Max Brooks es un nombre reconocido entre los aficionados a la llamémosle literatura zombi gracias a su libro «Zombi: Guía de supervivencia» (2003) y a «Guerra Mundial Z» (2006). El primero, como su nombre indica, es un manual para sobrevivir en el caso de una invasión zombi, con consejos e utilidades efectivas y extrapolables a cualquier situación de guerra real o similar. «Guerra mundial Z» es una novela que se compone a base de ficticias entrevistas que intentan recomponer todo lo que ha pasado en una larga guerra contra los zombis.
Estos dos libros han sido un éxito de ventas para este guionista de programas como Saturday Night Live, actor de series de televisión y que incluso ha puesto voces a diversas series de dibujos animados como Batman del Futuro y la Liga de la Justicia. Sus padres son nada más y nada menos que el director de cine Mel Brooks y la actriz Anne Bancroft.
Vayamos al cómic en cuestión: Ataques Registrados.
En el citado libro «Zombi: Guía de supervivencia» había un apartado, casi al final, en el que se narraban supuestos ataques zombi en diferentes momentos de la historia. Esto es en sí este cómic.
Iniciando el viaje en el 60.000 A.C. en África Central hasta 1992 D.C. en el Parque Nacional de Joshua Tree, pasaremos por 10 periodos históricos más y lugares como el Japón Feudal del año 1611 o la Unión Soviética en1960. Cada época tiene su ataque zombi y el cómic narra en historias cortas pero con todo lujo de detalles escabrosos lo que sucede ante éstos.
Ibraim Roberson es el encargado de dibujar las 144 páginas de este cómic en un intenso blanco y negro. La fuerza de este cómic esta en sus imágenes con grandes dosis de violencia y escenas dantescas más que en la calidad de las historietas. El dibujo de Roberson es directo y sin concesiones. El cómic no tiene ni un solo globo de diálogo y se apoya en los recuadros de texto pero la planificación y los variados encuadres de las viñetas los hacen de lectura fluida.
Página del cómic
A destacar la primera historia con ¡zombis ya en la prehistoria! o el ataque a la colonia romana en la Britania del 121 D.C. mezclando hábilmente los hechos de la realidad histórica con la ficción. Tal vez la mejor en plan lucha sin cuartel sea la que acontece en el Norte de África (1893). Hay historias que se intentan alejar del típico ataque en masa Zombi, con planteamientos originales pero no quedan muy redondas. Utilizar a Zombis en paracaídas como fuerza de choque en guerra esta bien, pero es algo que los seguidores de Hulk ya habíamos visto cuando lanzan al gigante verde desde una avión como arma literal de destrucción masiva.
Un cómic solo recomendado para completistas e incondicionales de la temática zombi o del terror con escenas gore. Relatos fríos sin ningún atisbo de esperanza ni mucho menos humor.
Título: Zombi Guía de Supervivencia.ATAQUES REGISTRADOS.
Autor: Max Brooks
Dibujo: Ibraim Roberson
Colección: BestSeller Cómic
Número de páginas: 144 páginas
PVP: 11,95 euros
Editorial: DeBolsillo
¿Cómo se vive la vida de familia cuando se llega a la sesentena? ¿Cómo evoluciona una relación de pareja con el paso del tiempo? ¿Y la amistad entre dos parejas que se conocen desde hace mucho? Unas preguntas que intentan ser respondidas en Pasta Fullada, la obra creada por Ever Blanchet que se representa en el Teatre Gaudí Barcelona desde el pasado 1 de octubre, dirigida por Òscar Molina e interpretada por Margarida Minguillon, Carme Sansa, Josep Minguell y Carles Sales.
El final de una cena entre dos parejas de amigos en la casa de una de ellas da comienzo a una historia de amistad, de sentimientos, de vida y, también, de deseos y de pasión. Cuatro amigos que se conocen desde hace mucho tiempo, aunque cada uno de ellos no lo sabe todo sobre los demás. Cuatro personas que han creado una nueva familia entre ellos donde la amistad y la confianza es, en parte, la moneda de cambio, pero donde la mentira también tiene un lugar propio.
A través de diversas escenas de la vida en pareja y de la vida en común entre los cuatro amigos asistimos a una obra que nos habla de la realidad de la existencia cuando el tiempo ha pasado y sigue pasando, de la cotidianeidad de la experiencia humana, pero no desde la filosofía de la reflexión, sino desde los problemas y los aciertos diarios. Una realidad que, como siempre en la vida, está dominada por el sexo. Por el sexo que tuvieron, por el sexo que tienen y por el sexo que tendrán. Un elemento muy a tener en cuenta cuando el cuerpo ha dejado de tener la flexibilidad, la autonomía y el rigor de antaño y la realidad física es mucho más precaria.
