La bailarina valenciana Noelia Liñana y el músico tarraconense Paco Enlaluna presentan Sucre, un espectáculo único que intercala la música, la danza, las proyecciones y el diálogo.
Ponemos azúcar al café, al zumo, a la vida para que nuestro paladar evite los matices amargos. Noelia lo sabe muy bien. Desde el día que se desmaya en medio de un ensayo y un médico le diagnostica una diabetes con dependencia de la insulina, deja de poner azúcar a su vida.
El azúcar se convierte en la tentación, la «fruta prohibida».
En escenario, dos mundos: el proyectado, donde la protagonista niña vive en un mundo edulcorado, ajena a los conflictos, y el bailado, donde los personajes luchan o ceden a la provocación del azúcar. Todo esto salpicado por la incomunicación de quien busca complicidades profundas y recibe consejos vacíos, de quien busca nuevas perspectivas y en cambio recibe sermones sobre las saludables propiedades de la berenjena.
Después de una larga trayectoria como bailarina en grandes compañías como Lanònima Imperial, Tomas Noone o Gelabert Azzopardi, Liñana emprende conjuntamente con Paco Enlaluna su primera aventura en solitario a partir de experiencias propias como por ejemplo el diagnóstico de la diabetes o la muerte de su padre. Sucre es su primera producción y en ella ejerce como directora y coreógrafa.
La obra narra ocho historias protagonizadas por personajes excesivamente dependientes del azúcar, y que edulcoran sus oscuridades personales antes de enfrentarse a ellas pasando por diferentes estados como por ejemplo la negación, la rebelión o la aceptación irónica. Aun así, Sucre es un espectáculo optimista. Un alegre collage de danza contemporánea con pequeñas dosis de humor y de ironía.
“Sucre” se representa en el Espai Escènic Brossa del 12 al 22 de mayo del 2011.
Dirección: Noelia Liñana
Bailarina: Noelia Liñana
Actrices audiovisual: Noelia Liñana y Ainara García
Dirección musical: Paco Enlaluna
Músico en directo: Paco Enlaluna
Guió y dramaturgia: Paco Enlaluna y Noelia Liñana
Dirección escénica / coreografía: Nicolaas Marckmann
Diseño de iluminación: Marc Martínez
Producción: Segundo Acto Produccions
Horarios: de miércoles a viernes a las 21:00 horas y sábados a las 19:00 y a las 21:30 horas. Precio: 16 €.
La compañía de teatro La Calòrica representa en el Versus Teatre hasta el próximo 22 de mayo la obra Feísima Enfermedad y Muy Triste Muerte de la Reina Isabel I, la recreación tragicómica y grotesca de los últimos días de vida de una reina cuyo gobierno hizo variar el rumbo de la historia de España.
El Versus nos presenta una obra de carácter histórico, es decir, que nos habla de personajes históricos, algunos de ellos muy pero que muy conocidos, como son la reina Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón, los reyes Católicos. Y nos los presenta en clave de comedia, obligándonos a presenciar los días previos de la muerte de la reina y la situación de sus dominios, que, en aquella época, se extendían a lo ancho y largo del planeta conocido. Sin embargo, durante la representación no saldremos de la alcoba de la reina, donde todos los personajes de la obra irán pasando, ya sea para reverenciar a la soberana moribunda o para asegurarse de la “feísima enfermedad y muy triste muerte” de la misma, una de las soberanas más poderosas de su tiempo.
La compañía La Calòrica nos ofrece una postal teatral e histórica minimalista donde el sentido del humor y los tópicos históricos están muy presentes. En ella la reina Isabel I en su lecho de muerte sigue gobernando unos reinos que le costaron mucho conseguir: enfrentamientos dinásticos, la rivalidad con su sobrina Juana la Beltraneja, las peripecias históricas que hubo de llevar a cabo para heredar su reino, su boda con Fernando II de Aragón y la unión de los territorios de la Península, a excepción de Portugal. Aunque no será todo esto lo que le importará a la reina. Viendo cerca la muerte solo pensará en quién heredará su legado.
