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Crítica teatro: Forever Van Gogh, en el Teatre Apolo

Los espectáculos inmersivo son una realidad creciente en nuestras sociedades digitalizadas. Cada año se estrenan diversas exposiciones digitales que recorren la vida de un artista famoso, su arte o un período histórico en concreto, reconstruyendo fácilmente para el visitante o espectador ambientes u obras artísticas. Y es de la suma de la Inteligencia Artificial, la perspectiva inmersiva y el biopic de la que se nutre Forever Van Gogh, el espectáculo producido por Beon. Entertainment, dirigido por Ignasi Vidal y delineado musicalmente por el violinista Ara Malikian, que repasa la vida y la obra de Vincent Van Gogh.

«Forever Van Gogh es un espectáculo teatral sobre la vida del reconocido pintor Vincent van Gogh que utiliza la Inteligencia Artificial para el desarrollo de los espacios virtuales. Durante la obra se hace un recorrido por la trayectoria del artista y por los aspectos más íntimos que le llevaron a albergar una singular visión del arte. Un espectáculo para descubrir los diferentes momentos de su vida, a través de sus distintas etapas creativas, y conocer a la persona que hay detrás del genio».

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La propuesta de Beon. Entertainment se aposenta en la energía pictórica de la obra de Van Gogh, que como os podéis imaginar es muy potente. La biografía escénica que se centra en los últimos diez años de la vida del pintor y se basa en la correspondencia que se escribieron los hermanos Teo y Vincent Van Gogh, juega y se recrea en la vivacidad de los colores y la maestría en el uso del pincel del artista postimpresionista para mostrarnos un escenario digital en el que sus cuadros toman vida. La propuesta se concreta con un joven reparto que da vida competentemente a los personajes de la obra y entre los que destacan, como no podría ser de otra forma, Cisco Lara, que da vida al genial pintor neerlandés y Felipe Insola, que interpreta a su hermano. A todo ello se suma la danza, que juega un papel importante también en la representación y que, posiblemente, sea el elemento que más ralentiza el espectáculo. No confundir, por otra parte con un espectáculo músical, ya que aunque con música y danza, Forever Van Gogh no lo es.

A lo ya comentado hemos de sumar, por supuesto, el violín de Ara Malikian, que junto con los efectos digitales, es el elemento que provee a la obra de un carácter propio y acompaña al devenir del protagonista a lo largo de la representación y le da sentido emocionalmente.

Forever Van Gogh es un espectáculo eminentemente visual envuelto en las notas de violín de Malikian, al que le sobra algo de su perfil biográfico y le falta capacidad de conectar con el espectador, pero que muestra la potencialidad de lo digital en el teatro y el ímpetu de la IA en los escenarios, que, seguramente, irá siendo cada vez más habitual de ahora en adelante.

Tras su estancia en el Teatre Apolo de Barcelona Forever Van Gogh estará en gira por del 6 al 8 de diciembre en Pontevedra y del 18 al 29 de diciembre en Sevilla

«Forever Van Gogh» se representa en el Teatre Apolo del 3 al 20 de octubre de 2024.

Dirección: Ignasi Vidal
Autoría: Ignasi Vidal
Reparto: Tomy Álvarez, Paco Morales, Vicky Condomí, Alcorta Tamar, Vela Noelia Venza, Inés Valderas, Andoni Larrabeti, Joaquin Fernández, Mario Glez, Víctor Ramos, Cisco Lara, Felipe Ansola
Escenografía: Alessio Meloni
Vestuario: Pier Paolo Álvaro
Coreografía: Chevi Muraday
Música original: Ara Malikian
Producción:
Beon. Entertainment

Precio: a partir de 18€
Horarios: Web teatre Teatre Apolo
Idioma: español
Duración: 105 minutos
NOTA CULTURALIA: 6,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: La comedia de los errores, en el teatro La Latina (Madrid)

Comienza la nueva temporada teatral y con ella la llegada de títulos destacados a la cartelera de Madrid. Uno de ellos es La comedia de los errores de Andrés Lima, un espectáculo teatral en el que la comedia y los errores están muy pero que muy presentes en el Teatro de la Latina.

