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Crítica teatro: La Presència, en el teatre Borràs

El momento de la muerte es un acontecimiento difícil para cualquier familia. Una situación en la que las tensiones afloran y los momentos se hacen inacabables. Es en este contexto en el que se desarrolla La Presència, una comedia algo trágica interpretada por Anna Sahun, Pau Roca, Marc Rodríguez y Mar Ulldemolins.

Ernest y Sandra se encuentran en la masía de su padre para acompañarle durante sus últimas horas de vida. Miki, la pareja de Sandra, también está allí para apoyarles. Mientras los hermanos, que no tienen mucha relación, se ponen al día, llega la médica del CAP a visitarle. Pocos minutos después, Climent muere. Lo que ninguno espera es que la campana que utilizaba para llamarles vuelva a sonar.  Si el padre está muerto, ¿quién la ha tocado?”.

La obra, escrita por Carmen Marfà y Yago Alonso y dirigida por Pau Carrió, se interna en un contexto familiar arraigado en un pueblo de montaña, en el que las tradiciones y la familia tienen un valor propio. La llegada de Sol, la médica del CAP, y el inicio de toda una serie de fenómenos extraños, crea una situación en la que la verdad se acabará revelando y se harán evidentes las relaciones que se han establecido a lo largo de los años entre los diferentes miembros de la familia.

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La Presència es una comedia bien estructurada y desarrollada en la que los puntos de referencia que el público tiene de los personajes irán cambiando a medida que las diversas revelaciones se vayan haciendo evidentes, lo que provocará estallidos de humor salpimentados por el mundo de las tradiciones y las leyendas propio de las comunidades de montaña.

El texto de Marfà y Alonso se despliega de forma apacible pero hábil y posibilita al público irse haciendo una idea creciente de la historia de la familia y de lo que está pasando sobre el escenario. A lo que se suma la dirección de Carrió que permite lucirse a los actores y las actrices con una alta atmósfera de comicidad que envuelve toda la representación.

El reparto de la obra es reducido, como los miembros de una pequeña familia, pero consigue dotar a la obra de un alto grado de realismo humorístico. Pau Roca (Ernest) y Mar Ulldemolins (Sandra) interpretan a los dos hermanos que han perdido el contacto, pero que vuelven a reunirse ante la cercana muerte de su padre, ambos afectados, de una forma u otra, por el inexplicable abandono que sufrieron en la infancia por parte de su madre. Marc Rodríguez da vida a Miki, la pareja de Sandra, un urbanita agobiado por una carrera profesional insatisfactoria. Finalmente, Anna Sahun (Sol) interpreta a la “peculiar” médica cuya llegada provocará un extraño y paranormal giro de los acontecimientos.

La Presencia es, así, un juego de espejos teatral, en el que la identidad de los personajes irá transformándose, y en el que las relaciones de familia, las tradiciones y los roles sociales que todos y todas vamos adoptando en la vida, se aúnan para crear una propuesta de alto voltaje cómico, en la que el público se verá obligado a poner algo de su parte para desentrañar cuál es la presencia a la que hace referencia su título, un arcano teatral que seguro os hará reír a la par que reflexionar.

«La Presència» se representa en el Teatre Borràs del 11 de marzo al 12 de abril de 2026.

Autoría: Carmen Marfà i Yago Alonso
Dirección: Pau Carrió
Intérpretes: Anna Sahun, Pau Roca, Marc Rodríguez, Mar Ulldemolins
Escenografía: Paula Bosch
Vestuario: Pol Cornudella
Iluminación: Guillem Gelabert
Espacio sonoro: Guillem Rodriguez
Producción: Sixto Paz Produccions y La Villarroel

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: A partir de 23€
Duración: 80 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Memorias de Adriano: una travesía íntima por la historia y la memoria en el Teatre Romea

En plena temporada teatral de primavera en Barcelona, el Teatre Romea acoge una de las propuestas más evocadoras de la cartelera: Memorias de Adriano, una adaptación escénica de la célebre novela de Marguerite Yourcenar que ha conquistado público y crítica por igual.

