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Crítica cómic: Edición original facsímil de El capitán Trueno, Ediciones B.

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P-Facsimil-TRUENO2El Capitán Trueno apareció en los quioscos a mediados del año 1956 con la historieta titulada “A sangre y fuego”. En aquella España de posguerra triste y gris los niños y jóvenes no tenían tantas distracciones y diversiones como ahora. Por 1,25 pesetas, o en su mayoría por cambios de tebeos o préstamos de ejemplares, se abría ante ellos el mundo de Trueno plagado de aventuras, acción y humor. El Capitán Trueno es valiente, inconformista, desenfadado, alegre y rebelde. Sus historias cautivaron y entretuvieron a miles de lectores desde ese mítico primer cuadernillo. El héroe encarna el honor, la amistad y un modo de ver la vida, tal vez sin matices, pero donde lo que importa es luchar contra la injusticia allí donde se diese. Una filosofía a la que aspiraban muchos lectores y que, sin duda, les marcó.

Los artífices de este éxito fueron sus creadores el guionista Víctor Mora y el dibujante Miguel Ambrosio Zaragoza, conocido como Ambrós. Víctor Mora recibió el encargo de Bruguera de intentar conseguir otro éxito como el de los cuadernillos de El Cachorro de G. Iranzo que se publicaban desde 1951. El escritor y guionista presentó a un héroe ambientado en la Edad Media a finales del siglo XII. El Capitán Trueno al principio lucha contra los musulmanes infieles como mandan los cánones franquistas, pero pronto se aparta de este cliché y junto a sus inseparables amigos Goliath y Crispín, desenreda entuertos en cualquier parte del planeta.

Ambrós dibujó en solitario los 35 primeros cuadernillos, luego debido a la periodicidad semanal y a que también se encargaba de las aventuras de El Capitán Trueno que aparecían en las páginas centrales de la revista Pulgarcito, contó en las tintas con la ayuda del dibujante Beaumont en los números 47 al 168. Luego la serie la continuaron diferentes dibujantes como el propio Beaumont y entre muchos otros Tomas Marco, Ángel Pardo, Adolfo Buylla, José Grau, Fuentes Man, Martínez Osete y Vicente Torregrosa.

Los dos tomos que ha reeditado Ediciones B abarcan los primeros 96 cuadernillos apaisados de El Capitán Trueno tal y como se publicaron en el lejano 1956. Cada tomo contiene 48 cuadernillos de 12 páginas cada uno contando portada y contraportada. La portada de cada cuadernillo está dibujada en cuatricromía, las páginas interiores en blanco y negro y la contraportada en color azul, siguiendo el modelo original, aunque el color de portada y contraportada varía un poco. Las tapas realizadas en cartoné a color negro presentan una bonita ilustración blanco sobre negro con la imagen de Trueno y el titulo del cómic. Las sobrecubiertas están elaboradas en fondo blanco y hacen destacar la ilustración, que es la misma que en las anteriores ediciones en este formato, pero con un diseño más elegante.

trueno-pagina-2La primera historieta nos presenta al Capitán Trueno como jefe de un grupo de cruzados españoles. Osado e inteligente su iniciativa será crucial para tomar la fortaleza enemiga. Ambientada en la época de las Cruzadas, en las primeras páginas se enfrenta al mismísimo Ricardo Corazón de León. El propio rey descubre su fuerza en el torneo amistoso en el que ambos se enfrentan antes de iniciar la batalla contra los infieles al grito de Trueno de ¡Santiago y cierra España!

Ediciones B nos propone una nueva ocasión para leer la mejor etapa de este tebeo sin adulterar, que si bien es hijo de la época en que nació, sigue manteniéndose fresco gracias al arte de Ambrós y a la imaginación de Víctor Mora. Si eres adulto seguro que volverás a sentirte como un niño releyéndolas!!

En esta edición las espadas, las flechas y la violencia física y verbal lucen como en sus inicios, puesto que la censura hizo estragos con el cómic en ediciones posteriores a la original de 1956. Además en estos números la aventura es pura y dura ya que la serie no había derivado aún en una sobreexplotación del personaje, con repetición de caras, posturas y viñetas ya en la época en la que no la dibujaba Ambrós. El desgaste, pues, queda lejos en estos dos primeros tomos y son por sí solos históricos dentro del mayor éxito del cómic español. Una obra imperecedera, un tesoro a descubrir por las nuevas generaciones.

lomoEsta, sin embargo, no es la primera vez que se edita esta colección facsimilar de El Capitán Trueno, lo que nos demuestra la longevidad y el cariño que se tiene al héroe. Ya en 1991 aparecieron las historietas protagonizadas por el héroe hispano en cuadernillos coleccionables en entregas de 6 números de quiosco para su posterior encuadernación. Y este bonito formato en tomo fue estrenado en 1995 con 13 volúmenes en tapa dura y sobrecubierta que reunían los 618 cuadernillos que constituyen la serie. Posteriormente en 2003 se reeditaron tan solo los seis primeros tomos con cubiertas de tela y más adelante aparecieron de nuevo tan solo los tomos 1,2 7,9,10 y 11.

Y desde diciembre del 2013 Ediciones B presenta esta nueva edición de las aventuras de El Capitán Trueno que reedita los 13 tomos de la serie con los 618 cuadernillos. Una nueva oportunidad de reunir toda la colección original de El Capitán Trueno en tomos muy bien editados de los que ya se pueden conseguir en las librerías los primeros dos volúmenes.

Título: Edición original facsímil de El capitán Trueno
Tomo 1 y 2
Editorial: Ediciones B
Encuadernación: Cartoné
Dimensiones: 16 x 24 cm
Páginas: 576
Precio: 29 € x tomo
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Taradete

Teatro

Crítica teatral: El crítico, en el Teatre Borràs.

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489Podríamos decir que existen obras de teatro, algo así como un subgénero, que nos hablan sobre el mismo teatro, si bien no hay demasiadas, que yo sepa, que traten sobre la crítica teatral. Una de ellas, El crítico, si supiera cantar me salvaría se representa en el Teatre Borràs desde el 22 de enero, una oportunidad para profundizar un poco más no solo en el trabajo del crítico sino en la naturaleza de una obra de teatro.

Todo comienza con el regreso a casa del crítico Volodia. Ha asistido a un estreno teatral, por lo que se dispone, como acostumbra a hacer siempre, a escribir la crítica de la obra esa misma noche. Alguien llama a su puerta. Volodia se sorprende al constatar que Scarpa, el autor de la obra a cuyo estreno ha acudido, quiere compartir con él el momento de la redacción de la crítica. ¿Será positiva o negativa? Poco a poco irá desarrollándose entre ellos una contienda verbal sobre la forma de ver y entender el teatro, o lo que es lo mismo, cómo entender la vida.

Juan Mayorga, el autor de la obra, nos propone un texto que reflexiona sobre la realidad y el artificio en el teatro, una voluntad materializada en el combate dialéctico que mantienen un autor teatral de éxito y un antiguo crítico de teatro dispuesto a reseñar su obra. Para reforzar esta sensación de combate nos serán recitados parte de los diálogos de la obra ficticia que Volodia ha de reseñar y que trata del mundo del boxeo y del fallido aprendizaje entre un viejo entrenador, del que no se sabe que nunca boxeara, y un joven boxeador con un gran potencial pero que se deja llevar por el empellón del público.

Una contienda que poco a poco veremos que no es a un solo asalto sino que es la culminación de un antiguo vínculo que se ha establecido entre ambos a lo largo del tiempo, desde que el autor estrenó su primera obra. Entre ellos se ha creado un fuerte lazo emocional que ninguno de los dos ha querido reconocer hasta esta noche, pero que ha marcado el desarrollo de sus vidas y de sus profesiones.

juanjo-puigcorbe-pere-ponce-2En la discusión que se establecerá entre autor y crítico surgirán múltiples temáticas que abarcan el mundo del teatro y la creación teatral. ¿Qué representa una crítica? ¿Existe la crítica objetiva? ¿Cuál es el grado en el que un director transforma la obra de un dramaturgo? ¿Existe un teatro auténtico? ¿Por qué exigimos veracidad al teatro cuando en la vida misma la mayor parte de las cosas son mentira?

Como ven los temas que trata la obra son profundos, a veces incluso demasiado, lo que provee a la representación de un ritmo sosegado acorde a la naturaleza de los temas que se tratan. No esperen, pues, otra cosa. Esperen, eso sí, una exploración sobre el mundo del teatro y de la crítica que, seguro, les tocará la fibra, mezclado con ingredientes de thriller o misterio, que irán salpimentando el desarrollo de la obra y complicando algo en exceso la trama en cuestión.

El crítico, además, nos habla sobre diferentes tipos de teatro. Si Scarpa apuesta por un teatro más vivo y actual, que conecta fácilmente con el público aunque a veces lo haga a través de lo postizo, el segundo defiende un teatro de calidad, fiel a sí mismo, desnudo y verdadero, que no se deja persuadir por las falsas modas y que apela a los sentimientos más puros. De ahí que Scarpa se nos presente como un hombre del hoy (y del mañana) y Volodia como un hombre del ayer, del pasado del Metropol, el teatro ya desaparecido donde trabajaban sus padres y donde él conoció el teatro clásico de los años 50.

El director, Juan José Afonso, responsable de obras como Almacenados, La extraña pareja, La cena de los idiotas o El arte de la entrevista, escrita por el propio Juan Mayorga, provee a la representación de un toque clásico y consistente que se construye a partir de una escenografía sencilla pero imponente que nos muestra el interior de la casa de Volodia. En lo que respecta a las actuaciones Puigcorbé impresiona con la plasmación de un personaje, el del solitario crítico Volodia, fiel a sí mismo y minucioso, aunque miembro de una especie de críticos en claro peligro de extinción. El Scarpa de Pere Ponce, sin embargo, se queda algo atrás y no alcanza toda la intensidad necesaria para hacer de antagonista de Volodia. De todas formas, en esta obra el texto está por encima de las actuaciones concretas (y esto lo digo sin ninguna intención de desmerecer el trabajo de los actores) ya que las ideas y las reflexiones cautivas en él absorben, muchas veces por completo, la atención de los espectadores.

El crítico nos propone, así, una hora y diez minutos de espectáculo teatral que nos permiten reflexionar sobre el trabajo de los profesionales del arte escénico (y de la prensa especializada!). Aunque al final una obra de teatro es solo una ficción, y una crítica teatral, como la que ahora estás leyendo, no es más que una valoración que nos habla de lo que otros hacen sobre el escenario, tan subjetiva, en definitiva, como cualquier otra opinión, aunque, y esto es siempre de agradecer, al menos algo más formada y conocedora de lo que habla. ¿No lo creen así?

«El crítico» se representa en el Teatre Borràs desde el 22 de enero de 2014.

Autor: Juan Mayorga
Reparto: Juanjo Puigcorbé y Pere Ponce
Dirección: Juan José Afonso
Escenografía y Vestuario: Elisa Sanz
Diseño de iluminación: Carlos Alzueta Bengoetxea
Diseño de sonido: Raúl Bustillo

Horarios: miércoles y jueves a las 20:30 horas; viernes a las 21:30 horas; sábado a las 18:00 y a las 21:30 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: de 20 a 28 €
Idioma: castellano
Duración: 1 hora 10 min
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Jorge Pisa Sánchez

Ánima

Festes de Santa Eulàlia 2014.

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Festes-de-Santa-Eulalia-2014Demà divendres comencen les Festes de Santa Eulàlia que enguany transformen la ciutat amb el festival LLUMBCN oferint als ciutadans tradició i avantguarda.

Durant els dies 7, 8, 9 i 12 de febrer la ciutat de Barcelona celebrarà les festes de Santa Eulàlia amb un ampli ventall d’activitats que recolliran les tradicions i la història però també il·luminaran la cara més avantguardista i innovadora.

