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Teatro

Crítica teatro: Tootsie, en el Teatre Apolo

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Como todos y todas sabéis, el vínculo entre el cine y el teatro es muy intenso. Infinidad de obras de teatro han disfrutado de adaptación cinematográfica y, de igual forma, innumerables películas se han adaptado a los escenarios. Esto último es lo que pasa con Tootsie, una comedia romántica satírica dirigida para el cine en el año 1982 por Sydney Pollack e interpretada por Dustin Hoffman y Jessica Lange que dio el salto a los escenarios en Broadway en el año 2019 y que se estrenó el pasado 10 de octubre en el teatre Apolo de Barcelona.

“Michael Dorsey es un actor con un talento especial… para no conseguir ningún papel. Desesperado y sin trabajo, Michael hace un último esfuerzo por hacer realidad sus sueños y se disfraza de la actriz Dorothy Michaels.
En un ascenso meteórico al estrellato de Broadway, Dorothy pronto consigue que el público caiga rendido a sus pies, mientras que Michael (disfrazado de Dorothy) se enamora de Julie, su compañera de reparto. No pasará mucho tiempo antes de que Michael se dé cuenta de que conservar su mayor éxito como actor será mucho más difícil de lo que esperaba”.

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Tootsie tiene los elementos necesarios para hacer disfrutar al público con una historia de suplantación “de género” con un abombado sentido del humor. Los ingredientes para ello se basan en una trama siempre divertida y en los equívocos provocados por la falsa identidad del protagonista, un Ivan Labanda que dota a su personaje de la frustración y la comicidad necesarias para divertir y hacer reflexionar al público sobre lo difícil que es triunfar en el teatro y lo extremadamente dificultoso que representa ese mismo éxito para una mujer.

El acierto en el casting no reside solamente en la elección de Labanda. Todo el elenco está a la altura de la propuesta: Ricky Mata luce como el compañero de piso realista e insolente de Michael Dorsey; Berta Butinyà da vida a la exnovia de Dorsey, que nos muestra lo heroico de la resiliencia en el mundo del teatro; o Jose Luís Mosquera que interpreta al director “soboso” de la obra en la que ha conseguido un papel Dorothy Michaels. Todos, evidentemente, a un nivel musical muy exigente.

La obra, por otra parte, está muy equilibrada en relación al ritmo en el que se desarrollan la trama y las interpretaciones musicales y muestra unos decorados que sorprenden por su sencillez y su efectividad.

Tootsie es, así, una comedia que toca temas complicados de una forma sencilla y humorística y consigue mantener la atención del público hasta el final, dejando un buen sabor de boca a los espectadores que se basa en una buena producción y en una apropiada dirección de Bernabé Rico que denota buen gusto escénico y ser conocedor de las claves del género!!

“Tootsie” se representa en el Teatre Apolo del 11 de octubre al 8 de diciembre de 2025.

Dirección, adaptación y traducción: Bernabé Rico
Libreto: Robert Horn
Dirección musical: Julio Awad
Reparto: Ivan Labanda, Diana Roig, Berta Butinyà, Ricky Mata, José Luis Mosquera, Bealia Guerra, Sol Carner, Héctor Vázquez, Anna Lagares, Mónica Solaun, Bernat Mestre, Sergi Espina, Nil Carbonell, Raúl Maro, Tamara Suárez
Escenografía: Leticia Gañán, Curt Allen Wilmer
Iluminación: José Manuel Guerra
Vestuario: Pier Paolo Álvaro
Coreografía: Ferderico Barrios Fierro
Música y letras: David Yazbek
Producción: Triple F

Horarios: miércoles y jueves a las 20:00 horas; viernes a las 17:00 y a las 20:30 horas; sábado a las 16:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:00 horas
Precio: desde 25€
Idioma: castellano
Duración: 135 minutos
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: El Fantasma de la Ópera, en el teatre Tívoli

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Aunque estamos en el inicio de la temporada teatral, con el estreno el pasado 23 de septiembre de El Fantasma de la Ópera en el teatro Tívoli llega a Barcelona uno de los platos fuertes. Y no es para menos porque el espectáculo, con música y libreto de Andrew Lloyd Webber y letras de Charles Hart y Richard Stilgoe es uno de las grandes éxitos mundiales del teatro musical