Veremos, pues, como nuestros cuatro personajes se ven afectados por la relación con el otro: por la relación propia de su pareja, por la relación con el resto de la familia, sobre todo los hijos, y, también, por la relación con los amigos. En este planteamiento la sexualidad tendrá un papel primordial. Así pues, el sexo, en este caso maduro, toma el protagonismo, lo que hará escandalizarse, aunque solo sea un poco, a parte del público asistente. Pocas veces se habla de una forma tan clara de la actividad sexual de los que podrían ser, por edad, nuestros padres, e incluso, y espero que no se lo tomen a mal los actores, nuestro abuelos. Se habla de una forma abierta y constante de la sexualidad, pero con una elegancia y una delicadeza extremas, propia, por así decirlo, de una “pequeña y gentil obra maestra”. De una forma, en definitiva, que no debe ni puede herir las sensibilidades del público, de una forma que deja un regusto en la boca, o mejor dicho, en la memoria, que permanece una vez bajado el telón, y que seguro que nos hará pensar en nuestra vida, en nuestro sexo, tengamos la edad que tengamos, en nuestro periplo vital y en las personas que nos acompañan en él.
Pero no solo se habla de sexo en Pasta fullada. Ni mucho menos. Se habla de la amistad, de los proyectos vitales, de la insatisfacción, de la comunicación entre las personas, de la vejez, o de la aproximación a ella, de los deseos y también de los deseos ocultos, los que nos hacen remover las tripas y nos obligan a actuar, en parte, tal y como actuamos. De la energía que nos hace levantar cada mañana alrededor de las 6:00 a.m para ir a trabajar y que nos hace irnos a dormir a las 1:00 a.m. cada noche después de cerrar un nuevo capítulo de nuestra existencia.
Poco se puede decir de los intérpretes, Margarida Minguillon, Carme Sansa, Josep Minguell y Carles Sales, cuatro actores de sobra conocidos por todos y que han desarrollado su trayectoria profesional en diversos sectores de la cultura y el entretenimiento, televisión, teatro, cine… La elegancia, y vuelvo a repetir la palabra elegancia, con la que estos actores nos transmiten la vida escrita sobre papel y dirigida por Ever Blanchet y Òscar Molina respectivamente, es extraordinaria. Unos personajes que cobran vida y se desarrollan a expensas y fuera del texto en la mente y el corazón de los espectadores, que, sin duda, se los han de hacer suyos, convirtiéndolos en amigos y familiares, en conocidos propios.
Una obra que habla de la amistad, de la evolución del amor a lo largo del tiempo, del sexo y de las personas que nos acompañan a través del dilatado recorrido vital, de la obra de teatro que cada uno de nosotros escribimos con nuestro trabajo, con nuestra familia, con nuestros deseos, con nuestros éxitos y fracasos y con todo lo bueno y lo malo que, en definitiva, nos hace ser lo que somos.
“Pasta Fullada” se representa en el Teatre Gaudí Barcelona hasta el próximo 19 de diciembre de 2010..
Autor: Ever Blanchet
Director: Òscar Molina
Intérpretes: Carmen Sansa, Carles Sales, Josep Minguell y Margarida Minguillón
Horarios: De jueves a sábado a las 20:45 horas y domingo a las 19:30 horas. Precio: 18 €. Idioma: catalán. Duración de la obra: 90 minutos.
La Nau Ivanow estrena el próximo 25 de noviembre La nit de les Tríbades, la segunda aventura de la compañía Teatre Portàtil, una adaptación teatro-audiovisual de una obra de Per Olov Enquist que dramatiza la vida del autor teatral August Strindberg.
El episodio describe el reencuentro entre el dramaturgo y su ex mujer, Siri von Essen, para el ensayo de una obra de teatro, el monólogo La más fuerte, y de las tensiones que surgen entre los dos a raíz de la presencia en el ensayo de María, la amante de Siri.
La compañía Teatre Portàtil nace cuando un escenógrafo (Martí), un actor (Jon) y un director (Ferran) en el año 2008 decidieron unir esfuerzos para trabajar en un proyecto propio y sacar adelante su sueño. Novecento fue el primer proyecto de la compañía. Plantearon el monólogo de Alessandro Baricco para realizarlo en los pisos, patios y azoteas de Barcelona. Esta propuesta les llevó a más de 50 espacios de Barcelona, desde jardines señoriales a porterías del Clot, pasando por el vestíbulo de Sala Beckett, asociaciones, escuelas de música o simples comedores, hasta llegar a presentar su trabajo a la Scuola Holden, que dirige el mismo Alessandro Baricco en Turín.