«Antífolo y Dromio de Siracusa, amo y criado, llegan a Éfeso buscando a sus respectivos hermanos gemelos. El padre de todos ellos también llega a Éfeso, siendo detenido por extranjero sin papeles nada más pisar puerto, y es condenado a muerte. Sólo encontrando a sus hijos podrá salvarse.
Antífolo y Dromio de Éfeso viven en la ciudad siendo confundidos con sus hermanos siracusanos. Luciana y Adriana, pareja de estos últimos son las primeras en confundir a sus maridos con sus hermanos. A partir de aquí errores con antiguos deudores, joyas en manos equivocadas, deudas no saldadas, irán endemoniando a nuestros personajes hasta el punto de necesitar a un exorcista. Entonces es cuando el desastre se convierte en una fiesta».

Esta versión de La comedia de los errores es muy diferentes, seguro, a las anteriores, ya que la voluntad del equipo artístico no ha sido otra que «romper», en el buen sentido de la palabra, una historia ideada por William Shakespeare y basada en el Menaechmi, de Plauto, para darle un toque de sorna y de «siglo XXI» que le van muy bien.

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Olvidaos de un relato en el que la trama se desarrolla para ser recibida de una forma usual por el público presente. Lima, Boronat y el reparto de la obra se dedican a jugar con el texto y con los recursos teatrales para adaptar una trama que por otra parte podría resultar excéntrica, e incluso absurda en algunos momentos, para un público actual. Así pues, los continuos errores provocados por los personajes-actores irán incrementando la hilaridad del argumento; la falta de intérpretes en algunas escenas (seis actores para más de una veintena de personajes) creará situaciones hilarantes e incluso el desgarro (continuo) de la cuarta pared hará que una obra clásica se convierta en un espectáculo cómico mucho más cercano.

Es así que Lima y Boronat consiguen darle a un clásico un toque más cercano al teatro del absurdo de lo que el mismo Shakespeare o el bueno de Plauto podrían haber imaginado nunca. Sobre el escenario se irá intensificando una alboroto cómico que lo arrollará todo, multiplicado por una interacción con el público impropia (en el buen sentido de la palabra) de una propuesta de este tipo.

He de reconocer que inicialmente me turbó el tono que iba adoptando la obra, ya que esperaba algo más «clásico» en el desarrollo, no por otra la obra se estrenó el año pasado en el Festival de Teatro Clásico de Mérida. Pero una vez que uno se mete en la cocción de la obra, os puedo asegurar que la sonrisa primero y las carcajadas después están aseguradas.

En ello no es ajeno el grupo de actores protagonista, Pepón Nieto, Santiago Molero, Fernando Soto, Rulo Pardo, Avelino Piedad y Esteban Garrido. Cada uno de ellos interpreta a diversos personajes, lo que acentúa, como podréis imaginar, los errores en la representación y componen un ejercicio de humor sorprendente.

De ahí que La comedia de los errores sea una propuesta ideal para comenzar la temporada escénica con humor y con buen pie, rememorando a los clásicos y divirtiéndoos con las chanzas, los errores y las vicisitudes de dos parejas de gemelos y unos padres a los que la vida les ha deparado una existencia repleta de absurdos y confusiones.

La comedia de los errores se representará en el teatro Goya de Barcelona del 22 de octubre al 3 de noviembre de 2024

«La comedia de los errores» se representa en el teatro La Latina de Madrid del 27 de agosto al 22 de septiembre de 2024.

Dirección: Andrés Lima
Versión: Albert Boronat
Reparto: Pepón Nieto, Fernando Soto, Rulo Pardo, Santiago Molero, Avelino Piedad, Esteban Garrido
Diseño escenografía: Beatriz San Juan
Diseño vestuario: Paola Torres
Diseño iluminación: Pedro Yagüe
Espacio sonoro: Sergio Sánchez Bou
Producción: Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Pentación y Mixtolobo

Horarios: De martes a viernes a las 20:00 horas; sábados y domingos a las 19:00 horas
Precio: A partir de 18€
Duración: 110 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Estreno Teatro: Piaf! The Show, en el Teatre Tívoli

Del 13 al 16 de junio, en cuatro únicas funciones, el éxito internacional PIAF! THE SHOW se representará en el Teatre Tívoli de Barcelona tras recorrer más de 50 países sumando un millón de espectadores.

Concebido y dirigido por Gil Marsalla, y protagonizado por la aclamada actriz y cantante Nathalie Lermitte, PIAF! THE SHOW es considerado unánimemente por la familia y amigos de Edith Piaf como «el más bello homenaje jamás producido sobre la carrera de la cantante».