«El Fantasma de la Ópera, el musical que ha cautivado a generaciones de espectadores en todo el mundo llega finalmente a Barcelona. Sumérgete en una espiral de obsesión con El fantasma de la ópera. Descubre una apasionante historia de amor, muerte y desastre entre un genio de la música que vive escondiéndose del mundo en las entrañas de un teatro y Christine, una joven con una voz celestial que no tardará en descubrir el terror que esconde bajo su máscara. ¿Podrá resistirse al hechizo del Fantasma, o será arrastrada a su mundo de oscuridad y locura?«

Y la ocasión merece la pena. La compañía Letsgo ha traído a Barcelona un espectáculo que sorprenderá, como no, por su calidad en el apartado productivo, por el relato gótico que atesora y por la interpretación de algunos de los más famosos temas musicales del género.

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La propuesta aúna de esta forma el impacto visual con una escenografía sorprendente en la que predomina una gran estructura giratoria que permite al espectador obtener diferentes perspectiva de lo que está pasando sobre el escenario, a lo que se suma unos decorados y un vestuario dignos de un gran musical.

En el ámbito de la interpretación y de las voces el reparto está liderado por Daniel Diges, Ana San Martín, Guido Balzaretti y Marta Pineda que, sin duda, están a la altura de una interpretación y un registro musical muy exigente, y aprueban el examen con nota.

Y en lo que respecta a la música, interpretada en directo, el Fantasma de la Ópera llega a poner, os lo aseguro, la carne de gallina, sobre todo con la interpretación del Music of the Night de Diges; evidentemente el tema The Phantom of the Opera, interpretado por Diges y San Martín o el precioso tema de amor Think of me, cantado de nuevo por San Martin, que consiguen transmitir el romanticismo gótico que Weber quiso dar a una de sus obra maestras.

Así, pues, no queda otra que felicitar a Letsgo por una propuesta que aunque pierde claridad en algunos momentos, sobre todo en la interpretación de los temas grupales, consigue transportar al espectador a un mundo atenazado por un amor lúgubre y gótico, del que nace la música fantástica creada por uno de los más grandes autores del teatro musical. Una oportunidad a la que no puede faltar ningún amante del género y que nos evocará de nuevo la magia que tan solo el amor, o el deseo de amar, es capaz de ejercer sobre el escenario.

«El fantasma de la Ópera» se representa en el Teatre Tívoli del 23 de septiembre al 2 de noviembre de 2025

Música y Libreto: Andrew Lloyd Webber
Letras: Charles Hart
Libreto y Letras: Richard Stilgoe
Director y Diseño de Escenografía: Federico Bellone
Directora Asociada y Adaptación de Texto y Letras: Silvia Montesinos
Dirección Musical: Julio Awad
Intérpretes: Daniel Diges, Manu Pilas, Ana San Martín, Judith Tobellas, Guido Balzaretti, Marta Pineda, Mario Corberán, Enrique R. Del Portal, Omar Calicchio, Sofía Esteve, Isabel Malavia
Coreografía: Gillian Bruce
Diseño de Vestuario y Caracterización: Chiara Donato
Diseño de Iluminación: Valerio Tiberi
Diseño de Sonido: Roc Mateu
Efectos Especiales: Paolo Carta

Horarios: miércoles y jueves a las 20:00 horas; viernes y sábados a las 17:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 17:00 horas
Precio: a partir de 25€
Idioma: español
Duración: 150 minutos
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: Els bons, en el Teatre Poliorama

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Como cada año, cuando finaliza el verano da inicio la nueva temporada de teatro en Barcelona, una nueva oportunidad para disfrutar de las tramas escénicas que nos aguardan con interés y nostalgia. Nosotros escogemos Els bons, la nueva propuesta del teatre Poliorama para iniciar, también, nuestra temporada de críticas, una obra escrita por Ramon Madaula, dirigida por Paco Mir e interpretada por el propio Madaula y Jordi Boixaderas.

“Se acerca la Navidad. Dos amigos han quedado en el Círculo Artístico de su municipio. Allí, desde hace años, interpretan respectivamente al arcángel San Miguel y a Satanás en los Pastorets locales.

El que hace de Satanás este año no podrá: acaba de perder un recurso de apelación y tiene que cumplir una pena de prisión. Le pide a su amigo que lo sustituya. Sin embargo, a su amigo le cuesta ser malo. El veterano le enseña los resortes que hay que activar para que aflore la maldad necesaria para ser un buen Satanás”.

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Y sin duda ha sido una buena elección. Els bons nos propone una reflexión, en clave de comedia, sobre el bien y el mal, y si lo traducimos al ámbito político, sobre la corrupción. Dos antiguos amigos, compañeros de partido político, se encuentran este año para preparar la representación de Els Pastorets de estas próximas Navidades. Se han de hacer cambios importantes porque uno de ellos, Madaula, el director de la representación, está pendiente de entrar en prisión vinculado a un caso de corrupción política y de abandono por parte de sus propios compañeros.

Aquí es donde entra la elección de Els Pastorets o, lo que es lo mismo, la lucha del Bien y del Mal. A través de una propuesta de metateatro en la que Madaula y Boixaderas disfrutarán, discutirán y batallarán sobre el escenario, iremos conociendo qué es exactamente lo que ha pasado entre ellos y que es lo que de verdad se oculta tras la propuesta de interpretación del Satanás de la obra.

Madaula, con obras a su espalda como L’electe, Els Brugarol o Els Buonaparte, vuelve con un texto que aunque trata de un tema bastante penoso, permite al auditorio reírse de sus propios males sociales. Sobre el escenario Jordi Boixaderas se une a Madaula, y entre los dos crean dos personajes opuestos: el político decepcionado por sus compañeros de partido y el político que se ha sumado al carro de la corrupción y que se sabe mover “dignamente” en ella. Así, pues, sus carácteres se enfrentarán sobre el escenario, en un ejercicio de «savoir-faire» teatral que contentará, sin duda, al público asistente. A Madaula y Boixaderas le acompaña, en un muy breve papel, Anna Casals.

Els Bons, sin embargo, peca de una trama algo artificiosa, que aunque original, ambientada en un contexto muy popular como Els Pastorets y que analiza uno de los males de nuestro tiempo como la corrupción, no acaba de lucir. Madaula i Mir se han interesado más por el contexto cómico que por el análisis del tema que la obra se lleva entre manos. Aún así, la presencia de Madaula y Boixaderas sobre el escenario eclipsa, en parte, las carencias del texto, permitiendo al público disfrutar con el buen hacer teatral de dos grandes actores que saben darle a la obra la personalidad que necesita.

Un esfuerzo cómico apreciable que gustará para abrir el menú teatral de esta temporada, pero que sin duda dejará algo de vacío referencial.

“Els bons” se representa en el Teatre Poliorama del 10 de septiembre al 2 de noviembre de 2025.

Autoría: Ramon Madaula
Dirección: Paco Mir
Intérpretes: Jordi Boixaderas, Ramon Madaula y Anna Casals
Escenografía: Paula Bosch
Vestuario: Carlota Ricart
Iluminación: Eudald Gili
Música: Jofre Bardagí
Producción: Guerrilla, con la colaboración de la Generalitat de Catalunya

Horarios: miércoles y viernes a las 20:30 horas; jueves a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 18:30 horas
Precio: a partir de 12€
Duración: 75 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Teatro

Teatro: Egeria, la primera escritora y viajera hispana, en los Teatros Luchana (Madrid)

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Este otoño, el escenario de los Teatros Luchana acoge una propuesta teatral que conecta el pasado con el presente a través de la palabra, la memoria y la valentía femenina: Egeria. La primera escritora y viajera hispana, una obra que nos invita a redescubrir la figura de una mujer fascinante y, para muchos, desconocida.

Egeria fue una dama hispana del siglo IV, originaria de la Gallaecia romana, que emprendió una de las primeras peregrinaciones documentadas a Tierra Santa. Su relato, escrito en latín vulgar y dirigido a sus hermanas de comunidad, es considerado el primer libro de viajes firmado por una mujer en la historia occidental. A través de él, no solo dejó testimonio de su travesía física, sino también de su espíritu observador, su fe profunda y su poderosa libertad interior.

La obra, con texto de Paula Guadalupe y dirección de Rebeca Fer, convierte esa historia en un viaje escénico que habla de rebeldía, amistad y descubrimiento. El elenco está formado por Rebeca Fer, Marta Agrelo, Helia González y Joan Salas, quienes darán vida a los personajes de este periplo entre lo histórico y lo poético. Además, la propuesta incorpora danza y expresión corporal a través de las coreografías de Helia González, ofreciendo así una experiencia escénica sensorial y envolvente.

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La premisa es clara: ¿qué ocurre cuando una mujer del siglo IV decide desafiar las normas y emprender un viaje en busca de conocimiento? ¿Qué nos dice su voz, hoy, a quienes vivimos en un mundo también en transición?

Con funciones los viernes a las 22:00 horas, Egeria promete ser uno de los títulos más estimulantes de la cartelera otoñal madrileña. Un espectáculo pensado para públicos a partir de los 14 años que se adentra en la historia desde una mirada actual, feminista y profundamente humana.

«Egeria. La primera escritora y viajera hispana» se representa en los Teatros Luchana (Madrid) del 12 de septiembre al 30 de octubre de 2025.

Texto: Paula Guadalupe
Adaptación: Rebeca Fer
Dirección: Rebeca Fer
Reparto: Rebeca Fer, Marta Agrelo, Helia González, Joan Salas
Coreógrafa: Helia González

Horarios: Viernes a las 22:00 h
Duración: 70 minutos
Edad recomendada: +14 años
Entradas: Ya disponibles en teatrosluchana.es

Teatro

El Fantasma de la Ópera llega a Barcelona

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El próximo 23 de septiembre llega al teatre Tívoli El fantasma de la Ópera, el musical más exitoso de la historia.

Barcelona se prepara para recibir uno de los grandes hitos del teatro musical internacional. Tras décadas de éxito en los principales escenarios del mundo, El fantasma de la ópera llega al Teatre Tívoli, dispuesto a conquistar al público con su mezcla de misterio, pasión y melodías inolvidables.

La historia, basada en la célebre novela de Gaston Leroux, nos sumerge en los entresijos de la Ópera de París, donde un enigmático genio de la música vive oculto tras una máscara. Su obsesión por Christine, una joven cantante con un talento excepcional, desencadenará una trama de amor, miedo y tragedia que ha emocionado a generaciones de espectadores.

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Más allá de su deslumbrante partitura, firmada por Andrew Lloyd Webber, el musical se ha convertido en un fenómeno global gracias a su cuidada escenografía y a la fuerza de su narrativa. El espectador se ve envuelto en una atmósfera casi hipnótica en la que conviven la belleza del canto lírico, el romanticismo de una historia imposible y el suspense de un relato gótico. Todo ello acompañado por números musicales que ya forman parte del imaginario colectivo y que han convertido al espectáculo en el más longevo de Broadway.

Con una puesta en escena espectacular y una partitura reconocida en todo el mundo, el musical promete atrapar a la audiencia en una experiencia teatral única. Intriga, romanticismo y grandes momentos musicales convierten a El fantasma de la Ópera en una cita imprescindible para los amantes de los musicales y para todos aquellos que quieran dejarse llevar por la magia del teatro.

La llegada de El fantasma de la Ópera a Barcelona supone, además, una oportunidad única de reencontrarse con un clásico en todo su esplendor. El Teatre Tívoli será testigo de una producción que no solo atraerá a los seguidores del género musical, sino también a todos aquellos que busquen dejarse llevar por una experiencia escénica inolvidable. Una propuesta que promete emocionar, fascinar y, sobre todo, recordar por qué este musical sigue siendo un referente indiscutible del teatro contemporáneo. ¿Estás preparado para dejarte seducir por el embrujo del fantasma?

«El fantasma de la Ópera» se representará en el Teatre Tívoli del 23 de septiembre al 2 de noviembre de 2025

Música y Libreto: Andrew Lloyd Webber
Letras: Charles Hart
Libreto y Letras: Richard Stilgoe
Director y Diseño de Escenografía: Federico Bellone
Directora Asociada y Adaptación de Texto y Letras: Silvia Montesinos
Dirección Musical: Julio Awad
Intérpretes: Daniel Diges, Manu Pilas, Ana San Martín, Judith Tobellas, Guido Balzaretti, Marta Pineda, Mario Corberán, Enrique R. Del Portal, Omar Calicchio, Sofía Esteve, Isabel Malavia
Coreografía: Gillian Bruce
Diseño de Vestuario y Caracterización: Chiara Donato
Diseño de Iluminación: Valerio Tiberi
Diseño de Sonido: Roc Mateu
Efectos Especiales: Paolo Carta
Recomendado a partir de 8 años

Teatro

Crítica teatro: Decadència, en la Sala Atrium

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Vivimos en un mundo donde se impone poco a poco la ideología ultraconservadora, que nos propone una existencia a diferentes niveles, esto es, los ricos derrochando su patrimonio y contribuyendo socialmente lo menos posible y los no tan ricos cada vez con mayores problemas para llegar a final de mes. No es de extrañar, pues, que el teatro nos proponga material escénico al respecto para impulsar un debate artístico y social. Es en este contexto en el que se estrena en la Sala Atrium Decandència, de Steven Berkoff, una crítica a las clases altas y su forma de vida dirigida por Glòria Balañà i Altimira e interpretada por Carles Martínez y Míriam Alamany.

“Una pareja de amantes ricos vive en un estado de éxtasis permanente, consumiendo ópera, langostas, caviar, alcohol y sexo sin cesar. Cuando no hay fiestas, se aburren y cazan por distraerse, por pasar los domingos, por descansar del sexo sin dejar el placer y la excitación que les proporciona la caza. No hay nada más en el mundo. No importa más que su paraíso y sus presas. Helen y Steve viven su romance hasta el final y el obstáculo que podría destruirlos, encarnado en los patéticos Sybil y Les, no puede con ellos. Una vez más, el triunfo decadente de la clase acomodada, el triunfo del dinero y del poder.”

Decadència es un retrato crítico de la actual evolución social, política y económica mundial, que se centra en la vida ociosa y libertina de un par de parejas de clase alta. Glòria Balañà i Altimira ha querido mostrarnos su día a día, en el que el placer y los excesos están presentes, junto con un desprecio amplio y profundo de las clases sociales inferiores.

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Martínez y Alamany dan vida, así, a diversos personajes nauseabundos aunque de forma admirable, con la dificultad añadida, en este caso, de la recitación de un texto en verso, una obra de ingeniería poética elaborada por Neus Bonilla y Carme Camacho, que sirve de contrapunto a la decadente acción que se desarrolla sobre el escenario: personajes que han perdido el sentido de la vida y que solo se mueven por el placer que les puede proporcionar su estatus social y económico.

La escenografía es mínima, reducida a un enorme “cuadro digital” que preside el espacio y un sillón, que hacen fijar la atención del público tan solo en la interpretación de los actores. Una delicia observar tan de cerca la placenteras vicisitudes de los personajes dominados por la buena comida, el alcohol, la ópera y el sexo, todo ello en diverso orden e intensidad. El vestuario y el maquillaje de los actores ayudan, también, a crear ese ambiente de decadencia que la obra intenta transmitir y que la proximidad con el público la hace, incluso, sentir.

Decadència nos permite, así, reflexionar sobre nuestra sociedad próxima, ya, a mediados del siglo XXI, y aunque fabricada con bastantes tópicos sobre el dispendio de la riqueza, nos puede ayudar a entender cómo evolucionamos política, social y económicamente, y cómo las ansias de riqueza y de poder, pueden afectar al planeta en el que vivimos, si no ponemos un poco de sentido común en nuestras vidas, ya sea la de los que lo tienen todo o la de los que se esfuerzan por tener algo, aunque solo sea un poco de dignidad.

“Decadència” se representa en la Sala Atrium del 1 al 27 de julio de 2025.

Autor: Steven Berkoff
Dirección: Glòria Balañà i Altimira
Traducción: Neus Bonilla y Carme Camacho
Intérpretes: Carles Martínez y Míriam Alamany
Espacio escénico: Alfonso Ferri
Iluminación: Sylvia Kuchinow
Sonido: Àlex Polls
Producción: Festival GREC, Vania Produccions y Atrium Produccions

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas y domingos a las 18:30 horas
Precio: 22€ (entrada general)
Idioma: catalán
Duración: 75 minutos
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: Los dos hidalgos de Verona, en el teatre Grec

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Llegamos ya al ecuador de la edición del Festival Grec de este año y comenzamos, un poco tarde, con la reseña de Los dos hidalgos de Verona, una comedia de juventud de Shakespeare adaptada y actualizada por la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

“Los dos hidalgos de Verona es una de las primeras comedias escritas por William Shakespeare que nos ofrece una mirada interesante a los temas del amor, la amistad y la traición.
La historia gira en torno a dos jóvenes nobles de Verona: Valentín y Proteo. Al principio, su amistad parece inquebrantable, pero todo cambia cuando ambos se enamoran de la misma mujer: Silvia, la hija del Duque de Milán. Lo que comienza como una historia de amistad y romance rápidamente se convierte en una red de engaños, mentiras y conflictos emocionales”.

Pues ya lo veis, una de las primeras obras que escribió Shakespeare que, aunque no es tan conocida como otras obras suyas, nos muestra algunos de los ardides y argucias escénicas que el autor inglés desarrolló más adelante. Y como buena comedia, el amor y todo lo que este sentimiento desencadena en la voluntad de los hombres es el tema principal que las compañías CNTC, Cheek by Jowl y LAZONA han intentado actualizar y llevar a un mundo fácilmente reconocible para nosotros.

Estamos, pues, ante una propuesta minimalista en la que sobre el escenario casi no hay nada, excepto un muro que hace las funciones de bambalina o decorado y tras el que se amagan los actores. De esta forma lo que prima en la representación es la interpretación del reparto, integrado en los papeles principales por Manuel Moya (Valentín), Alfredo Noval (Proteo), Irene Serrano (Julia), Goizalde Núñez (Lucetta), Rebeca Matellán (Silvia) y Jorge Basanta (Duque de Milán), que dan lo mejor de sí para hacer frente a traiciones, engaños, disfraces y malevolencias, todo ello bañado con un ligero sentido del humor que recorre los incesantes vericuetos de la obra.

La propuesta del Grec tiene puntos fuertes y débiles también. Entre los primeros destaca la versión del texto de Shakespeare, obra de Declan Donnellan y Nick Ormerod, que mantiene la tensión cómico-trágica que la obra requiere para un público del siglo XXI; también la interpretación de los miembros de la compañía, que está a la altura de la obra del dramaturgo inglés. Por desgracia el ritmo perezoso de la obra ralentiza el avance de la representación, de casi dos horas de duración, hecho este que ni la rotura de la cuarta pared en diversos momentos de la obra consigue atenuar, aunque sí que la provee de sus momentos más humorísticos de la mano del personaje de Lucetta (Goizalde Núñez).

Los clásicos siempre están presentes y nos sirven como espejo fosilizado de nuestra sociedad y de nuestro comportamiento individual, para constatar cómo cualquier acción o voluntad puede trocar en su contraria, con la misma facilidad que la intensidad y el tono de la luz cambia a lo largo del día. Los dos hidalgos de Verona nos lo deja claro, y de ahí que sea una lección teatral que vale la pena recuperar.

«Los dos hidalgos de Verona» se representa en el Teatre Grec el 18 y el 19 de julio de 2025

Autoría: William Shakespeare
Dirección: Declan Donnellan
Adaptación: Declan Donnellan, Nick Ormerod
Interpretación: Jorge Basanta, Prince Ezeanyim, Alberto Gómez Taboada, Rebeca Matellán; Manuel Moya, Alfredo Noval, Goizalde Núñez, Antonio Prieto, Irene Serrano
Diseño de escenografía y vestuario: Nick Ormerod
Diseño de iluminación: Ganecha Gil
Diseño de sonido: Sandra Vicente y Kevin Dornan
Composición musical: Marc Álvarez
Movimiento y coreografía: Amaya Galeote
Producción: Compañía Nacional de Teatro Clásico, Cheek by Jowl y LAZONA

Duración: 110 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Teatro

Estreno teatro: El monstre, en la Sala Beckett

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La Sala Beckett estrena en el marco del Festival Grec 2025 El Monstre, de Josep Maria Miró, una historia interpretada por Àurea Márquez, Joan Negrié y Albert Prat sobre la necesidad de tener miedo. ¿Por qué necesitamos construir monstruos? ¿De qué nos protegemos? Estas son algunas de las preguntas que formula la obra a través de un ambicioso juego formal e interpretativo.

Una madrugada, Santi y Berta, incapaces de conciliar el sueño, se desvelan y mantienen una conversación. Algo les inquieta. Tiene que ver con lo que son hoy y con el pequeño pueblo en el que viven. También con la reaparición en sus vidas de alguien a quien en el pueblo bautizaron como “el Monstre” después de su desaparición hace casi veinte años y de uno de los capítulos más oscuros y turbios ocurridos en este sitio.

El Monstre es un texto para tres intérpretes que transita por la oscuridad individual y colectiva de una comunidad, en una apuesta radical y esencial por el lenguaje como vertebrador de la teatralidad. La obra ha obtenido el XXXII Premio Jardiel Poncela de textos teatrales y el XVIII Premi Quim Masó de proyectos teatrales en lengua catalana.

“El monstre” se representa en la Sala Beckett del 3 al 27 de julio de 2025.

Autoría y dirección: Josep Maria Miró
Reparto: Àurea Márquez, Joan Negrié y Albert Prat
Escenografía y vestuario: Albert Pascual
Iluminación: Toni Ubach
Composición musical: Yair Karelic
Producción: Sala Trono

Horarios: de martes a sábado a las 19:30 horas y domingos a las 18:00 horas
Duración: 1h y 35min
Idioma: catalán
Precio: de 11 € a 22 €

Teatro

Crítica teatro: Una mena d’Alaska, en el teatre Lliure

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Siempre es un acontecimiento escénico asistir a la representación de una obra de Harold Pinter. Todo ha de salir muy bien para que la obra salga bien. Por eso el estreno de Una mena d’Alaska en el Lliure presagiaba una noche de teatro en mayúsculas.

“Pinter escribe una pieza tan enigmática como emocionante sobre un despertar fascinante y esperado, el de una mujer que ha sufrido encefalitis letárgica. La pieza transcurre en medio de ese estado tan reconocible en el que la realidad y la ensoñación conviven paralelamente, donde la vida y la muerte se entrelazan virtuosamente hasta el punto de llegar a dudar si lo soñado ha sido vivido o lo vivido solo ha sido un sueño. Un texto maravilloso y poético, cuyo trasfondo político se vislumbra sutilmente como el fondo de un lago en calma y nos invita a reflexionar sobre la sociedad dormida y el inminente despertar de esta época letárgica”.

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La magia de Pinter vuelve al Lliure bajo la dirección de Ivan Benet, con la interpretación de Mireia Aixalà, Carles Martínez y Aida Oset y los pasos de danza de Andrés Corchero, para mostrarnos, de nuevo, una situación escénica enigmática que adapta uno de los casos clínicos del neurólogo Oliver Sacks. De ahí que todo en la propuesta sea indescifrable.

Pinter nos presenta el caso del tratamiento de una paciente afectada encefalitis letárgica (Mireia Aixalà) que despierta tras 29 años de letargo, hecho este que generará una realidad extraña para ella, en la que estará acompañada por el médico (Carles Martínez) que le ha atendido durante su convalecencia. Como veis, una situación muy propia de Pinter que crea una situación escénica en la que nunca sabremos qué es realidad y qué no lo es, qué es verdaderamente lo que ha pasado y que es lo que está ocurriendo.

De ahí que la fuerza de la obra esté en la conexión que se establece entre los dos personajes principales sobre el escenario. Mireia Aixalà (Deborah) sorprende con una actuación muy convincente de su personaje, que fluctúa entre la incredulidad y los recuerdos de la infancia cuando cayó enferma. Carles Martínez (Dr. Hornby) interpreta hábilmente, como siempre, al doctor que ha conseguido hacer despertar a su paciente, ayudando a crear una atmósfera de misterio a veces contradictoria. Aida Oset encarna a Pauline, la hermana de Deborah y provee a la obra de un a veces arcano toque musical. Por último Andrés Corchero dota a la representación del fondo más onírico con movimientos de danza que ayudan a mostrar de alguna forma el alma de la paciente atrapada en un escenario ajeno a su capacidad racional de comprensión.

Pinter ha regresado al Lliure y lo ha hecho de forma contundente. La dirección de Benet ha conseguido recrear el universo tan propio del autor británico dándole el toque enigmático que requiere la trama. A ello ayuda la escenografía minimalista y la reducida presencia de luz, que ayuda a recrear el espacio intimo de los personajes.

Una propuesta que pierde algo de concisión y dinamismo con la adición de los pasos de danza de Corchero, que ralentiza de alguna forma la representación de la obra. Aún así, una muy buena ocasión para disfrutar de un Pinter algo más arduo de lo habitual, que ya es decir, y de una adaptación muy personal de su mundo escénico.

«Una mena d’Alaska» se representa en el Teatre Lliure del 7 de mayo al 1 de junio de 2025

Autor: Harold Pinter
Dirección: Ivan Benet
Reparto: Mireia Aixalà, Carles Martínez, Aida Oset, Andrés Corchero
Traducción: Cristina Genebat
Coreografía: Andrés Corchero
Escenografía: Sílvia Delagneau
Vestuario: Maria Armengol
Caracterización: Núria Llunell
Iluminación: Jaume Ventura
Espacio sonoro: Damien Bazin
Música original: Aida Oset

Horario: de miércoles a viernes a las 19:30 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:30 horas y domingos a las 18:30 horas
Precio: de 12€ a 32€
Duración: 1 hora y 20 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: Mort d’un comediant, en el Teatre Romea

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El teatro es pasión, o mejor dicho, se vive como una pasión. La escena da forma a la vida y al examen que hacemos sobre nosotros mismo. Es en este contexto en el que se ubica Mort d’un comediant, una reflexión sobre el teatro como una forma de hacer frente y, al mismo tiempo, huir de la realidad.

“Adri, un joven cuidador de ancianos, empieza a trabajar en casa de Llorenç Cardona, uno de los actores más respetados y queridos de Cataluña. El primer día, su sobrina Miranda le advierte que para conservar el trabajo deberá seguir un montón de normas que van más allá de sus tareas habituales: en la recta final de su vida, Llorenç parece haber perdido la cabeza y en ocasiones decide comportarse como los personajes que ha interpretado durante su dilatada carrera y obligando a Adri a seguirle la corriente”.

Guillem Clua como autor y Josep Maria Mestres como director han dado vida a una propuesta que gustará al público. Una trama actual que nos retrotrae a la esencia del teatro, en la que destaca Jordi Bosch que da vida a un famoso actor de teatro que sufre un trastorno mental. Su día a día quedará afectado por la llegada de Adri, su nuevo cuidador. Entre los dos se generará un vínculo de amistad a través del teatro, que llevará a Adri a descubrir el por qué del estado de Llorenç.

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Mort d’un comediant es un alarde teatral creado para hacer brillar a su protagonista principal, en este caso a Jordi Bosch, que se verá obligado a lo largo de la obra a representar a diversos de los grandes personajes del teatro en su ansia de enseñar a Adri donde reside la magia del arte escénico. Y Bosch no rehuye su responsabilidad y lleva a cabo una Masterclass sobre el escenario que seguro que emocionará a más de uno.

La obra está ideada como una tragicomedia en la que la comedia y las risas predominan en la primera parte de la representación y la realidad más trágica, centrada en los problemas mentales del protagonista, se imponen en la segunda parte, cuando el público descubre los motivos que han llevado a Llorenç Cardona a refugiarse en el teatro para no hacer frente a la realidad. Es en esta segunda parte en la que los personajes de Adri (Francesc Marginet Sensada) i Miranda (Mercè Pons) toman, en parte, las riendas de la representación, lo que permitirá al público conocer poco a poco la verdad de lo que pasa sobre el escenario.

Todo cuadra, así, a la perfección, con el talento de Clua que envuelve su texto en la misma sustancia del teatro y a la sutileza de la dirección de Mestres, que sabe conducir el desarrollo de la representación en todo momento. Nada sería, sin embargo, posible sin el oficio de Bosch, que sabe dar a cada uno de los personajes o, mejor dicho, a cada una de sus interpretaciones, el toque que necesita. La única pega, un cierto grado de artificiosidad en el desarrollo de la trama que, creo, se centra más en la magia seductora del teatro que en la realidad que comporta la gestión de un problema de salud mental.

Aún así, Mort d’un comediant es una recomendación inexcusable para aquellos a los que le guste que el teatro hable del teatro y que quieran disfrutar con una trama actual y cercana envuelta por algunos de los grandes clásicos del teatro.

“Mort d’un comediant” se representa en el Teatre Romea del 21 de marzo al 1 de junio de 2025.

Autoría: Guillem Clua
Dirección: Josep Maria Mestres
Reparto: Jordi Bosch, Mercè Pons y Francesc Marginet Sensada
Escenografía: Joan Sabaté
Vestuario: Bàrbara Glaenzel
Iluminación: Kiko Planas
Espacio sonoro: Jordi Bonet
Caracterización: Toni Santos
Producción: Teatre Romea

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 16,10€
Duración: 90 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa