Miniserie: Esta es nuestra tierra

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Fuente: Blog Las miniseries de nuestra vida

Hoy os presentamos, en la recién creada categoría de Recuerdos & Vintage Esta es nuestra tierra, una miniserie de dos capítulos que narra la historia del General Custer y el Séptimo de caballería y que seguramente muchos y muchas recordáis. La serie comenzaba tras el desastre del ejército americano en Little Bighorn y relataba a través de ‘flashsback’ la historia de Custer desde el punto de vista de su mujer Elizabeth y también desde la perspectiva india, a través de la joven Cheyenne Kate Bighead.

Esta es una de aquellas series cortas que uno recuerda de su infancia-juventud, cuando en el verano o en cualquier otra fecha vacacional se estrenaban series o miniseries americanas de géneros diversos y normalmente de gran calidad.

Lo que más recordaba de esta serie es que la trama histórica era relatada desde el punto de vista de los indios, algo que no era lo habitual en las producciones de la época. El revisionado de la serie, sin embargo, me ha sorprendido ya que la narración se realiza en gran medida desde el punto de vista de la población blanca, y más concretamente desde la visión de Custer y de la oficialidad del ejército americano.

Aún así, la serie, como no podía ser de otra forma, muestra las formas de hacer de las producciones de los noventa, un intento realista de explicar la historia, de encuadrar las cámaras y de grabar las escenas. Todo un gustazo en comparación con la forma artificiosa de hacer las series de hoy en día. Las escenas y las actuaciones son las habituales de aquella época y la producción se ve de calidad y con recursos.

La música estaba a cargo de Craig Safan, responsable de bandas sonoras de películas como Starfighter: La aventura comienza (1984), Pesadilla en Elm Street 4: El amo del sueño (1988), o diversos capítulos de series como Más allá de los límites de la realidad (1985-1986) o Cheers (1982). La música de Safan está a la altura del resto de la producción y destaca por diversos toques heroicos que suenan en los momentos más épicos de la miniserie.

Esta es nuestra tierra estaba dirigida por Mike Robe, tenía guión de Melissa Mathison (guionista también de la película E.T. El extraterrestre) y contaba en el reparto con Gary Cole que interpretaba al general Custer y Rodney A. Grant que daba vida a Caballo Loco. Otros actores y actrices destacados fueron Dean Stockwell (general Sheridan), Rosanna Arquette (Elizabeth Custer), Nick Ramus (Nube Roja), Buffy Sainte-Marie (voz en ingles de Kate Bighead) y Floyd Red Crow Westerman (Toro Sentado).

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Seguramente uno de los puntos débiles de la serie es su incapacidad de clarificar la relación y la rivalidad entre la oficialidad dels ejército americano en el transcurso de la trama y, sobre todo, la evolución de la batalla de Little Bighorn, que al menos a mí no me quedó nada clara.

La serie se basaba en la novela Son of the Morning Star: Custer and the Little Bighorn de Evan S. Connell, un ensayo histórico sobre la Batalla de Little Bighorn, publicado en el año 1984 por la editorial North Point Press. El libro realiza un amplio retrato de los principales protagonistas de la batalla que incluye al general George Armstrong Custer, Toro Sentado, el mayor Marcus Reno, el capitán Frederick Benteen y a Caballo Loco entre otros.

El autor realizó una amplia investigación para escribir el libro que duró cuatro años, visitando el lugar de la batalla en diversas ocasiones y consultando libros, diarios de soldados y relatos indios sobre la batalla, hecho este que se nota en la miniserie, ya que la historia se nos narra, como ya he comentado antes, desde diferentes puntos de vista.

El lanzamiento de la mini-serie coincidió con el estreno en los cines de Bailando con lobos. Un dato curioso es que Kevin Costner fue la primera opción para interpretar al general Custer, aunque luego la producción se decantó por Gary Cole.

