Turismo: Un autobús de realidad virtual para recrear el esplendor de la antigua Roma

El esplendor original de la antigua Roma regresa de la mano del primer autobús de realidad virtual del mundo, con el que gracias a la tecnología 3D se podrán contemplar los grandes monumentos de la ciudad imperial en un viaje sin precedentes por el tiempo y el espacio.

Desde el pasado mes de junio, romanos y turistas podrán descubrir cómo era la capital italiana hace 2.000 años gracias a la experiencia inmersiva de este bus eléctrico, creado por la empresa italiana Invisible Cities con el apoyo del gobierno municipal y del Parque Arqueológico del Coliseo.

«La idea nació de recrear cómo era Roma antiguamente creando un visor tan grande como un autobús que permitiese compartir la experiencia todos juntos», explicó en la presentación del proyecto el administrador delegado de Invisible Cities, Giorgio Capaci, quien señaló que Roma será la primera ciudad del mundo en tener este sistema de realidad virtual.

autobús de realidad virtual para recrear el esplendor de la antigua Roma_1

Durante el recorrido de media hora, unas pantallas OLED que recubren el interior del vehículo permitirán observar proyecciones a todo color de los monumentos más importantes de la Roma imperial como los foros imperiales, el Coliseo, el circo Máximo y el Teatro de Marcelo.

Todas estas reconstrucciones han sido elaboradas junto a un equipo de arqueólogos para lograr la mayor fidelidad histórica y hacer las visiones «científicamente interesantes y divulgativas», ha añadido el asesor cultural del ayuntamiento romano Miguel Gotor.

Además de las proyecciones de los edificios, también se podrá contemplar, a medida que avanza el recorrido, la vida de los antiguos romanos, con niños jugando cerca del Coliseo, mercaderes vendiendo productos de la época o parejas paseando entre los templos.

Estos vídeos en movimiento que se sacuden con el traqueteo del bus por las antiguas calzadas de la Ciudad Eterna, aportan un mayor realismo gracias también a la música y las fragancias que se desprenden en el interior del vehículo, cuando éste pasa cerca de un antiguo jardín o el lugar donde se colocaban los antiguos mercaderes de especias.

«Se trata de una iniciativa moderna y única que apoyamos para contar la historia milenaria de la capital bajo un nuevo aspecto capaz de atraer a más público y de implicar a los romanos en un viaje para descubrir el pasado de su ciudad», celebró el alcalde de Roma, Roberto Gualtieri.

Asimismo, los visitantes podrán activar un velocímetro, un magnetómetro y un láser de superficie para ver con más detalle la posición del vehículo en el espacio físico real y virtual, así como analizar con más detalle los edificios reconstruidos.

Sin duda una oportunidad para conocer mejor y de forma más amena e inmersiva la historia y la vida en la Roma antigua!!

Más información: Web Vrbusroma

Lisboa Quake, una experiencia inmersiva que te hará vivir el terremoto de Lisboa de 1755

El pasado mes de abril se inauguró Quake, la atracción inmersiva que permite a los visitantes experimentar el terremoto que afectó a la ciudad de Lisboa en el año 1755.

Quake – Centro de Terremotos de Lisboa, es un espacio de 1.800 metros cuadrados que ha supuesto una inversión de 8 millones de euros y en el que es posible vivir el terremoto de 1755 de forma inmersiva.

Según Ricardo Clemente, responsable de Quake: «No mostramos contenidos, hacemos un viaje inmersivo que combina la historia, la ciencia y la emoción». El centro utiliza simuladores, video mapping y otras tecnologías de vanguardia para transportar a los visitantes al 1 de noviembre de 1755, cuando el terremoto destruyó la capital portuguesa, que entonces era la cuarta ciudad del mundo.

Más que un museo, Quake se afirma como un centro de interpretación, donde los visitantes pueden «ver, sentir y oler, y pronto también saborear», la Lisboa del siglo XVIII, a través de un recorrido inmersivo que pasa por varias salas y que invita a los visitantes a interactuar. Quake ofrece lo que la gente busca actualmente en un museo, un lugar al que se va a «vivir la historia» .

«La gente hoy no está disponible para escuchar la historia, no está disponible para leer la historia, pero sabemos que, en esta nueva generación, estamos disponibles para vivir la historia», dijo el alcalde de Lisboa Carlos Moedas, durante la ceremonia de inauguración del espacio, que se encuentra en Belém, junto al Museo de la Carroza.

