Mugir o no mugir.
Esa también es la cuestión.
Si nos toca hacerlo a cuatro patas, intentemos al menos quitarnos el cencerro.
Y podremos percibir mejor el olor de la libertad.
He aquí la historia de una evasión y las inevitables consecuencias por parte de un trío de sabias prosaicas contada con ternura, humor y cierta pretenciosidad.
¡Qué hermoso será su prado!
“Vaques sagrades” nos deja boquiabiertos porque Joan Arqué dirige con personalidad, sensibilidad y habilidad. Y su rebaño le devuelve generosamente la confianza depositada: Magda Puig y el temperamental tesón; Juan Pablo Mirando exhibiendo gracejo resultón; y Lavinia Vila con su chispeante ingenuidad.
“Vaques sagrades” nos maravilla por la descripción de los tres protagonistas desde la elegante caracterización de Rosa Lugo Fábregas a la acertada expresión corporal de los intérpretes en manos de Marta Hervàs.
La fórmula dramatúrgica empleada por Denise Duncan es, además, seductora: Consiste en alternar una narración verbal a tres voces con la escenificación a modo de cuadro plástico intercalando incluso momentos agradecidos de “club de la comedia”. Todo ello impregna el espectáculo de un ritmo ágil, juguetón y muy desenfadado.
El goce se amortigua, no obstante, cuando el texto entra sin previo aviso en un registro más combativo, aquel mediante el cual la autora intenta articular a retazos un mensaje de militancia existencialista democrática. Porque entonces se desequilibra la fábula planteada perdiendo la frescura.
Y es que la obra funciona muy bien cuando no se aparta del derrotero más suave y contundente (dicen que las palabras se las lleva el viento y estas criaturas rumiantes son más bien gente de acción) de la aventura argumental (un paseo por Barcelona en pos de un Shangri-La de Verdes Pastos) donde no chirrían algunas sentencias estupendas (“hay que estar solo en la montaña para ver” dice la acosada Puig al acosador Mirando; “la libertad ya no huele a musgo, ¡la libertad apesta!” concluye una de las fugitivas en unos instantes de duda y crisis).
Si George Orwell prendió fuego hace casi setenta años con “Rebelión en la granja”, ahora el Almeria Teatre enciende sugerentes chispas diciéndonos que sienta bien salir a dar una vuelta antes de aceptar nuestro inevitable destino en el mostrador de la carnicería.
Por Juan Marea
“Vaques sagrades” se representa en el Almeria Teatre hasta el 26 de enero.
Culturalia os propone hoy una recomendación teatral para esta semana.
La compañía Todo el mundo lo hace representa los días 16, 23 y 30 de enero en la Sala Teatro El Montacargas“Resistencia 36”, una pieza de teatro breve, escrita y dirigida por Ramón Paso e interpretada por Ana Azorín, Laura García-Marín, Guillermo López-Acosta y Eva Chocrón. En ella, se habla de la terrible represión que sufrió la izquierda española, principalmente las mujeres, por parte de los golpistas durante la Guerra Civil Española. Torturas, asesinatos, violaciones, robos, injusticias… que, a día de hoy, siguen impunes.
La obra cuenta con el apoyo de varias asociaciones de Memoria Histórica y, de momento, ha tenido una muy buena acogida
“Resistencia 36” se representa los días 16, 23 y 30 de enero en la Sala Teatro El Montacargas (C/Antillón 19, 28011 Madrid), a las 20.30 y 21:30 horas.
Precio de entrada: 5€
Reserva de entradas en sala: 91 526 11 73 / elmontacargas@yahoo.es
Este 2014 se presenta, al menos en sus inicios, como una año de estrenos de películas históricas y péplums. En el horizonte de las pantallas cinematográficas se atisba la llegada de films como 300, el origen de un imperio (Noam Murro, marzo 2014), la secuela de la exitosa 300; Pompeya (Paul W.S. Anderson, abril 2014) y sin una fecha concreta aún se prevé la llegada de películas como Noé (Darren Aronofsky) con Russell Crowe dando vida al patriarca de la Biblia o Hércules (Hercules: The Thracian Wars, Brett Ratner) basada en la novela gráfica de Radical Studio del mismo título. Como avanzadilla a este menú de cine histórico el próximo 24 de enero se estrena Hércules, El origen de la leyenda, film de aventuras épicas dirigido por Renny Harlin e interpretado por Kellan Lutz, Gaia Weiss, Scott Adkins y Roxanne McKee.
«En un intento desesperado por liberar a su pueblo de la opresión de su vengativo esposo Anfitrión, la reina Alcmena dirige sus súplicas hacia los dioses. Fruto de sus plegarias nace Hércules, engendrado por Zeus, padre de los dioses. El príncipe, sin embargo, no sabe nada sobre su identidad y su destino. Él desea sólo una cosa: el amor de Hebe, la princesa de Creta, que ha sido prometida a su hermano Ificles. Cuando Hércules descubre su identidad y su auténtico destino, debe elegir: huir de él con su verdadero amor o cumplir su destino y convertirse en el verdadero héroe de su tiempo».
Millenium nos propone un péplum histórico que nos narra la historia del hombre que hay detrás de Hércules, un punto de vista muy vigente en las aproximaciones que se realizan en la actualidad a los grandes personajes de la historia y de la mítica. El film nos presenta pues la juventud del héroe pero desde una perspectiva pretendidamente más histórica, más humana, para llevarnos al momento en el que el verdadero héroe se ha de hacer a sí mismo, descubrir su destino y aceptarlo.
Para ello la película adapta «a su manera» el legado mítico y literario del personaje para construir un argumento atrayente para las audiencias jóvenes actuales, acostumbradas a los grandes filmes de acción y a los personajes que se construyen a sí mismo luchando contra todas las adversidades, un sino del mundo moderno en el que vivimos. Por eso no cabe esperar ningún o muy poco parecido entre el Hércules de la mitología griega y el Hércules que aparece en la película. Este es el primer aviso, y uno de los importantes.
Si la película contiene unos 30 minutos iniciales que se podrían considerar algo más fidedignos y correctos, que coinciden con la presentación del contexto y de los personajes principales, a partir del minuto 31 observamos como el film adopta estilos ya desarrollados por películas como Gladiator o 300. Del primero Hércules, El origen de la leyenda adopta la estructura de la trama, esto es, el arduo itinerario por el que ha de transitar el héroe: un ambiente familiar negativo; el desprecio de su padre en favor de su hermano Ificles; la caída en desgracia del héroe, y su calvario que incluye la participación en espectáculos de lucha grecorromana y gladiatoriales (algo que no existió en época griega micénica, en la que está ambientada el film, sino mucho más tarde), o la rivalidad y lucha con su propio hermano.
Por lo que respecta a 300 el film adapta su estilo a la hora de mostrarnos el ambiente antiguo y las batallas, dándonos además una visión fantasiosa de la historia. Un estilo «marca 300» que en la actualidad parece que se impone en la mayoría de las películas y series ambientadas en la antigüedad como ya pudimos ver en Espartaco, o en los films Furia de titanes (Louis Leterrier, 2010) o Immortals (Tarsem Singh, 2011).
El film intenta, además, darle a Hércules un barniz de héroe salvador, defensor de los pobres y de los desahuciados (algo que nos puede hacer recordar al personaje de Robin Hood) que en ningún caso poseyó en la literatura mítica griega. De nuevo el cine se olvida de que los héroes y los dioses de la antigüedad, sobre todo estos últimos, «pasaban» bastante de la existencia de los humanos y se convertían, las más de las veces, en fuente de disgustos y de preocupaciones para ellos. Aún así el argumento nos muestra una versión más moderna y actualizada mostrándonos a Hércules como un rebelde contra la tiranía ejercida por su padre Anfitrión y su hermano Ificles.
Por lo que se refiere al guión la película no muestra un trabajo demasiado original por lo que se convierte en una propuesta que no aporta nada nuevo al género. La historia es correcta pero muy predecible, y se centra en la visión del hombre que hay detrás del héroe, saltándose para ello cualquier convencionalismo que existiera previamente. Aún así, y si aceptamos este hecho, se puede considerar una película para pasar el rato.
Hércules, El origen de la leyenda está dirigida por Renny Harlin, un director con una larga trayectoria con altibajos que incluye en su hacer películas y éxitos como Máximo riesgo (1993); La isla de las cabezas cortadas (1995), Memoria letal (1996), Deep Blue Sea (1999), e incluso una entrega de la serie Pesadilla en Elm Street (Pesadilla en Elm Street 4, 1988). Harlin posee, además, algo de experiencia en el ámbito del cine para jóvenes ya que dirigió la película La alianza del mal (2006), cinta que se adelantaba a la moda de los filmes tipo Crepúsculo o las series como Crónicas vampíricas o True Blood.
Los protagonistas principales de la historia son Kellan Lutz que interpreta a Hércules, actor que ya participó en films como Immortals o en la misma saga Crepúsculo y que lleva a cabo una interpretación poco más que correcta y basada en su corporalidad física; Gaia Weiss, que da vida a la bella y valiente princesa Hebe de Creta; Scott Adkins, especialista en cine de acción, en interpretar a «malos malosos» y que nos provee aquí, seguramente, con su encarnación del rey Anfitrión, de la interpretación de más carácter del film; Roxanne McKee que da vida a Alcmena, la madre de Hércules; Liam Garrigan que interpreta a un Ificles que adopta en gran medida los rasgos del Cómodo de Gladiator; Liam McIntyre y Rade Serbedzija.
La película tiene un objetivo muy preciso, y es el de ofrecer una visión 2.0 a los públicos del siglo XXI de una historia, la protagonizada por Hércules, escrita hace más de 2.500 años. El film avanza a través de la acción, la lucha de gladiadores (tanto en una especie de anfiteatro con un diseño de la arena bastante peculiar y ficticio, como, y esto no puedo evitar decirlo, en un teatro, edificio que no existió como tal hasta pasados al menos 700 años); un truncado romance entre dos jóvenes y la tiranía ejercida por el malvado rey de turno, convirtiéndose en una propuesta que no acaba de destacar por encima de otras producciones al estilo.
Aún así, seguramente, la película agradará a aquellos que no esperen ningún tipo de rigor histórico, que buscan espectacularidad en la ambientación (que la tiene y mucha, aunque sea a-histórica) y una trama donde predomine la acción y las batallas a espada, con escenas, claro está, rodadas en 3D, entre las que destacan aquella en la que el héroe lucha armado con dos enormes cadenas con las que estaba sujeto y la batalla final en la que Hércules ataca con su espada magnificada por los rayos enviados por su padre Zeus.
Con la intención de ir acabando daré aquí un par de datos más. El film se ha rodado con un presupuesto de unos 70 millones de dólares. Hasta ahora lleva recaudados 12.675.651 dólares (obteniendo 8.868.318 dólares durante el fin de semana de su estreno), unas cifras que no le auguran una buena recaudación en su exhibición en las pantallas del mundo. Y peor aún, la crítica no ha sido muy positiva con la película, recibiendo en el sitio web Rotten Tomatoes, un referente internacional al respecto, un triste 3% de valoración crítica.
Solo me queda decir que Hércules, El origen de la leyenda es un film para pasar el rato, sin otra pretensión que ver un film «histórico» tal y como se hacen hoy en día y disfrutar de sus ambientaciones, algunas de ellas, como la que nos muestra la que podría ser la ciudad de Micenas con su espectacular Puerta de los leones, muy bellas y otras de carácter oscuro y sombrío, que le dan al film ese toque inequívocamente «300«.
Título:Hércules: el origen de la leyenda Título Original:The Legend of Hercules Director: Renny Harlin Guión: Daniel Giat, Renny Harlin, Sean Hood, Giulio Steve Reparto: Kellan Lutz, Gaia Weiss, Scott Adkins, Roxanne McKee, Liam Garrigan, Liam McIntyre, Rade Serbedzija, Johnathon Schaech, Luke Newberry, Jukka Hilden, Kenneth Cranham, Mariah Gale, Sarai Givaty, Spencer Wilding, Bashar Rahal Música: Tuomas Kantelinen Fotografía: Sam McCurdy Nacionalidad: USA Año: 2014 Fecha de Estreno: 24 de Enero de 2014
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Mi grabadora está nerviosa: Le hablarán de manipulación y de arte. Y de ampliar fronteras críticas. Mi grabadora se sonroja y se excita.
Presentas en el Ciclo “Cinema i Propaganda Nazi” que se exhibe en la Filmoteca de Catalunya tu película documental “Harlan–A la sombra de El judío Süss” (“Harlan–Im Schatten von Jud Süss”, 2009).
F: Veit Harlan fue uno de los realizadores más oscuros del Tercer Reich. Y el creador de “El judío Süss”, la película antisemita alemana más perversa de todos los tiempos. Eso le ha convertido en un realizador maldito. Harlan obtuvo más éxito durante el nazismo incluso que Leni Riefenstahl aunque finalmente ella se hiciera más famosa.
Harlan reunía la doble condición de buen artesano y de artista personal.
Constituyó el paradigma de director consagrado de forma oportunista a un régimen político. A pesar de ello, quizás sea algo injusto recordarle solo por “El judío Süss”: También dirigió grandes películas como “Opfergang”, de un romanticismo tardío. El gran cineasta alemán Alexander Kluge insistió que hay que destacar las cualidades estéticas de sus melodramas coloristas así como el modo en que estos impactaron al público de entonces por la imaginería y atmósfera que muestran.
Pero fue juzgado por “El judío Süss”.
De hecho, se trata del único cineasta juzgado por crímenes de la Alemania nazi por una película. Es discutible que un tribunal pueda decidir hasta qué punto una película propagandística incita al genocidio. Y como no puede demostrase de una forma clara, Harlan fue absuelto. Quizás la cuestión tenga que ver más con la moral que con la causa penal.
¿Cómo recibe el espectador este cine nazi?
Desgraciadamente, sabemos muy poco de cómo el público de entonces percibió “El judío Süss”. Y hoy en día la lectura que se hace de ella es demasiado simplista, muy política. Pasando por alto, por ejemplo, su lectura sexual.
En tu documental tratas también cómo afecta la actitud profesional de Harlan a sus descendientes, en la línea de tu otra obra “Die Verhoevens” (2003).
Siempre me ha interesado el punto de vista de la generación actual sobre lo que sucedió tiempo atrás en su propia familia. Al principio, ambas familias mostraban poco interés por averiguar alegando que ya se sabía todo desde un punto de vista histórico. Pero, en los últimos tiempos, han empezado a preguntarse qué estuvieron haciendo sus abuelos durante los tiempos del Tercer Reich. Aún les queda mucho por contar para después poder asimilar.
También se incluye en el Ciclo tu nueva película “El Cine de propaganda nazi visto hoy” (“Werkstattbericht NS Propagandafilm heute”, 2013). ¿Para qué sirvieron las películas nazis?
El cine como medio propagandístico tenía una importancia tremenda que no podemos minusvalorar. Entonces iban al cine diez veces más espectadores que ahora, su potencial de influencia era tremendo y Goebbels, ministro de propaganda, lo sabía muy bien. Por ello, se destinaba a su producción unos presupuestos muy elevados y participaban en las películas los mejores actores. Los efectos más eficaces se consiguen mediante la calidad y eso es algo que los nazis consiguieron.
¿Qué hacemos con esos filmes ahora?
Hoy en día resulta muy controvertido decidir cómo tratarlos. En Alemania, se discute si la sociedad democrática actual es suficientemente madura para ver estas películas sin limitaciones. Incluso setenta años después de lo sucedido, siguen estando prohibidas: No se permite exhibirlas en televisión ni editarlas en DVD. Solo pueden verse acudiendo a un archivo o bien en ciclos como este después de haber sido introducidas por estudiosos del tema y acompañadas de un debate posterior.
¿Qué opinas tú de estas restricciones?
Hay que adoptar una postura ofensiva al respecto. Si no se difunde este legado cinematográfico nazi, desaparecerá. Por ello, la digitalización y la conservación son muy importantes. No tenemos que limitarnos a conocer la parte luminosa de la historia cinematográfica alemana, como “Metrópolis” (“Metropolis”, Fritz Lang, 1927) o “Los nibelungos” (“Die Nibelungen”,F. Lang,1924). También debemos proteger su parte más oscura. Estoy muy a favor de la edición cuidada en DVD de estas películas. Aún hay más de 40 prohibidas y muchas de ellas son interesantísimas.
¿Qué público asiste a las proyecciones de estos ciclos?
En Alemania suele ser una mezcla de unos pocos nostálgicos, que quizás vivieron esa época, junto a gente joven que valora con gran interés este cine como documento histórico. Pero es muy importante ampliar la visión alemana de esta temática. Por eso me alegra mucho que se vean aquí las películas.
Tras diez años de ausencia regresa a los escenarios barceloneses Rafael Álvarez El Brujo con una nueva mirada a La Odisea de Homero, una oportunidad para recrearse con la teatralidad y el humor de uno de los grandes de la escena española.
Álvarez se acomoda durante tres semanas en el Teatre Condal para narrarnos, como un antiguo aedo aunque algo peculiar, las aventuras que corrieron Ulises y los suyos tras la guerra que enfrentó a griegos y troyanos. Un espectáculo que se estrenó en el 58 Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida en el año 2012, y que desde entonces ha girado por España, haciendo temporada en Madrid donde se estrenó en los Teatros del Canal. Pero El Brujo no se limita a narrarnos las correrías del héroe griego por el Mediterráneo sino que se anima a desmigajar la historia para hacérsela más entendible al público del siglo XXI. Un esfuerzo que le llevará a extraer de ella lecciones de política, de economía o de psicología y a hablarnos de la corrupción, del iva cultural, de la forma de entender el arte, del nacionalismo, del sexo…
El Brujo nos propone en su espectáculo un entretenimiento teatral que mezcla la narración al estilo aedo/juglar con el monologo más canalla. Un monologo que el autor crea desde su dominio de la interpretación escénica. De esta forma el narrador interrumpe la historia siempre que lo cree conveniente para «vulgarizarla», en el buen sentido de la palabra, y hacerla comprensible. En su intento el actor abandona todos los artilugios interpretativos (o los utiliza todos a la vez, qué más da!!) y habla al público de tú a tú, mostrando no solo su conocimiento del texto sino también su saber hacer escénico. Y lo que es mejor, para conseguir sus objetivos la producción no pervierte el texto de Homero adaptándolo a sus necesidades, sino que lo utiliza como punto de partida para hablarnos de aquello que considera apropiado.
De ahí que podamos decir que El Brujo «jode el texto«, como él mismo dice en algún momento de la representación, ya que el objetivo de aquél es darle al artista la oportunidad de expresar su propia sensibilidad artística y convertirse en la base a partir de la cual el actor se expresa. No es otra pues la naturaleza del espectáculo creado y dirigido por Álvarez, que le permite mantener un diálogo con el relato épico a la par que con el público en el que predomina el humor, siguiendo las pautas de propuestas anteriores como fueron Lazarillo de Tormes, El Quijote o El evangelio de San Juan, en las que El Brujo reconstruyó referentes literarios universales para construir nuevamente con ellos espectáculo teatrales cercanos, directos y populares.
Asistimos, pues, a una re-narración 2.0 de La Odisea desde el punto de vista de El Brujo, que no para de desplazarse por el escenario durante la hora y 40 minutos que dura el espectáculo. Una propuesta que rompe la cuarta pared que separa al actor del público ya desde el primer minuto de representación y que se desarrolla en un ambiente minimalista, tanto que roza lo austero.
El Brujo se hace acompañar en esta ocasión de música sobre el escenario, la que interpretan Daniel Suárez «Sena» en la percusión y Javier Alejano en la cuerda. Un elemento musical que provee a la obra de un ambiente mediterráneo que potencia su efectismo y que domeña, también, el actor a su gusto a lo largo de la representación. Si bien, el producto peca de un humor demasiado «vulgar», en el mal sentido de la palabra, en varios momentos, que se mezclan de forma alterna con instantes de genialidad teatral y otros de un coloquialismo absorbente que es el que guía la mayoría del recorrido artístico de la obra y que genera risas y carcajadas. A lo que se suma, finalmente, un cierto grado de improvisación que nos recuerda las tablas que posee el artífice de la representación.
El Brujo se propone reflexionar y hacernos reflexionar sobre la realidad en la que vivimos a través de la realidad mítica que otros vivieron en el pasado. En ello invierte su dilatada experiencia teatral y sus ganas de jugar al y con el teatro con el público asistente. Y consigue con creces su propósito de hacernos sonreír y reír abiertamente, con un espectáculo de pequeño formato que resplandece con su interpretación. Una oportunidad además de ver la versión más «canalla», en el buen sentido de la palabra, de uno de los más reputados actores del teatro español actual.
«La Odisea» se representa en el Teatre Condal del 14 de enero al 2 de febrero de 2014.
Versión: Rafael Álvarez
Dirección: Rafael Álvarez
Compositor y Director musical: Javier Alejano
Reparto: El Brujo Rafael Álvarez
Músicos: Daniel Suárez «Sena» (Percusión) y Javier Alejano (cuerda)
Escenografía: Roberto García
Vestuario: Gergonia E. Moustellier
Iluminación: Miguel Ángel Camacho
Producción: Producciones El Brujo
Horarios: de martes a sábado a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas Precio: 26 – 30 € Idioma: castellano
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Avui dia, portar un fill al món representa abocar-hi 10.000 tones de CO2. I això és una gran responsabilitat. Com assumir-ho si som parella i no volem apartar-nos del ramat de les bones persones? Doncs segons el dramaturg Duncan Macmillan mitjançant una conversa inacabable. Només així arribaríem a implicar-nos-hi prou. Perquè la presa d’una decisió d’aquest tipus demana el seu temps, i una anàlisi exhaustiva de tu i de mi i de tot el que ens envolta. Ah, sí! Se m’oblidava: de nosaltres també.
La neurosi d’una parella jove en constant discussió esdevé aquests dies a La Beckett matalàs d’una banda confortable; de l’altra, exasperant. El reconeixem ràpidament com el símbol del niuet de l’amor i somriem quan els seus protagonistes el construeixen amb els seus projectes de futur. No triguem, però, a recordar que potser sigui un pèl dur quan ens hi estirem plegats. Però l’efecte en cadena dels diversos episodis de la convivència ens arrenca les riallades més primàries i llavors ens relaxem. A la fi, comprovant que el combat dialèctic no acaba mai (no hi ha llençols protectors per als personatges de la destrucció implacable de la unió familiar), callem davant la guerra de coixins d’aquesta parella prototípica i fàcilment intercanviable per nosaltres. I Macmillan, llavors, que vol que tornem al Planeta Tou Dels Somnis Meravellosos, canta de nou una cançó de bressol a còpia d’ajuntar novament les seves criatures.
La directora d’aquest celebrat “dormitori”, Marilia Samper, veu aquest parell “aturats en el fragment de vida etern i esgotador en què s’imposa prendre una decisió”. I ens els presenta amb generositat. L’empatia nostra amb ells és instantània: la frescor dels seus trets, la previsibilitat de les seves accions, l’amenitat d’una història farcida de moments quotidians hilarants i infernals (a una espectadora se li escapa un “què cabró!” dedicat al protagonista quan confessa a la seva companya escènica el seu pecat d’infidelitat), i dos actors amb gràcia (Carlota Olcina eficaç com a gata maula inevitablement femenina; Pau Roca adequat com a mascle postmodern perdut).
Però aquests “pulmons” no passen de ser una distracció convencional: Els manca inspirar més mala llet en el joc escènic. Ni els actors se senten prou segurs amb les seves interpretacions, ni aconsegueixen treure’ns de polleguera perquè són (i ho saben) tan bufons! La caricaturització del seu perfil hauria d’anar més enllà de la multitud de paraules que vomiten. D’aquesta manera, aconseguirien deixar-nos sense alè. I, plegats, nosaltres i ells, expirar la vida real que aquest teatre demana.
Una vez más, el cine como expresión. Y en esta ocasión, como represión también. Porque se convierte en la concreción de un empeño de adoctrinar, legitimar y ensalzar.
La Filmoteca de Catalunya proyecta del 8 al 19 de este mes una selección de películas que anularon conciencias y crearon héroes del Tercer Reich.
Con la Muestra de Cinema i Propaganda Nazi, el Festival de Cinema Jueu de Barcelona y el Goethe-Institut nos “autorizan” a asistir a la exhibición de ficción audiovisual actualmente prohibida. A la que solo puede accederse en el transcurso de ciclos temáticos oportunamente explicados. Y bajo el solemne control del consulado y la embajada alemanes.
Ahora que ya estamos advertidos, entremos. Y no permitamos que sea el morbo quien nos guíe.
Nos iluminará nuestra curiosidad “Hitlerjunge Quex” (Hans Steinhoff, 1933)o la melodramática historia de un preadolescente voluntarioso, apasionado y deseoso de entrar en acción disputado por comunistas y nazis como estandarte. La película, estrenada en España en 1939 como “El flecha Quex”, despliega una intriga que incluye un padre comunista alcoholizado y finalmente iluminado por la salvación nazi a base de refrescantes cervezas; una madre sufriente capaz del infanticidio si con ello aleja a su benjamín del mal camino y, sobre todo, un protagonista resplandeciente en actitud y movimiento. Muy entretenida y con un guión consistente, documenta con detalle la eficacia de los agrupamientos juveniles para crear acólitos y su poder letal (los enfrentamientos entre uno y otro bando van desde las travesuras callejeras hasta el sacrificio final de la oveja más blanca del corral). Y curiosamente todo empieza con el hurto de una manzana por parte de un díscolo muchacho rojo… Hay también amores de adolescencia, traiciones y épica militar con una idea poco reconfortante que subyace: la hospitalidad nazi (“en casa, todos son bienvenidos” proclama con dulzura y convicción la amada de Quex).
Del mismo Steinhoff y ocho años después, llega “Ohm Krüger”, que se adentra sin rubor y con mucho tesón en el terreno suspicaz del “biopic”, esto es, subgénero especializado en glosar y sobre todo glorificar a figuras cuya relevancia se presume harto demostrada. Con el “presidente Krüger”,líder político y judicial del pueblo de granjeros sudafricano bóer, conoceremos la crueldad del pueblo británico, empeñado en exterminar a aquellos por la riqueza mineral de sus tierras. Todo en esta película es magno: desde la interpretación de su actor principal (un omnipotente Emil Jannings) hasta las escenas de grupo (que encuadran admirablemente a centenares de figurantes recreando los momentos más emotivos) dejando incluso espacio a la ironía en algunos personajes memorables: una Reina Victoria irresistible en su ambición desmesurada (“hay que intentar que los pueblos se odien siempre. Si no, ¡estamos perdidos!” sentencia entre delirio y humana cordura en su lecho de muerte) interpretada soberbiamente por Hedwig Wangel, unos religiosos que reparten fusiles y biblias entre los aborígenes mientras cantan con ellos el “God save the Queen”, y un oficial británico que alimenta a su bulldog con casi media docena de filetes para dirigirse poco después a hacer las mil perrerías a las hordas de mujeres bóer aprisionadas en campos de exterminio creados (¡atención!) por los malvados ingleses. Nos quedamos con una de las frases que el “Mesías” Krüger grita a su rebelde hijo: “La historia no se estudia. ¡Se hace!”.
Va por nosotros.
No acostumbran los autores de novela histórica española a ambientar sus obras en ámbitos muy alejados a aquellos en los que habitan ellos mismos. Por eso la publicación de novelas como La prisionera de Roma de José Luis Corral o La boca del Nilo de León Arsenal representan un grado de variedad que agradecen todos aquellos que disfrutan de la ficción literaria ubicada en el pasado.
Este es el caso también de El Mármara en llamas de Blas Malo, novela publicada por Ediciones B ambientada en el Mediterráneo Oriental durante el asedio que sufrió la ciudad de Constantinopla en los años 717 y 718 a manos de los ejércitos musulmanes y que permite al lector realizar un recorrido de descubrimiento a través del conocimiento antiguo perdido.
Blas Malo es un autor con experiencia en el género. En el año 2010 publicó El esclavo de la Al-Hamrá. El Mármara en llamas es su segunda novela, a la que ha seguido en 2013 El señor de Castilla, todas ellas publicadas en ediciones B.
Aunque la trama de la novela comienza en la ciudad siria de Heliópolis en el año 673 d.C., la acción empieza realmente poco antes de que las tropas omeyas inicien el asedio de la capital bizantina. Allí León III el Isaúrico ha obtenido el poder tras un periodo de inestabilidad política, como el último recurso imperial para frenar el avance musulmán sobre suelo cristiano. Para ello los bizantinos cuentan, además de con sus ejércitos, con una ciudad fuertemente amurallada y con el uso del fuego griego, una arma incendiaria capaz de prender en llamas incluso en contacto con el agua, lo que provee a los cristianos de una amplia ventaja sobre todo en el mar.
Blas Malo
Calínico, el inventor de esta substancia, cree descubrir a través de la lectura de un palimpsesto, que parte del conocimiento técnico y arcano que desarrollaron los sabios antiguos se ha podido salvar de la destrucción sufrida por siglos de dominación y fanatismo cristiano y es posible que esté oculto en algún lugar de Egipto. Para apoderarse de esa fuente de saber y evitar al mismo tiempo que lo hagan los musulmanes, las autoridades bizantinas envían a tierras egipcias a Casiodoro y a Irene, dos jóvenes estudiosos que intentarán hacerse con un conocimiento que puede salvar al mismo imperio bizantino de caer en manos musulmanas.
La obra de Malo contiene, así, elementos propios de la novela histórica y componentes típicos de los relatos de aventuras o de misterio histórico. Por lo que se refiere a la novela histórica el escenario no podía ser mejor. Asistimos a uno de los más feroces ataques a los que tuvo que hacer frente la capital bizantina, en un momento en el que parecía que todo estuviera en su contra: una situación política interna inestable marcada por reinados cortos y emperadores débiles y un avance musulmán imparable.
A través de las páginas escritas por Malo seremos testigos de las conspiraciones que llevaron a León III el Isaúrico al trono bizantino y presenciaremos el titánico esfuerzo bélico que realizó el imperio ante la amenaza árabe. A este respecto, y como elemento que diferencia a la novela, podemos destacar la presencia del fuego griego, una “arma química inflamable” de capital importancia militar para los bizantinos, y que ayudó sin duda a la ciudad a defenderse en los diversos asedios de los que fue víctima. Un elemento sobre el que, aunque no es demasiado conocido, gira de alguna forma la acción de la novela.
Por otro lado, y como segundo pilar argumental, la novela nos relata la búsqueda de conocimiento que protagonizan los dos jóvenes enviados a Egipto. Esta parte adopta tonos de intriga y misterio al relatarnos las aventuras que correrá el grupo de “espías” bizantinos en territorio enemigo con el objetivo de hacerse con aquellos grandes logros científicos y filosóficos que alcanzaron los antiguos, ya sea el uso rudimentario del vapor por parte de Herón de Alejandría, la construcción del misterioso mecanismo de Anticitera o los textos escritos por Hermes Trismegisto, todo un bagaje de esfuerzo y conocimiento humano el cual se perdió casi irremisiblemente en el paso de la Antigüedad a la Época Medieval.
Uso del fuego griego, según un manuscrito bizantino.
Malo nos muestra en su novela un dominio de los hechos políticos que acontecieron en aquel entonces, necesarios, claro está, para ambientar su trama, pero sobre todo nos revela su admiración por los logros del pasado antiguo, los cuales aletean a lo largo de la trama con aires de reliquias sagradas. Y sorprende agradablemente ver trazado ya en el siglo VIII el espíritu en gran parte renacentista que muestran algunos de los protagonistas, que sin duda debió de existir al menos en algunos momentos y en algunos círculos sociales e intelectuales de aquella época.
En su narración el autor maneja un estilo sencillo y entretenido ya sea en su relato de la contienda bélica entre bizantinos y musulmanes y las maniobras que emplean unos y otros durante el asedio, como cuando nos narra la que se irá convirtiendo en una historia de amor que nacerá entre los dos jóvenes encargados de hallar el tesoro de conocimiento arcano en Egipto.
Una historia recomendable, pues, tanto para aquellos a los que les gusten las novelas que narran grandes acontecimientos históricos o bélicos, como a los que les agrade más la intriga y el misterio de carácter histórico, a lo que se suma una pizquita de fantasía que provee a la trama de personalidad propia. Todo ello ayudado por mapas de situación muy cuidados ubicados en sus guardas anterior y posterior; por un glosario de términos que ayudan al lector a no perderse en el desarrollo de la trama y por una breve bibliografía que si bien es de agradecer peca de poco completa y actualizada.
Título: El Mármara en llamas Autor: Blas Malo Editorial: Ediciones B Nº de páginas: 528 págs. Fecha publicación: marzo 2012 ISBN: 9788466650267 Precio:
Tapa dura / 15 x 23 cm: 21 €
Tapa blanda bolsillo: 10 €
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El cine comercial que se estrena en las salas de todo el mundo está cada vez más dominado por las producciones norteamericanas. De ellas la mayoría son secuelas, precuelas, remakes, reboots o spin-offs de films de éxito, algo que se centuplica en los casos de los géneros de ciencia-ficción, fantasía o terror donde el continuo estreno de este tipo de “productos franquicia” se impone normalmente al estreno de películas con argumentos originales, un hecho que sin duda va ligado al intento de caminar sobre seguro en el complicado e incierto mundo de la producción cinematográfica.
Un ejemplo de ello nos los muestra la franquicia Paranormal Activity, la cual desde el estreno de la primera entrega en el año 2007, ha conseguido generar tres secuelas oficiales más, al menos dos extraoficiales (una italiana y otra japonesa) y de la que se prevén, al menos, dos continuaciones más. Ahora sin embargo, le llega el momento al primer spin-off de la franquicia con Paranormal Activity: Los Señalados, un intento de rentabilizar y estirar un poco más la idea del mockumentary terrorífico que tan buenos resultados a dado a Paramount. La nueva entrega intenta, además, proveer de un poco más de variedad a la saga, dirigiéndose claramente al mercado latino y cambiando de ambiente, si bien el contexto en el que se mueve la trama es propiamente el de la franquicia.
«Cuando Jesse (Andrew Jacobs) y sus amigos se disponen a comenzar sus vacaciones de verano, el barrio latino donde viven es sorprendido por el asesinato de una vecina conocida por su mal genio y hermetismo. Jesse y Héctor (Jorge Diaz) deciden visitar la casa de la difunta donde tienen una experiencia escalofriante relacionada con la magia negra. A partir de ese momento Jesse habrá sido señalado por una entidad demoníaca y con ayuda de su familia y amigos tendrá que luchar para evitar su posesión a través de aterradoras sesiones espiritistas y conjuros de santería».
La nueva apuesta de la franquicia se ha dejado en manos de Christopher Landon, guionista y director que conoce bien el producto ya que firmó los guiones de la tercera y la cuarta entrega de la serie y es además responsable del film Burning Palms (2010). La película mantiene el estilo de la franquicia de ser rodado videocámara en mano. La excusa para ello es la cámara que adquiere uno de sus protagonistas y que sirve de encuadre conductor de la trama que en esta ocasión se ha decidido ambientar en el barrio latino de la ciudad californiana de Oxnard.
La voluntad del film, como del resto de la saga, es proveer al público del componente de realidad y de proximidad necesario para meter al espectador en la trama. Aunque si bien en este caso la propuesta puede llegar a impactar en alguna escena, por lo realista y efectista de la misma, no acaba de atrapar al espectador, acostumbrado ya a films del estilo y debido, en parte también, a la lejanía del contexto social en el que está ambientada.
La película está rodada en tonalidades oscuras y/o nocturnas, las necesarias para hacernos sentir el proceso de posesión que sufre el personaje principal. La acción pasa, de esta forma, de un componente testivo y juvenil al principio a unos trazos cada vez más oscuros y satánicos en su tramo final. Todo ello acompañado, claro está, de toda una serie de sustos, unos mejor hallados que otros, que van impresionando cada vez más los sentidos de los espectadores y que nos adentran en el contexto paranormal típico de la franquicia, esto es, fenómenos y ruidos extraños, rituales de magia negra y posesiones que nos conducen a una larga escena final que, y esto si que es un mérito del film, puede llegar a congelar la sangre ya de por sí fría de los fans de la saga y que enlaza, en parte, con lo acontecido en otras entregas.
El casting posee un marcado componente hispano en el cual no destaca ninguna interpretación más que otra ya que el objetivo de la franquicia es darle al film un toque de realidad no adulterada. Si bien la elección «de mercado» convierte la propuesta en algo bastante exótico a las audiencias españolas a lo que se suma su voluntad de no ser aclarativa en relación a lo que está pasando, por lo que el resultado final es el de haber visto una entrega más de la saga y el de haber pasado un mal rato debido a la suma del miedo, la turbación y los sobresaltos que el film contiene.
Por otra parte la filmación, cámara en mano, no atropella al espectador por lo que podemos considerarla como bien realizada y bien integrada en la trama. Así, pues, estamos ante un spin-off de la franquicia Paranormal Activity (no sé con qué posible grado de éxito?) que mantiene al espectador devoto de este tipo de películas enganchado sin acabar nunca de saber por qué pasa lo que pasa, hecho este que lo mantiene descolocado y más receptivo a los efectos generados por la trama.
Un film que, y como aclaración final, se asemeja mucho a lo que podemos ver en una sesión cualquiera de youtube, es decir, videos con un alto (aunque a veces falso) grado de realidad y por ello más cercanos al punto de vista del espectador (sobre todo los más jóvenes). Un producto, pues, fabricado para los fans de la franquicia Paranormal Activity y para los gustosos de los films de estilo mockumentary de terror sin grandes pretensiones. Abstenerse si un caso todos aquellos a los que no les interese el menú.
Título: Paranormal Activity: Los Señalados Título original: Paranormal Activity: The Marked Ones Nacionalidad: USA Director: Christopher Landon Guión: Christopher Landon Reparto: Andrew Jacobs, Jorge Diaz, Richard Cabral, Eddie J. Fernández, Kimberly Ables Jindra, Tonja Kahlens Fecha de Estreno: 1 de enero de 2014 Género: Terror, mockumentary
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Política és l’art d’atribuir-se públicament la capacitat de decidir dels altres. Terrorisme, la gosadia d’interpretar la voluntat (també dels altres) i de palesar-ho suprimint els “artistes” de manera prosaica.
“La flor de paper” esquinça un mirall en molts bocins per separar a l’escena dues presons on encabir un representant de cadascun d’aquells grups. I s’arrisca a acostar-los per passar a allunyar-los quan es reconeixen l’un en l’altre. No hi haurà opció de fer créixer la flor perquè cap dels dos protagonistes pot adobar-la: si la política plora la mort violenta d’algú molt proper, no trigarà a contenir els sanglots perquè el seu oportunisme guanyà el patiment; quan el terrorista confessa el seu crim sembla que el penediment ja havia començat a fer estralls en la manca d’escrúpols inicial.
La companyia El balcón de la espera aporta el seu granet de sorra al qüestionament moral amb aquesta història ambiciosa i ambigua. La seva proposta és d’una destacable elegància per l’estilització de la posada en escena i quant al fet d’apostar a la confrontació directa de dos personatges dels quals es pressuposa una profunditat dramàtica.
Malauradament, el teatre no és només una declaració d’intencions (tot i que en aquest sentit, l’espectacle subratlla un cop i un altre la seva lectura simbòlica). El teatre, deia, a més ha de tenir vida pròpia: el batec dels seus artífexs, i la respiració mig nuada dels espectadors. Això no passa aquí perquè en Roger M. Puig, director i dramaturg, no equilibra els seus dos vessants creatius. Inclinant la balança cap a la banda del text, descuida els principals elements escènics.
Així doncs, els intèrprets actuen amb rigidesa i actitud excessivament solemne: la frescor d’en Joan Serrats que ens alimenta al començament de la funció va despareixent quan avança l’enfrontament verbal amb la seva contrincant; i la presència de Georgina Asin no és prou recurs per mitigar la monotonia del seu posat i to de veu. D’altra banda, el tercer personatge en joc, un mediador amb la missió d’alleujar (també) el dramatisme de l’argument, no arriba a tenir entitat pròpia perquè amb prou feines està esbossat.
Enmig d’aquestes irregularitats, regna un espai escènic dissenyat per Massimo Pernice i Irene Jiménez intel·ligentment sobri i, precisament per això, de gran impacte visual. La il·luminació d’Ingrid Espín potencia amb encert aquest efecte ja en el preàmbul de la representació. I després ens enlluernen alguns aspectes de la dramatúrgia entre les reflexions defensades per les víctimes-botxins (els talls de l’ànima, a diferència dels físics, són eterns) i l’escena final on el “mirall” es capgira obligant la protagonista a ser una “Alícia” sense conill blanc que legitimi el seu viatge a l’altra banda…
El teatre és també experimentació i atreviment. I l’èxit de l’empresa no es mesura amb la sonoritat dels aplaudiments finals, ni amb el nombre d’entrades venudes, ni molt menys amb apunts crítics con aquests. No. L’èxit és per a aquells que creuen i fan. I aquesta “flor” valenta n’és un bon exemple.
¡Qué hermoso será su prado!
No habrá hierba para los soñadores.
Culturalia 