Durant la Festa Major d’hivern, Barcelona s’omplirà de gegants, capgrossos, colles sardanistes, diables, festes de foc i una moixiganga provinent de la cultura popular i, a més, transformarà racons de la ciutat gràcies al festival LLUMBCN. Durant les festes de Santa Eulàlia la llum esdevindrà l’element central d’un gran festival urbà capaç de mostrar-nos una ciutat nova, de transformar edificis o de conferir a petits racons de la ciutat antiga una màgia carregada de significat i poesia.

LLUM_Ajuntament-1Així, el barri Gòtic mostrarà una desena de paisatges que han nascut del talent i la fantasia dels estudiants i els professors de diversos centres docents dedicats a la il·luminació, el disseny, l’arquitectura o l’interiorisme. En cadascun dels patis de Ciutat Vella en què han intervingut, han estat capaços de suggerir mil i un significats a partir dels ambients creats amb la il·luminació: des d’evocar la història d’un edifici medieval fins a fer plorar Santa Eulàlia amb llàgrimes de gel o convertir un pati en un jardí subaquàtic.

Completen el festival la revisió dels mappings més espectaculars de la Mercè, la il·luminació especial d’edificis de la ciutat (fragments de la muralla de Barcelona i la casa de Salvador Espriu) i un recorregut per una part del parc de la Ciutadella que acull espectacles de llum repartits per camins, edificis i làmines d’aigua.

Bandera+Santa+EulC3A0lia-1Enguany, la festa de Sant Eulàlia se celebra en el marc dels actes del Tricentenari BCN i per això el Born Centre Cultural obre les portes gratuïtament a tots els ciutadans que vulguin veure les restes arqueològiques i les exposicions per descobrir els fets de fa tres-cents anys i descobrir com era aquesta part de la ciutat a principis del segle XVIII. El divendres 7, rebent la cercavila de la copatrona s’encendran prop de 1.500 espelmes per recrear, amb llum, el logotip dels actes del tricentenari dels fets del 1714 i de divendres a diumenge, en fer-se fosc, 300 flames il·luminaran la plaça del Born.

A més, l’any en què Santa Eulàlia commemora el tricentenari dels fets de 1714, Cardona és la ciutat convidada a la festa i porta a la ciutat part del seu imaginari festiu i alguns dels seus col·lectius de cultura popular. D’aquesta manera participaran en les celebracions un total de tretze gegants de Cardona, a més dels nans i de la nova Àliga.

«Festes de Santa Eulàlia 7, 8, 9 i 10 de febrer».

Per a més informació:

http://santaeulalia.bcn.cat/

 

 

Teatro

Crítica teatral: Boig per tu, en el teatre Borràs.

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concierto-boig-per-tu-del-29-enero-al-16-febrero-barcelona_img 149204No es algo extraordinario, ni mucho menos, que el teatro se nutra de la trayectoria artística de cantantes y de grupos para construir sus propias propuestas. La receta ya la hemos visto en espectáculos como Ojos verdes, que repasaba la vida de Miguel de Molina; Hoy no me puedo levantar que transitaba por los grandes éxitos de Mecano, y los múltiples espectáculos que recorren la carrera musical de formaciones como Abba o solistas como Michael Jackson, por no hablar de uno de los éxitos recientes como Cop de Rock, el espectáculo creado a partir de los éxitos del rock catalán.

Como consecuencia de este gran éxito y atisbando con acierto las posibilidades del rock catalán sobre un escenario teatral, Silencio Rodamos inició el año pasado la producción de Boig per tu, el musical basado en la trayectoria musical del grupo Sau, que junto a Sopa de Cabra capitanearon, allá por los años noventa, las hormonas y las cavilaciones de la joven generación catalana del momento.

«Un grupo de jóvenes encara un nuevo verano en el que las circunstancias les pondrán frente a un mundo nuevo: el paso a una cierta madurez sentimental que les marcará el futuro más inmediato. Con la excusa de organizar una fiesta de cumpleaños, el grupo de amigos se reúne, charlan, discuten, ríen y sobre todo cantan sus miedos y alegrías, sus deseos y, en el fondo, su temor a avanzar hacia la madurez. Un cumpleaños, una noche y un baile que marcarán un verano donde reinarán el amor, el desamor y sobre todo la amistad».

La productora Silencio Rodamos, especializada en cine y televisión, se lanza a la producción teatral con el musical Boig per tu, un espectáculo que recorre los éxitos de Sau. La propuesta nos presenta el mundo de la juventud que es en el que triunfó el grupo. Si bien no está ambientada en los años 90 sino que su trama transcurre en la actualidad y nos muestra la diversidad de relaciones de amistad, compañerismo y amor que existe en un grupo de amigos que ronda la veintena, esto es, que hace muy poco que han dejado la adolescencia atrás. Así que ya se pueden imaginar que el amor, la aceptación por parte del grupo, los novi@s, los estudios, el futuro o la voluntad de aparentar más edad de la que en verdad se tiene, son las grandes cuestiones que afectan a los protagonistas. Un planteamiento que sin duda, nos retrotrae a nosotros mismos a esas épocas de nuestro pasado, cuando éramos jóvenes y seguíamos entusiamad@s los éxitos de nuestros grupos de música favoritos.

boig per tuBoig per tu es una celebración de la amistad y de la música, y más concretamente de la creada por Sau, por lo que tanto la frecuencia de los actores, sus interpretaciones e incluso el vestuario nos transmite positivismo, algo que por sí solo ya valdría en la situación socio-económica en la que vivimos. La producción, además, hace hincapié en aquella juventud, que también existe aunque aparezca menos en los medios de comunicación, que práctica una vida sana y positiva, algo que también es agradecido de ver alguna vez sobre el escenario.

La trama nos hace transitar por todo ese mundo de sentimentalismo, romanticismo y rebeldía propio de la juventud y lo hace construyendo la historia a partir de las canciones de Sau, que poseen, sin duda, un toque intimista y pasional nacido de la sensibilidad artística de Carles Sabater y Pep Sala, los músicos que hicieron revolotear a velocidades supralúminicas las hormonas de sus jóvenes fans. Un intimismo pasional que se desarrolla, además, desde el humor potenciado por una actuación coral de los chicos (Roger Borrull, Joan Olivé, Roc Olivé, Ferran González, Pol Nubiala y Oscar Monclús) y de las chicas (Carla Mercader, Cristina Murillo, Lidia Ibañez, Neus Pàmies, Julia Creus y Mónica Macfer) y que está dirigida por Ricard Regüant en cuanto a la interpretación y por Pep Sala, impulsor de la propuesta, en cuanto a la música, un sello de fidelidad al grupo que emana de cada segundo del espectáculo.

Aunque la interpretación es, como decía, coral en ella destaca con luz propia el buen hacer del jovencísimo Pol Nubiala, que encarna al hermano menor de una de las amigas del grupo, y que destaca por su juego de voces, su excelente actuación cómica y las ganas que pone en la creación de su personaje, en el que se intuye su gracejo personal innato.

Sin embargo la potencia del musical no luce lo que merece debido a las limitaciones de producción. El escenario, pequeño para un musical de este tipo, se queda corto al igual que algunas de las coreografías y la solución escenográfica se muestra algo pobre y poco original con paneles metálicos móviles que no ayudan al espectador a meterse en la historia. Además el musical hace un pobre uso de la pantalla audiovisual en la que como colofón del espectáculo se ofrece un homenaje a Carles Sabater, que no se puede contemplar correctamente debido a la propia escenografía de la obra. Algo que seguro que mejorará a partir de marzo cuando que el espectáculo se represente en el Teatre Borràs.

Aún así Boig per tu dispara la adrenalina y los recuerdos de una generación que vivió la eclosión del rock catalán y que siguió a los grupos que componían la movida catalana a lo largo de los noventa con canciones, entre otras, como Boig per tu, como no podría ser de otra forma, Es inutil continuar, Tu ho esperes tot de mi, Foc al cos, El tren de mitjanit, El teu estiu o Envia’m un angel. Una oportunidad para rememorar la historia musical escrita en catalán que se prorroga en la sala Barts hasta el próximo 16 de febrero.

«Boig per tu» se representa en la Sala Barts hasta el 16 de febrero de 2014.

ESPECTÁCULO PRORROGADO del 14 de marzo al 11 de mayo en el Teatre Borràs.
Escenario nuevo, nueva escenografía y nuevo diseño de iluminación

Horarios: miércoles y jueves a las 20:00 horas; viernes y sábados a las 18:00 y a las 21:30 horas y domingos a las 12:00 y a las 18:30 horas.

Más información:
https://www.grupbalana.com/teatro_cs/507/0/1/0/boig-per-tu.html

Texto: Joan Gallart, Ricard Reguant y Pep Sala
Dirección escénica: Ricard Reguant
Dirección musical: Pep Sala
Reparto: Roger Borrull, Joan Olivé, Roc Olivé, Ferran González, Pol Nubiala, Oscar Monclús, Carla Mercader, Cristina Murillo, Lidia Ibañez, Neus Pàmies, Julia Creus y Mónica Macfer
Música y canciones: Pep Sala, Joan Capdevila y Carles Sabater
Escenografía y vestuario: Ramon Ivars
Coreografías: Maite Marco
Iluminación: Luis Perdiguero
Producción: Silencio Rodamos Producciones

Duración del espectáculo: 140 minutos
Idioma: catalán
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Jorge Pisa Sánchez

Teatro

Crítica teatral: La Gran Duquessa de Gerolstein, en el Teatre Gaudí.

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TEATRE_BARCELONA_La_gran_duquesa_de_GerolsteinEl Teatre Gaudí nos sorprende este mes de enero con la programación de La Gran Duquessa de Gerolstein, una opereta antimilitarista de Jaques Offenbach adaptada por primera la vez al catalán por la compañía Bratislava en un espectáculo de pequeño formato dirigido por Víctor Álvaro e interpretado por Anna Arena, Laura Pau, Mònica Portillo y Albert Ruiz.

Tras el éxito del año pasado con el estreno de una impactante y entusiasta versión de The Wild Party de Andrew Lippa, el Gaudí apuesta este año de nuevo por el teatro musical, en este caso por la opéra bouffe u opereta cómica, con la programación de La Gran Duquessa de Gerolstein, una de las obras menos conocidas de Jaques Offenbach, el autor más representativo del género.

La opereta nos traslada a una época no del todo definida en la que la malcriada y tirana duquesa de Gerolstein está aburrida, hecho que la obliga a entretenerse declarando la guerra en el exterior y haciéndole la vida imposible a la corte y a su ejército en el interior. Durante una revista a sus tropas, la gran duquesa se enamora perdidamente del hermoso y viril soldado Fritz, al que asciende rápidamente, incluso por encima de su superior el general Bum. Los voluptuosos deseos de la duquesa, que menosprecia desde hace seis meses a su prometido oficial, el afeminado príncipe Pol, generará una conmoción en Gerolstein en la que se mezclarán el autoritario ambiente castrense, las intrigas de corte y los inesperados derroteros que tomarán los caprichos de la hastiada duquesa.

La joven compañía Bratislava nos propone un divertimento musical que adopta la forma de una crítica al militarismo sin sentido y al poder político en el que el humor está muy presente. El espectáculo, de pequeño formato, adapta la obra de Offenbach con un gusto irreverente y con muchos toques que la actualizan. La propuesta opta por una inversión de los roles sexuales por la cual el chico hace de chica (de duquesa) y las chicas hacen de chicos, lo que provee al espectáculo de un mayor grado de humor y obliga a sus intérpretes a realizar un tour de force para estar a la altura de los requerimientos de la representación, esto es, el movimiento constante de los actores y actrices sobre el escenario, la caracterización cómica de los mismos y su intrepidez a la hora de interpretar y/o cantar cada una de las canciones que componen el libreto de la obra.

DdG-9571La dirección de Víctor Álvaro es inteligente y potencia todos estos elementos, lo que se traduce en una actuación global ingeniosamente cómica que incorpora un importante grado de caracterización del teatro infantil. Un acierto acompañado por una puesta en escena sencilla y un vestuario que fomenta una visión infantiloide de la política que se cocina en palacio. Los arreglos y la interpretación musical del espectáculo están a cargo de Ferran Martínez Palou, cuyo empeño está acompañado en parte, también, por las aptitudes musicales de los intérpretes que tocan el flautín, el tamborí, el trombón o el violín, proveyendo a la obra de una sencillez musical muy acorde con la inocencia de la puesta en escena.

La obra, así pues, se configura como una opereta cómica en la que temas tan notables como el militarismo, la guerra y el poder tiránico e inmoral se tratan como un cuento musicado en el que los actores caricaturizan a sus personajes como mofa a los intereses que representan.

La interpretación de la obra es de carácter coral y múltiple. Coral porque todos los actores contribuyen en un mismo grado a dar forma a la obra y múltiple porque la mayoría de ellos dan vida a diversos personajes. De esta forma el único chico, Albert Ruiz, encarna a una encantadora gran duquesa sargentona e infantil que obliga al resto de los personajes a bailar al son de sus apetitos más íntimos; Anna Arena interpreta al soldado Fritz y al Barón Grog ofreciéndoles una apuesta presencia y un chorro de voz que destaca en diversas ocasiones por encima de la del resto de los actores; Laura Pau que da vida al afeminado y rechazado Príncep Pol y al atribulado tutor Nepomuc; y por último Mònica Portillo interpreta al enfurecido e intransigente General Bum. Todos ellos proveen a la obra de una candidez y una ingenuidad al relatar las andanzas de los personajes durante la representación que deja en el espectador un muy buen sabor de boca.

En definitiva, la compañía Bratislava se apunta una medalla con la producción y el estreno de La Gran Duquessa de Gerolstein, no solo por dejarnos gozar de una de las obras no tan conocidas de Offenbach, sino por el buen hacer a la hora de presentarnos una cautivadora trama que apela a la consciencia para explicarnos cosas muy importantes a través de la música y de la sencillez casi infantil de su puesta en escena.

«La Gran Duquessa de Gerolstein» se representa en el Teatre Gaudí del 17 de enero al 16 de marzo de 2014.

Autores: Jaques Offenbach, Henri Meilhac y Ludovic Halévy
Traducción y adaptación: Companyia Bratislava
Dirección general: Víctor Álvaro
Dirección musical: Ferran Martínez i Palou
Reparto: Anna Arena, Laura Pau, Mònica Portillo y Albert Ruiz
Coreografía: Jordi Ribot Thunnissen
Escenografía: Companyia Bratislava
Vestuario: Companyia Bratislava
Técnico luces y sonido: Sergi Coch

Horarios: de jueves a sábado a las 19:00 horas y domingos a las 20:00 horas.
Precio: 20 €
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 25 minutos
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Jorge Pisa Sánchez

Teatro

«Resistencia 36». Victoria, represión y mujeres, en la Sala Teatro El Montacargas.

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Resistencia 36.- CartelCulturalia os propone hoy una recomendación teatral para esta semana.

La compañía Todo el mundo lo hace representa los días 16, 23 y 30 de enero en la Sala Teatro El Montacargas “Resistencia 36”, una pieza de teatro breve, escrita y dirigida por Ramón Paso e interpretada por Ana Azorín, Laura García-Marín, Guillermo López-Acosta y Eva Chocrón. En ella, se habla de la terrible represión que sufrió la izquierda española, principalmente las mujeres, por parte de los golpistas durante la Guerra Civil Española. Torturas, asesinatos, violaciones, robos, injusticias… que, a día de hoy, siguen impunes.

La obra cuenta con el apoyo de varias asociaciones de Memoria Histórica y, de momento, ha tenido una muy buena acogida

“Resistencia 36” se representa los días 16, 23 y 30 de enero en la Sala Teatro El Montacargas (C/Antillón 19, 28011 Madrid), a las 20.30 y 21:30 horas.

Precio de entrada: 5€

Reserva de entradas en sala: 91 526 11 73 / elmontacargas@yahoo.es

Cine Histórico

Crítica cinematográfica: Hércules, El origen de la leyenda, de Renny Harlin.

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Hercules_posterEste 2014 se presenta, al menos en sus inicios, como una año de estrenos de películas históricas y péplums. En el horizonte de las pantallas cinematográficas se atisba la llegada de films como 300, el origen de un imperio (Noam Murro, marzo 2014), la secuela de la exitosa 300; Pompeya (Paul W.S. Anderson, abril 2014) y sin una fecha concreta aún se prevé la llegada de películas como Noé (Darren Aronofsky) con Russell Crowe dando vida al patriarca de la Biblia o Hércules (Hercules: The Thracian Wars, Brett Ratner) basada en la novela gráfica de Radical Studio del mismo título. Como avanzadilla a este menú de cine histórico el próximo 24 de enero se estrena Hércules, El origen de la leyenda, film de aventuras épicas dirigido por Renny Harlin e interpretado por Kellan Lutz, Gaia Weiss, Scott Adkins y Roxanne McKee.

«En un intento desesperado por liberar a su pueblo de la opresión de su vengativo esposo Anfitrión, la reina Alcmena dirige sus súplicas hacia los dioses. Fruto de sus plegarias nace Hércules, engendrado por Zeus, padre de los dioses. El príncipe, sin embargo, no sabe nada sobre su identidad y su destino. Él desea sólo una cosa: el amor de Hebe, la princesa de Creta, que ha sido prometida a su hermano Ificles. Cuando Hércules descubre su identidad y su auténtico destino, debe elegir: huir de él con su verdadero amor o cumplir su destino y convertirse en el verdadero héroe de su tiempo».

Millenium nos propone un péplum histórico que nos narra la historia del hombre que hay detrás de Hércules, un punto de vista muy vigente en las aproximaciones que se realizan en la actualidad a los grandes personajes de la historia y de la mítica. El film nos presenta pues la juventud del héroe pero desde una perspectiva pretendidamente más histórica, más humana, para llevarnos al momento en el que el verdadero héroe se ha de hacer a sí mismo, descubrir su destino y aceptarlo.

hercules-hp-1Para ello la película adapta «a su manera» el legado mítico y literario del personaje para construir un argumento atrayente para las audiencias jóvenes actuales, acostumbradas a los grandes filmes de acción y a los personajes que se construyen a sí mismo luchando contra todas las adversidades, un sino del mundo moderno en el que vivimos. Por eso no cabe esperar ningún o muy poco parecido entre el Hércules de la mitología griega y el Hércules que aparece en la película. Este es el primer aviso, y uno de los importantes.

Si la película contiene unos 30 minutos iniciales que se podrían considerar algo más fidedignos y correctos, que coinciden con la presentación del contexto y de los personajes principales, a partir del minuto 31 observamos como el film adopta estilos ya desarrollados por películas como Gladiator o 300. Del primero Hércules, El origen de la leyenda adopta la estructura de la trama, esto es, el arduo itinerario por el que ha de transitar el héroe: un ambiente familiar negativo; el desprecio de su padre en favor de su hermano Ificles; la caída en desgracia del héroe, y su calvario que incluye la participación en espectáculos de lucha grecorromana y gladiatoriales (algo que no existió en época griega micénica, en la que está ambientada el film, sino mucho más tarde), o la rivalidad y lucha con su propio hermano.

Por lo que respecta a 300 el film adapta su estilo a la hora de mostrarnos el ambiente antiguo y las batallas, dándonos además una visión fantasiosa de la historia. Un estilo «marca 300» que en la actualidad parece que se impone en la mayoría de las películas y series ambientadas en la antigüedad como ya pudimos ver en Espartaco, o en los films Furia de titanes (Louis Leterrier, 2010) o Immortals (Tarsem Singh, 2011).

El film intenta, además, darle a Hércules un barniz de héroe salvador, defensor de los pobres y de los desahuciados (algo que nos puede hacer recordar al personaje de Robin Hood) que en ningún caso poseyó en la literatura mítica griega. De nuevo el cine se olvida de que los héroes y los dioses de la antigüedad, sobre todo estos últimos, «pasaban» bastante de la existencia de los humanos y se convertían, las más de las veces, en fuente de disgustos y de preocupaciones para ellos. Aún así el argumento nos muestra una versión más moderna y actualizada mostrándonos a Hércules como un rebelde contra la tiranía ejercida por su padre Anfitrión y su hermano Ificles.

Por lo que se refiere al guión la película no muestra un trabajo demasiado original por lo que se convierte en una propuesta que no aporta nada nuevo al género. La historia es correcta pero muy predecible, y se centra en la visión del hombre que hay detrás del héroe, saltándose para ello cualquier convencionalismo que existiera previamente. Aún así, y si aceptamos este hecho, se puede considerar una película para pasar el rato.

Hércules, El origen de la leyenda está dirigida por Renny Harlin, un director con una larga trayectoria con altibajos que incluye en su hacer películas y éxitos como Máximo riesgo (1993); La isla de las cabezas cortadas (1995), Memoria letal (1996), Deep Blue Sea (1999), e incluso una entrega de la serie Pesadilla en Elm Street (Pesadilla en Elm Street 4, 1988). Harlin posee, además, algo de experiencia en el ámbito del cine para jóvenes ya que dirigió la película La alianza del mal (2006), cinta que se adelantaba a la moda de los filmes tipo Crepúsculo o las series como Crónicas vampíricas o True Blood.

gal4056_8Los protagonistas principales de la historia son Kellan Lutz que interpreta a Hércules, actor que ya participó en films como Immortals o en la misma saga Crepúsculo y que lleva a cabo una interpretación poco más que correcta y basada en su corporalidad física; Gaia Weiss, que da vida a la bella y valiente princesa Hebe de Creta; Scott Adkins, especialista en cine de acción, en interpretar a «malos malosos» y que nos provee aquí, seguramente, con su encarnación del rey Anfitrión, de la interpretación de más carácter del film; Roxanne McKee que da vida a Alcmena, la madre de Hércules; Liam Garrigan que interpreta a un Ificles que adopta en gran medida los rasgos del Cómodo de Gladiator; Liam McIntyre y Rade Serbedzija.

La película tiene un objetivo muy preciso, y es el de ofrecer una visión 2.0 a los públicos del siglo XXI de una historia, la protagonizada por Hércules, escrita hace más de 2.500 años. El film avanza a través de la acción, la lucha de gladiadores (tanto en una especie de anfiteatro con un diseño de la arena bastante peculiar y ficticio, como, y esto no puedo evitar decirlo, en un teatro, edificio que no existió como tal hasta pasados al menos 700 años); un truncado romance entre dos jóvenes y la tiranía ejercida por el malvado rey de turno, convirtiéndose en una propuesta que no acaba de destacar por encima de otras producciones al estilo.

Aún así, seguramente, la película agradará a aquellos que no esperen ningún tipo de rigor histórico, que buscan espectacularidad en la ambientación (que la tiene y mucha, aunque sea a-histórica) y una trama donde predomine la acción y las batallas a espada, con escenas, claro está, rodadas en 3D, entre las que destacan aquella en la que el héroe lucha armado con dos enormes cadenas con las que estaba sujeto y la batalla final en la que Hércules ataca con su espada magnificada por los rayos enviados por su padre Zeus.

Con la intención de ir acabando daré aquí un par de datos más. El film se ha rodado con un presupuesto de unos 70 millones de dólares. Hasta ahora lleva recaudados 12.675.651 dólares (obteniendo 8.868.318 dólares durante el fin de semana de su estreno), unas cifras que no le auguran una buena recaudación en su exhibición en las pantallas del mundo. Y peor aún, la crítica no ha sido muy positiva con la película, recibiendo en el sitio web Rotten Tomatoes, un referente internacional al respecto, un triste 3% de valoración crítica.

Solo me queda decir que Hércules, El origen de la leyenda es un film para pasar el rato, sin otra pretensión que ver un film «histórico» tal y como se hacen hoy en día y disfrutar de sus ambientaciones, algunas de ellas, como la que nos muestra la que podría ser la ciudad de Micenas con su espectacular Puerta de los leones, muy bellas y otras de carácter oscuro y sombrío, que le dan al film ese toque inequívocamente «300«.

Título: Hércules: el origen de la leyenda
Título Original: The Legend of Hercules
Director: Renny Harlin
Guión: Daniel Giat, Renny Harlin, Sean Hood, Giulio Steve
Reparto: Kellan Lutz, Gaia Weiss, Scott Adkins, Roxanne McKee, Liam Garrigan, Liam McIntyre, Rade Serbedzija, Johnathon Schaech, Luke Newberry, Jukka Hilden, Kenneth Cranham, Mariah Gale, Sarai Givaty, Spencer Wilding, Bashar Rahal
Música: Tuomas Kantelinen
Fotografía: Sam McCurdy
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Fecha de Estreno: 24 de Enero de 2014
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Jorge Pisa Sánchez

Novela histórica

Crítica literaria: El Mármara en llamas, de Blas Malo, Ediciones B.

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9788466650267No acostumbran los autores de novela histórica española a ambientar sus obras en ámbitos muy alejados a aquellos en los que habitan ellos mismos. Por eso la publicación de novelas como La prisionera de Roma de José Luis Corral o La boca del Nilo de León Arsenal representan un grado de variedad que agradecen todos aquellos que disfrutan de la ficción literaria ubicada en el pasado.

Este es el caso también de El Mármara en llamas de Blas Malo, novela publicada por Ediciones B ambientada en el Mediterráneo Oriental durante el asedio que sufrió la ciudad de Constantinopla en los años 717 y 718 a manos de los ejércitos musulmanes y que permite al lector realizar un recorrido de descubrimiento a través del conocimiento antiguo perdido.

Blas Malo es un autor con experiencia en el género. En el año 2010 publicó El esclavo de la Al-Hamrá. El Mármara en llamas es su segunda novela, a la que ha seguido en 2013 El señor de Castilla, todas ellas publicadas en ediciones B.

Aunque la trama de la novela comienza en la ciudad siria de Heliópolis en el año 673 d.C., la acción empieza realmente poco antes de que las tropas omeyas inicien el asedio de la capital bizantina. Allí León III el Isaúrico ha obtenido el poder tras un periodo de inestabilidad política, como el último recurso imperial para frenar el avance musulmán sobre suelo cristiano. Para ello los bizantinos cuentan, además de con sus ejércitos, con una ciudad fuertemente amurallada y con el uso del fuego griego, una arma incendiaria capaz de prender en llamas incluso en contacto con el agua, lo que provee a los cristianos de una amplia ventaja sobre todo en el mar.

Blas Malo
Blas Malo

Calínico, el inventor de esta substancia, cree descubrir a través de la lectura de un palimpsesto, que parte del conocimiento técnico y arcano que desarrollaron los sabios antiguos se ha podido salvar de la destrucción sufrida por siglos de dominación y fanatismo cristiano y es posible que esté oculto en algún lugar de Egipto. Para apoderarse de esa fuente de saber y evitar al mismo tiempo que lo hagan los musulmanes, las autoridades bizantinas envían a tierras egipcias a Casiodoro y a Irene, dos jóvenes estudiosos que intentarán hacerse con un conocimiento que puede salvar al mismo imperio bizantino de caer en manos musulmanas.

La obra de Malo contiene, así, elementos propios de la novela histórica y componentes típicos de los relatos de aventuras o de misterio histórico. Por lo que se refiere a la novela histórica el escenario no podía ser mejor. Asistimos a uno de los más feroces ataques a los que tuvo que hacer frente la capital bizantina, en un momento en el que parecía que todo estuviera en su contra: una situación política interna inestable marcada por reinados cortos y emperadores débiles y un avance musulmán imparable.

A través de las páginas escritas por Malo seremos testigos de las conspiraciones que llevaron a León III el Isaúrico al trono bizantino y presenciaremos el titánico esfuerzo bélico que realizó el imperio ante la amenaza árabe. A este respecto, y como elemento que diferencia a la novela, podemos destacar la presencia del fuego griego, una “arma química inflamable” de capital importancia militar para los bizantinos, y que ayudó sin duda a la ciudad a defenderse en los diversos asedios de los que fue víctima. Un elemento sobre el que, aunque no es demasiado conocido, gira de alguna forma la acción de la novela.

Por otro lado, y como segundo pilar argumental, la novela nos relata la búsqueda de conocimiento que protagonizan los dos jóvenes enviados a Egipto. Esta parte adopta tonos de intriga y misterio al relatarnos las aventuras que correrá el grupo de “espías” bizantinos en territorio enemigo con el objetivo de hacerse con aquellos grandes logros científicos y filosóficos que alcanzaron los antiguos, ya sea el uso rudimentario del vapor por parte de Herón de Alejandría, la construcción del misterioso mecanismo de Anticitera o los textos escritos por Hermes Trismegisto, todo un bagaje de esfuerzo y conocimiento humano el cual se perdió casi irremisiblemente en el paso de la Antigüedad a la Época Medieval.

Uso del fuego griego, según un manuscrito bizantino.
Uso del fuego griego, según un manuscrito bizantino.

Malo nos muestra en su novela un dominio de los hechos políticos que acontecieron en aquel entonces, necesarios, claro está, para ambientar su trama, pero sobre todo nos revela su admiración por los logros del pasado antiguo, los cuales aletean a lo largo de la trama con aires de reliquias sagradas. Y sorprende agradablemente ver trazado ya en el siglo VIII el espíritu en gran parte renacentista que muestran algunos de los protagonistas, que sin duda debió de existir al menos en algunos momentos y en algunos círculos sociales e intelectuales de aquella época.

En su narración el autor maneja un estilo sencillo y entretenido ya sea en su relato de la contienda bélica entre bizantinos y musulmanes y las maniobras que emplean unos y otros durante el asedio, como cuando nos narra la que se irá convirtiendo en una historia de amor que nacerá entre los dos jóvenes encargados de hallar el tesoro de conocimiento arcano en Egipto.

Una historia recomendable, pues, tanto para aquellos a los que les gusten las novelas que narran grandes acontecimientos históricos o bélicos, como a los que les agrade más la intriga y el misterio de carácter histórico, a lo que se suma una pizquita de fantasía que provee a la trama de personalidad propia. Todo ello ayudado por mapas de situación muy cuidados ubicados en sus guardas anterior y posterior; por un glosario de términos que ayudan al lector a no perderse en el desarrollo de la trama y por una breve bibliografía que si bien es de agradecer peca de poco completa y actualizada.

Título: El Mármara en llamas
Autor: Blas Malo
Editorial: Ediciones B
Nº de páginas: 528 págs.
Fecha publicación: marzo 2012
ISBN: 9788466650267
Precio:
Tapa dura / 15 x 23 cm: 21 €
Tapa blanda bolsillo: 10 €
Comprar en Amazon: El mármara en llamas
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Jorge Pisa Sánchez

Cine de terror

Crítica cinematográfica: Paranormal Activity: Los Señalados, de Christopher Landon

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pos4074_1El cine comercial que se estrena en las salas de todo el mundo está cada vez más dominado por las producciones norteamericanas. De ellas la mayoría son secuelas, precuelas, remakes, reboots o spin-offs de films de éxito, algo que se centuplica en los casos de los géneros de ciencia-ficción, fantasía o terror donde el continuo estreno de este tipo de “productos franquicia” se impone normalmente al estreno de películas con argumentos originales, un hecho que sin duda va ligado al intento de caminar sobre seguro en el complicado e incierto mundo de la producción cinematográfica.

Un ejemplo de ello nos los muestra la franquicia Paranormal Activity, la cual desde el estreno de la primera entrega en el año 2007, ha conseguido generar tres secuelas oficiales más, al menos dos extraoficiales (una italiana y otra japonesa) y de la que se prevén, al menos, dos continuaciones más. Ahora sin embargo, le llega el momento al primer spin-off de la franquicia con Paranormal Activity: Los Señalados, un intento de rentabilizar y estirar un poco más la idea del mockumentary terrorífico que tan buenos resultados a dado a Paramount. La nueva entrega intenta, además, proveer de un poco más de variedad a la saga, dirigiéndose claramente al mercado latino y cambiando de ambiente, si bien el contexto en el que se mueve la trama es propiamente el de la franquicia.

PATMO_SG_002«Cuando Jesse (Andrew Jacobs) y sus amigos se disponen a comenzar sus vacaciones de verano, el barrio latino donde viven es sorprendido por el asesinato de una vecina conocida por su mal genio y hermetismo. Jesse y Héctor (Jorge Diaz) deciden visitar la casa de la difunta donde tienen una experiencia escalofriante relacionada con la magia negra. A partir de ese momento Jesse habrá sido señalado por una entidad demoníaca y con ayuda de su familia y amigos tendrá que luchar para evitar su posesión a través de aterradoras sesiones espiritistas y conjuros de santería».

La nueva apuesta de la franquicia se ha dejado en manos de Christopher Landon, guionista y director que conoce bien el producto ya que firmó los guiones de la tercera y la cuarta entrega de la serie y es además responsable del film Burning Palms (2010). La película mantiene el estilo de la franquicia de ser rodado videocámara en mano. La excusa para ello es la cámara que adquiere uno de sus protagonistas y que sirve de encuadre conductor de la trama que en esta ocasión se ha decidido ambientar en el barrio latino de la ciudad californiana de Oxnard.

La voluntad del film, como del resto de la saga, es proveer al público del componente de realidad y de proximidad necesario para meter al espectador en la trama. Aunque si bien en este caso la propuesta puede llegar a impactar en alguna escena, por lo realista y efectista de la misma, no acaba de atrapar al espectador, acostumbrado ya a films del estilo y debido, en parte también, a la lejanía del contexto social en el que está ambientada.

753cb43739c044cf5748dbbc7f9f9fdeLa película está rodada en tonalidades oscuras y/o nocturnas, las necesarias para hacernos sentir el proceso de posesión que sufre el personaje principal. La acción pasa, de esta forma, de un componente testivo y juvenil al principio a unos trazos cada vez más oscuros y satánicos en su tramo final. Todo ello acompañado, claro está, de toda una serie de sustos, unos mejor hallados que otros, que van impresionando cada vez más los sentidos de los espectadores y que nos adentran en el contexto paranormal típico de la franquicia, esto es, fenómenos y ruidos extraños, rituales de magia negra y posesiones que nos conducen a una larga escena final que, y esto si que es un mérito del film, puede llegar a congelar la sangre ya de por sí fría de los fans de la saga y que enlaza, en parte, con lo acontecido en otras entregas.

El casting posee un marcado componente hispano en el cual no destaca ninguna interpretación más que otra ya que el objetivo de la franquicia es darle al film un toque de realidad no adulterada. Si bien la elección «de mercado» convierte la propuesta en algo bastante exótico a las audiencias españolas a lo que se suma su voluntad de no ser aclarativa en relación a lo que está pasando, por lo que el resultado final es el de haber visto una entrega más de la saga y el de haber pasado un mal rato debido a la suma del miedo, la turbación y los sobresaltos que el film contiene.

Por otra parte la filmación, cámara en mano, no atropella al espectador por lo que podemos considerarla como bien realizada y bien integrada en la trama. Así, pues, estamos ante un spin-off de la franquicia Paranormal Activity (no sé con qué posible grado de éxito?) que mantiene al espectador devoto de este tipo de películas enganchado sin acabar nunca de saber por qué pasa lo que pasa, hecho este que lo mantiene descolocado y más receptivo a los efectos generados por la trama.

Un film que, y como aclaración final, se asemeja mucho a lo que podemos ver en una sesión cualquiera de youtube, es decir, videos con un alto (aunque a veces falso) grado de realidad y por ello más cercanos al punto de vista del espectador (sobre todo los más jóvenes). Un producto, pues, fabricado para los fans de la franquicia Paranormal Activity y para los gustosos de los films de estilo mockumentary de terror sin grandes pretensiones. Abstenerse si un caso todos aquellos a los que no les interese el menú.

Título: Paranormal Activity: Los Señalados
Título original: Paranormal Activity: The Marked Ones
Nacionalidad: USA
Director: Christopher Landon
Guión: Christopher Landon
Reparto: Andrew Jacobs, Jorge Diaz, Richard Cabral, Eddie J. Fernández, Kimberly Ables Jindra, Tonja Kahlens
Fecha de Estreno: 1 de enero de 2014
Género: Terror, mockumentary
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Jorge Pisa Sánchez