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Ell recorrido inmersivo de este espacio pasa por varias salas y pretende tener también una función didáctica, concienciando a las nuevas generaciones del hecho de que Portugal se encuentra en una zona de riesgo sísmico y del hecho de que no es una cuestión de «si», sino de «cuándo» volverá a ocurrir un nuevo terremoto.

La visita, que tiene una duración aproximada de 1h y 30m, comienza en una sala de espera donde los visitantes pueden apreciar diversas pinturas e imágenes que retratan la Lisboa del siglo XVII, para pasar después a una sala didáctica sobre sismología, donde es posible aprender cómo se producen los terremotos, a la que sigue otra sala que compara el terremoto de Lisboa con algunos de los mayores terremotos ocurridos en el mundo.

Pero el punto culminante de la visita es la entrada en la máquina del tiempo, que se remonta al día de Todos los Santos de 1755 y nos lleva directamente a la Iglesia de São Nicolau, donde es posible ver y sentir cómo debió ser el terremoto, a través de un video mapping y de bancos que se mueven a medida que el terremoto aumenta de intensidad y el edificio se derrumba.

Tras la catástrofe natural, la visita continúa por otra sala que nos muestra la destrucción y las consecuencias del terremoto, al que siguió un tsunami cuya ola alcanzó los cinco metros de altura, hasta que nos trasladamos directamente al despacho de Sebastião José de Carvalho y Melo, el marqués de Pombal, responsable de la reconstrucción de la ciudad.

Quake se encuentra en la Rua Cais da Alfândega Velha, 39, en Belém, Lisboa, junto al Museu Nacional dos Coches y cerca del MAAT (Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia). También está a 10 minutos a pie del Monasterio de los Jerónimos, del Centro Cultural de Belém y del Padrão dos Descobrimentos, y a unos 20 minutos de la Torre de Belém.

La entrada al Quake cuesta 31€ para los adultos y 21,5€ para los niños de entre 6 y 12 años, mientras que los mayores pagan 25€. Los grupos de más de 10 personas tienen precios a partir de 22€

Más información: Web Quake – Centro de Terremotos de Lisboa

Visita guiada: Anfiteatro y teatro romano de Mérida

Hoy os presentamos en Culturalia una nueva ruta guiada, en este caso por el patrimonio romano de la ciudad de Mérida, el anfiteatro y el teatro romano. Una cita obligada para todos aquellos que visitéis la ciudad, y más ahora, con el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida en plena celebración.

Visita guiada por el anfiteatro y teatro romano

¿Artes escénicas o luchas de gladiadores? En esta visita guiada por el teatro y el anfiteatro de Mérida descubriremos los secretos de los espectáculos públicos en Augusta Emerita.
Itinerario

Pan y circo. ¿Cuántas veces hemos escuchado esta expresión? Y es que los romanos sabían como nadie contentar a la plebe para distraerla de los problemas del Imperio. En el caso de la Lusitania, su capital Augusta Emerita no era una excepción. Para comprobarlo, nos encontraremos frente a las taquillas de acceso al teatro y el anfiteatro de Mérida, punto de inicio del tour.

Comenzaremos realizando una visita guiada por el teatro romano de Mérida, donde distinguiremos las partes en las que se dividía el recinto. En primer lugar, recorreremos la cavea o grada y conoceremos cómo se distribuían los espectadores en función de su rango social. Frente a nosotros quedará la orchestra: el espacio reservado al coro. Justo encima veremos el escenario, emplazado en la tarima del llamado proscaenium. Detrás de este se alza majestuoso la fachada del frente escénico, el símbolo más reconocible de la ciudad de Mérida.

Recordaremos también cómo surgió el Festival de Teatro Clásico de Mérida, cuyas funciones mantienen viva la esencia de este lugar. Justo al lado del teatro visitaremos también los restos del anfiteatro romano de Mérida. Aunque este edificio circular no cuenta con las dimensiones del Coliseo de Roma, el de Augusta Emerita tampoco se quedaba atrás en cuanto a la crudeza de sus espectáculos. Los más populares eran las sangrientas luchas de gladiadores.

Nuestra visita concluirá accediendo a la arena del anfiteatro para hacernos una idea de la perspectiva que tenían los gladiadores del público que les jaleaba desde la grada. La lucha entre seres humanos cobró aún mayor popularidad cuando se le añadieron fieras salvajes. ¡Pan y circo en estado puro!

Visita guiada por el anfiteatro y el teatro romano de Mérida

Horarios:
• Lunes: 12:30 y 19:30 horas
• De Martes a Sábado: 10:15, 12:30 y 19:30 horas
• Domingos: 12:30 horas
Precio: 18€
Reservas: Web Civitatis
Duración: 1 horas (aprox)
Idioma: Español

Crítica teatro: Paraíso perdido, en el Teatre Grec

Llega el final del Festival Grec y con él una de sus cargas de profundidad con Paraíso perdido, obra que adapta y actualiza el poema épico de John Milton con dramaturgia de Helena Tornero y dirección de Andrés Lima, con un reparto que incluye a Pere Arquillué, Cristina Plazas, Lucía Juárez, Rubén de Eguia, Elena Tarrats y Laura Font.

“El poema épico publicado por John Milton en 1667 cuenta la tragedia de la caída del hombre, pero también narra la caída de Satán. Reivindicado por los románticos como el verdadero héroe, el Satán de Milton simboliza el rebelde que se subleva ante la tiranía del cielo. Porque antes de la caída del hombre está la historia del ángel caído. La historia de una rebelión fracasada y sus consecuencias, que condicionarán el destino del hombre y de la mujer”.

Paraíso perdido nos propone una relectura actualizada del poema de Milton en el que la naturaleza del bien, y por tanto del mal, está muy presente, al igual que la condición de la relación entre hombre y mujer o la ficción rebelde del teatro.

La obra sigue el relato del poema original, mostrándonos la caída de Satanás y sus compañeros rebeldes al infierno por obra de Dios, y las artimañas que a partir de ahí el mal llevará a cabo con el objetivo de acabar con el Paraíso que Dios ha creado para el hombre y la mujer. Un realto que sirve, además, para varias reflexiones que los autores ponen al alcance del público.

La primera y más esencial es el origen del bien y del mal y del poder. Dónde reside la clave para entender la evolución de la humanidad y de sus acciones, tanto particulares como en colectividad. ¿Es la propia creación la fuente de todo bien y por tanto, de todo mal? ¿Es por tanto, todo responsabilidad de Dios?

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La segunda reflexión que aparece en la obra es sobre el teatro y el actor (léase también, la actriz). El artificio que supone la ficción del teatro y su pretendida voluntad de provocar y hacer ver a los demás la realidad del momento con todo lo que ella comporta.

Por último, la relación entre el hombre (Adán) y su costilla (Eva), y las consecuencias que la dominación de la mujer por el hombre han comportado y comportan incluso en la actualidad. Como veis, unas reflexiones de calado que emergen acertadamente del texto de Milton.

La dirección y la puesta en escena están muy logradas. Tornero y Lima han sabido crear un ambiente escénico perfectamente adecuado al mito que nos narran, con momentos de gran belleza, como la presentación de Culpa y Muerte (Elena Tarrats y Laura Font) repleta de cánticos y sincronías que crean un espacio fuertemente onírico; la aparición de Adán y Eva y su evolución física o el alegato feminista de Eva al morder la manzana y conocer la realidad de su situación.

La interpretaciones también están muy pulidas, algo necesario en la adaptación de la obra de la que se trata. El duelo verbal y espiritual entre Dios (Arquillué) y Satanás (Plazas) mantiene la grandiosidad de los versos de Milton y, en algunos momentos, la ferocidad de una reflexión más actual. A ellos les acompañan Lucía Juárez y Rubén de Eguia, que interpretan en un plano secundario a Eva y Adán. Todo ello envuelto en un juego de luces y sonidos y en un conjunto de videopantallas que proveen a la obra de ese toque onírico y abisal que necesita la representación.

No queda otra, pues, que ver Paraíso perdido, por la calidad de la propuesta y por las reflexiones antiguas y modernas a las que no remite, no sin tener en cuenta que los mitos religiosos no hacen otra cosa que hablar sobre nosotros y nosotras mismas y sobre lo bueno y lo malo que hace que seamos humanos, como el buen teatro.

«Paraíso perdido» se representa en el Teatre Grec del 26 al 27 de julio de 2022.

Autoría: Helena Tornero (basado en el poema épico El Paraíso perdido de John Milton)
Dramaturgia: Helena Tornero, Andrés Lima
Dirección: Andrés Lima
Interpretación: Pere Arquillué, Cristina Plazas, Lucía Juárez, Rubén de Eguia, Elena Tarrats, Laura Font
Escenografía y vestuario: Beatriz San Juan
Iluminación: Valentín Álvarez (AAI)
Música original y espacio sonoro: Jaume Manresa
Caracterización: Cécile Kretschmar

Duración: 90 min
Idioma: Castellano
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Immunitat, en La Villarroel

Como no podría ser de otra forma ya que forma parte de su ADN, el teatro se atreve, con Immunitat, a analizar las experiencias que todos y todas hemos vivido durante estos dos últimos años afectados por la pandemia, resultando un ejercicio de crítica y provocación escrito y dirigido por Jordi Casanovas e interpretado por Òscar Muñoz, Mercè Pons, Javier Beltrán, Vicenta Ndongo, Ann Perelló  y Borja Espinosa.

“Seis personas son convocadas para participar en un muestreo demográfico.  Se busca mejorar la gestión política en el caso de la llegada de futuras crisis. Estas personas son reunidas en una sala, les han asignado una cifra y les han dado una cajita con dos pulsadores: uno verde y otro rojo. La inteligencia artificial les preguntará cómo quieren actuar en cada uno de los casos que se les plantee y estas personas deberán votar si están a favor o si están en contra. Aparentemente muy sencillo. Aparentemente muy fácil de resolver. Pero hay un problema. Todas las decisiones se deberán tomar por unanimidad. Todos han de votar lo mismo”.

Casanovas nos vuelve a poner en situación con un tipo de obra que le gusta especialmente, en la que la tensión entre los protagonistas irá creciendo a medida que la representación progresa. Y es que la pandemia y su gestión han generado conflictos entre instituciones y personas y entre los ciudadanos mismos, elemento este que nutre la dramaturgia de la obra.

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Seis personas desconocidas (en verdad seis números) que participan en un muestreo demográfico, en el que una inteligencia artificial les va a hacer una serie de preguntas mientras los participantes estarán encerrados en una habitación sin poder salir de ella. De lo insólito de algunas de las preguntas y de la interacción entre los diversos personajes se irá generando una tensión creciente.

La obra analiza muy apropiadamente y con un estilo de thriller o intriga cómo vivimos todos y cada uno de nosotros esos días, aún no tan lejanos, de confinamientos, restricciones, sacrificios y muerte. ¿Cómo nos comportamos durante los días más duros de la pandemia? ¿Fuimos conscientes del sacrificio de los demás? ¿Seguimos las normas dictadas por las autoridades? ¿Cómo gestionaron la crisis nuestros y nuestras políticas? ¿Y las autoridades médicas? Y si me apuráis, ¿Qué es la democracia o qué uso hacemos de ella?

Todo esto irá generando un in crescendo de tensión entre los personajes que irá llevando a la obra por unos derroteros cada vez más insoportables, lo que nos permitirá finalmente descubrir quienes son los participantes del experimentos demoscópico y por qué están allí.

Casanovas acierta de nuevo con una propuesta que suma intriga, dramatismo y responsabilidad social y que nos permite reflexionar sobre la pandemia, su gestión y en cómo nos comportamos nosotros mismos durante la crisis epidémica provocada por la Covid-19. El texto de Casanovas es sólido y directo y crea una serie de situaciones incómodas a veces pero creíbles y que rozarán, estoy seguro, la sensibilidad de los y las espectadoras asistentes.

La propuesta también acierta en el casting de actores y actrices. Todos y todas tienen su momento, sobre todo cuando cada uno de ellos y ellas irán descubriendo sus identidades, componiendo una actuación coral a veces muy tensa, en un espacio escénico, esto es, la sala en la que se reúnen los participantes en la consulta, que nos traslada a un género de ciencia ficción.

Por todo ello, hemos de felicitar a Casanovas y a La Villarroel por atreverse a plantear una propuesta actual, provocativa y polémica por lo a flor de piel de las reflexiones y los hechos que trata la obra, que han marcado y marcarán, sin duda, la vida de todos y de todas.

«immunitat» se representa en La Villarroel del 2 de julio al 7 de agosto de 2022.