En dos actos de 45 minutos, PIAF! THE SHOW cuenta la historia de la pobreza a la riqueza de la carrera de Edith Piaf a través de sus inolvidables canciones, interpretadas en directo junto a una banda de cuatro músicos (piano, contrabajo, acordeón y percusión), con una puesta en escena original que cuenta con proyecciones de imágenes inéditas de la célebre cantante francesa.

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Estrenado hace 15 años, PIAF! THE SHOW ha conseguido una repercusión sin precedentes, siendo actualmente el espectáculo francés con mayor éxito internacional. En 2017, llegó su consagración definitiva, agotando entradas en el Carnegie Hall de Nueva York y en el Olympia de París. El año pasado, para conmemorar el 60 aniversario de la desaparición de Edith Piaf, puso en marcha la tercera gira mundial con más de 120 fechas, incluyendo teatros y auditorios de Estados Unidos, Latinoamérica, Europa y Australia.

La estrella internacional Nathalie Lermitte como Edith Piaf

PIAF! THE SHOW está protagonizado por Nathalie Lermitte, intérprete francesa considerada “la legítima heredera musical de Edith Piaf”.
El año 1989 marcó los primeros pasos de Lermitte en el teatro musical. Encarnó el papel de Cristal en Starmania, que interpretó durante tres años en el Théâtre Marigny de París, continuando con una gira nacional que finalizó en Moscú y San Petersburgo. Lermitte pasó los años siguientes desempeñando una sucesión de papeles en musicales donde a menudo se la veía interpretando el papel de Edith Piaf, aunque también actuó en títulos de éxito como Peter Pan, Les Aventures d’Oliver Twist, Merlin o Shrek The Musical.

De 2009 a 2012, Lermitte fue columnista musical en la popular serie de televisión francesa Chabada. En 2015 interpretó el papel de la Reina en la obra nominada al premio Molière La Petite Fille Aux Allumettes (The Little Match Girl), dirigida por David Rozen. Desde 2018, Nathalie Lermitte forma parte de la gira mundial de PIAF! THE SHOW.

«PIAF! THE SHOW» se representa en el Teatro Tívoli del 13 al 16 de julio de 2024

Cantante: Nathalie Lermitte
Piano: Philippe Villa
Percusión: Benoit Pierron
Acordeón: Frederic Viale
Contrabajo: Giliard Lopes
Producción y Dirección: Gil Marsalla
Escenografía: Thomas Richeux

Horarios: de jueves a sábado a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: a partir de 25,00€
Duración: 105 minutos

Venta de entradas: Web Balanyá en viu

Crítica teatro: Pols de diamant, en la Sala Versus Glories

La Sala Versus Glòries lleva al escenario Pols de diamant, una obra que analiza la sobreexposición ante los medios de comunicación y las redes sociales basada en un incidente real vinculado a un episodio de lgtbifobia.

«Cuando Dani denuncia haber sido víctima de una brutal agresión LGTBIfóbica, su historia se vuelve viral a nivel nacional. Las redes hierven, ocupa portadas de diario y tertulias televisivas, e incluso hace que los máximos dirigentes políticos se manifiesten. Sin embargo, hay algo de su testimonio que parece no convencer a los investigadores del caso y, sobre todo, a la opinión pública. ¿Se lo ha inventado todo? Y de ser así, ¿qué le ha llevado a hacerlo? ¿Puede una presunta denuncia falsa desacreditar el sufrimiento de todo un colectivo? Estigma y linchamiento mediático van de la mano en esta pieza basada en un caso real».

Como veis la temática es actual e interesante a partes iguales. Todos y todas recordamos el caso de la falsa denuncia de agresión homófoba acaecida en el madrileño barrio de Malasaña, que conmocionó al país por su violencia, por haberse producido en el ámbito público y por la revelación posterior de que los actos denunciados eran falsos. Pols de diamant analiza el caso, el hecho real, desde el punto de vista de Dani, el presunto agredido y nos intenta mostrar a la persona detrás del fenómeno sociológico que acabó siendo un producto más de consumo viralizado.