Con La nit de les Tríbades la compañía Teatre Portàtil quiere estudiar y experimentar con las posibilidades (dramatúrgicas, interpretativas, técnicas) de la edición en directo de una obra de teatro. Filmar, realizar y proyectar en directo una obra de teatro. Proponen, pues, un espacio de representación convencional, tres cámaras en directo, un realizador… y una pantalla de proyección entre el público y los actores. Los espectadores asisten a una representación teatral donde los actores actúan detrás de una cuarta pared real sobre la que se proyecta la filmación de lo que está pasando detrás de la pantalla. No se trata sólo de filmar una obra de teatro (a pesar de que también es eso), y es algo más que hacer cine en directo (a pesar de que conseguirlo ya sería un éxito). Quieren explorar un lenguaje intermedio, híbrido, y poner al público ante un acontecimiento audiovisual en directo, ofreciéndoles una pieza de repertorio, La nit de les Tríbades, de Per Olov Enquist. ¿Narración teatral o narración audiovisual? ¿Cine o teatro?
“La nit de les Tríbades” se representará en la Sala Andy Warhol de la Nau Ivanow del 25 al 28 de noviembre de 2010.
Autor: Per Olov Enquist
Dirección: Ferran Utzet
Intérpretes: Jonatan del Vas, Fiona Rycroft, Eva Parets y Melcior Casals
Escenografía y atrezo: Martí Baltà
Vestuario: Marta Sancho
Dramaturgia: Joan Yago
Audiovisual: Marc Tardiu
Compañía: Teatre Portàtil
Horarios: De jueves a sábado a las 21:15 horas y los domingos a las 19:15 horas. Precio: 12 €; Amigos de la Nau Ivanow 10 €.
“No juguis amb el menjar”, ens deia la mare a casa quan érem petits. Doncs precisament això, jugar amb el menjar, i també amb els espectadors, és el que fan els tres intèrprets de Copacabana, uns estrambòtics cuiners que s’esforcen per elaborar un menú ben especial als seus clients, amb l’humor com a ingredient principal de la recepta, en un eclèctic show estrenat a la Biblioteca de Catalunya el passat 4 de novembre.
Per a aquesta ocasió, la Biblioteca de Catalunya s’ha transformat en un restaurant, però no un de qualsevol: allà s’hi ha establert tres peculiars cuiners, descendents del prestigiós xef de l’antic circ Bimil, però sense gaire fortuna, ja que no hi entra mai ningú a menjar. Aquest fet fa que el desànim s’apoderi d’ells, les seves il·lusions i projectes s’esvaeixen, així que deixen de preocupar-se de la neteja i el manteniment del restaurant fins a permetre que es torni un lloc rònec i decrèpit. Una nit, però, s’hi presenta un nombrós grup de clients, tota una sorpresa pels joves cuiners que, malgrat no tenir res per a oferir als visitants, faran mans i mànigues per aconseguir que tots marxin mitjanament sopats i amb la satisfacció d’haver assistit a una experiència única.
Copacabana és un espectacle inclassificable, en ell convergeixen gairebé totes les arts que podríem trobar al desaparegut circ Bimil però des d’un punt de vista més d’estar per casa, hi ha des de números de cabaret i revista en petit format fins a mim, passant per divertits gags on les ombres xineses ens mostren una dama força peluda, bell canto o una simpàtica referència a La dama y el vagabundo, fins i tot ens trobarem un circ minimalista on una ceba realitza les funcions de mestre de cerimònia, i tot això mentre els tres xefs, uns sapastres amb pentinats impossibles que desafien la llei de la gravetat, improvisen un particular menú amb tot allò que troben per la vella cuina: crispetes, verdures, espagueti i copa de xocolata salada, un tiberi comestible malgrat el seu aspecte, que només deixarà satisfet als comensals que siguin menys exigents.
Aquest és un espectacle benintencionat que compensa amb originalitat i imaginació els pocs mitjans dels quals disposen, i és de justícia reconèixer el gran mèrit que té aquest fet, però el cert és que els diferents gags que ens proposen són una mica irregulars, fent que la funció resulti a estones divertida, però no tant com a priori un podia imaginar: aquesta és una obra basada en essència en el teatre gestual, sense diàlegs, fet que al principi descol·loca una mica a l’espectador més convencional, que de seguida es veu obligat a canviar el xip; a més, el secret de la seva comicitat radica, gairebé en exclusiva, en la interacció dels actors amb el públic, i fer d’això l’eix principal d’un show és tot un risc, ja que no tothom accepta col·laborar fàcilment en aquests tipus d’espectacles, ni per descomptat cap de nosaltres té prou talent per seguir el joc dels cambrers. Sigui com sigui, els tres actors, una mica histriònics i amb una innocència gairebé infantil, ofereixen un ampli ventall de registres (uns playbacks ben aconseguits, juguen a donar vida als productes del sopar, utilitzen el seu cos com a principal eina de comunicació) que no permeten que el públic s’avorreixi, aconseguint que tots els espectadors acabin col·laborant en cada funció.
En definitiva, si vostè vol gaudir d’un menú humorístic ben especial, si gaudeix interactuant en el teatre i vol veure un espectacle que s’allunya dels clixés habituals del que és una típica funció de teatre, Copacabana és l’obra que estava esperant.