Las localizaciones se realizaron en espacios próximos al Little Bighorn National Monument en Montana, cerca de Billings. Se construyó allí un fuerte que costó 200.000 dólares. La serie también se filmó en Dakota del Sur, en el Buffalo Gap and Badlands National Park. En el rodaje se utilizaron 400 caballos y participaron 150 indios nativos. Además el Séptimo de caballería estaba compuesto por 100 especialistas en recreación histórica, que realizaron también tareas de asesoramiento técnico del film.

La miniserie optó a seis premios Emmy en el año 1991, de los que ganó cuatro en las categorías de vestuario, maquillaje, edición de sonido y mezcla de sonido.

Esta es nuestra tierra es una buena serie ambientada en el oeste americano y que hace un esfuerzo por explicarnos la historia de la “conquista del oeste” por parte de los blancos desde un punto de vista más amplia, que incluye también la visión indígena. Y una muy buena propuesta para todos aquellos que quieran disfrutar de una serie “de las de antes”.

Título: Esta es nuestra tierra
Título original: Son of the Morning Star
Categoría: Film histórico
País: EE.UU.
Año: 1991
Basado en: Custer: la masacre del 7º de caballería (Son of the Morning Star: Custer and the Little Bighorn), de Evan S. Connell
Dirección: Mike Robe
Adaptación: Melissa Mathison
Reparto: Gary Cole, Rosanna Arquette, Stanley Anderson, George Dickerson, Rodney A. Grant, Tom O’Brien, Nick Ramus, Tim Ransom, Kimberly Guerrero, Dean Stockwell, Michael Medeiros, Floyd Red Crow Westerman…
Estreno en España: Antena-3 TV, 2 de diciembre de 1991

Publicación: Apolo 11. La apasionante historia de cómo el hombre pisó la Luna por primera vez, de Eduardo García Llama, editorial Crítica

Apolo 11_La apasionante historia de como el hombre piso la Luna por primera vezUn poco tarde pero en Culturalia nos sumamos también al 50 aniversario del primer alunizaje llevado a cabo por el hombre, con la presentación de una novedad del mes pasado, Apolo 11. La apasionante historia de cómo el hombre pisó la Luna por primera vez, libro escrito por Eduardo García Llama.

En julio de 2019 se cumplen 50 años de la misión del Apolo 11, cuyo objetivo fue lograr que un ser humano caminara sobre la superficie de la Luna. En esta obra, Eduardo García Llama, ingeniero que trabaja en la NASA, nos cuenta esta odisea que va desde el lanzamiento de la nave hasta su vuelta a la Tierra. Y lo hace en forma de novela en la que hablan sus protagonistas (siguiendo las transcripciones oficiales del vuelo) y en la que diversos pasajes dan pie a la narración de episodios históricos relevantes en conexión con la misión y con la biografía de los astronautas, de anécdotas y experiencias durante el vuelo, y de los detalles más destacables que caracterizaron esta misión, desde el punto de vista tanto técnico como humano.

Eduardo García Llama es licenciado en Ciencias Físicas por la Universidad Autónoma de Madrid y Master de Ingeniería en Operaciones Espaciales por la Universidad de Colorado. Trabaja en la Sección de Dinámica de Vuelo y Diseño de Trayectorias en el Johnson Space Center de la NASA, en Houston, donde forma parte del Programa Orión, que contempla el desarrollo de la nueva nave tripulada de la NASA con la que se volverá a la Luna y se viajará a Marte.

Título: Apolo 11. La apasionante historia de cómo el hombre pisó la Luna por primera vez
Autor: Eduardo García Llama
Editorial: Crítica
Colección: Drakontos
Fecha de publicación: 25/06/2019
Temática: Ciencia, Historia de la ciencia
Idioma: Español
Número de páginas: 456
Presentación: Rústica con solapas
Formato: 15,5 x 23 cm.
ISBN: 978-84-9199-128-1
Precio
• Rústica con solapas: 19,90€
• eBook (Epub 2): 12,99€

Crítica teatral: Atrapado en el tiempo, de la compañía Barcelona Flamenco Ballet, en el Teatro Goya

De nuevo una crítica de flamenco en Culturalia, y es que el arte y la cultura se visten, como es lógico, de muchas formas. Y en este caso de una forma brillante con la representación del 26 de julio al 4 de agosto del espectáculo Atrapado en el tiempo de la compañía Barcelona Flamenco Ballet, dirigida por David Gutiérrez.

David Gutiérrez, en la actualidad uno de los referentes innovadores del flamenco, consigue evocar en su espectáculo Atrapado en el tiempo una dura experiencia personal marcada por el afán de superación y sacrificio tan presentes en la carrera de un bailaor. Un espectáculo en el que predomina la fusión del flamenco más puro, con danzas contemporáneas y jazz; una propuesta nueva y diferente, un espectáculo que marca un “Tiempo Nuevo” en el flamenco.

Atrapado en el tiempo nos muestra un flamenco diferente e innovador que de la mano de David Gutiérrez y de su compañía se fusiona con otros estilos de baile como el jazz y la danza contemporánea, dando a luz un espectáculo que suma a la raíz flamenca unos tonos más modernos y delineados.

Atrapado en el tiempo_Barcelona Flamenco Ballet

El espectáculo se compone de la suma de la música materializada en una pequeña orquesta flamenca que incluye guitarra, flauta, violín, percusión y piano y las voces de David de José, Ana Brenes y Thaís Hernández y el cuerpo de danza, capitaneado por David Gutiérrez y acompañado por Sarai Mora, Jéssica Mora, Paula Sánchez y Helena Izquierdo.

La representación incluye solos de flamenco, interpretados por David Gutiérrez, interpretaciones corales, en las que participan el resto del cuerpo de baile e interpretaciones musicales de la orquesta. Todo con un toque muy flamenco en el que la luz, o mejor dicho, los juegos de luces no solo agudizan la escenificación de los bailes sino que provee al espectáculo de una mayor magnitud.

El resultado es un espectáculo intenso que respira flamenco por todas partes. David Gutiérrez consigue transmitir al público la fuerza y el carácter de un arte que se lleva dentro y que ha madurado a lo largo de los años en un bailarín que no solo sabe lo que baila sino que no tiene miedo a ponerlo en valor ni de acompañarse de otros estilos, para mostrar lo vivo y diverso del flamenco actual.

El espectáculo en gira ha visitado ciudades como Barbera Del Valles, Guadalajara y Valencia y tiene fechas confirmadas en Bilbao, Líbano, Mahón, Miami, Texas, Riga (Letonia) y China.

“Atrapado en el tiempo” de la compañía Barcelona Flamenco Ballet, se representa en el Teatre Goya del 26 de julio al 4 agosto de 2019.

Dirección: David Gutiérrez
Dirección musical: Rafael Fernández y Fran León
Dirección artística: David Gutiérrez
Dirección técnica: Oscar Vázquez
Voces femeninas: Ana Brenes y Thaís Hernández
Voz masculina: David de José
Guitarra: Rafael Fernández
Flauta: Fran Leon
Violín: Joaquín Pelaes
Percusión: Lucas Balbo
Piano: Miranda Fernández
Cuerpo de baile: Sarai Mora, Jéssica Mora, Paula Sánchez y Helena Izquierdo
Bailarín principal: David Gutiérrez
Producción: Producciones Gutiérrez

NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica exprés: La sombra errante, de Brian Stableford, Ed. Edhasa

La sombra errante_Brian Stableford_portada“Delante de 80.000 testigos Paul Heisenberg, el nuevo Mesías, ha entrado en un trance de dimensiones inconmensurables; donde él estaba se alza ahora una brillante estatua de plata. No pasará mucho tiempo antes de que otros lo imiten. Pronto miles de seres humanos huyen atravesando eones, encontrándose en puntos de reunión a cientos de años en el futuro, y dando nuevos saltos hasta llegar al fin de los tiempos. Pero, ¿a dónde irán después? ¿Y dónde están aquellos que quedaron atrás?”

 

Crítica exprés:
Sí, La sombra errante me sorprendió por la temática que trata y por cómo la trata. La novela, escrita por Stableford en el año 1979, nos sitúa en un mundo postapocalíttico, donde lo único que le queda a los supervivientes de las guerras y de la contaminación es el apego a la nueva ciencia-religión llamada Metaciencia. En una de sus prédicas Paul Heisenberg, el gurú de esta nueva filosofía, se lanza al viaje temporal corpóreo, al que será seguido por muchos otros.

La novela trata temas como el futuro de la humanidad tras una serie de guerras devastadoras, la credulidad del ser humano y la actitud que tomamos frente a los problemas, sean estos cuales fuere. A esto se suma el futuro ecológico del planeta y la posibilidad de existencias de formas de vida totalmente diferentes y enfrentadas entre ellas mismas por la supremacía.

Una novela diferente de un autor desconocido hasta ahora por mí, y que sin duda requerirá un seguimiento en el futuro. Si queréis leer ciencia-ficción diferente, que os haga pensar y de calidad, La sombra errante es una buena opción. A mí, al menos, me enganchó!!

Título: La sombra errante
Autor: Brian Stableford
Editorial: Edhasa
Colección:Clásicos Nebulae
Año de publicación: 1999
Páginas: 299

Crítica teatral: Amor mundi, en la Sala Beckett

El verano es una buenba estación para la meditación, algo que nos propone la Sala Beckett con Amor mundi, una reflexión sobre la educación y la violencia en la sociedad actual.

Aurelia, una maestra a punto de jubilarse y con una enfermedad que la está dejando ciega, ha sido expulsada de la escuela donde trabaja por culpa de la reacción violenta que ha tenido con una alumna. Ahora, sola en su casa, con la única compañía de su sobrina y de una monitora joven del colegio, se hace preguntas sobre su carrera y sobre sus propios principios éticos y pedagógicos”.

La Beckett nos plantea con Amor Mundi un debate actual del que muchas veces somos conscientes a través de los medios de comunicación. Y este no es otro que la realidad de la educación de los más jóvenes y la violencia en las aulas, con una presentación escénica sencilla acompañada de un intenso vigor interpretativo.

La obra trata sobre una agresión en un centro educativo y de cómo las personas y la sociedad gestiona este tipo de situaciones. Szpunberg, autora de montajes como Esthetic Paradise (Grec 2004), Boys don’t cry (Grec 2012), L’onzena plaga (2015) o Balena blava (2018) ya nos tiene acostumbrados a un teatro en el que plantea debates aferrados a temas políticos y sociales de actualidad. En este caso escribe y dirige la obra en la que tres mujeres nos darán su opinión sobre un caso de mobbing y violencia escolar.

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Marta Angelat da vida a la profesora que ha protagonizado este suceso, una profesional de la educación que ha optado por tomarse la justicia por su mano en un caso continuado de acoso. Su personaje es sobre el que da vueltas la obra, dejándonos clara la obra desde su inicio que su capacidad de ver y de entender la realidad está debilitándose. A Argelat la acompañan Aina Calpe interpretando a su sobrina, preocupada por la situación y con problemas propios y la joven Blanca Garcia-Lladó que interpreta a una monitora del colegio presente el día de la agresión, con una visión muy diferente del asunto.

Y el debate está servido: ¿Cómo combatir la violencia y el acoso en el colegio? ¿Cuál es el papel del profesorado y de la familia? ¿Se puede combatir la violencia con violencia? ¿Cuál es la función de la Escuela? ¿Hacía donde avanza la sociedad proteccionista en la que vivimos? Como ven un debate actual y que todos podemos conocer de forma más o menos directa.

Como decía, la propuesta escénica es sencilla, un espacio de oscuridad que tanto puede ser un aula del colegio como el interior de una vivienda. La representación se acompaña también de diversos audiovisuales que profundizan en la vertiente filosófica del asunto y en su aspecto más infantil. Unos audiovisuales, por cierto, que se integran de forma algo heterodoxa en la representación.

Amor mundi nos permite pensar y repensar nuestra sociedad y nuestro entorno, no solo acerca de las diferencias generacionales a la hora de comprender e interiorizar la realidad, sino también la problemática de la violencia en las escuelas, y en qué forma se gestionan unos hechos que en parte nos afectan a todos.