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La autoría de la obra, en manos de Pau Coya, y la dirección, en manos de Nelson Valente, llevan a cabo una propuesta de pequeño formato que nos introduce de pleno en un drama muy actual: la exposición a los medios a la que vivimos sometidos, en el buen y en el mal sentido y la afectación personal que ello puede provocar. Ambos tejen una trama incisiva en la que veremos la evolución de los hechos, siempre desde el punto de vista del afectado y con escenas que cambian rápidamente de contexto, un tour de force de 75 minutos en los que Dafnis Balduz i Albert Salazar se dejan la piel. El primero interpretando a una larga serie de personajes relacionados con los acontecimientos narrados y el segundo dando vida al protagonista principal de los hechos, que destaca a la hora de mostrarnos las contradicciones inherentes a una persona superada progresivamente por la situación a la que se ve abocado.

La acción se desarrolla en un espacio vacío, o casi vacío, que resalta la gravedad de los hechos narrados y su afectación en los personajes y que, seguro, nos darán que pensar: el papel de la prensa y de las redes sociales; el progresivo acorralamiento de Dani a la hora de intentar evitar las fatales consecuencias de una falsa denuncia; la situación de amenaza que vive en nuestra sociedad el colectivo LGTBI o incluso la vulnerabilidad a la hora de denunciar una violación, hecho este que afecta desafortunadamente a muchas mujeres que sufren una agresión sexual.

De ahí que la Sala Versus Glòries haya dado en el clavo a la hora de programar esta obra que dispara con un calibre grande y bien dirigido contra la situación de vulnerabilidad que viven algunos colectivos sociales, especialmente el colectivo LGTBI afectado por el aumento de los delitos contra la libertad sexual a la vez que expuestos a los medios de comunicación y las redes sociales de una forma muchas veces inhumana.

«Pols de diamant» se representa en la Sala Versus Glòries del 18 de octubre al 12 de noviembre de 2023.

Autoría: Pau Coya
Dirección: Nelson Valente
Reparto: Dafnis Balduz, Albert Salazar
Diseño de luces: Daniel Gener
Espacio sonoro: Roger Blasco
Escenografía y vestuario: Paula Font
Producción: Apunta Teatre
Espectáculo recomendado a partir de 16 años

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábado a las 17:30 y  las 20:00 horas y domingo a las 18:00 horas
Precio: 18 €
Duración: 80 min
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Las guerras de nuestros antepasados, en el teatre Goya

Los clásicos son siempre los clásicos. Y los grandes actores son grandes. Algo que podemos constatar con Las guerras de nuestros antepasados, la adaptación al teatro de la obra de Miguel Delibes llevada a cabo por Eduardo Galán, dirigida por Claudio Tolcachir e interpretada por Carmelo Gómez y Miguel Hermoso.

«Las guerras de nuestros antepasados nos presenta al recluso Pacífico Pérez, condenado por homicidio, desvelando al médico de la prisión su vida y sus sentimientos. A lo largo del relato de este joven pueblerino, de insobornable candor y de una casi enfermiza sensibilidad, el espectador va tomando conciencia de un país, de una historia y de una sociedad que forma parte de nuestro pasado».

La temporada del Goya comienza este año con un nivel muy alto, con la adaptación de una de las obras de Delibes, autor de fino e intenso saber literario que en Las guerras de nuestros antepasados reflexiona sobre la guerra, la libertad y la vida de la España de su época, esto es, los años 70.

Las entrevistas del psiquiatra de prisión (Miguel Hermoso) a Pacífico (Carmelo Gómez), permiten al espectador descubrí una España del pasado, un país no del todo olvidado en el que el mundo rural, la familia y la violencia estaban mucho más presentes en la vida de todos de lo que nos puede parecer ahora.

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Todo se desarrolla sobre un escenario casi inexistente en el que el psiquiatra intentará a lo largo de diversas sesiones, descubrir las causas que han llevado a Pacífico a matar a dos personas. A través de las preguntas de uno y las respuestas del otro, iremos conociendo la vida de Pacífico, desde sus orígenes rurales, sus vínculos familiares y el contexto de vida de la España de aquella época, que se despertaba lenta y extrañamente del largo y soporífero periodo franquista. En este cuadro no faltarán continuas referencias a las guerras que Bisa, Abu y el padre de Pacífico han luchado, y que dan título a la obra, esto es, las guerras carlistas, las guerras de África y la Guerra Civil.

La propuesta no puede considerarse menos que excelente. La dirección de Claudio Tolcachir y la adaptación de Eduardo Galán consiguen trasladar al escenario la intensidad y la crudeza del texto de Delibes con una gran sensibilidad escénica. Pero si alguien destaca en esta ocasión es Carmelo Gómez. No os engaño si os digo que Gómez lleva a cabo una interpretación magnífica, de esas de premio, en la que el actor se mimetiza con el personaje que interpreta de tal forma que es difícil diferenciar entre uno y otro. El actor, que participó en la adaptación de la novela, demuestra un talento a la hora de encarnar a Pacífico que está fuera del alcance de la mayoría. Una gozada recorrer la historia de España a través de sus trágicas guerras y descubrir la vida rural de un país que fracasó a lo largo de los siglos XIX y XX a la hora de crear un estado políticamente viable, condenando a los españoles y las españolas a una historia triste y trágica.

Las guerras de nuestros antepasados es un deleite escénico de aquellos que no se ven tan a menudo, y nos recuerdan que el trabajo bien hecho, excelso diría yo, tanto el del autor Delibes como el de todos aquellos que participan en la adaptación teatral, no pueden llevar a nada más que al éxito. Solo me queda felicitar al teatro Goya por el acierto en la programación de la obra y a Carmelo Gómez por permitirnos conocer o hacernos recordar de nuevo, la grandeza de la literatura española, y sobre todo, la grandeza de la obra de Delibes.

«Las guerras de nuestros antepasados» se representa en el Teatre Goya del 6 de septiembre al 15 de octubre de 2023.

Autoría: Miguel Delibes
Adaptación teatral: Eduardo Galán
Dirección: Claudio Tolcachir
Intérpretes: Carmelo Gómez, Miguel Hermoso
Escenografía: Monica Boromello
Vestuario: Yaiza Pinillos
Iluminación: Juan Gómez Cornejo
Espacio sonoro: Manu Solís
Producción: Pentación Espectáculos y Secuencia 3

Horarios: de martes a sábado a las 20:00 horas y domingos a las 18:30 horas
Precio: a partir de 20€
Duración: 85 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Eurípides no me Sófocles que te Esquilo, teatro Arlequín Gran Vía (Madrid)


Si el teatro tiene una historia, esta se puede contar. Y esto es lo que hacen los miembros de Timaginas Teatro con Eurípides no me Sófocles que te Esquilo, una comedia locuaz que nos traslada al origen del teatro en la Grecia antigua.

Eurípides no me Sófocles que te Esquilo, es una divertidísima parodia sobre el origen del teatro protagonizada por tres actores que, interpretando al coro clásico de las primeras tragedias, cuentan en clave de humor los inicios de las artes escénicas en la Antigüedad Clásica con anacronismos disparatados. Estos tres personajes, llamados Alfa, Beta y Gamma, dan su particular visión de las grandes tragedias de Esquilo, Sófocles y Eurípides, tales como La Orestíada, Ifigenia o Edipo Rey«.

El espectáculo que se representa en el Teatro Arlequín Gran Vía hasta el próximo 18 de octubre, lleva a cabo un repaso de los orígenes del teatro en la Grecia antigua, pero con un toque de humor guasón que permite al público conocer una faceta del arte escénico muchas veces olvidada o desconocida, y esta no es otra que su evolución des de un ritual religioso vinculado con el culto a Dioniso a un espectáculo público muy celebrado por los antiguos griegos en el que tenía cabida el drama, la tragedia e incluso la comedia.

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Esta es la gran baza del espectáculo, que consigue explicar al público de forma sugestivamente humorística los orígenes del teatro, cosa que hace que todo fluya de una forma más fácil y asequible.

Los artífices de todo ello son 2 actores y una actriz, que adoptan los nombres Alfa, Beta y Gamma, o lo que es lo mismo, María Rodríguez, Armando Jerez, Andreas Trujillo y Cristian Beltrán, que encarna al percusionista mudo que acompaña a la función.

Al espectáculo, sin embargo, le falta a veces ritmo y a veces, también, redondear algunas de las escenas, que en algunos casos se llegan a hacer algo largas.

Aún así, vale la pena ir a ver Eurípides no me Sófocles que te Esquilo para poder contemplar el teatro desde otra perspectiva, y para poder reírnos de algunos grandes lugares comunes del teatro desde un punto de vista actual y por ello anacrónico, hecho este que provee a la obra de una esencia propia.