Autoría y dirección: Jordi Casanovas
Reparto: Òscar Muñoz, Mercè Pons, Javier Beltrán, Vicenta Ndongo, Ann Perelló , Borja Espinosa, Carla Tovias
Escenografía: Albert Pascual, Carles Piera
Iluminación: Sylvia Kuchinov 
Sonido: Enric Viñeta
Caracterización: Anna Rosillo
Vestuario: Albert Pascual, Goretti
Producción: La Villarroel Produccions y Grec 2022 – Festival de Barcelona

Horario y precios: Web La Villarroel
Duración: 90 minutos
Idioma: Catalán
HOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Minerva, en el Festival internacional de teatro clásico de Mérida

Este año el 68 Festival internacional de teatro clásico de Mérida ha llegado con una aguda visión de género. A la muchacha en busca de nombre de El Misántropo, se le suma, a partir del 20 de julio Minerva, obra escrita por Assumpta Serna y Scott Cleverdon e interpretada por ella misma, Fermín Núñez, Francesc Albiol, Sara Jiménez y Vero Parreño.

«Minerva es la historia de una familia de clase alta en una de las épocas más turbulentas y apasionantes de la historia romana. El siglo I d.C. La figura central es Minerva, una mujer de espíritu indomable y profunda perspicacia, que es fiel a su nombre de la Diosa de la sabiduría».

Nos enfrentamos, pues, a una saga familiar en la que Minerva (Assumpta Serna) es su soporte principal. Una dama romana que aunque con una infancia vivida con tintes trágicos, ha sabido crear una familia junto al arquitecto imperial Celer (Francesc Albiol), encontrando, además, su sitio en una sociedad profundamente tradicional y machista. Aunque los problemas harán pronto acto de presencia.

Como os comentaba, Minerva es un alegato, algo anacrónico históricamente hablando, al empoderamiento femenino en época romana. La representación nos muestra la vida de una familia romana de clase alta y los sinsabores y problemas a los que se ha enfrentar: lo inestable de la vida política del momento; las ansias de libertad de la joven Gaia (Sara Jiménez); las consecuencias del trabajo obsesivo del pater familias Celer; la persecución de los cristianos… De esta forma la propuesta nos traslada a una Roma más cotidiana, en la que seremos testigos de los aciertos y los errores de los miembros de la familia en una época política y socialmente complicada.

Por desgracia el ritmo de la obra no es el más adecuado para una propuesta de una duración de 2 horas, en las que la intensidad decae en algunos momentos y, a veces, la trabazón entre unas escenas y otras se hace embrollada. La dirección no ha sabido engarzar los diversos elementos de la propuesta para hacerla más convincente tanto en su desarrollo como en su contexto. Si bien ha trasladado al texto realidades muy actuales como el feminimo, el aborto, la eutanasia

Merecen, eso sí, destacarse dos elementos. La obra hace referencias constantes a Hispania, aunque la acción está ambientada en la ciudad de Roma, y a través de la historia de Gaia, joven escritora, al teatro de Mérida con, incluso, toques de veracidad histórica al hacer referencia a las molestias que la actividad del cercano anfiteatro podía provocar al desarrollo de la representación teatral. Asimismo, la escena del emperador Domiciano y la «prueba de la cicuta» destaca por su crueldad y por la negativa imagen del emperador (para variar), si bien reflexiona sobre la soledad y la inclemencia del poder, en este caso el poder absoluto.

Las interpretaciones, en general, están al nivel esperado, destacado entre ellas las de la propia Assumpta Serna, que destaca por su delicadeza y la de Fermín Núñez que interpreta a Polux, el amigo y protector de la familia.

No podemos acabar la crítica de la obra sin hacer referencia al contexto arqueológico de la representación. Y es que el teatro romano de Mérida es un lujo en relación a la historia, no por otra hace dos mil años ya se representaban obras de teatro en él, como a nivel estético, aunque la comodidad de sus asientos, sea dicho, no es la ideal. Si bien todo se perdona para con un festival que reivindica lo moderno de lo antiguo, y el teatro como una forma de reflexión histórica, social y muy, pero que muy, actual.

«Minerva» se representa en el Festival internacional de teatro clásico de Mérida del 20 al 24 de julio de 2022.

Autores: Assumpta Serna y Scott Cleverdon
Productor: Fermín Núñez
Director: Scott Cleverdon
Reparto: Assumpta Serna, Fermín Núñez, Francesc Albiol, Sara Jiménez, Vero Parreño, Francis J. Quirós, Juan Carlos Castillejo, Carlos Ceña, Arturo Núñez, Robert Giordano, Carmen Adsuara
Producción: Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Samarkanda Teatro

Horarios y precios: Web del Festival
Duración: 2 horas
Idioma: castellano

Jazz, Rock y Clásica en el ciclo de conciertos Candlelight

¿Alguna vez has disfrutado de un concierto bajo la cálida luz de las velas? El ciclo de conciertos Candlelight sabe que hay una primera vez para todo y que esta puede que sea la tuya. Por eso, ha decidido ofrecerte una experiencia sensorial, íntima y musical insuperable en la que podrás disfrutar de conciertos, artistas y música de todo tipo. Entre la variedad se encuentran conciertos de música clásica, rock o jazz, para que puedas escoger el que más se adapte a ti, tus gustos y preferencias y, por supuesto, a las de los tuyos.

La empresa española Fever es toda una experta en convertir a nuestros recintos históricos en grandes y mágicos escenarios. Por eso, algunos como el Círculo de Bellas Artes, el Ateneo de Madrid, o numerosos teatros y hoteles repartidos por las ciudades de todo nuestro país son los encargados de mostrarnos la grandeza de la música de Candlelight.

El fenómeno que ya ha conquistado a todas las ciudades del mundo, llega dispuesto a hacer lo mismo con Madrid, Barcelona, Valencia, Sevilla, y una larga lista de nombres que quedarán inauditos ante este despliegue artístico. Sigue leyendo… ¡Te contamos todos los detalles!

Ciclos de conciertos Candlelight

Candlelight Jazz

¿Eres amante de este maravilloso género? Como seguro no eres el único, Candlelight ha decidido que este debería tener cabida en su ciclo de conciertos… ¡Y de qué manera! Tributo a Nina Simone, Frank Sinatra bajo la luz de las velas, bandas sonoras con el violín de Èlia Bastida, Bossa Nova brasileño y un largo etcétera que terminará por conquistarte el corazón.

Candlelight Rock

El género por excelencia no podía faltar. Y es que, ¿quién no agradece un poco de movimiento de cabeza y una guitarra imaginaria entre sus brazos de vez en cuando? En Candlelight podrás disfrutar de Clásicos del Rock bajo la luz de las velas y escuchar los mejores temas de grupos míticos como AC/DC, Guns N’ Roses, Aerosmith, Coldplay, Nirvana o Led Zeppelin.

Candlelight Clásica

Ya sabéis lo que dicen: después de la tormenta siempre llega la calma, y no la hay mejor que la música clásica. La Traviata de Verdi o El Cascanueces son algunas de las ofertas musicales de las que podrás disfrutar en el ciclo de conciertos más completo de todos los tiempos. ¿Qué más se puede pedir?

Crítica teatro: El burlador de Sevilla (Festival Grec)

El Festival Grec comenzó su singladura teatral y cultural el pasado miércoles 29 de junio y nos acompañará en estas calurosas jornadas estivales hasta el domingo 31 de julio. Y la primera obra que reseñamos de esta edición es El burlador de Sevilla, obra en la que Xavier Albertí ha dirigido a la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Es esta una propuesta que se propone actualizar el texto de Tirso de Molina que creó uno de los mitos literarios españoles más universales, el Don Juan Tenorio. Un delicado texto que juega deliciosamente con el idioma y con la rima y que es un deleite para los oídos, una joya literaria en sí misma, aunque difícil de adaptar a los tiempos actuales.

Pero a la propuesta de Albertí le falla algo. No sé si es el ritmo, si es la declamación, la interpretación en sí misma, o lo pretérito que pueden parecer los personajes y los roles de la obra, sobre todo el de Don Juan Tenorio, muy alejado de lo políticamente correcto en la actualidad.

Puede también que sea un poco la suma de todo ello, pero a la propuesta escénica le falta el gancho que atraiga o mantenga la constante atención del espectador durante la representación de la obra. A ello no ayuda la interpretación del actor principal, Mikel Arostegui, que resulta poco convincente y que lastra el esfuerzo interpretativo del resto de la compañía, a la que Albertí no ha conseguido insuflar del todo el ánima necesaria. Pocos momentos resultan, así, intensos, a excepción del monólogo interpretado por las mujeres afectadas por la flema sexual de un Don Juan Tenorio inexpresivo e insensible ante las consecuencias de sus actos.

La escenografía tampoco ayuda a la comprensión de la adaptación, presidiendo en medio del escenario una gran estructura rectangular que hace las veces de mesa, tálamo, sepultura e, incluso, de rostra para las recriminaciones femeninas, pero que no ayuda a la representación.

Albertí ha intentado dar una nueva forma algo más moderna, que no mucho, a un clásico del Siglo de Oro, pero, por desgracia no parece haber alcanzado el acierto de su intento anterior con la versión de El gran mercado del mundo de Calderón de la Barca, estrenada en el TNC en el año 2019.

Aún así, El burlador de Sevilla nos permite deleitarnos del fino uso de la lengua que Tirso de Molina fraguó en sus obras, que representa un valor quasi-arqueológico literaria y teatralmente y que vale la pena disfrutar por su excelencia y por la fina ironía que acompaña a las palabras tejidas por el autor.

Y respecto al personaje, que más decir, ya que las gestas amorosas de Don Juan Tenorio se precipitan, en la actualidad, hacia el abismo del comportamiento machista y tóxico, algo que desnaturaliza la recepción de la obra y nos hace pensar en cómo ha cambiado nuestra sociedad al respecto… aunque Gira, il mondo gira…

«El burlador de Sevilla» se representa en el Teatre Grec del 3 al 4 de julio de 2022.

Versión y dirección: Xavier Albertí
Dramaturgia: Albert Arribas
Interpretación: Jonás Alonso, Miguel Ángel Amor, Cristina Arias, Mikel Arostegui Tolivar, Rafa Castejón, Antonio Comas, Alba Enríquez, Lara Grube, Álvaro de Juan, Arturo Querejeta, Isabel Rodes, David Soto Giganto, Jorge Varandela
Escenografía: Max Glaenzel
Iluminación: Juan Gómez-Cornejo
Vestuario: Marian García Milla
Espacio sonoro: Mariano García

NOTA CULTURALIA: 6,5
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Jorge Pisa

Novel·la negra: El cas Alaska Sanders, de Joël Dicker

Si aquest estiu ja t’has cansat de les revetlles, de fer les tantes de la matinada i només vols descansar sota l’ombra de qualsevol raconet amagat del jardí amb un bon llibre, estàs de sort, perquè amb la nova novel·la de Joël Dicker, editada per La Campana, tens assegurat un bon estiu d’entreteniment. Amb més de 15 milions de lectors els seus dos protagonistes Marcus Goldman i el sergent Perry Gahalowood intentaran esbrinar que li ha passat a Alaska Sanders.

Aquesta nova entrega s’ha considerat per la crítica com: Un tsunami de girs i de cops de volant, un Himàlaia de suspens, un Everest d’emoció». Però entrem en situació:

Abril de 1999. Un assassinat trasbalsa el petit poble de Mount Pleasant, un llogarret tranquil de Nou Hampshire. El cos de l’Alaska Sanders, una forastera que hi havia arribat feia poc, apareix a la vora d’un llac. La investigació es tanca de seguida i s’arxiva el cas. Onze anys més tard, però, el cas es torna a obrir.

Així engega  «El cas Alaska Sanders» (La Campana), la nova novel·la de l’exitós escriptor suís Joël Dicker, que tanca una trilogia d’assassinats i investigacions policials de la mà de Marcus Goldman. Tot i ser el tercer llibre que ha sortir a la venda, «El cas Alaska Sanders» ocupa el segon lloc cronològicament pel que fa a l’argument: entre «La veritat sobre el cas Harry Quebert», el primer gran èxit, i «El llibre dels Baltimore».

Amb gairebé 600 pàgines, Dicker t’enganxa i no et deixa marxar. La novel·la s’estructura per capítols que et situen perfectament en l’escena i que, just abans d’acabar, et proposen una pregunta o un gir que crea la necessitat de seguir llegint. 

Joël Dicker contínua fidel al seu estil narrativa que li ha donat fama i fortuna. “El cas Alaska Sanders” que s’ha publicat el 23 de juny, s’ambienta uns mesos després del final de “La veritat sobre el cas Harry Quebert”.

Joël Dicker va debutar amb Els últims dies dels nostres pares, que està basada en la història desconeguda d’una unitat d’intel·ligència britànica encarregada d’entrenar la resistència francesa durant la Segona Guerra Mundial i va resultar guanyadora el 2010 del Premi dels Escriptors Ginebrins. La seva segona novel·la, La veritat sobre el cas Harry Quebert va aconseguir un èxit internacional, gràcies a la seva narració trepidant plena de girs narratius.
Després, continuaria amb la mateixa fórmula amb obres com “El Llibre dels Baltimore”, “La desaparició de Stephanie Mailer” i “L’enigma de l’habitació 622”.

L’exitós escriptor suís estrena novel·la després de dos anys: «El cas Alaska Sanders». Misteri, assassinats, suïcidis, amor i intriga en un llibre per llegir-lo a tot arreu

Titol: El cas Alaska Sanders
Autor: Joël Dicker
Editorial: La Campana
Any de edició: 2022
Temàtica: Novel·la negra | Thriller
Traductor: Marc Delgado Casanova | Pontus Sánchez Giménez Pàgines: 672
Enquadernació: Tapa blana
Preu: 22,70€

Exposición inmersiva: Tim Burton. El Laberinto, en el Espacio Ibercaja Delicias de madrid

El próximo 29 se septiembre llega a Espacio Ibercaja Delicias de Madrid El Laberinto de Tim Burton, un auténtico laberinto por los diferentes mundos de Tim Burton con obras originales, recreaciones de sus personajes y películas, experiencias sensoriales y muchas más sorpresas sobrenaturales. Una experiencia que no dejará indiferente a nadie. ¡Adéntrate y descubre el sorprendente universo del director de cine!

Disfruta de esta exposición inmersiva única, en la que te sumergirás en la mente de Tim Burton descubriendo su mundo interior y su proceso creativo con obras originales del director. Atravesar el tétrico pero mágico bosque de La Novia Cadáver, descubrir los Tragic Toys o la historia de Oyster Boy, conseguir no perder la cabeza con la Reina de Corazones… Cada sala te transportará a una experiencia única y solo tú decidirás tu camino, así que elige bien que puertas quieres abrir…

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El aclamado director y artista Tim Burton se ha convertido en todo un referente y en uno de los cineastas más imaginativos y visuales, gracias a su característico y asombroso estilo en películas como Beetlejuice (1988), Batman (1989), Eduardo Manostijeras (1990), Pesadilla antes de Navidad (1993), Charlie y la fábrica de chocolate (2005), La novia cadáver (2005) o Alicia en el País de las Maravillas (2010). Wednesday (2022), es su más reciente producción de la mano de Netflix.

Mucho antes de convertirse en director, Tim Burton se expresaba a través del dibujo, pintura y fotografía, siendo actualmente ejes integrales de su proceso creativo. Creador de todo un universo propio marcado por una desbordante capacidad creativa en las que sus películas y obras se han convertido en todo un clásico.

Una producción 100% original hecha en colaboración con Tim Burton, su estreno mundial será en Madrid a finales de septiembre y el plan es que más adelante vaya de gira por el mundo. El concepto es el de un laberinto, la gente va eligiendo la puerta por la quiere ir y así va construyendo su propio recorrido, habiendo un sinfín de posibilidades, por lo que cada experiencia es única. Potente visualmente y súper instagrameable. Se mostrarán obras originales de Tim Burton, recreaciones de sus personajes e ideas más conocidas, video proyecciones, etc.

Exposición: Tim Burton – El Laberinto, Exposición inmersiva
Espacio: Ibercaja Delicias de Madrid
Inauguración: 29 de septiembre de 2022
Idea original de LETSGO en colaboración con Tim Burton
Entradas: Web Letsgo

La exposición contiene efectos estroboscópicos
Duración de la experiencia: 1 hora aprox.
Espectáculo recomendado para mayores de 14 años.
Todos los asistentes, independientemente de la edad, deben adquirir su entrada para poder acceder al espectáculo.

Un Blog sobre la literatura, el teatro, el cine, la televisión, la historia…

Sobre Monstruos Reales y Humanos Invisibles

El rincón con mis relatos de ficción, humor y fantasía por Fer Alvarado

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