“Copacabana” es representa a la Biblioteca de Catalunya fins el 5 de desembre de 2010.
Direcció: Sergi Ots
Intèrprets: Natàlia Méndez, Emilie De Lemos i Sergi Ots
Guió: Emilie De Lemos i Sergi Ots
Coreografia: Sheila Ferrer
Escenografia: Jordi Dorado
Vestuari: Espe Pascual
So: Erin Ruiz
Il·luminació: Quim Aragó y Francis Baena
Efectes especials: Marcos Díaz
Horari: dimecres i dijous, a les 21 h; divendres i dissabte, a les 20 h i a les 23 h; diumenge, a les 19 h Precio: 18 € Durada de l’obra: 90 minuts
La Sala Ivanow presenta la primera obra de la compañía Arenal Teatre, La resclosa, un drama sobre la cárcel, las presidiarias y sobre la vida perdida en el interior de un recinto penitenciario.
Ha pasado 16 años en la cárcel. Ha sufrido el cierre, la soledad, el deterioro de su cuerpo, la pérdida de su feminidad, la impotencia, la humillación…
Mañana será el día de su liberación. ¿Qué le espera, fuera?
Hoy recibe un telegrama anunciándole la muerte de su madre. La última persona que la quería, la única que podía apoyarle y devolverle la confianza perdida, acababa de desaparecer.
Está en la celda de las liberadas, una esclusa, aquel espacio entremedias, entre el ayer y el mañana, entre el interior y el exterior, entre el encarcelamiento y la libertad.
Imposible dormir. Tiene tanto miedo. Para luchar contra la ansiedad, libera las palabras. Se desencadenan los recuerdos: el tribunal, el viaje a la prisión, el aislamiento, la jerarquía, las compañeras, las visitas de sus hijos…
Surgen las emociones: la culpabilidad, la impotencia, el odio, la ternura, los deseos, los desencantos, la resignación, los remordimientos, las frustraciones, los miedos.
Pronto todos aquellos años quedarán atrás, cerrados, «en el depósito».
«Pronto será re-lanzada a un lugar que ya no le pertenece, que continuó viviendo sin ella, que no la esperó y que, seguro, no la necesita”.
Michel Azama estudia literatura moderna y se forma como actor en la Escuela Internacional de Jacques Lecoq. Ha sido autor asociado al Centro Dramático Nacional de Dijon y fundador y redactor en jefe de Cahiers de Prospéro. Fue presidente de la asociación de escritores de teatro (EAT), catedrático de Literatura moderna y teatro, e inspector académico a la Academia de Caen hasta junio del 2010. Sus obras han sido traducidas a más de quince idiomas y representadas en todo el mundo.
Llega a Éditions Théâtrales, donde ya se puede ver su afán de universalidad y la exigencia política. Militando y comprometido con la causa de los autores de teatro, ha desarrollado una obra abierta sobre el mundo, sin tabúes, en la cual, de forma a menudo dialogada, se abre camino al margen de la familia y del individuo, revisitando los mitos y las creencias comunes.
La compañía Arenal Teatro arranca de la mano de Robert Torres, Montse Alcoverro y Óscar Barberán. Es el inicio de un nuevo equipo que, a pesar de tener una larga vida profesional en paralelo, han decidido unir las fuerzas para crearla y poner en marcha esta cruzada con La Resclosa como primer hijo.
“La Resclosa” se representa en la Nau Ivanow del 5 al 28 de noviembre de 2010.
Dirección y adaptación: Robert Torres
Traducción: Ferran Lahoz
Actriz: Montse Alcoverro
Escenografía: Llorenç Corbella
Diseño luces: Maria Domènec
Vestuario: Mariel Soria
Espacio sonoro: Bárbara Granados
Espacio visual: Robert Torres
Coreografía: Noelia Liñana
Horarios: De miércoles a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas. Precio: 18 €; Amigos de la Nau, 15 €. Idioma: catalán. Duración de la obra: 70 minutos.
Nace en Barcelona la Sala Atrium, un nuevo espacio polivalente para la exhibición de las artes escénicas en Barcelona. El sello distintivo de su programación será el teatro de texto de pequeño formato, clásico y contemporáneo, y arrancará la nueva temporada con cuatro producciones propias.
El próximo mes de enero se incorporará al mapa de teatros de la capital catalana un nuevo espacio polivalente de pequeño formato, Sala Atrium, ubicada en el Eixample barcelonés (Consell de Cent, 435) y en la cual convivirán estudio, creación, producción y exhibición de espectáculos de teatro, danza, música y audiovisuales.
Por el tratamiento del proceso artístico completo, desde la creación hasta la exhibición, y por su oferta formativa estable a nivel superior ligada a Atrium Estudio, la nueva sala quiere cubrir un vacío en el mapa teatral de Barcelona, que no cuenta con centros profesionalizados que ofrezcan cursos de posgraduados y de reciclaje para profesionales del sector ligado a una sala con una programación estable de espectáculos.
Su línea de programación artística combinará fundamentalmente propuestas de autores clásicos, revisadas, y obras de dramaturgos actuales. La primera temporada arrancará con cuatro producciones propias: A porta tancada, de Sartre, con dirección de Raimon Molins; Hamlet …, de Jules Laforgue y dirección de Jordi Prat i Coll; Himmelberg, de Juan Mayorga, con dirección de Raimon Molins y Jaz de Koffi Kwahulé. Se completará con ejemplos de las otras líneas de actuación: teatro familiar, grupo residente de música de cámara, algunos espectáculos de danza, talleres y cursos.
El teatro Atrium está impulsado por Raimon Molins, coordinador general del proyecto; Carles Duran, jefe de marketing y publicidad; Mireia Trias, producción; Patricia Mendoza, adjunta a la dirección y responsable de las relaciones con los ‘Amics d’Atrium’.
La sala quiere consolidarse como referente cultural del barrio y arraigarse en la comunidad en la cual se ubica, con acciones de proximidad y fidelización de públicos, canalizados mediante los ‘Amics d’Atrium’. Sus precios al público irán de 12 a 18 €.
El proyecto Atrium, una iniciativa compleja, ambiciosa e integral alrededor de las artes escénicas y la gestión cultural, se consolida con la apertura de esta sala en la nueva temporada escénica 2010 – 2011, completando los cuatro ejes que la conforman:
Formación: Atrium Estudi. Escuela de posgrado y entrenamiento de actores, con una larga y consolidada trayectoria.
Servicios: Atrium Produccions. Producción y gestión ejecutiva de espectáculos y proyectos escénicos.
Producción propia: Companyía Projecte Atrium, que será el vértice de la programación de la nueva sala
Sala Atrium: un espacio estable de producción, creación y exhibición de las producciones propias y compañías residentes o invitadas.
Sala Atrium es un espacio de pequeño formato, polivalente, para unos 70-80 espectadores, con un equipamiento técnico ajustado a las necesidades y un reducido equipo de gestión. Abrirá de forma estable al público y con una programación centrada en:
Producciones propias de la Compañía Atrium, a ritmo de dos o tres espectáculos por temporada
Compañías invitadas de teatro
Programación musical, de pequeño formato, propuestas del grupo de cámara residente
Programación familiar estable, y con una compañía estable residente
Danza contemporánea y de pequeño formato
Estudio Atrium:
Exhibición de talleres y trabajos finales de los cursos de perfeccionamiento
Clases Magistrales y trabajos finales con acceso para el público
Un nuevo capítulo de la serie Hispania la leyenda, y sin duda el más dramático de los cuatro que ha emitido Antena 3. Una entrega que se ha centrado en la represalias tomadas por Galba contra la familia de Viriato y que ha llevado a un desenlace inesperado. Pero hagamos un poco de resumen:
El capítulo emitido el pasado miércoles y titulado El rescate de Bárbara ha dado comienzo con otro fracaso romano, y de los importantes: la pérdida de la soldada, de la paga de los legionarios, de nuevo a manos de los rebeldes de Viriato. Galba, cada vez más enojado con los constantes errores de su legado Marco, decide, nuevamente, tomar represalias en el poblado lusitano, pero esta vez con un carácter más personalizado: la recriminación a Teodoro sobre las amistades de su hija Helena (con Viriato) y el pago de una alta suma de dinero por su vida, y la captura de Bárbara, hermana de Viriato y mujer de su amigo Sandro.
Al mismo tiempo Darío y Paulo han iniciado una expedición por territorio lusitano para sumar más hombres a su causa, lo que les ha hecho hablar con algún jefe de poblado y con grupos de indígenas sobrevivientes de los ataques romanos. Mientras tanto Teodoro amenazado por el propio Galba, ha proseguido su política en el poblado para conseguir hacerse allí con el poder en el Consejo, para lo que no ha dudado en amenazar al jefe de la tribu y padre de Darío.
Una vez resumido, brevemente, el argumento podemos pasar a analizar la historicidad de la trama. Un primer tema a tener en cuenta es el de la soldada de los legionarios. Este era un asunto muy serio que un general en campaña tenía que saber controlar, sobre todo en época imperial, cuando los ejércitos eran profesionales y por lo tanto recibían un salario del Estado. En el periodo en el que está ambientada la serie, en la época republicana anterior, los ejércitos romanos estaban compuestos por ciudadanos, que aunque si que eran pagados con un stipendium, este era considerado como una compensación por sus obligaciones militares más que como un salario. Si bien el botín conseguido durante una campaña militar o tras la toma de una ciudad enemiga contribuía a redondear los “ingresos” de un soldado romano durante el tiempo que éste dedicaba a sus deberes militares. Que no llegará, pues, la soldada, lo que demostraba la poca capacidad del general de turno, en este caso Galba, podía poner a éste en una situación muy problemática, como ya explicamos que podía pasar con lo víveres y la logística, y favorecer las actitudes rebeldes de la soldadesca.
Claudia y sus esclavas
Hemos visto también, las confianzas que Claudia comienza a tomarse con su esclava lusitana Nerea, la prometida de Paulo, lo que nos permite introducir el tema de la sexualidad en el mundo antiguo. En principio podríamos decir que el que un dominus o una domina utilizaran a sus esclavos para obtener placer sexual no era algo inhabitual en Roma, ya que estos últimos eran considerados propiedades obtenidas para el uso y disfrute, si este era el caso, de sus dueños. Además no podemos trasladar los parámetros sexuales impuestos a partir del siglo III y IV d.C. por el cristianismo, que perviven en parte en la actualidad, a una época en la cual los comportamientos morales y sexuales eran más naturales y menos doctrinarios, y donde más que la diversidad y la tipología de los actos y las prácticas sexuales lo que importaba era el rol que el hombre (y la mujer) tomaban en él. Por otra parte, y a no ser que sea por la “publicidad engañosa” de la cadena, no entiendo muy bien la existencia de una escena “censurada” en la que Claudia besa en la boca a Nerea, ya que este momento televisivo comparado con la programación habitual de las cadenas nacionales e internacionales (véase Sálvame, Belén Esteban, y la miasma de personajes y personajillos que nos explican diariamente y en horario infantil inclusive, sus comportamientos mayoritariamente inmorales, sexuales y si me lo permiten, presuntamente aborrecibles) adopta una forma casta e incluso grata a los ojos del que estas líneas escribe.
Darío y Paulo buscan ayuda para su causa
Un comentario especifico haré sobre la escena en la que Galba le explica a su lugarteniente Marco, la información llegada a él de que en Roma se representa una comedia en la cual se mofan del pretor y de su política llevaba a cabo en Hispania. Era muy corriente, al menos en época imperial, e incluso antes, la escenificación en Roma, y en el occidente romano, de comedias y de obras de mimo y de pantomima, donde se podía hacer mofa de de situaciones de la vida cotidiana o los asuntos relevantes del momento e incluso de temas mitológicos. Aunque la comedia y la tragedia, heredadas de Grecia, también tuvieron su espacio en Roma, estas acabarían siendo substituidas por estas obras basadas en la comicidad y que caricaturizaban a personajes y hechos históricos, mitológicos o de la política del momento. Un ejemplo de esto lo podíamos observar en la serie Roma, producida por las cadenas BBC, HBO y la RAI, en la que veíamos como, incluso, Julio César presenciaba una obra de teatro de este tipo.
Por parte indígena también hemos sido testigos de un ritual de observación de los augurios a través del examen de las entrañas de un animal, si no me equivoco de una cabra, después del sacrificio del mismo llevado a cabo por un sacerdote lusitano. Era muy propio del mundo antiguo, sobre todo del mundo etrusco y romano, el interés por la observación de los indicios de la voluntad de los dioses a través del estudio de las entrañas y las vísceras de animales sacrificados, como el ejemplo que vemos en la serie. Un estudio que podía, según se creía en la época (recordemos que una era en el que la ciencia, el conocimiento científico y las explicaciones sobre la naturaleza de las cosas no estaba tan desarrollado como en la actualidad, por lo que existía un espacio ampliamente abierto a las supersticiones y la “magia”), permitía a los sacerdotes obtener información sobre la voluntad de los dioses. Otro tema a tener en cuenta, y mencionado también en el capítulo, es el de los sacrificios humanos, realizados también por el sacerdote rebelde en cuestión. Según nos informa Estrabón, geógrafo e historiador griego de finales del siglo I a.C. e inicios del I d.C., los lusitanos realizaban predicciones a través de la observación de las entrañas de los prisioneros de guerra y de la forma en la que caían los cuerpos al suelo después de ser golpeados por un adivino. Un hecho reseñado pues, correctamente, en la serie, aunque, y como no podía ser de otra forma, este era un ritual religioso no diario y general sino practicado en contadas ocasiones.
Otro elemento que inspira confianza en el devenir de la serie es la actividad de reclutamiento llevada a cabo por Darío y Paulo entre los pueblos lusitanos para conseguir más apoyo en su “pequeña” guerra contra Roma. Como ya dije en un comentario anterior, los cinco rebeldes del grupo de Viriato, son muy pocos para poner en jaque a la maquinaria militar romana. Esperemos que la transformación de Viriato de un simple bandolero a un auténtico rebelde se vaya materializando poco a poco.
Crecen los problemas de Teodoro
Finalmente quiero comentar algo sobre la relación entre Helena y su padre Teodoro. En principio y como regla general hemos de tener en cuenta que en épocas tan remotas las relaciones de autoridad y de poder que se establecían dentro de una familia, ya fuera romana, indígena o de cualquier otra adscripción, eran mucho más estrictas y autoritarias que en la actualidad, donde la libertad de comportamiento y de consciencia está, a veces por desgracia, ampliamente consolidadas. El padre tenía pleno poder sobre todos aquellos que estaban bajo su autoridad familiar, llegando incluso a poder decidir, en las épocas más remotas, sobre la vida y la muerte de los miembros de la misma, autoridad esta que se fue debilitando con el paso del tiempo, al menos en el mundo romano, aunque no llegó, ni mucho menos, a mostrar las amplias libertades que conocemos en la actualidad. Por eso la actitud de Helena, la hija de un aristócrata lusitano, ante su padre y sobre todo, en referencia a su boda con Alejo, negándose incluso en algún momento a la materialización de su enlace matrimonial, me parecen muy alejadas de la realidad histórica, algo, que, como era de temer, no era el objetivo de la serie, que actualiza y “presentiza” unas relaciones y comportamientos sociales (léase Paulo) que reflejan más a la sociedad actual que a la lusitana que pretende representar.
Pues nada más por hoy, tendremos que esperar a ver un nuevo episodio de la serie, para seguir “aprendiendo” algo más sobre la historia de España (Hispania) y la de Roma.
El Teatre del Raval estrena hoy la obra El último tren, un análisis de la adolescencia y de los sueños y fracasos de los jóvenes, presentado en la 15ª Mostra de Teatre de Barcelona.
Dos adolescentes pierden el último tren que pretendían coger el día en que se escapan de casa. Eso les conlleva a esperar en la estación toda la noche a que salga el primer tren de la mañana. En la espera conocerán a otro peculiar adolescente y juntos harán lo que sea para matar el tiempo.
El último tren es un pequeño espectáculo que transcurre en una estación muerta de cualquier lugar. El cowboy solitario es una de las referencias masculinas que se dan en la adolescencia como mito de madurez y aventura. Escapar, cambiar el destino y vivir de otra manera, es temporalmente la obsesión de estos tres neuróticos que sueñan con tiempos mejores, mientras se debaten entre el niño y el adulto.
El Último tren es un proyecto que durante años Compañía Nocturna estuvo intentando traer a escena, pero tenía una dificultad, era imprescindible que los actores fueran adolescentes. No ha sido hasta ahora, una vez realizado el casting adecuado, que se ha podido llevar a cabo.
Se trata de un montaje sencillo de pequeño formato. Una historia de adolescentes que queríamos que fueran actores de la misma edad de los personajes los que pudieran hacer los papeles. Esto ha sido posible gracias al proyecto Compañía Nocturna – Formació escènica. El proyecto nació hace tres años a partir de la experiencia de un grupo de profesores de teatro, que tras trabajar unos años para escuelas, centros cívicos y empresas decidieron emprender la aventura de crear una propuesta diferente dónde la especialización en las artes escénicas tuviera un lugar básico en las escuelas.
La Compañía Nocturna se dedica a crear espectáculos y proyectos dónde las artes escénicas son una fuente de servicios, difusión y aprendizaje.
“El último tren” se representa en el Teatre del Raval del 11 al 20 de noviembre de 2010.
Autor: Isaac Badia
Dirección: Isaac Badia
Intérpretes: Sergi Manel Alonso, David Polo y Javi Rodríguez
Música: Claude Boling
Producción: Compañía Nocturna
Horarios: De jueves a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:30 horas. Precio: Jueves 16 €; viernes, sábados y domingos 18 €. Idioma: castellano Duración de la obra: 1 hora
El Brossa Espai Escènic estrena el próximo miércoles 10 de noviembre Federico de Paseo, drama fotográfico, una investigación dentro del universo más contemporáneo y desconocido de Federico García Lorca, centrado en las relaciones amorosas vistas desde una perspectiva marcadamente trágica y surrealista.
Se trata de un compendio de escenas teatrales y textos poéticos de uno de los autores más relevantes y reconocidos de las letras castellanas y, sin duda, de toda la literatura europea y universal.
Un espectáculo enfocado desde una perspectiva cómica pero profundamente trágica. Un universo de personajes que transitan en el amor y que, al mismo tiempo, intentan escapar. Personajes destinados a vivir el sufrimiento de las pasiones humanas en su vertiente más críptica y oscura.
El hilo conductor se convierte en esta idea del sueño, de la imaginación como huida, ligada tan íntimamente con las vanguardias. Una especie de escapada onírica de la cruda realidad, una huida del realismo hacia el surrealismo. Eso es lo que Corcada Teatre lleva a escena: un espectáculo esencialmente y marcadamente teatral pero próximo a la estética fotográfica y cinematográfica que el autor tanto buscaba. En definitiva, una serie de fotografías que, unidas, configuran una película tridimensional.
FEDERICO DE PASEO, drama fotográfico es
Un recorrido entre los paisajes lorquianos más desconocidos.
Un paseo de ida y vuelta entre la persona y el mito, entre el texto biográfico y la poesía,
entre la realidad y la ficción, entre el poeta y los personajes.
Una comedia trágica interpretada por Eros y Tánatos.
Un drama fotográfico.
Un paseo no cronológico y no causal con el Lorca esencial, íntimo y vanguardista.
Un autorretrato desenfocado.
Un viaje a la Luna. ¡»Pero no la luna! Los insectos, los insectos solos, crepitantes, mordientes, estremecidos, agrupados, y la luna…».
Una ojeada curiosa en un álbum fotográfico compuesto por escenas teatrales pertenecientes a su teatro inacabado y a sus obras autonombradas «teatro imposible», por poemas de su poesía más personal y radical (Canciones 1921-1924, Poeta en Nueva York, etc.), y por fragmentos de su producción epistolar.
Una serie de fotografías que, unidas, configuran una película tridimensional.
Corcada es una compañía teatral que dedica sus esfuerzos a la creación de espectáculos multidisciplinares a partir de la escenificación de materiales teatrales, poéticos, musicales, etc. Fundada al principio del año 2006, Corcada ha invertido todos sus esfuerzos al consolidarse como una compañía que apuesta por la producción de espectáculos de creación propia y propone una línea de trabajo atrevida y de calidad y una creación de lenguaje propio.
Corcada, hasta ahora, ha trabajado principalmente sobre los parámetros del teatro de pequeño y medio formado a partir de la adaptación de la obra de grandes autores de la literatura catalana y universal, como Blai Bonet, Miquel Bauçà, Federico García Lorca, Maurice Maeterlinck, Fernando Pessoa, o Guillem d’Efak, entre otros.
“Federico de paseo. Drama fotográfico“se representará en el Brossa Espai Escènic del 10 al 28 de noviembre de 2010.
Dramaturgia y dirección: Joan Fullana y Xavier Martínez (a partir de textos de Federico García Lorca)
Intérpretes: Cinta Moreno, Pablo Rosal y Pau Sastre
Videoproyección: Toni Matamalas
Música: Gori Matas
Escenografía: Joana Martí
Vestuario: Joana Martí i Giulia Grumi
Iluminación: Joan Fullana
Producción: Corcada Teatre
Horarios: De miércoles a sábado a las 21:00 horas y los domingos a las 19:00 horas. Precio: 16 €; día del espectador 9 €. Idioma: castellano. Duración del espectáculo: 90 minutos.
El próximo día 23 de noviembre el Brossa Espai Escènic acogerá la segunda velada de presentación del IV volumen de la obra poética de Lluís Solà, Entre bellesa i dolor.
El acto estará presentado, en esta segunda ocasión, por Sam Abrams, y continuará con un recital poético a cargo de Mercè Managuerra, Gemma Reguant y el mismo Lluís Solà, acompañados de la flautista Mercè Miró.
Quizás, al fin y al cabo, lo que intentan anunciar los poemas reunidos en el libro Entre bellesa i dolor es sólo que la belleza no está únicamente en objetos de proporciones afables o en algunos elementos de la naturaleza. Anuncian que no es así ni mucho menos. La existencia, el hecho de existir ya es una cosa inconmensurablemente, inexplicablemente bella. Existir, ser contiene una belleza que sobrepasa cualquier belleza, natural o artificial. Existir, ser contiene e impregna cualquier belleza que exista o que pueda existir y las desborda continuamente. Pero la existencia, en la condición humana, comporta también, inevitablemente, dolor. Belleza y dolor, pues, son constituyentes de nuestra condición, de nuestra situación. Pero no tenemos que aspirar al dolor. Tenemos que aspirar, a pesar de todo y contra todo, al gozo y a la belleza incontenible de la existencia.
Lluís Solà (1940) ha publicado este año Entre bellesa i dolor, el IV volumen de obra poética, al cual pertenecen los textos del recital. Es director de la revista de poesía «Reduccions«, ha escrito diversos textos de reflexión literaria y teatral, ha traducido obras de Kafka, Becket, Pessoa, Handke. Es autor de obras de teatro y ha dirigido textos teatrales clásicos y contemporáneos.
“Entre bellesa i dolor. Recital de la darrera poesia de Lluís Solà” se celebrará en el Brossa Espai Escènic el próximo 23 de noviembre de 2010.
Recitan: Lluís Solà, Mercè Managuerra y Gemma Reguant
Presenta: Sam Abrams
Música a cargo de la flautista Mercè Miró
Horario: 21:00 horas. Precio: Entrada gratuita