Protagonizada por Lluís Homar, figura señera del teatro español, la obra despliega un monólogo íntimo y profundo en el que el emperador Adriano —tan sabio como contradictorio— dialoga con su pasado, sus decisiones y sus heridas. Más allá de una simple reconstrucción histórica, el montaje propone un viaje sensorial que nos enfrenta a las tensiones esenciales de la condición humana: el poder, el amor, la memoria y la finitud.

Dirigida por Beatriz Jaén y con dramatúrgia de Brenda Escobedo, la puesta en escena se aleja de la espectacularidad superficial para centrarse en la resonancia interior del personaje. Así, el espectador no solo observa la historia de un líder romano, sino que se ve invitado a escuchar su propia voz interior reflejada en la del emperador.

En esencia, Memorias de Adriano es mucho más que teatro histórico: es una experiencia emocional y filosófica que revive el pasado para hablarnos del presente, haciéndonos sentir que las preguntas que nos planteamos hoy ya resonaban en los pasillos del poder hace dos mil años.

«Memorias de Adriano» se representa en el Teatre Romea del 25 de marzo al 10 de mayo de 2026.

Autoría: Marguerite Yourcenar
Dirección: Beatriz Jaén
Traducción: Julio Cortázar
Dramaturgia: Brenda Escobedo
Reparto: Lluís Homar, Clara Mingueza, Álvar Nahuel, Marc Domingo, Xavi Casan, Ricard BoyleEscenografía: Jose Novoa
Iluminación: Pedro Yagüe
Espacio sonoro: Tagore González
Caracterización: Toni Santos
Vestuario: Nídia Tusal
Producción: Teatre Romea y Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados y domingos a las 17:30 horas
Duración: 1 hora y 40 minutos
Idioma: español

Niebla en Nave 10 Matadero: adaptación teatral de Miguel de Unamuno dirigida por Fernanda Orazi

La programación de la Nave 10 Matadero incorpora esta temporada Niebla, una propuesta escénica dirigida por Fernanda Orazi que revisita la célebre “nivola” de Miguel de Unamuno desde una mirada contemporánea y profundamente teatral. Lejos de plantear una adaptación al uso, el montaje se presenta como un dispositivo escénico que explora los límites entre ficción y realidad, invitando al espectador a adentrarse en un juego metateatral donde el propio hecho escénico se convierte en materia de reflexión.

Publicada en 1914, Niebla es una obra fundamental de la literatura española del siglo XX, pionera en la ruptura con las convenciones narrativas tradicionales y en la exploración de cuestiones filosóficas como la identidad, el libre albedrío o el sentido de la existencia. Esta nueva versión recoge ese espíritu innovador y lo traslada al lenguaje teatral mediante una puesta en escena que enfatiza la artificialidad y la construcción del personaje. El protagonista, Augusto Pérez, emprende un viaje de autoconciencia que le lleva a descubrir su propia condición de ente ficticio, desencadenando así un conflicto tan lúcido como inquietante.

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El montaje apuesta por una teatralidad visible, en la que los intérpretes no solo encarnan a sus personajes, sino que participan activamente en la creación del relato, desvelando los mecanismos de la representación. Este enfoque refuerza el carácter metateatral de la propuesta y sitúa al público ante una experiencia escénica dinámica, donde el humor y la reflexión conviven de forma constante.

A través de esta lectura, Orazi conecta los dilemas existenciales de Unamuno con la sensibilidad contemporánea, planteando preguntas que siguen resonando hoy: qué significa existir, hasta qué punto somos dueños de nuestras decisiones o cómo se configura nuestra identidad en relación con los demás.

Con un elenco que da vida a este universo cambiante y una puesta en escena que apuesta por la libertad creativa, Niebla se perfila como una de las citas teatrales más sugerentes de la temporada. Una oportunidad para redescubrir a Unamuno desde una perspectiva actual y para sumergirse en una experiencia escénica que convierte la incertidumbre en motor poético y teatral.

«Niebla» se representa en la Nave 10 Matadero del 20 de marzo al 12 de abril de 2026.

Autoría: Fernanda Orazi a partir de ‘Niebla’ de Miguel de Unamuno
Reparto: Juan Paños, Leticia Etala, Javier Ballesteros, Carmen Angulo y Pablo Montes
Diseño de iluminación: David Picazo
Dirección: Fernanda Orazi
Diseño de espacio sonoro y música: Javier Ntaca
Producción: NAVE 10 | Matadero, Buxman Producciones y Pílades Teatro
Diseño de espacio escénico y vestuario: Cecilia Molano

Horarios: de martes a domingo a las 19:30 horas
Precio: a partir de 15,75€
Duración: 1 hora y 40 minutos
Idioma: español

Una bufetada a temps en La Villarroel

En la cartelera de primavera de La Villarroel aterriza Una bufetada a temps, la nueva comedia de Marta Buchaca, una autora que ya ha demostrado su habilidad para convertir conflictos cotidianos en auténticos campos de batalla emocionales.

La premisa es tan sencilla como explosiva: un abuelo pierde los nervios y le da una bofetada a su nieto de ocho años. Lo que podría parecer un episodio doméstico más se convierte en un auténtico terremoto cuando la escuela decide intervenir… e incluso plantear una denuncia. A partir de ahí, todo salta por los aires.

Pero Buchaca no busca el drama lacrimógeno. Todo lo contrario: utiliza el humor —afilado, incómodo y muy reconocible— para poner sobre la mesa una cuestión que atraviesa familias, escuelas y generaciones: ¿dónde están hoy los límites en la educación infantil?

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Sobre el escenario, nombres de peso como Ramon Madaula y Montse Guallar encabezan un reparto que promete ritmo, complicidad y esa tensión tan característica de las comedias que incomodan mientras hacen reír.

Con una duración de 90 minutos y recomendada a partir de 12 años, la obra se presenta como una pieza ágil, directa y muy pegada a la actualidad. No hay respuestas fáciles, pero sí muchas preguntas:
¿es la autoridad sinónimo de violencia?
¿hemos pasado de un extremo a otro en la educación?
¿quién tiene la última palabra: la familia o la institución?

En definitiva, Una bufetada a temps se perfila como una comedia que, bajo su apariencia ligera, esconde un debate incómodo y necesario. De esas que arrancan carcajadas… pero también dejan un poso de reflexión al salir del teatro.

«Una bufetada a temps» se representa en La Villarroel del 1 al 26 de abril de 2026

Autoría y dirección: Marta Buchaca
Intérpretes: Ramon Madaula, Montse Guallar, Marc Rius, Eudald Font, Sara Diego
Escenografía: Sebastià Brosa
Vestuario: Marta Pell
Iluminación: Anna Espunya
Espacio sonoro: David Solans
Producción: La Pocket y La Villarroel

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: A partir de 21,25€
Duración: 90 minutos
Idioma: catalán

“Els fills”: una reflexión teatral sobre culpa, ciencia y generaciones futuras

La cartelera barcelonesa acoge Els fills, la obra de la dramaturga británica Lucy Kirkwood que llega a los escenarios con dirección de David Selvas y con un potente reparto formado por Emma Vilarasau, Mercè Aránega y Jordi Boixaderas. El montaje puede verse en La Villarroel, que propone una intensa reflexión dramática sobre la responsabilidad moral, el paso del tiempo y el legado que dejamos a las generaciones futuras.

La obra sitúa al espectador en un futuro cercano marcado por las consecuencias de un accidente nuclear. Hazel y Robin, una pareja de científicos ya retirados, viven en una casa de campo intentando mantener cierta normalidad tras la catástrofe que cambió sus vidas. Su rutina, aparentemente tranquila, se ve alterada por la inesperada visita de Rose, una antigua colega que reaparece después de muchos años. Su llegada no solo reabre viejas heridas del pasado, sino que también plantea una decisión difícil que obligará a los tres personajes a enfrentarse a las consecuencias de sus actos y a preguntarse hasta dónde llega su responsabilidad.

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Con una estructura dramática cargada de tensión y un texto que combina intimidad, ironía y profundidad ética, Els fills plantea cuestiones muy actuales sobre el impacto de nuestras decisiones en el planeta y sobre el papel que juega cada generación frente a los problemas que heredan las siguientes. La obra convierte un encuentro aparentemente cotidiano en un intenso debate moral que interpela directamente al espectador.

Con un reparto de primer nivel y un texto reconocido internacionalmente, Els fills se presenta como una propuesta teatral tan inquietante como emocionante. Una obra que invita a reflexionar mientras mantiene al público atrapado en su conflicto y que promete convertirse en una de las citas imprescindibles de la temporada teatral en Barcelona.

«Els fills» se representa en La Villarroel del 7 de febrero al 29 de marzo de 2026.

Autoría: Lucy Kirkwood
Traducción: Cristina Genebat
Dirección: David Selvas
Intérpretes: Emma Vilarasau, Mercè Aránega, Jordi Boixaderas
Escenografía: Josep Iglésias
Vestuario: Maria Armengol
Caracterización: Noelia López
Iluminación: David Bofarull
Sonido: Lucas Ariel Vallejos
Producción: La Brutal

Horarios: miércoles y viernes a las 20:00 horas; jueves y sábados a las 17:30 y a las 20:30 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 24,30€
Duración: 90 minutos
Idioma: catalán

Teatro: La presencia, en el Teatre Borràs

Regresa a Barcelona La Presència, un montaje que se perfila como una de las propuestas más intrigantes de la cartelera y que podrá verse en el Teatre Borràs del 11 de marzo al 12 de abril. El espectáculo, firmado por Carmen Marfà y Yago Alonso y dirigido por Pau Carrió, parte de una premisa tan sencilla como inquietante: una familia reunida para despedir a su padre presencia un fenómeno imposible justo después de su muerte, detonante de una noche cargada de tensión, sospechas y revelaciones.

Con una atmósfera que mezcla misterio, ironía y emoción, la obra propone un juego escénico donde lo sobrenatural convive con conflictos muy humanos. Lejos de limitarse al suspense, la función apunta a explorar las dinámicas familiares, las creencias personales y el peso de los secretos compartidos, todo ello sostenido por un reparto encabezado por Anna Sahun, Pau Roca, Marc Rodríguez y Mar Ulldemolins.

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Con producción de Sixto Paz Produccions y colaboración de La Villarroel, La Presència se presenta como una apuesta escénica que invita al público a dejarse llevar por la intriga sin renunciar al humor ni a la reflexión. Todo apunta a que será una cita destacada para quienes buscan teatro contemporáneo capaz de sorprender desde la primera escena.

«La Presencia» se representa en el Teatre Borràs del 11 de marzo al 12 de abril de 2026.

Autoría: Carmen Marfà y Yago Alonso
Dirección: Pau Carrió
Reparto: Anna Sahun, Pau Roca, Marc Rodríguez, Mar Ulldemolins
Escenografía: Paula Bosch
Iluminación: Guillem Gelabert
Espacio sonoro: Guillem Rodríguez
Vestuario: Pol Cornudella
Producción: Sixto Paz Produccions, La Villarroel Produccions

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: A partir de 23€
Duración: 80 minutos
Idioma: catalán

Teatro: El casalot, en el Teatre Gaudí Barcelona

El Casalot, estrenada el pasado 17 de enero en el Teatre Gaudí Barcelona se materializa como una propuesta teatral intensa, perturbadora y profundamente sugerente, firmada por Sergi Belbel, uno de los nombres clave de la dramaturgia contemporánea catalana. La obra se adentra en los territorios del terror psicológico y convierte al espectador en testigo cercano —casi cómplice— de una experiencia escénica donde nada es lo que parece y donde la incomodidad forma parte esencial del viaje teatral.

La acción se sitúa en una casa antigua, aislada y opresiva, un espacio que funciona tanto como escenario físico como metáfora mental. En su interior, dos mujeres conviven atrapadas en una dinámica marcada por la violencia latente, la desconfianza y la transformación constante. Los nombres cambian, las identidades se desdibujan y la realidad se vuelve inestable, obligando al público a cuestionarse qué es real y qué forma parte de una construcción emocional deformada por el miedo, la culpa y el deseo de supervivencia.

Belbel construye un texto que juega con la repetición, el absurdo y el humor negro, elementos que refuerzan una sensación creciente de inquietud. El espectador no solo observa, sino que siente cómo el espacio se cierra y cómo la angustia se filtra en cada gesto y cada silencio, con una puesta en escena que potencia un clima asfixiante mediante un dispositivo escénico envolvente.

El Casalot es una propuesta ideal para quienes buscan un teatro que incomode, que provoque y que deje poso más allá del aplauso final. Una cita imprescindible para los amantes del teatro contemporáneo que se atreven a mirar de frente a sus propias sombras.

«El Casalot» se representa en el Teatre Gaudí Barcelona del 17 de enero al 22 de febrero de 2026.

Autor y director: Sergi Belbel
Reparto: Gemma Deusedas y Anna Carreño
Escenografía: Uri Prat
Iluminación: Kiko Planas
Producción: Buganvilia

Horarios: de jueves a sábado a las 20:30 horas y domingos a las 17:00 horas
Precio: a partir de 15€
Duración: 90 minutos
Idioma: catalán

Teatro: Salomé, en el teatre Tantarantana

El pasado 14 de enero se estrenaba Salomé en el Teatre Tantarantana como una de las propuestas más intensas y sugerentes de la temporada 2025-26. La compañía La Cremosa, bajo la dirección y adaptación de Mia Parcerisa, presenta una relectura contemporánea del texto de Oscar Wilde que mantiene intacta su fuerza provocadora y su carga simbólica. El montaje se puede ver del 14 de enero hasta el 1 de febrero de 2026 y promete sumergir al espectador en un universo donde el deseo, el poder y la obsesión se convierten en motores de la tragedia.

La obra sitúa la acción en una corte corrompida por la decadencia moral y los juegos de dominación. Salomé, joven princesa marcada por un deseo irrefrenable, se obsesiona con Iokanaan, el profeta que la rechaza y se convierte en el único cuerpo y voz que no puede poseer. Ese rechazo desencadena una espiral de violencia y transgresión que conduce inexorablemente hacia un final tan perturbador como poético. Más allá del relato bíblico, la propuesta invita a reflexionar sobre los límites del deseo y sobre cómo el poder se ejerce —y se pervierte— cuando el otro se niega a ser objeto.

La puesta en escena apuesta por una estética concentrada y casi ritual, donde el trabajo corporal, la iluminación y el ritmo dramático refuerzan la tensión constante del relato. El espacio escénico se convierte en un territorio simbólico en el que los personajes se enfrentan no solo entre sí, sino también a sus propias pulsiones. El elenco, formado por intérpretes que asumen el riesgo físico y emocional del texto, construye personajes de gran intensidad, alejados de cualquier lectura complaciente.

Esta Salomé dialoga con el presente desde la crudeza y la belleza, recordando por qué el texto de Wilde sigue siendo incómodo y necesario. La propuesta del Teatre Tantarantana reivindica el clásico como una experiencia viva, capaz de interpelar al espectador contemporáneo y de confrontarlo con preguntas incómodas sobre el deseo, la negación y las consecuencias del abuso de poder.

«Salomé» se representa en el Teatre Tantarantana del 14 de enero al 1 de fenrero de 2026.

Autor: Oscar Wilde
Dirección y adaptación: Mia Parcerisa Interpretación Zúbel Arana, Guillem Font, Gerard Franch, Júlia Genís, Joan Marmaneu, Pau Oliver y Àlex Pujol
Escenografía y vestuario: Guillem Martí Iluminación Guillem Font
Producción: La Cremosa y Teorema Teatre

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:30 horas y domingo a las 19:00 horas
Precio: desde 23€
Duración: 85 minutos
Idioma: català

Crítica teatro: Casa Calores, en la Sala Beckett

El paso del tiempo es, seguramente, una de las cuestiones que más abruman al ser humano. Las consecuencias de las decisiones que tomamos en la vida y el gradual abandono de la juventud nos afectan a todos de una forma u otra. Casa Calores, estrenada el pasado 16 de diciembre en la Sala Beckett, nos plantea una reflexión sobre ello escrita y dirigida por Pere Riera e interpretada, entre otros, por Rosa Gamiz y Jordi Boixaderas.

“Los veranos son estaciones preciadas. Dicen que la juventud es la más preciada de las etapas vitales. Y cuando eres joven, una de las mejores cosas que te pueden pasar, es vivir los veranos cerca del mar. Si, encima, has nacido en un pueblo con barcas y espigón, es posible que todos los veranos de tu juventud estén amarados de un recuerdo cálido y salobre. En Casa Calores pasan los años, las macetas se marchitan y la ropa deja de mecerse en los tendederos. Los mayores que sobreviven, se hacen viejos; y los jóvenes que no ven la hora de crecer de una vez, intentan poner freno al inexorable paso del tiempo. Un tiempo que los enfrenta al más preciado de los peligros: el pasado”

La Beckett reestrena una reflexión sobre la vida que seguro nos tocará la fibra emocional. Quién no recuerda los veranos de su juventud, asociados a los disfrutes del periodo estival y, sobre todo, a las amistades que, en aquellos momentos, parecían imperecederas. Riera juega con las emociones escénicas para tejer un texto sobre la memoria que, seguro, nos permitirá realizar un viaje por nuestros propios recuerdos de la infancia y la juventud.

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La trama de la obra nos sitúa en una localidad cerca del mar en verano. En ella se condesa la vida de sus habitantes como las gotas de sudor cuando hace mucho calor. La existencia, así, se reduce a un ciclo diario de actividades. Riera nos muestra el día a día de un grupo de jóvenes amigos, Júlia Molins, Júlia Bonjoch, Arnau Comas y Eudald Font, que han alcanzado aquel momento de la vida en el que se está abandonando la infancia y se aproxima la época adulta. Muchos son los cambios que se producen y también muchas son las decisiones que se han de tomar y que marcarán, sin duda la vida adulta.

En Casa Calores la presencia de los adultos, en este caso Jordi Boixaderas y Rosa Gamiz, también es importante. Las elecciones tomadas a lo largo de la vida, acertadas o no, también han marcado su presente, y nos dejan claro que el drama del paso del tiempo sella la existencia de todos.

Riera ha creado una pequeña joya teatral que nos hará recordar, nos hará pensar y nos hará disfrutar en partes iguales a todos. Como escenario una azotea en la que trascurre, a través de diversas escenas, la vida de todos los personajes. Los primeros amores, las primeras decisiones sobre el futuro, la importancia de la familia, las primeras decepciones…

Escenas protagonizadas por los personajes más jóvenes que se concatenan con otras interpretadas por los personajes más adultos y una terraza condenada a desparecer con el tiempo, como el tiempo hace desaparecer la infancia y la juventud y nos enfrenta a las vidas que, en gran medida, escogemos vivir.

La propuesta de Riera y la Beckett no defrauda, no nos quiere convencer con finales felices o con finales redondos, tan solo intenta mostrar, poéticamente diría yo, la vida, y nos intenta conmover a través de la memoria, a través del recuerdo de lo que fuimos cuando aún no éramos lo que somos ahora.

Solo por eso, pero por mucho más, vale la pena ver Casa Calores, por contemplar el escenario-azotea donde se desarrolla la acción, por asistir a un ejemplo más del drama vital humano y para disfrutar de una historia que, seguro, nos toca a todos y nos recuerda que el pasado y la juventud no es nada más ni nada menos que una burbuja repleta de posibilidades y de sueños, que de una forma u otra, han marcado nuestra existencia. El pasado, siempre el pasado.

«Casa Calores» se representa en la Sala Beckett del 16 de diciembre de 2025 al 11 de enero de 2026.

Autoría y dirección: Pere Riera
Reparto: Jordi Boixaderas, Júlia Bonjoch, Arnau Comas, Eudald Font, Rosa Gamiz y Júlia Molins
Voz en off: Pablo Derqui
Escenografía: Sebastià Brosa
Iluminación: Guillem Gelabert
Sonido: Jordi Bonet
Vestuario: Marian Coromina
Caracterización: Clàudia Abbad
Producción: Sala Beckett

Horarios: de lunes a sábadoa las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas
No hay función los días 19, 20, 21, 24 y 31 de diciembre, ni el 05 y 06 de enero
Duración: 1 hora y 40 min
Espacio: Sala de baix
Precio: de 11€ a 22€
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Tootsie, en el Teatre Apolo

Como todos y todas sabéis, el vínculo entre el cine y el teatro es muy intenso. Infinidad de obras de teatro han disfrutado de adaptación cinematográfica y, de igual forma, innumerables películas se han adaptado a los escenarios. Esto último es lo que pasa con Tootsie, una comedia romántica satírica dirigida para el cine en el año 1982 por Sydney Pollack e interpretada por Dustin Hoffman y Jessica Lange que dio el salto a los escenarios en Broadway en el año 2019 y que se estrenó el pasado 10 de octubre en el teatre Apolo de Barcelona.

Michael Dorsey es un actor con un talento especial… para no conseguir ningún papel. Desesperado y sin trabajo, Michael hace un último esfuerzo por hacer realidad sus sueños y se disfraza de la actriz Dorothy Michaels.
En un ascenso meteórico al estrellato de Broadway, Dorothy pronto consigue que el público caiga rendido a sus pies, mientras que Michael (disfrazado de Dorothy) se enamora de Julie, su compañera de reparto. No pasará mucho tiempo antes de que Michael se dé cuenta de que conservar su mayor éxito como actor será mucho más difícil de lo que esperaba”.

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Tootsie tiene los elementos necesarios para hacer disfrutar al público con una historia de suplantación “de género” con un abombado sentido del humor. Los ingredientes para ello se basan en una trama siempre divertida y en los equívocos provocados por la falsa identidad del protagonista, un Ivan Labanda que dota a su personaje de la frustración y la comicidad necesarias para divertir y hacer reflexionar al público sobre lo difícil que es triunfar en el teatro y lo extremadamente dificultoso que representa ese mismo éxito para una mujer.

El acierto en el casting no reside solamente en la elección de Labanda. Todo el elenco está a la altura de la propuesta: Ricky Mata luce como el compañero de piso realista e insolente de Michael Dorsey; Berta Butinyà da vida a la exnovia de Dorsey, que nos muestra lo heroico de la resiliencia en el mundo del teatro; o Jose Luís Mosquera que interpreta al director “soboso” de la obra en la que ha conseguido un papel Dorothy Michaels. Todos, evidentemente, a un nivel musical muy exigente.

La obra, por otra parte, está muy equilibrada en relación al ritmo en el que se desarrollan la trama y las interpretaciones musicales y muestra unos decorados que sorprenden por su sencillez y su efectividad.

Tootsie es, así, una comedia que toca temas complicados de una forma sencilla y humorística y consigue mantener la atención del público hasta el final, dejando un buen sabor de boca a los espectadores que se basa en una buena producción y en una apropiada dirección de Bernabé Rico que denota buen gusto escénico y ser conocedor de las claves del género!!

“Tootsie” se representa en el Teatre Apolo del 11 de octubre al 8 de diciembre de 2025.

Dirección, adaptación y traducción: Bernabé Rico
Libreto: Robert Horn
Dirección musical: Julio Awad
Reparto: Ivan Labanda, Diana Roig, Berta Butinyà, Ricky Mata, José Luis Mosquera, Bealia Guerra, Sol Carner, Héctor Vázquez, Anna Lagares, Mónica Solaun, Bernat Mestre, Sergi Espina, Nil Carbonell, Raúl Maro, Tamara Suárez
Escenografía: Leticia Gañán, Curt Allen Wilmer
Iluminación: José Manuel Guerra
Vestuario: Pier Paolo Álvaro
Coreografía: Ferderico Barrios Fierro
Música y letras: David Yazbek
Producción: Triple F

Horarios: miércoles y jueves a las 20:00 horas; viernes a las 17:00 y a las 20:30 horas; sábado a las 16:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:00 horas
Precio: desde 25€
Idioma: castellano
Duración: 135 minutos
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa