vestigios de las civilizaciones que le han habitado han fascinado y desafiado a generaciones de estudiosos, que han intentado interpretar su significado.

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“Cerdeña: la isla megalítica” presenta un conjunto de objetos arqueológicos hallados en diversos lugares y localidades sardas y conservados actualmente en varios museos de la isla como estatuillas femeninas asociadas al culto neolítico de la diosa-madre, pequeños exvotos de bronce que representan a personajes de la civilización nurágica, o uno de los enigmáticos gigantes de piedra de la necrópolis de Mont’e Prama (850-750 a. C.), que algunos consideran las primeras esculturas exentas del Mediterráneo occidental.

La inmersión en la cultura nurágica es total y por eso la muestra se acompaña de maquetas y reconstrucciones en 3D, que permitirán a los visitantes explorar muchos rincones y paisajes de la isla.

Esta muestra temporal se enmarca en la política de exposiciones del museo, centrada en presentar temas en torno a las civilizaciones de la antigüedad relacionadas con las tierras que actualmente constituyen Cataluña.

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Es la primera gran exposición de la cultura nurágica fuera de Italia, que ya ha pasado por Berlín (Alemania), San Petersburgo (Rusia), Tesalónica (Grecia) y Nápoles (Italia).

La exposición promovida por la Fundación Mont’e Prama, en colaboración con el Ministerio de Cultura de la República italiana- Dirección General de Museos, la Dirección Regional de Museos Nacionales de Cerdeña, el Museo Nacional de Cagliari y el municipio de Cabras. La organización general ha corrido a cargo de Villaggio Globale International.

Exposición: Cerdeña. La isla megalítica
Espacio: Museu d’Arqueologia de catalunya (Seu Barcelona)
Fechas: del 16 de abril al 2 de noviembre de 2025
Información horarios y entradas: Web Museu d’Arqueologia de Catalunya

Actualidad: La vacuna contra la insensatez, de José Antonio Marina, Ed. Ariel

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Hoy os presentamos en Culturalia La vacuna contra la insensatez de José Antonio Marina, una obra que analiza los efectos de la desinformación en nuestra sociedad escrita por un especialista reconocido del estudio de la inteligencia.

Si somos tan inteligentes, ¿por qué caemos en tantas estupideces y atrocidades? ¿Por qué nos dejamos manipular por falsas creencias, teorías conspirativas y prejuicios? José Antonio Marina nos alerta de un peligro invisible pero real: los virus mentales, ideas que infectan y corrompen nuestra inteligencia, distorsionan nuestra memoria, sesgan nuestro juicio y nos vuelven vulnerables a la manipulación política, económica e ideológica.

Tras años de investigación, Marina nos ofrece una auténtica vacuna contra la insensatez, diseñada para fortalecer el pensamiento crítico, desactivar tópicos que aceptamos como dogmas y entender cómo nuestro cerebro, una obra inacabada de la evolución, nos lleva a cometer errores sistemáticos. Con su estilo claro y provocador, el autor nos invita a reconocer las trampas cognitivas que nos rodean y a protegernos contra la desinformación, la credulidad y la manipulación. Una lectura imprescindible para quienes buscan claridad en tiempos de confusión. Una lectura para inmunizarte contra la desinformación.

José Antonio Marina ha dedicado toda su labor de investigador a la elaboración de una teoría de la inteligencia que comienza en la neurología y termina en la ética, entendiendo que la inteligencia no busca el conocimiento, sino la felicidad y la dignidad. Dentro de este proyecto ha escrito sobre la creación, la voluntad, los sentimientos, el lenguaje, la ética, la religión y la política. Ha sido galardonado con el Premio Anagrama de Ensayo, el Premio Giner de los Ríos de Innovación Educativa y el Premio Nacional de Ensayo.

Título: La vacuna contra la insensatez. Tratado de inmunología mental
Autor: José Antonio Marina
Publicación: 7 mayo 2025
Editorial: Ariel
Presentación: Tapa dura con sobrecubierta
Formato: 14.5 x 23 cm
ISBN: 978-84-344-3870-5
Temáticas: Filosofía / Actualidad / sociologia / Ética
Páginas: 352
Precio:
● Tapa dura: 21,9€
● eBook (Epub 3): 11,99€

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Sobre Monstruos Reales y Humanos Invisibles

El rincón con mis relatos de ficción, humor y fantasía por Fer Alvarado