«Eurípides no me Sofocles que te Esquilo», se representa en el Teatro Arlequín Gran Vía de Madrid del 13 de septiembre al 18 de octubre de 2023.

Escenografía: María del Carmen Rodríguez Ortega
Iluminación: Aarón S. Ramos
Sonido: Jesús González Ortega
Vestuario: María del Carmen Rodríguez Ortega
Producción: Timaginas Teatro
Horarios: miércoles a las 18:00 horas
Precio: A partir de 15€
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 6
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Hechos y faltas, Teatro Pavón, Madrid

El pasado 30 de agosto el Teatro Pavón de Madrid estrenaba Hechos y faltas, una obra escrita por Jeremy Kareken, David Murrell y Gordon Farrel, adaptada y dirigida por Bernabé Rico e interpretada por Ángeles Martín, Antonio Dechent y Juan Grandinetti que analiza el mundo del periodismo en la era digital.

«El reputado autor John D’Agata ha escrito una crónica sobre la tasa de suicidios en Las Vegas para una de las mejores revistas del país. Emily, su redactora jefa, encarga al becario Jim Fingal la verificación de hechos del escrito pero pronto se encuentra con un “pequeño” problema: gran parte de ellos se los ha inventado. Lo que empieza como un trabajo más, pronto se convertirá en una hilarante historia sobre los límites que separan la libertad narrativa de la ficción».

Hechos y faltas nos propone una reflexión sobre la realidad del periodismo en la actualidad, subordinado a inflexibles ritmos de publicación y plagado de bulos e imprecisiones. Gracias al trabajo de verificación de un artículo (perdón, una crónica) escrita por John D’Agata (Antonio Dechent), uno de los autores estrellas de la revista dirigida por Emily (Ángeles Martín), la obra nos mete de lleno en las entrañas del periodismo para reflexionar sobre cuál es el objetivo de la profesión y qué límites creativos tiene.

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La peculiaridad de la obra es que está basada en el libro The Lifespan of a Fact, escrito por los los auténticos D’Agata y Fingal y que recoge la correspondencia que mantuvieron ambos sobre la corrección de un escrito del primero. De ahí que la obra se presente como un duelo entre Dechent, un periodista demasiado creativo y Juan Grandinetti, el joven becario verificador de datos algo obsesivo con su trabajo. Entre ellos se generarán rayos y centellas a la hora de llevar a cabo su trabajo, arbitrado todo ello por la mediación de la experimentada directora de la revista (Martín), que verá amenazado el futuro de su publicación.

Así que, en clave de tragicomedia periodística, Hechos y faltas propone al espectador un debate en el que aparecen temas como el estado del periodismo actual, cómo se ve afectada la profesión por la digitalización y las redes sociales o sobre cuáles son los límites entre la ficción y la información en un texto periodístico. ¿Es permisible la creatividad en una crónica periodística?

Y es aquí donde recae el acierto de la obra. Primero en el buen hacer de la producción y de la interpretación. Los actores y la actriz protagonistas se hacen creíbles a la hora de defender sus papeles, ya sea como directiva experimentada, como escritor de renombre afectado por su propia inventiva o como el becario que se toma su trabajo de corrección de forma muy personal. Los diálogos y las embestidas entre ellos están muy afinados.

Por otra parte, un texto que ofrece al público un tema actual para reflexionar, y que no es otro que el presente y el futuro de la profesión periodística en un mundo en el que las Fake News, la inmediatez y la imposición de las redes sociales es muy intensa.

Así que ya lo sabéis, hasta el próximo 8 de octubre tenéis la oportunidad de ver Hechos y faltas en el Teatro Pavón. Seguro que no saldréis decepcionados.

«Hechos y faltas» se representa en el Teatro Pavón de Madrid del 30 de agosto al 8 de octubre de 2023.

Autores: Jeremy Kareken, David Murrell y Gordon Farrel
Versión y dirección: Bernabé Rico
Intérpretes: Ángeles Martín, Antonio Dechent y Juan Grandinetti
Diseño de escenografía: Leticia Gañán y Curt Allen Wilmer (AAPEE)
Diseño de vestuario: Pier Paolo Álvaro
Iluminación: José Manuel Guerra
Producción: TALYCUAL y MEJOR TEATRO

Horarios: de miércoles a sábado a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: desde 14€
Duración: 1 hora 30 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

El Rey León regresa a la Gran Vía de Madrid

Todos deseamos que la normalidad vuelva a nuestras vidas tras el año y medio de afectaciones y restricciones provocadas por la pandemia de Covid-19. De ahí que cualquier noticia o acontecimiento que nos acerca a ella nos impacte de forma muy y muy positiva. Y en el mundo del teatro un signo de que la normalidad avanza poco a poco es el regreso de los grandes musicales a los escenarios.

Y si ha habido un musical de éxito en la Gran Vía madrileña pre-pandemia, este no fue otro que El Rey León, que anuncia su regreso el 23 de septiembre a la cartelera del teatro Lope de Vega. Una alegría para todos aquellos que se quedaron con las ganas de ver el espectáculo y un signo de recuperación para un sector muy afectado por las restricciones anti-covid.

De esta forma, el musical producido por Stage Entertainment que ha batido todos los records desde su estreno en el año 2011, regresa con más fuerza e ilusión que nunca. Comenzará su 10ª temporada, en la que alcanzará la cifra histórica de 5 millones de espectadores, tras más de 3.500 representaciones en el teatro Lope de Vega.

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Un musical que te dejará sin palabras gracias a su sorprendente puesta en escena. Toda una lección de vida que se ha convertido en un hito dentro del mundo del espectáculo, al fusionar las más sofisticadas disciplinas de las artes escénicas africanas, asiáticas y occidentales, con una banda sonora tan excepcional como inolvidable. El espectáculo adentra al espectador en un universo de valores, creatividad, ritmo y color inigualable.

En Stage Entertainment España han preparado sus instalaciones para cumplir con las medidas de protección e higiene indicadas por las autoridades sanitarias, para conseguir que tu visita sea una experiencia única, segura e irrepetible.

Adelántate, hazte ya con tus entradas y no te pierdas el musical que conmueve al mundo.

«El Rey León» se representa en el Teatro Lope de Vega a partir del 23 de septiembre de 2021.

Dirección: Julie Taymor
Adaptación y traducción: Jordi Galceran
Libreto: Roger Allers e Irene Mecchi
Dirección musical: Sergi Cuenca, Raúl Patiño y Antonio Palmer
Reparto: Agustín Argüello, Ricardo Nkosi, Angel Padilla, Pitu Manubens, Andrea Bayardo, Lindiwe Mkhize, Sally Artigas, Juan Bey, Alex Parra, Nacho Brande, Ramon Balasch, Yelena Lafargu, Dariel Ventura, Edgar Moreno, Daniel González, Diego Montejo, Izan, Fernández, Lisandro Luis Nieves, Samuel Da Silva, Daniela Angelina Socias, Jimena Martínez Monmeneu, Luna Berroa, Martina Venecia Franco y Olivia ManzanoBailarines: Allan Hernández, Jahmai Grant, Marcos Rodríguez, Justin, Poleon, Alexis Abreu, Yunior Tavarez, Miroslava Fernández, Rosa Concet, Lluvia Marchena, July Cuevas, Doraysa de Peña, Ana Francy, Yoanki Matos, Noel Contreras, Nicolo Marchionni, Raphaella de Souza, Iliuska Rodríguez y Leticia Cardoso
Voces: Subissiso Xaba, Muzikayise Khumalo-Masilela, Armando Valenzuela, Mario Alberto Hernández, Michel Jáuregui, Carlos Valdez, Víctor Manuel Nogales, María Arévalo, Nokulunga Madlala, Phindile Ndlovu, Yelina Lafargue, Samantha Strachan, Carlos Sandoval, Mlu Mthethwa, Rosana Galli, Carmen Elena Aguilera y Lieta Molinet
Escenografía: Richard Hudson
Iluminación: Donald Holder
Sonido: Steve Canyon Kennedy
Peluquería y maquillaje: Michael Ward
Vestuario: Julie Taymor
Coreografía: Garth Fagan
Música: Elton John, Lebo M, Mark Mancina, Hans Zimmer y Jay Rifkin
Producción: Disney Theatrical Productions

Público: Edad recomendada: todos los públicos
Duración: 165 minutos
Idioma: Castellano
Horarios y entradas: Web El Rey León, el musical

Crítica teatro: La función que sale mal, en el Teatro Calderón de Madrid

La magia del teatro reside en la suma de muchos elementos, y uno no menor es el correcto desarrollo de la representación, con sus tiempos, sus interpretaciones y con una realidad escénica que se integra apropiadamente con ellos. Esto es lo que no pasa en La función que sale mal, en cartelera en el Teatro Calderón de Madrid hasta el próximo 29 de agosto y que se representará en el Teatro Coliseum de Barcelona a partir del 29 de septiembre.

La función que sale mal hace honor a su nombre. Estamos, en la ficción, ante una compañía universitaria sin demasiada experiencia teatral que intenta representar un espectáculo al estilo Agatha Christie o Sherlock Holmes: se ha producido un asesinato en una mansión. Será trabajo del comisario de turno descubrir quién es el asesino y cuáles son sus motivos. Pero en la representación nada saldrá como estaba previsto. La actuación de los actores no es la que debiera ser; la representación deja mucho que desear y el escenario irá desintegrándose poco a poco a lo largo de la “función que sale mal”. Como veis, todos los ingredientes necesarios para que estalle la comedia desde el minuto uno.

El espectáculo defraudará a muy pocos. Estamos ante una comedia pura en la que los errores, las desgracias y sobre todo, el buen hacer cómico de los actores y de las actrices que integran el reparto, harán que quien más y quien menos se ría de la suma de dificultades que sufrirá el espectáculo, un continuo de pequeños y grandes desastres que progresarán a lo largo de la representación hasta la vorágine final. Una obra de metateatro al estilo Pel davant i pel darrera o Bolulevard.

En este tipo de espectáculos todo ha de estar estudiado y cronometrado para que todo lo que ha de salir mal salga mal, y para que el reparto interactúe con la desgracia de forma cómica. Y lo está, algo que se debe a una acertada dirección de Sean Turner y a la interpretación en clave serio-cómica de todo el reparto, integrado por Héctor Carballo, Carlos de Austria, Carla Postigo, Alejandro Vera, Noelia Marlo, César Camino, David Ávila, Felipe Ansola, Paula G. Lara, Ángel Saavedra y Avelino Piedad en las diferentes actuaciones, que consigue interpretar de forma creíble a unos malos actores que durante la representación sufrirán los infortunios de la musa del teatro.

Nada más y nada menos. Unos 100 minutos de representación en los que el espectador se verá afectado cómicamente por la serie de desastres escénicos que sufrirá en clave de comedia la representación. Tanto es así que al final no importará tanto quién es el asesino sino cómo el elenco sin experiencia (en la ficción) podrá hacer frente a la avalancha de calamidades que se les viene encima.

Un soplo de aire fresco cómico que ha ganado diversos premios internacionales como los Oliver, Tony, Moliere o el Broadway.com, que este mes de agosto está en Madrid y que llegará a la cartelera barcelonesa el próximo mes de septiembre y al que se le puede augurar un gran éxito, no solo por su gancho cómico sino por su capacidad de abstraernos por un breve espacio de tiempo de lo duros que han sido los últimos tiempos en Madrid, Barcelona, Cataluña, España y en el mundo entero y hacernos reír de las desgracias que, ahora sí, les pasan a otros, en este caso a actores y, sobre todo, les pasan en la ficción.

“La función que sale mal” se representa:
• Del 8 de abil al 29 de agosto de 2021 en el Teatro Calderón de Madrid
• Del 29 de septiembre al 24 de octubre de 2021 en el Teatre Coliseum de Barcelona

Director versión original: Mark Bell
Director versión española: Sean Turner
Director asociado: David Ottone
Dramaturgia: Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields
Reparto: Hector Carballo, Carla Postigo, Alejandro Vera, Noelia Marlo, David Ávila, Paula G. Lara, Ángel Saavedra, Avelino Piedad, Manuel de Andrés, Agustín Otón y Fael García
Adaptador de la función que sale mal: Zenón Recalde
Diseño escenografía: Nigel Hook
Iluminación: Ric Mountjoy
Vestuario: Roberto Surace
Diseño de sonido: Andy Johnson
Fotografía: Helen Murray
Producción: Som Produce, NEARCO, Cobre y Olympia Metropolitana

Horarios Teatro Calderón Madrid: jueves y viernes a las 20:00 horas; sábados a las 19:00 y a las 22:00 horas y domingos a las 19:00 horas
Precio: desde 19€
Idioma: castellano
Duración: 100 minutos
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa