La casita de Chocolate en la Sala Karpas: ¿Hay algún dentista en la sala?

Hansel y Gretel merodean estos domingos por la Sala Karpas de Madrid. Y con su habilidad para zaherir y una contagiosa afición por la distracción llevan a la desesperación al Brujo Escalambrujo, al borde de la inanición y casi a dejarle sin techo.

La Compañía sirve una versión muy desenfadada del cuento recogido por los Hermanos Grimm en el que la “joie de vivre” aplasta cualquier aspecto tétrico o adoctrinador. Porque parece que ya no estamos para cuentos. Y sí para pasarlo bien.

Así que organizan un “show” que toma un poco de “Pulgarcito” (la perseverancia de los protagonistas por recuperar el equilibrio familiar después del repetido abandono por parte de los padres), otro poco de “Alicia en el país de las maravillas” (esas plantas dicharacheras y con dificultades para aguantar la compostura) y hasta de “La bola de cristal” (los ripios amenazadores de la Bruja Avería aquí los recoge un malvado una y otra vez apaleado), un puñado de canciones sabrosonas (que van de la rumbita a la salsa) y algunas morcillitas coyunturales para que los adultos también se laman un poquito los dedos. Todo ello acaba convirtiendo el material de partida en un mero pretexto para conseguir una horita de entretenimiento encantador pero banal.

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Belén Orihuela y Nerea Rojo paciendo azúcar.

Porque aquí Gretel es una ingenua histérica; Hansel, un niño extremadamente prudente; y el enemigo, un bobalicón tan inocuo como simpático. Poco importa la lucha entre el Bien y el Mal. Incluso volver a casa sanos y salvos si podemos engullir dulces nada nutritivos y bailar al son de criaturas imprevisibles (lo mejor de la función: el escarabajo Baldomero, con un salado Chema Moro).

La propuesta de Manuel Carcedo Sama se resiente, en lo dramatúrgico, de esta dispersión narrativa: Por una parte, a duras penas avanza la historia. Por otra, la dirección de actores adolece de una falta de cohesión evidente: algunos son excesivamente histriónicos; otros, demasiado contenidos. En cambio, aplaudimos el tono festivo de su dirección: La diversión es constante gracias a esa mezcla de delirio ocioso de los protagonistas, que incluye los tiernos mugidos de una vaca tan despreocupada como los dos hermanitos y en quien recaerá, entre pasos de baile zumbones y repetidas expresiones de sorpresa, la tarea de enderezar a los terribles niños a la hora de urdir su plan de derribo del famélico hechicero y triunfal victoria final.

 Por Juan Marea

 

LA CASITA DE CHOCOLATE se representa en la Sala Karpas de Madrid.
http://www.karpasteatro.com/programacion-actual/programacion-infantil-gg/la-casita-de-chocolate

Crítica teatral: Prendre partit, al Teatre Goya

prendre partit goya_2Josep Mª Pou des de fa uns anys es dedica a dirigir aquelles obres que li agradaria veure a ell, sense amoïnar-se de si estarà de moda i, sobretot, sense preocupar-se si el públic en general respondrà al seu missatge. Així que Pou ens està acostumant a un teatre que retorna a l’essencial de l’escenari, el text, la paraula i el silenci. Un teatre clàssic i de vegades fins i tot acadèmic que tracta de ferir el cap i les ments dels espectadors per remoure els seus valors o la manca d’ells.

Prendre partit ens explica la relació del director musical Wilhem Furtwängler amb el nazisme. I com, tot i fer un seguit d’investigacions sobre la seva vida pública i privada, no es va poder demostrar la seva afecció amb el règim. «¿Què havia de fer… Quedar-me o marxar?» diu Furtwängler, qui es sent impotent i exageradament passiu davant les preguntes intimidatòries del comandant Arnold. Aquesta pregunta, serà la llosa que arrossegarà el director després d’haver renunciat a fugir d’ Alemanya per dirigir l’Orquestra Filharmònica de Berlín durant el període nazi.

La posada en escena d’aquesta versió de ‘Prendre partit’ —l’original es va estrenar a Londres i Broadway el 1995 i el 1996, i es va adaptar al cinema (‘Taking Sides‘, 2001), sota la direcció d’István Szabó— aprofundeix en la lluita entre cultura i política, i l’ús que en fa el poder de la cultura a favor dels seus interessos, trepitjant la llibertat dels artistes. Aquesta contradicció enfronta els dos protagonistes del duel: el mateix director d’orquestra Wilhem Furtwängler (Josep Maria Pou) i el major nord-americà Steve Arnold (Andrés Herrera), un personatge obsessionat en trobar el punt feble, real o imaginari, dels acusats en els seus interrogatoris una vegada finalitzada la Segona Guerra Mundial.

L’obra pretén activar la reflexió de l’espectador i no cau en el maniqueisme, sinó al contrari, el públic surt fent-se la pregunta, “jo m’hagués quedat? Hagués marxat?» Una qüestió que es va repetint a mesura que avança l’interrogatori.

L’escenografia ajuda a l’espectador a entrar dins el contextt. Se’ns presenta un marc de postguerra i desolació, escenificat amb una edifici mig derruït. El saló gris amb els grans finestrals trencats, és el marc perfecte per simbolitzar no només l’Europa de la postguerra (l’edifici), sinó també la fragilitat de l’animà humana (els finestrals) dins una situació extrema, i com s’adapta a ella cadascun dels personatges.

prendre partit goyaEl que ha aconseguit Pou en la seva direcció és que cap dels personatges es mengi els altres, i per això tots tenen el seu propi espai de reflexió on despullen les seves misèries i personalitats. Per sobre de tots i com a conductor dels altres tenim al major Steve Arnold que en certs moments ens ha semblat massa intens. Pou com a contrapunt de l’exagerada adrenalina del seu inquisidor, es mostra seré i intel·ligent. Però per sobre de tots destaca el rol de l’actor Pepo Blasco en el paper de segon violí de la Filharmònica Helmuth Rode. Mesurat, humà, contingut, i ple de matisos. Blasco ens presenta així el seu personatge i aconsegueix enganyar l’espectador sobre la realitat que l’envolta fent tot un viatge interior des de l’ pretesa innocència fins a la caiguda als inferns.

L’obra en certs moments perd el seu ritme i resulta lenta, ja que ens trobem amb escenes amb llargs silencis que pretenen donar un espai de reflexió a l’espectador, perquè sigui ell qui construeixi la seva pròpia veritat. La situació d’aquest silencis està perfectament estudiada dins els interrogatoris i marquen una bretxa entre la cultura representada pel director musical i la política representada pel seu interrogador.

L’atmosfera està embolcallada per una banda sonora que neda entre els enregistraments de la Orquestra Filharmònica i el soroll dels bombardejos que retronen dins el cap del major Arnold, en un intent d’afrontar el que ha vist als camps de concentració. I aquesta visió és la que no deixa a Arnold soltar la presa, intentant per tots els mitjans dictar un judici interpretant les proves per condemnar a Furtwängler.

A l’espectacle, tot i tenir moments brillants, encara li falta recorregut. En alguns moments pot resultar dens, però l’estètica general, recolzada per una il·luminació i un vestuari molt encertat, ajuden a alleugerir-la. A més la feina dels actors acaba de perfilar una obra que ja s’espera dura per la mateixa temàtica que tracta.

«Prendre partit» es representa al Teatre Goya fins a l’1 de març de 2015.

Autor: Ronald Harwood
Traducció: Ernest Riera
Direcció: Josep Maria Pou
Repartiment: Josep Maria Pou, Andrés Herrera, Sandra Monclús, Anna Alarcón, Pepo Blasco i Sergi Torrecilla
Escenografia: Joan Sabaté
Il·luminació: David Pujol
Vestuari: María Araujo
Espai Sonor: Àlex Polls
Caracterització: Toni Santos
Producció: Focus

Horaris: de dimarts a divendres a les 20:30 hores; dissabtes a les 18:00 i a les 21:00 hores i diumenges a les 18:00 hores
Preu: de 24 a 28 €
Idioma: català
Duració: 1 hora i 50 minuts (sense entreacte)
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Tere Gilisbars

Fisuras en el Teatro María Guerrero: Si duelen, que se queden.

Compartir techo de un hospital permite contrastar heridas. Y, cuando la tragedia empieza a relativizarse por la recuperación diaria, también los pacientes pueden compartir su temor. Por lo que sucedió y cómo afectó a quines les rodean. Y lo que resulta más interesante dramatúrgicamente: por si pretenden volver a ser quienes eran o, en cambio, están dispuestos a seguir adelante.

El Centro Dramático Nacional propone hasta el domingo 21 de diciembre que el espectador meta el dedo en las FISURAS de Diana I. Luque. La forma que sugiere la autora es adoptando la mirada entre rutinaria y escéptica de los estudiantes MIR. Juntos, podemos pasar visita a dos casos clínicos de diferente índole aunque a ambos une una cerrazón a la pronta superación de sus males: un bailarín aterrorizado al descubrir que sus piernas pueden volver a moverse y un niño (magnífico Ángel Perabá) cuyo corte en la mano no es más que una llamada de atención a un padre sonámbulo incapaz de rehacer su vida sentimental.

A continuación, se diseccionan retazos del realismo coyuntural de los dos citados que se comparan, interseccionan y, finalmente, alejan para dejar que ambas líneas argumentales cicatricen en su propia piel. La autora recurre a dos personajes femeninos para que los enfermos puedan decidir si se hunden en su desesperación o bien se agarran a la cuerda fuertemente tensada por el vitalismo (una bailarina que emprenderá el vuelo profesional soltando el lastre del novio convaleciente, una psicóloga infantil oportunamente jovial para que el precoz niño madure).

Y lo que en el papel son poco más que apuntes sobre criaturas dramáticas, en el escenario imploran una entidad que David Ojeda como director otorga parcialmente: la presentación de los personajes vibrante y trepidante aunque efectista como si ejecutasen una danza fatal. En la misma dirección, Ojeda potencia la ambigüedad que acerca y aleja a unos y a otros (el doble papel femenino interpretado por la elegante Xenia Sevillano, que derrochan firmeza exterior y de los que, a la vez, brotan gotas de inseguridad personal). Y, en fin, David realza las preguntas que el texto plantea para salvar al público de la sensación de excesiva fragmentación: ¿Un accidente puede suponer un punto de inflexión en la vida de uno? Y, si fuese así, ¿nuestra cobardía nos permitiría asumirlo?

Por Juan Marea

 

FISURAS se representa en el Teatro María Guerrero de Madrid (c/ Tamayo y Baus, 4) hasta el 21 de diciembre.
http://cdn.mcu.es/espectaculo/fisuras-escritos-en-la-escena/

Crítica teatral: En el estanque dorado, en el Teatre Romea.

En el estanque dorado_RomeaExiste un tipo de obras de teatro, de historias en definitiva, que podríamos considerar generacionales y que no solo están interpretadas por actores y actrices de una cierta generación, sino que están dirigidas principalmente a un público también de esa generación. En el estanque dorado es una de ellas y nos habla sobre la vejez, los últimos años dorados, de una pareja que, como cada año, va a pasar los meses estivales en la cabaña que poseen cerca del lago.

Ethel y Norman Thayer son un anciano matrimonio que pasa sus vacaciones en un lugar paradisíaco: El Estanque Dorado. Norman, un hombre muy activo, soporta muy mal las limitaciones de la vejez y la proximidad de la muerte. Inesperadamente, llega de visita Chelsea, la hija de los Thayer, que siempre ha mantenido unas relaciones muy tensas con su padre.

La obra de Ernest Thompson es un clásico del teatro contemporáneo traducida a treinta idiomas y representada en más de 40 países. El Romea nos ofrece, en esta ocasión, una versión de Emilio Hernández dirigida por Magüi Mira, que actualiza mínimamente la obra representada por primera vez en Estados Unidos en el año 1979.

En el estanque dorado nos habla de la vejez y de la proximidad de la muerte. Ethel (Lola Herrera) está en la sesentena aunque mantiene un espíritu joven y activo. Norman (Héctor Alterio), está en la setentena rayando la ochentena, posee un carácter burlón y cínico, su salud ha empeorado en los últimos años y vive afectado por los pensamientos de una muerte cercana. La tranquila estancia de la pareja se verá alterada por la llegada de Chelsea (Luz Valdenebro) y su nueva pareja (Camilo Rodríguez), que acompañados por Billy (Adrián Lamana), el hijo de él , pasarán unos días en la cabaña del estanque. La llegada de Chelsea y Billy afectarán de pleno el día a día de los Thayer y permitirá el contacto entre generaciones diferentes. La representación se divide en diferentes actos que marcan los diferentes meses de la estancia en la cabaña. Gracias a ellos iremos conociendo el carácter y la personalidad de Ethel y Norman y la situación vital en la que se hallan.

En el estanque dorado_Romea_2Al reseñar esta obra uno se ha de sentir influenciado, claro está, por la versión que en el año 1980 interpretaron en la gran pantalla Henry Fonda y Katherine Hepburn, dirigidos por Mark Rydell y en la que la propia hija de Fonda, Jane, interpretaba el papel de Chelsea. Un listón muy alto, que la versión de Hernández y Mira sigue muy de cerca y de la que solo cambia algunas formas en la expresión y en el estilo de la obra, corriendo la representación por los cauces originales. Es por ello que la obra se convierte en una oportunidad de lucimiento para los actores principales, Herrera y Alterio, que saben proveer a esta tragicomedia de los momentos de humor oportunos y de los instantes de emoción y ternura que requiere. Casi podríamos decir que la obra está hecha para ellos, Herrera haciendo de Herrera y Alterio proveyendo al personaje de ese ingrediente de fragilidad y sorna que requiere.

Es así que la obra es un producto redondo y reconocible. Redondo porque la propuesta está bien concebida y desarrollada y reconocible porqué se mantiene en los cauces clásicos del proyecto original. La representación, además de enriquecerse con las interpretaciones de Herrera y Alterio, se nos presenta envuelta en un magnífico escenario que nos muestra el interior de la cabaña en la que acontece la acción de la obra y que acaba potenciando la sensación de familiaridad que de por sí ya genera el texto.

En el estanque dorado es una nueva oportunidad de gozar de Herrera y de ver a Alterio sobre los escenarios barceloneses, y es una apropiada propuesta para la época del año en la que estamos, en la que la familia y la tradición marcan, sin duda, la agenda de nuestras vidas, al menos hasta que acaben las fiestas navideñas y, como en la obra, recojamos todo y esperemos que la Navidad regrese el año que viene!

«En el estanque dorado» se representa en el Teatre Romea hasta el 11 de enero de 2015.

Autor: Ernest Thompson
Versión: Emilio Hernández
Dirección: Magüi Mira
Reparto: Lola Herrera, Héctor Alterio, Luz Valdenebro, Camilo Rodríguez y Adrián Lamana
Diseño escenografía: Gabriel Carrascal
Diseño iluminación: José Manuel Guerra
Diseño vestuario: Rodrigo Claro y Cuca Ansaldo
Espacio sonoro: David San José
Producción: Teatre Romea y Pentación Espectáculos

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 19:30 horas y domingo a las 18:00 horas
Precio: de 18 a 28 €
Idioma: castellano
Duración: 1 hora y 45 minutos
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Jorge Pisa

Duel de sèries: True Detective vs Game Of Thrones

Duel de sèries

En els darrers anys el fenomen de les sèries s’ha popularitzat de tal manera que els espectadors ens hem acabat tornant verdaders hooligans, seguidors apassionats que defensem les nostres preferències amb un fervor poc justificable i totalment irracional. El crític Toni de la Torre, convençut que confrontar dues propostes exitoses seria un bon espectacle, va decidir organitzar el primer duel de sèries a la Fàbrica Moritz de Barcelona: True Detective vs Game Of Thrones, un original combat serièfil convertit en l’excusa perfecta per a presentar la col·lecció de samarretes Suxinsu, il·lustrades amb motius de les sèries i pel·lícules més conegudes.

Així, a la Fàbrica Moritz es van citar el Team Rust (Pep Prieto i Àlex Santaló) i el Team Tyrion (Josep Maria Bunyol i Oriol Estrada), uns valents amb ganes de gresca o, segons els va definir De la Torre, “quatre crítics que no tenen vergonya de res”. El combat dialèctic va començar amb serenitat i joc net per ambdues parts, amb el Team Rust afirmant que el mèrit de True Detective està en haver reinventat el gènere policíac i les buddy movies, mentre que el Team Tyrion sostenia que el discurs sobre el poder que manté Game Of Thrones li juga a favor, a més d’haver aconseguit el que a priori semblava impossible: malgrat estar condemnada al públic més freaky, ha acabat convertint-se en un fenomen mainstream gairebé sense voler.

Malgrat tot, la sang no va arribar al riu i els dos equips van acabar brindant
Malgrat tot, la sang no va arribar al riu i els dos equips van acabar brindant

Ben aviat, però, les bones paraules i intencions del principi van deixar pas als atacs més furibunds (amb molt d’humor, això sí): el Team Tyrion definia True Detective com un refregit d’altres pel·lícules (amb especial menció a Hannibal), mentre que el Team Rust acusava Game Of Thrones d’aprofitar-se perillosament de l’imaginari de J. R. R. Tolkien. Per la seva part, Prieto desmitificava el missatge de Game Of Thrones per superficial, “només tetes i dracs”, i Estrada desenfundava la seva tablet per a desmuntar el mite d’“actor de mètode” que enguany acompanya Matthew McConaughey: va mostrar els pòsters (sospitosament semblants) de les nombroses pel·lícules romàntiques que l’estrella de True Detective ha protagonitzat durant la seva carrera, i va arribar a la conclusió evident que la sèrie haurà estat el seu únic moment de glòria perquè va mancat de registres. D’altra banda, Santaló es queixava que els responsables de Game Of Thrones s’inventaven morts cada vegada més estrambòtiques (amb l’assassinat d’un dels protagonistes en un lavabo com a màxim exemple), i Bunyol arrencava les rialles del públic amb la idea que Albert Espinosa segur que es va emocionar amb el final de True Detective perquè “semblava el de la pel·lícula Planta 4a”.

Després de gairebé una hora d’apassionats arguments a favor de l’opció defensada i, sobretot, sentències que desacreditessin els rivals, arribava el moment en què el públic s’havia de mullar i votar a mà alçada pel Team Rust o el Team Tyrion: victòria ajustadíssima dels primers (23 a 22); el resultat, però, va ser el de menys: els guanyadors van ser els espectadors, que van gaudir d’un duel de sèries divertidíssim (regat, com no podia ser d’altra manera, amb cervesa Moritz), confiats que ben aviat es repeteixi la cita amb dues noves propostes.

Curs: Segle XIX. El somni d’Europa. Del zenit a la barbàrie, Centre Cívic Casa Golferichs

revolucion-industrial-Us proposem un nou curs al Centre Cívic Casa Golferichs que tractarà sobre la Història d’Europa al segle XIX. Us adjuntem el temari del curs, que començarà el proper 27 de gener de 2015 i es desenvoluparà al llarg de 9 sessions.

Segle XIX. El somni d’Europa. Del zenit a la barbàrie
Del 27 de gener al 31 de març de 2015

Sessions: Dimarts de 20 a 21:30 hores

Espai: Centre Cívic Casa Golferichs (Sala A Xalet)

Professor: Jordi Pisa Sánchez

Preu: 74.60 € (IVA inclòs)

El segle XIX és l’època en la que s’imposa la modernitat a Europa. S’inicia el procés d’industrialització i s’acumulen els avenços tècnics i científics. Comença la carrera de descobriment geogràfic del món i el seu apoderament per part dels estats europeus. Les potències del passat deixen definitivament el seu lloc a d’altres que dominaran els segles XIX i XX. Una evolució i un desenvolupament que portarà a la Gran Guerra, el primer conflicte armat del segle XX i a l’inici del món contemporani.

Programació:
1. Primera sessió. Presentació i valoracions inicials.
2. Segle XIX. Una centúria de canvis i transformacions.
3. Art i ciència. Un món de possibilitats, innovacions i creativitat.
4. Europa s’apodera del món. Descobriments geogràfics, colonialisme i imperialisme.
5. L’Europa que declina: Espanya, Imperi Austrohúngar; Itàlia i Turquia.
6. L’Europa que s’imposa: Anglaterra, França i Alemanya.
7. La Gran Guerra. El conflicte que va canviar el món.
8. La crisi arriba per no marxar mai. Crisi en el món modern.
9. Les potències dominadores del present: Els EE.UU., Rússia i la Xina.

Per a més informació: Centre Cívic Casa Golferichs

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Crítica teatral: Santa Nit, al Club Capitol

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Amb l’arribada de les festes de Nadal, Els Pastorets es converteixen en una cita obligada a gairebé tots els teatres catalans. El Club Capitol s’ha volgut afegir a la tradició i aquest any ha estrenat una versió actualitzada del clàssic de Josep Maria Folch i Torres: Santa Nit, un text de Cristina Genebat –que s’estrena en aquesta faceta amb èxit– i sota la direcció de Julio Manrique i Xavi Ricart que apunta a convertir-se en el fenomen revelació d’aquests dies. Els motius? Senzills: és una obra divertida, amb un missatge optimista, una comèdia lleugera amb el punt just d’atreviment i emotivitat i en què fins i tot hi ha lloc per a una encertada reflexió sobre la religió –a càrrec d’un lúcid saxofonista palestí–, també és una celebració de l’amistat, un muntatge dinàmic que encadena les escenes sense treva i amb uns actors que es coneixen de fa temps, són amics i gaudeixen dalt de l’escenari, i aquesta complicitat juga al seu favor.

Genebat, que aquí també exerceix d’actriu, situa els seus antiherois a Barcelona, amb Ivan Benet i Marc Rodríguez en la pell d’uns moderns Rovelló i Lluquet: aquí són un físic a l’atur i un autònom. És la Nit de Nadal, i els dos desafien la fredor del moment al terrat d’una casa del Raval mirant el cel, expectants, a l’espera que aparegui un cometa ben especial. Però la tranquil·litat dels amics quedarà sacsejada amb la visita d’un petit camell del barri –un fantàstic Albert Ribalta en la pell d’un pintoresc italià– que els donarà la bona nova: la seva amiga Maria s’ha posat de part. Convençuts que no poden deixar-la sola, els joves decideixen anar a buscar-la, iniciant una aventura pels carrers de la ciutat en què es creuaran amb una sèrie de personatges estrambòtics.

Així, la trama portarà els dos amics del terrat a una clínica privada de la zona alta de Barcelona, passant per una estació dels Ferrocarrils Catalans i un exclusiu club on s’hi celebra una festa, escenaris completament diferents que Manrique i Ricart resolen de forma efectiva amb imaginació i simplicitat. A més, la mà de Manrique també és evident, com no podia ser d’una altra manera, amb l’encertada elecció de la música, un total de vuit cançons en què destaquen Let It Snow, la melancòlica Forever Young i un meravellós clàssic de Blondie que acompanya l’entrada memorable de Cristina Genebat a l’escenari.

Sense grans pretensions, Santa Nit es presenta al Club Capitol sense fer massa soroll i com un divertiment entre amics, però segur que acabarà sent una excel·lent sorpresa per als espectadors que, en aquestes dates tan assenyalades, trobaran una manera diferent d’encarar el Nadal amb aquest muntatge, fugint dels tòpics més ensucrats i les tradicionals propostes que programaran els teatres catalans com cada any.

Santa Nit es representarà al Club Capitol fins al 18 de gener de 2015.

Autora: Cristina Genebat
Direcció: Julio Manrique i Xavi Ricart
Intèrprets: Ivan Benet, Marc Rodríguez, Cristina Genebat, Ernest Villegas, Mireia Aixalà, Albert Ribalta, Norbert Martínez
Escenografia: Jordi Queralt
Ajudant d’escenografia: Guilhem Vilches
Construcció: Taller d’escenografia Castells i PRO-ESCENA
Il·luminació: Jaume Ventura
Vestuari: Clara Peluffo
So: Ramon Ciércoles
Video: Sandra Ciércoles
Teaser: Mar Orfila
Disseny cartell: Felipe Mena, Joan Aguadé
Fotografia: Felipe Mena
Producció executiva: La Brutal
Una producció de Bitó Produccions i La Brutal

Horaris: dimecres, dijous i divendres a les 20:00 hores; dissabte a les 17:30 hores i a les 20:00 hores; i diumenge a les 17:30 hores (no hi ha funció els dies 13, 14, 24 i 31 de desembre i 5 de gener)
Preu: de 22 € a 25 €
Idioma: català
Durada: noranta minuts

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Escrit per: Robert Martínez

Publicación: Yo soy Espartaco, de Kirk Douglas. Ed. Capitan Swing Libros

KirkDouglasYoSoyEspartaco_150pppHemos hablado muchas veces en Culturalia de las películas de género histórico, considerando la corrección de la adaptación cinematográfica y las cualidades de los films en sí. Ahora os presentamos un libro interesantísimo al respecto, escrito por el propio Kirk Douglas, que nos habla de la creación de Espartaco (Stanley Kubrick, 1960), un clásico de las «películas de romanos«, en donde el actor estadounidense analiza la producción de un film que hizo historia.

Más de cincuenta años después de la filmación de su epopeya Spartacus, Kirk Douglas revela el fascinante drama que tuvo lugar durante la realización de la legendaria película del gladiador. En una era políticamente convulsa, cuando los magnates de Hollywood rechazaban contratar mediante acusaciones de simpatías comunistas, Douglas escogió para escribir el guión a Dalton Trumbo, un guionista puesto en la lista negra, uno de los hombres que habían ido a prisión tras declarar ante el Comité de Actividades sobre sus afiliaciones políticas.

Con su futuro financiero en juego, Douglas se sumergió en una producción tumultuosa. Como productor y como protagonista de la película, afrontó momentos explosivos con el joven director Stanley Kubrick y feroces luchas y negociaciones con personalidades como Laurence Olivier, Charles Laughton, Peter Ustinov y Lew Wasserman.

Escrito con el corazón y tras una meticulosa investigación de sus propios archivos, Douglas, a la edad de noventa y siete años, mira lúcidamente hacia atrás sobre las audaces decisiones que se vio obligado a tomar, entre las que cabe destacar su coraje moral al dar crédito público a Trumbo, una acción tan eficaz como arriesgada, pero que supuso el fin de la notoria lista negra de Hollywood.

Título: Yo Soy Espartaco
Autor: Kirk Douglas
Presentación: George Clooney
Editorial: Capitan Swing Libros
Traducción: Ricardo García Pérez
Formato: Rústica con solapas
Tamaño: 14x22cm
Fecha publicación: septiembre 2014
Páginas: 200
ISBN: 978-84-942213-9-2
Precio: 17 €

Retorno al hogar en la Sala Tribueñe: Los pecados del hijo pródigo

Crecer es aguantar la mirada de tu padre cuando se dirige a ti y atrapar con tus ojos su cariño. Madurar es abrazar a tus hermanos en cuanto se abalanzan sobre ti para reemplazar tu rencor por su perdón ante lo mucho que les debes. Ser adulto es, en fin, volver al círculo familiar para girar felizmente en él dándote trompazos colectivos.

En RETORNO AL HOGAR, el juguetón Harold Pinter enfrenta a Teddy, un primogénito que creyó haber salido de la ciénaga donde se hunde su clan, con los suyos al volver a casa después de varios años sin atreverse. Y el falso estatus que presume haber alcanzado aquel como prohombre de las letras universitarias se tambalea ante la orgullosa decadencia de los suyos.

Con su obra, Pinter reincide en el artificio de la comunicación familiar lanzando a la platea las entrañas podridas de un matriarcado a la deriva y, además, añade una muy ácida crítica a la misoginia de la mano de una acerada reflexión sobre el sexo como elemento revitalizador de la miseria sentimental.

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La hospitalidad de la carne

Ahora es el escenario de la Sala Tribueñe madrileña el que se transfigura en desangelada residencia del West End londinense. Para ello, la directora Irina Kouberskaya arranca motores con ruido y pericia al enfocar la cosa como un espacio en constante movimiento que permite a los actores una progresión de los personajes muy dinámica: en breves instantes, el cuarteto de despojos sociales en que se han convertido los protagonistas harán un repaso a su historia, entre taxis con pasaje celosamente encubierto y equinos que pasan de competir en hípicas desquiciadas a humanizarse sin espuelas que les sepan enderezar. Y el espectador se hunde con entusiasmo en las procelosas aguas de esta tragicomedia surrealista.

Irina se desenvuelve con eficacia en el uso del lenguaje simbólico y, así, nos engatusa con espléndidas imágenes como la de los personajes defecando sus miserias al tirar la cadena de sus vínculos sanguíneos o la deconstrucción y posterior reconstrucción de Ruth en una hermosa escena en la que es recreada por sus dos cuñados. Irina resulta inspirada, además, en el constante recurso a dar la vuelta a lo que dicen sus actores (el padre casi se desmaya al proclamar con enérgica amargura que su fallecida esposa era la columna vertebral del grupo; el intento del mismo patriarca de acercarse emocionalmente a su hijo benjamín rogándole que le acompañe a ver el partido de fútbol como si estuviese amenazando con los puños contra él en pleno combate de boxeo). Mas Kouberskaya acaba dejándose arrastrar por su empeño de subrayar el acento grotesco de la pieza. Ello le pasa factura en la dirección de actores: las interpretaciones de la mayor parte de su equipo devienen tan sobreactuadas que ahogan a menudo la patética humanidad de los seres que mostrar en escena y el histrionismo (en los hombres) y el manierismo (en la fémina) oscurecen la credibilidad de su montaje exceptuando el retrato que logra de Miguel Pérez-Muñoz alentando a un esperanzador Joey, cuyo retraso psíquico es estupendo reverso de la lucidez con que Pinter llegó a erigirle en rey tuerto de este sugerente país de ciegos.

 Por Juan Marea

RETORNO AL HOGAR se representa en la Sala Tribueñe de Madrid hasta el 18 de enero de 2015.
http://www.salatribuene.com/

Novedad discográfica: Todo es ahora, de Manolo García

Todo es ahora

Con la precisión de un metrónomo, Manolo García mantiene la cita trienal con sus seguidores y publica Todo es ahora, su sexto álbum en solitario, un canto a esa libertad plena que supone no perder el norte de lo que somos y con el que culmina sus ansias de grabar un disco de rock en el que las guitarras tengan todo el protagonismo, sin duda el más rockero del músico de Poblenou desde Los Rápidos y en el que pretende volver a sus orígenes, a la música setentera y el rock sureño que escuchaba en su adolescencia, cuando ser músico tan solo era un sueño.

En esta ocasión su espíritu inquieto le hizo viajar hasta Nueva York (ciudad en la que también ha rodado el videoclip del primer single a las órdenes del fotógrafo Rubén Martín), donde grabó el disco en The Clubhouse Studio, en Rhinebeck, ilusionado por trabajar con músicos de larga trayectoria que anteriormente colaboraron en los discos clásicos de David Bowie, John Lennon, Bruce Springsteen, Patti Smith o Michael Jackson, entre otros, sin conocerlos personalmente pero esperanzado en que la magia surgiera de forma natural. Así, García creó dos grupos: el primero encabezado por los guitarristas Earl Slick y Gerry Leonard, con la sección rítmica de Zachary Alford y Jack Daley, y el segundo, con Sara Lee al bajo, Sterling Campbell a la batería y David Torn y Jack Petruzzelli a las guitarras, a quienes mostró las maquetas que traía bajo el brazo desde Music Lan (Avinyonet de Puigventós, Girona) para iniciar el trabajo conjunto.

Manolo García, en una imagen promocional
Manolo García, en una imagen promocional

Una vez más, las letras son un ejemplo de la modesta filosofía doméstica del cantante, un pensamiento en el que lo primero es creer que todo es hoy, a lo sumo mañana, un canto al Carpe Diem, a vivir la vida sin hacer planes a largo plazo y a afrontarla con mucho optimismo, como muestra la canción que da título al LP –y en la que Juan Manuel Cañizares, con quien García colaboró en los inicios de El Último de la Fila, aporta la calidez de su guitarra–. La elegida para presentar el álbum ha sido Es mejor sentir, melodía pop en la que confluyen hasta cuatro guitarras. Además, en el disco destacan también Esta noche he soñado con David Bowie –homenaje a los músicos de la década de los 70 personalizado en Bowie–, El Club de los Amantes Desairados –la más melancólica–, Volveremos a encontrarnos –recuperada de las sesiones de Los días intactos– y Exprimir la vida –también descartada en su anterior disco, y en la que expresa su alegría por ser músico y tener un público tan fiel–, y así hasta llegar a los catorce temas del álbum.

Todo es ahora se complementa con un segundo CD que contiene las maquetas originales del álbum y cuatro temas exclusivos, una manera de revalorizar el disco como objeto, además de ser una forma de mostrar a sus seguidores cómo trabaja en la intimidad de su hogar, donde pasa horas y horas probando cualquier arreglo antes de darlo por definitivo: “Hay un goce especial en crear música en tu casa. Estar solo con Antonio (Fidel) o Iñigo (Goldacerena), al bajo, y yo debo meter todo lo demás”, confiesa satisfecho.

Título: Todo es ahora
Autor: Manolo García
Discográfica: Sony Music
Fecha de publicación: Noviembre 2014
Precio: 18,00 €
Más información: http://www.manolo-garcia.com/

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