Amor mundi” se representa en la Sala Beckett del 26 de junio al 28 de julio de 2019.

Autoría y dirección: Victoria Szpunberg
Reparto: Marta Angelat, Aina Calpe y Blanca Garcia-Lladó
Escenografía: Max Glaenzel
Iluminación: Paula Miranda
Vestuario: Sílvia Delagneau
Espacio sonoro: Lucas Ariel Vallejos
Producción: Grec 2019 Festival de Barcelona y la Sala Beckett

Horarios: de martes a sábado a las 20:30 horas y domingo a las 18:30 horas
Precio: de 10€ a 20€
Duración: 1 hora y 30 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Concierto: James Horner: A life in music, en Le Grand Rex de Paris

Overlook Events programa el próximo 5 de octubre el concierto James Horner: A life in music, un repaso musical a la historia de uno de los más prolíficos y populares compositores de bandas sonoras.

El concierto se celebrará en la sala Le Grand Rex de Paris. Una oportunidad única para revivir la música de Horner en un concierto honorífico.

James Horner ha escrito algunas de las partituras más famosas de la historia del cine y ha compuesto durante su carrera las bandas sonoras de más de 150 películas. Ha ganado dos premios Oscar, siendo nominado en ocho ocasiones más; dos premios Gloden Globe y doce premios Grammy, al mismo tiempo que fue nominado tres veces para los BAFTA.

James Horner: A life in music presenta intervenciones en video exclusivas de James Cameron, Mel Gibson, Jon Landau, Ron Howard y Sir Richard Eyre. El programa del concierto incluye temas de las películas Aliens, Avatar, Braveheart, Apolo 13, La máscara del Zorro, Titanic, Rocketeer, Fievel y el Nuevo Mundo, Star Trek II la Ira de Khan, Campo de sueños, Una mente maravillosa.

El concierto será interpretado por una orquesta filarmónica con un coro completo, ¡con un total de más de 130 músicos en el escenario!

Concierto: James Horner: A life in music
Lugar: Le Grand Rex de Paris
Fecha: 5 de octubre de 2019
Hora: 19:45 horas
Entradas: Web Le Grand Rex

 

Novedad: Stranger Things. Mundos del revés. La guía oficial, de Gina McIntyre, Ed. Grijalbo

Stranger Things_ Mundos del revés_La guía oficial_portadaEl sello Grijalbo Ilustrados publica Stranger Things. Mundos del revés, la guía ilustrada oficial de la serie de Netflix más ochentera y exitosa de todos los tiempos.

Stranger Things. Mundos del revés es la guía oficial y el compañero perfecto para adentrarse detrás de las cámaras de Stranger Things.

Presentado por los hermanos Duffer, creadores de la serie, este libro nos ofrece material inédito y exclusivo para entender y descubrir los secretos de la serie mediante mapas y entrevistas con los actores. El cuidado diseño a todo color pretende imitar un clásico libro de suspense de los años 80.

Nos introduciremos en el proceso creativo de los Duffer de la mano de todo el equipo y haremos una profunda inmersión en la cultura y las referencias que inspiraron el ambiente ochentero de la serie. Con referencias constantes a las dos primeras temporadas y algunas pistas sobre el futuro de la serie…

Título: Stranger Things. Mundos del revés
Autor: Gina McIntyre
Editorial: Grijalbo Ilustrados
Fecha publicación: Marzo de 2019
Idioma: Español
Temáticas: Series de televisión
Colección: Ocio y Entretenimiento
Precio:
• eBook diseño fijo: 10.99 €
• eBook Kindle: 10.99 €
• Tapa dura: 24.90 €

Crítica concierto: The Music of Morricone & John Williams, en el Palau de la Música

Sí, otro concierto de bandas sonoras y otra crítica aquí en Culturalia. Algo curioso, ya que hace solo algunos años no eran muy habituales los conciertos de soundtracks, al menos en España. Pero actualmente, y gracias a los hados musicales, este tipo de conciertos cada vez abundan más. Y una de las causantes de ello es la Fundación Excelentia, cuya programación abunda en este tipo de conciertos en ciudades como Madrid, Zaragoza o Barcelona.

El pasado 8 de julio se celebró en el Palau de la Música de Barcelona el concierto The Music of Morricone & John Williams, en el cual la Royal Flim Concert Orchestra dirigida por Fernando Furones, interpretó diversos temas compuestos, seguramente, por los dos compositores de bandas sonoras más populares y conocidos.

La primera parte del concierto estuvo dedicada a Ennio Morricone, y en ella se interpretaron algunos de los temas más famosos del compositor italiano, que por cierto, se despidió del público español en tres conciertos finales en Bilbao y Madrid. En el recital de Barcelona se interpretaron algunos de los temas de referencia de Morricone entre los que no faltaron Los intocables de Eliot Ness, Érase una vez en América, La califa, Cinema Paradiso, El profesional y cómo no, La Misión.

La primera parte del concierto hizo especial hincapié en la colaboración Morricone-Leone, interpretando temas de La muerte tenía un precio, Hasta que llegó su hora y El bueno, el feo y el malo. Un disfrute sobre todo para los amantes de los Spaghetti western y de los temas que el compositor italiano regaló al género. Si bien la falta de un coro en la orquesta y la ausencia de una soprano, al estilo de la gran Susanna Rigacci, impidieron que los temas corales o vocales tuvieran el impacto debido, si bien los arreglos instrumentales estuvieron a un buen nivel.

La segunda parte estuvo dedicada a John Williams y fue, sin duda, la más potente del concierto. De las magníficas melodías de Morricone se pasó, tras un breve descanso, a la grandilocuencia sinfónica de Williams, interpretando temas de films tan conocidos como E.T. el extraterrestre, Indiana Jones, Superman o Harry Potter. También hubo cabida en el concierto para otros temas menos afamados como Hook o Memorias de una Geisha. Pero si hubo dos momentos que destacaron, y esto en un fuero interno y personal, no fueron otros que el tema principal de Parque Jurásico, uno de los hitos de la composición de Williams, la melancólica y reivindicativa Nacido el 4 de julio y, evidentemente, la emotiva La lista de Schindler.

De nuevo la Royal Flim Concert Orchestra dirigida por Furones hizo las delicias del público de Barcelona, completando la velada musical con la interpretación de un bis que, evidentemente, no podía ser otro que el tema principal de La guerra de las Galaxias, seguramente uno de los temas musicales más famosos del cine

De nuevo felicidades Fundación Excelentia.

Concierto: The Music of Morricone & John Williams

Fecha: Lunes 8 de julio de 2019
Lugar: Palau de la Música Catalana
Horario: 20:30 horas
Precios: de 27 a 65€
Organiza: Fundación Excelentia

Director: Fernando Furones
Orquesta: Royal Film Concert Orchestra

NOTA CULTURALIA: 8,5

Crítica teatral: Cançó per tornar a casa, en la Sala Beckett

El Festival Grec de Barcelona nos permite disfrutar en la Sala Beckett de un nuevo espectáculo de T de Teatre, Cançó per tornar a casa, en el que la compañía ha sido dirigida por Denise Despeyroux, responsable también de la escritura del texto.

Cançó per tornar a casa mezcla dos realidades argumentales, la historia de Renata, Rita y Greta, tres antiguas amigas y ex-actrices en plena crisis existencial que se reúnen de nuevo en el lugar donde disfrutaron de su primer y único éxito vital. Ninguna de ellas ha conseguido construir una vida satisfactoria desde entonces. La casualidad quiere que el dramaturgo con el que debutaron hace 26 años se haya refugiado cerca de ellas, y un nexo en común hará que su realidad se vincule a la de un hipnólogo huido de la justicia y su ayudante.

La nueva propuesta de T de Teatre tiene un efecto ambivalente en el espectador. Si por un lado uno siempre agradece una obra “T de Teatre”, con todos los elementos que ello comporta y que incluyen la tragicomedia fresca y a veces alocada tan propia de la compañía, al mismo tiempo la dramaturgia de Despeyroux nos hace recorrer un camino algo fantasioso y estrambótico en un texto escrito especialmente para la ocasión.

Cançó per tornar a casa_1

Si bien la dirección de Despeyroux se ha integrado muy bien al adn de la compañía, constituyendo un paso adelante más en su ya larga trayectoria, el argumento peca de excentricidad. Algunas de las situaciones que acontecen sobre el escenario no son demasiado creíbles, hecho este que potencia la comicidad de algunas de las situaciones. En este apartado el formato T de Teatre funciona bien, estableciéndose un flujo actoral intenso, como es acostumbrado, entre Mamen Duch, Marta Pérez y Àgata Roca. Pero es cuando se integran las dos historias y se suman al relato Carme Pla y Jordi Rico cuando la propuesta se hace más extraña.

Y es aquí donde se advierte más el peso de Despeyroux, al llevar la trama hacia el ámbito de los vínculos entre las personas y los acontecimientos, y donde se impone más la tragedia del binomio tragicómico tan propio de T de Teatre y el toque sobrenatural.

En esta ocasión la compañía ha escogido una sala más pequeña, la Beckett, para la representación de la obra, lo que permite al espectador observar más de cerca, un acierto, la evolución de los acontecimientos. La compañía ha apostado también por una escenografía algo más minimalista en la que destaquen más las interpretaciones que los ambientes. Y como decía antes, el apartado de las interpretaciones es el correcto, si bien algo iterativo en ocasiones, aunque en definitiva el flow de la compañía y una clave de su éxito.

Cançó per tornar a casa es una obra sin excesivas pretensiones que nos hace reflexionar sobre lo vacío, a veces, de la existencia y de como todo lo que pasa está conectado, o puede estarlo, de una forma u otra. Una oportunidad de desconectar un poco de los calores del verano, que lo son y mucho, y de meditar sobre el teatro, la vida y las ¿casualidades?.

“Cançó per tornar a casa” se representa en la Sala Beckett del 2 al 28 de julio de 2019.

Autoría y dirección: Denise Despeyroux
Traducción: Sergi Belbel
Reparto: Mamen Duch, Marta Pérez, Carme Pla, Jordi Rico y Àgata Roca
Escenografía: Alejandro Andújar
Vestuario: Mamen Duch
Iluminación: Rubèn Taltavull
Sonido: Roger Ábalos
Producción: T de Teatre

Horario: de martes a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: de 11€ a 22€
Duración: 1 hora y 30 minutos
Idioma: catalàn
NOTA CULTURALIA: 6,5
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Jorge Pisa

Crítica teatral: Les feres de Shakespeare, en el Teatre Condal

Llega, de nuevo, el Festival Grec, y con él una avalancha de estrenos y de actividad cultural. En Culturalia iniciamos la sección “festival Grec 2019” con la crítica de Les feres de Shakespeare, estrenada el pasado 4 de julio en el teatro Condal, una adaptación “libre y en femenino” de La fierecilla domada de William Shakespeare, producida por la compañía Els Pirates Teatre, dirigida por Adrià Aubert e interpretada por Laura Aubert, Lloll Bertran, Mariona Castillo, Ricard Farré, Laura Pau, Lluna Pindado, Arnau Puig i Jordi Vidal.

“Para poder romper con el papel que les ha tocado vivir en la Padua de 1594 y convertirse en lo que deciden ser, a las mujeres sólo les queda una opción: desplegar su furia. Una historia brutal sobre tres mujeres, Caterina, Bianca y Lucenza, que a través de su inteligencia, su valor y su determinación conseguirán transformar su destino. Lucenza se disfraza de hombre y llega a Padua para poder estudiar en la universidad. Bianca inicia un nuevo camino para descubrir su identidad. Catalina se rebela contra una boda forzada y emprende una lucha para liberarse de su verdugo”.

Una propuesta que representa el primer espectáculo de gran formato producido por la compañía Els Pirates Teatre, a los que conocemos ya por otras comedias como “Somni d’una nit d’estiu” y “Nit de Reis (o el que vulgueu)“, basadas también en el repertorio de Shakespeare.

De nuevo una comedia del gran dramaturgo inglés que desde la lejanía del tiempo nos habla de la actualidad, no por otra es un clásico. Adrià Aubert y Ariadna Pastor han adaptado la comedia y la han liberalizado para hablarnos del papel de la mujer y de la individualidad en la sociedad actual. El concepto es más que válido por la vigencia del texto original y por la adaptación llevada a cabo, en la que las tramas y los personajes han sufrido profusas modificaciones.

El espectáculo nos habla de la voluntad de tres mujeres, Caterina, Bianca y Lucenza de luchar contra las limitaciones sociales de su época, el Renacimiento del siglo XVI, y vivir sus vidas centradas en ellas mismas y sus expectativas, algo cada vez más evidente y apuntalado en nuestro mundo actual y que confirma el acierto de la propuesta.

Les feres de Shakespeare_teatre condal

Bodas impuestas a las hermanas mayores con el objetivo de casar a las hermanas menores; pretendientes enamorados y aliados para obtener el amor de su bella dama; aristócratas arruinados que buscan solucionar sus problemas económicos consiguiendo una buena boda (con su buena dote respectiva); jóvenes escapadas del convento que quieren estudiar en la Universidad de Padua, intercambios de roles sexuales y travestismo, todo ello acompañado de diversas coreografías musicales para dar más vistosidad a la representación y de toda una serie de confusiones y engaños al estilo de la comedia clásica.

Y algo que no se puede olvidar, un texto, el de Shakespeare, colmado de bellísimas composiciones que danzan en los oídos del público asistente.

Aún así, el resultado no es todo lo extraordinario que debería ser. La escenografía no ayuda demasiado al avance del relato, ya que aunque impacta visualmente no se acaba de integrar plenamente en la representación. Por su parte, los temas musicales tampoco destacan por su brillantez o agilidad, cosa que le roba entusiamo a la propuesta.

Lo que sí está a la altura debida son las interpretaciones actorales y musicales del reparto, en las que destacan todos y todas: Laura Aubert como la “fierecillla a domar”; Mariona Castillo, que interpreta a la joven que llega a Padua para estudiar en su universidad y que se trasvestirá para acercarse a su amada; Laura Pau que da vida a la alocada y sincera amiga de Lucenza; Lluna Pindado, que interpreta a la bella Bianca y Lloll Bertrán, que encarna a la madre de las dos jóvenes casaderas. En el ámbito masculino también las interpretaciones están a la altura con los espléndidos Ricard Farré, Arnau Puig y Jordi Vidal que interpretan a los díscolos pretendientes.

Una obra que alegra, sin duda, la escena teatral barcelonesa pero que no acaba de dejar aquel tierno y delicado sabor de boca que uno puede esperar. Una propuesta, por otra parte, muy actual.

Les feres de Shakespeare” se representa en el Teatre Condal del 4 al 28 de julio de 2019.

ENTRADAS: Ticketea (22% de descuento!!)

Autor: William Shakespeare
Adaptación y traducción: Ariadna Pastor
Dirección: Adrià Aubert
Reparto: Laura Aubert (Neus Pàmies, cover), Lloll Bertran (Maria Cirici, cover), Mariona Castillo, Ricard Farré, Laura Pau, Lluna Pindado, Arnau Puig y Jordi Vidal
Música: Ariadna Cabiró
Músicos: Ariadna Cabiró, Gemma Pujol, Marcel·lí Bayer / Jordi Santanach
Escenografía: Enric Romaní
Vestuario: Maria Albadalejo
Coreografía: Anna Romaní
Iluminación: Lluís Serra
Sonido: Jordi Ballbé
Producción: Els Pirates Teatre y Grec 2019 Festival de Barcelona

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y  a las 20:30 horas y domingos a las 18:30 horas
Precio: A partir de 22€
Idioma: catalán
Duración: 2 horas
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

ENTRADAS Les feres de Shakespeare en el Teatro Condal

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