Su elección recae en su hija Juana, conocida por la historia como Juana la Loca (aunque parece que no lo estaba tanto). Juana está casada con un príncipe austríaco educado en el norte de Europa que posee unos principios y una cultura muy diferentes a las existentes en suelo hispano. He aquí el intríngulis de la obra: la oposición entre la “España y la Europa del momento”, la oposición entre el conservadurismo y el tradicionalismo hispano y los nuevos aires en la cultura, en las costumbres y en los pensamientos que se movían por aquellos entonces por Europa, una evolución que en breve provocaría un cisma religioso, político, económico y social en toda Europa con la aparición del protestantismo y los conflictos religiosos que dominaron gran parte de la época moderna.
Pero no se asusten. Que la obra nos habla de ello pero sin exigirnos ningún esfuerzo instructivo previo. Al contrario. Es la propia obra la que nos identificará a los personajes y nos dibujará el espacio y el ambiente que necesitamos conocer. Para ello la actuación de los actores y actrices serán básicos. Bien pronto veremos la relación mantenida entre Isabel y Fernando, basada en el tópico histórico de la poderosa personalidad de la reina y a un mero consorte dibujado como un pequeño gran-rey obsesionado con su «imperio mediterráneo» pero sin carácter ni fuerzas para enfrentarse a sus enemigos europeos, italianos y franceses. La mano de la religión también estará presente en la figura del consejero político y espiritual de los reyes, que se creerá el único personaje con el carisma, la energía y las aptitudes necesarias para marcar el camino a seguir por la historia de la Monarquía Hispánica, a veces, incluso, enfrentándose e intentando someter a los propios reyes. A los tres personajes principales se les suma Juana, la hija de Isabel y de Fernando, educada para ser la esposa del rey, nunca la reina y Felipe el Hermoso, aureolado por la modernidad y un entendimiento del mundo y de su poder muy lejano al nacido en suelo hispano. Solo un personaje plebeyo, la criada, tendrá acceso a la alcoba de la reina, y siempre para ayudar y servir a sus superiores.
La compañía La Calòrica construye un acertado esbozo tragicómico y grotesco de una de las épocas y de uno de los reinados de más significancia para entender la historia de la España actual. Y lo hace con muchas ganas y con mucho empeño. Todo un hallazgo para aquellos que quieran reflexionar y que quieran reír con la historia y con el teatro. Para ello los personajes, aunque con un intercambio confeso de sexos (la reina Isabel interpretada por un actor, el consejero espiritual del reino interpretado por una actriz) nos permiten conocer algo más, aunque a veces de una forma descabellada, el episodio de la enfermedad y muerte de la reina Isabel I. Todo un ejemplo que nos enseña lo interesante que pueden ser el teatro y la historia, y también la suma de ambos. Una obra, en definitiva, que nos hará viajar en el tiempo (escénico, claro está) y ver los nuevos aires y los viejos que se respiraban en la Europa moderna de finales del siglo XV y principios del XVI y los entresijos de la gran política, que a veces orquestan pequeñas personas. Todo, claro está desde el humor y el ingenio más burlesco y caricaturesco.
«Feísima enfermedad y muy triste muerte de la reina Isabel I» se representa en el Versus Teatre del 18 de marzo al 22 de mayo de 2011.
Dramaturgia: Joan Yago
Dirección: Israel Solà
Intérpretes: Xavi Francés, Aitor Galisteo Rocher, Esther López Martín, Carla Rovira Pitarch, Júlia Truyol y Marc Rius
Escenografía, vestuario e iluminación: Gerard Orobitg, Carmen Padró, Albert Pascual y Marta Soto
Asesoramiento de voz: Matilde Miralles
Horarios: de jueves a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 19:00 horas.
El domingo 15 de mayo no hay función. Precio: 16 €. Duración de la obra: 65 minutos
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El Guasch Teatre presenta en su programación para adultos Cuando se apaguen la velas, la historia de un asesino a sueldo dedicado y en silla de ruedas preparado para llevar a cabo su último encargo. Dante (Xavier Serrat) es todo un ejemplo de superación personal. Aunque hace casi dos años que se ve obligado a ir en una silla de ruedas, ha seguido trabajando hasta el día de hoy, el día de su jubilación. Solo necesita acabar un último encargo y se podrá ir para siempre. Dejar atrás todo el sufrimiento que ha tenido que soportar durante estos últimos años. Y es que la suya sería una historia como la de otros muchos si no fuera porque Dante… trabaja como asesino a sueldo.
Son muchos años de experiencia, muchas víctimas que han pasado por sus manos y muchos los escenarios que ha tenido que recrear con mucho cuidado y a petición de sus superiores. Pero esta vez será diferente. Totalmente diferente. Sus últimas víctimas las ha escogido él… y tiene una buena razón para hacerlo.
Ahora solo es cuestión de tiempo y suerte. Si todo sale tal y como lo ha planeado, en breves minutos acabará el trabajo y se podrá ir. Dar por finalizado un viaje catárquico a través del cual reconciliarse con su pasado. Nadie lo podrá impedir. Ya se ha encargado de cubrirse las espaldas. Al fin y al cabo, es un buen profesional.
«Cuando se apaguen las velas» se representará en el Guasch Teatre a partir del 12 de mayo de 2011.
Autor: Eric Romero
Director: Miquel Murga
Intérprete: Xavier Serrat
Escenografía: Noemí Batllori
Fotografía: Enric Monté
Horarios: jueves a las 21:00 horas; viernes y sábados a las 22:00 horas y domingos a las 19:30 horas. Precio: jueves 18 €; de viernes a domingos 20 €.
Hasta el próximo domingo 8 de mayo perdurará en la cartelera del teatre Tantarantana la obra Las fichas de la compañía Radio Rara Teatro, una tragedia griega ambientada en el mundo actual que mezcla heroicidad, humor y programas de televisión en un mundo gobernado por la envidia y el hedonismo más corrosivo.
Esta es, pues, la propuesta de la compañía Radio Rara Teatro de la que podremos gozar algunos días más en el escenario del Tantarantana. Las fichas nos propone un itinerario emocional a través de las vidas de gente normal afectadas por las mismas influencias (buenas o malas, nunca inocuas) que nos afectan a cada uno de nosotros cada día y en cada momento.
Clara es una chica joven del extrarradio que sufre de lo mismo que sufren muchas chicas jóvenes, y no tan jóvenes, en la actualidad. Le acaban de echar del trabajo al cerrar la policía el local en el que servía ¿como camarera? por las noches. Pertenece a una familia totalmente desestructurada en el que su egoísta madre no ha invertido ni invierte demasiado tiempo en su educación ni en preocuparse de su bienestar económico, físico y emocional, si no todo lo contrario. Sus amistades están en una situación, si cabe, más complicada que la suya y los únicos valores y objetivos que le quedan son los que le marca la programación de los diferentes canales de la televisión: su deseo es poder participar en el programa El juego de tu vida, que a cambio de las confesiones más irreverentes y sádicas de su miserable vida la puede hacer millonaria.
Clara consigue su objetivo y es llamada a participar en el programa, y a cambio de 600.000 euros explica todo lo embarazoso y comprometido de su vida. A partir de aquí y de su conocimiento de Gonzo, un pijo recalcitrante con el que comenzará una relación sentimental, Clara iniciará el recorrido de una tragedia vital que la llevará de la cima a la decadencia, de lo más alto al suelo más quejumbroso. Una parábola teatral que nos permitirá reflexionar sobre la vida, los valores y los elementos constituyentes de la sociedad en la que vivimos y que, por desgracia, le toca vivir, muchas veces sin demasiados momentos de alegría ni las “herramientas” necesarias, a una gran parte de la población.
La compañía Radio Rara Teatro de la mano de Secun de la Rosa nos presenta un bit de realidad con un toque muy personal. La obra se construye, o mejor dicho, se deconstruye, como un plato cocinado por Ferran Adrià, desde un desorden organizativo muy competente. El narrador de la obra, el propio Secun de la Rosa, pierde bien pronto, durante la representación, las riendas de la misma y los propios actores y las historias que nos narran romperán las veces necesarias el ritmo y el filum narrativo de la obra. Casi podríamos decir que los propios intérpretes del espectáculo se rebelan y se hacen con el poder de la función, imponiendo sus condiciones al narrador, y por tanto al público, y haciéndose valer en contra de un punto de vista de de narración subjetivo, aunque sea éste el del propio narrador. Lo que permite una gran frescura a la representación, que se libra de los convencionalismos habituales del género teatral.
La historia es, como decía, una tragedia griega llevada a un mundo actual como el nuestro, en el que la heroína, Clara, se verá necesariamente abocada hacia un final en el que incluso su vida se verá en peligro. Clara tendrá que luchar contra todo y contra todos con lo poco que posee, y es, por lo que parece, un enorme corazón o un cerebro muy pequeño. Eso lo tendrán que decidir ustedes. Clara estará rodeada por el resto de personajes, Gonzo su novio pijo e interesado; su madre, necesitada y dominante; sus amigos, de baja estofa y sin capacidad ninguna ni voluntad para aconsejarle y el propietario de un local cercano y el mismo narrador de la obra, cuya función en la representación no le permitirá nada más que explicar aquello que pasa, siempre, claro está, desde su personal y subjetivo punto de vista. Y un escenario que, a través de un juego de luces y de un atrezo minimalista, se convertirá en el tablero de un juego de mesa, seguramente el parchís, en el que se juega la vida de las personas y en el que para ganar se ha de comer a los contrarios y avanzar 20 casillas por cada victoria que se consigue. Y creo que el juego del parchís se puede convertir en un buen símil de la vida moderna en la que el consumo y el triunfo, de uno mismo, nunca de la comunidad ni de los otros, se convierte en el objetivo principal. Y en el que las personas somos fichas que avanzan por el tablero indefensas pudiendo ser comidas y destruidas en cualquier momento aunque también, por el contrario, podemos convertirnos en auténticos depredadores y devorar a los otros, ya sea física o emocionalmente.
Las fichas se compone de una interpretación que nos recuerda, también, la tragedia griega, en la que una protagonista principal, Clara, hace de contrapeso a un coro de personajes (familia, amigos…) que interactuarán individual y colectivamente con ella. Todos ocultándose en la oscuridad del escenario y adquiriendo corporeidad y contenido cuando su personaje o personajes actúen. Una muy controlada y acertada dirección y presentación de la trama de la mano de Secun de la Rosa que nos muestra que no solo domina el humor, del cual también nos ofrece diversas muestras en la obra, sino también su lado más trágico y realista, del cual se nutre Las fichas.
Pues ya saben, si quieren disfrutar del trabajo bien hecho, teatralmente hablando, de una compañía joven pero con ganas de hacerse un lugar en el panorama teatral madrileño y que sabe proponer y desarrollar ideas y tramas interesantes y atractivas, y si quieren ser testigo del acontecer de una fabula actual, urbana y trágica que, a unos más y a otros menos, nos toca de cerca, les recomiendo Las fichas, seguro que su argumento no les dejará impasible.
“Las fichas” se representa en el teatre Tantarantana del 13 de abril al 8 de mayo de 2011
Autor y dirección: Secun de la Rosa
Intérpretes: Sandra Collantes, Fernando Ramallo, Carmen Mayordomo, Belén Cuesta, Fran Arraez y Secun de la Rosa
Diseño de luces: Pedro Pablo Melendo
Escenografía: Daniel Sánchez “KNOWME”
Vestuario: Benjamín Márquez
Producción: Radio Rara Teatro
Horarios: de miércoles a sábados a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas. Precios: miércoles y jueves 15 €; resto de días 18 € | previas 11 € Duración: 1hora y 15 minutos Idioma: castellano
———————————————————— Escrito por: Jorge Pisa Sánchez
Os presentamos aquí la programación del Teatre Gaudí Barcelona del próximo mes de mayo que incluye las últimas representaciones de In on it y el estreno, el próximo 3 de mayo, de Menys emergències, de la compañía de teatro Chroma. —————————————————————————————————
In on it, de Daniel MacIvor.
In on It está dirigida por Òscar Molina en su traducción catalana (de Gerard Vázquez) y protagonizada por Roger Pera y Xavi Casan. El secreto del éxito de In on it recae en su inteligentísima narrativa, un juego meta- teatral que consigue adentrarnos en tres realidades diferentes dentro de un mismo montaje y con tan sólo dos intérpretes y un escenario casi desnudo. Por un lado, la historia de un hombre a punto de morir que mira de hacer los últimos planes de su vida; por otro, la historia de amor entre dos amantes que miran de hacerla funcionar; y por último, dos hombres intentando crear un espectáculo. Al fin y al cabo, un ejercicio magistral de dramaturgia e interpretación que ha sido considerado el más ingenioso del dramaturgo canadiense.
“In on it” se representa en el Teatre Gaudí Barcelona hasta el próximo 15 de mayo de 2011.
Autor: Daniel MacIvor
Traducción: Gerard Vàzquez
Dirección: Òscar Molina
Intérpretes: Xavi Casan y Roger Pera
Diseño de iluminación: Dani Gener
Vestuario: Ximena Topolanski
Atrezo: J. Valero
Horarios: de jueves a sábado a las 20:45 horas y los domingos a las 19:30 horas. Precio: 18 € Idioma: catalán Duración de la obra: 1 hora y 20 minutos
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Menys emergències, de Martin Crimp.
El Teatre Gaudí Barcelona inaugura la reformada sala pequeña, con un aforo para unas 30 personas, con uno de los autores de más renombre de los últimos años, Martin Crimp. Una de sus obras más irónicas entorno a las relaciones humanas y las presiones que jerce la sociedad, una celebración ácida que brinda por todas aquellas cosas que hacen que la vida valga la pena.
Un ambiente relajado que ayuda al recreo donde todos tienen el derecho a pasarlo bien. Un cóctel que disimula con humor la angustia de lo cotidiano escogido por inercia, que nos obliga a crear una familia, a poseer cosas, a tragarnos nuestra animalidad.
Tres personajes anónimos intentan crear una narración desde diferentes perspectivas. Cada uno expresa su visión particular de temas como la felicidad, el matrimonio, el odio, el abandono. El silencio los desespera, la palabra brota de una forma descontrolada. No pueden dejar de hablar, de ellos, de los otros, de aquello que recuerdan.
Esta comedia ironiza sobre nuestra pequeña sociedad instalada en el bienestar que sabe mantener convenciones y se reconoce en aquello políticamente correcto. Una realidad aumentada con la lente de un telescopio. Un rompecabezas de apariencias y buenas maneras que filtra las evidencias de la traición, el abuso y el terror.
Menys emergències consiste en tres dramas cortos «Todo el cielo azul«, «De cara a la pared» y «Menos emergencias«, que transportan a la audiencia a un mundo siniestro.
«Todo el cielo azul«. La primera pieza cuenta, desde la visión de la mujer, la historia de un matrimonio infeliz. Quizás el único que sostiene la pareja es el pequeño Bobby, su hijo.
«De cara a la pared«. Es el relato de una masacre desde la mente de un asesino con una vida casi perfecta. Un día, inexplicablemente, el hombre decide entrar armado en una escuela de primaria.
«Menos emergencias«. En la última pieza, el pequeño Bobby, es abandonado por sus padres en un universo de horror. Una historia familiar en la que resuenan los relatos anteriores.
Aquí se acaba la pesadilla de las buenas maneras, si bien los personajes aseguren una y otra vez, que las cosas van mejorando día a día
“Menys emergències” se representará en el Teatre Gaudí Barcelona del 3 de mayo al 7 de junio de 2011.
Dramaturgia: Martin Crimp
Dirección: Juan Miranda
Intérpretes: Francisco Ferrer, Ilona Muñoz y Xavi Serrat
Traducción: Cristina Cordero, Denise Duncan y Núria Vizcarro Boix
Iluminación: Juan Manuel Albinyana
Asistencia y Vestuario: Constanza Aguirre
Fotografía: David Tavira
Asistencia y Vestuario: Constanza Aguirrey Ricardo Soler
Compañía: Cía. Chroma
Horarios: martes a las 20:45 horas. Precio: 18 € (La entrada incluye un cóctel) Idioma de la obra: catalán Duración de la obra: 65 minutos
Iván Romero presenta en el teatro Riereta¡Oh, Itimad, Itimad!, la versión 2.0 de su epopeya distópica iniciada con las representaciones de Urna 321, un “des-propósito espacial” que nos habla de la humanidad del futuro, de su supervivencia y de lo que más importante aún, de sus sueños.
Del 22 al 24 de abril el teatro Riereta ha acogido las representaciones de la segunda entrega del díptico de ciencia-ficción creado y dirigido por Iván Romero e interpretado por los miembros de la compañía Les Maniquís, un intento basado en el humor y el cinismo descarado más pesimista de imaginar y reflexionar sobre la humanidad del futuro, sobre sus éxitos y sobre todo sobre sus fracasos.
Iván Romero, su director, plasma en su nueva obra, como ya avanzaba en su anterior producción, una clara desconfianza ante el porvenir de la civilización humana, que bebe de las fuentes, como ya dijimos en otro lado, de la novela de ciencia-ficción distópica género liderado por las obras de Ray Bradbury, Aldous Huxley y George Orwell. Romero nos sitúa de nuevo en un escenario abatido por la “civilización” y por las leyes y las normativas, en un ambiente opresivo que no deja lugar al espíritu humano ni a las emociones que de él dependen.
La situación se nos hace clara a los pocos minutos. Los restos de la humanidad viven en una nave nodriza en la cual, y por razones de espacio, la natalidad está controlada y el comportamiento y las emociones están prohibidas (que malas son las emociones!!); la música está erradicada ya que “hace zozobrar el alma” y, como no podía ser de otra forma, la lectura y los libros están prohibidos, como culpables de hacer pensar a la gente y hacerles ser conscientes de su estado y sus limitaciones. La unidad familiar formada por, Ravi, Chandra y Jan viven en una cápsula diminuta, expulsados de la sociedad nodriza al haber infligido las rígidas leyes de natalidad. Su triste existencia se organiza alrededor de la “buena educación” de su hijo a través del cual pretenden regresar al seno de la sociedad que les expulsó, presentándolo como un nuevo hombre, un nuevo mesías.
Siendo así, Jan se ha convertido en un auténtico autócrata familiar, absorbiendo las vidas de sus progenitores. Todo en la cápsula espacial gira alrededor de Jan hasta el punto que su misma madre se encarga de satisfacer “manualmente” sus necesidades sexuales. Todo cambiará a partir del choque con otra cápsula expulsada de la sociedad, que obliga a los ocupantes de las dos cabinas a compartir el mismo espacio. Los nuevos ocupantes de la cápsula son dos hermanas extrañas y dominantes: Shani es una concienciadora, una líder “no espiritual” de distrito con movilidad disminuida expulsada de la sociedad por su “ilegítima” relación con los libros y por haber mostrado sus propios sentimientos; Shukra, su hermana, ha sido castigada también ya que su hermana minusválida no puede valerse por sí misma. Las dos hermanas mantienen una relación de dominación entre ellas que en breve intentarán imponer a sus nuevos compañeros de cápsula.
Será aquí donde veremos el auténtico infierno que se establece en la cabina espacial, y por referencias también seremos testigos del infierno en el que vive sumida la raza humana. La vida de los ocupantes de la cápsula depende total y completamente de las normas aprendidas en la civilización “nodriza” de la que han sido expulsados. El único ser independiente, es posiblemente peor que los seres socializados, un auténtico tirano y déspota familiar que no tiene respeto por nada ni por nadie y que somete a sus padres a la voluntad cambiante de sus deseos. Aún así los roles de todos variarán con la llegada de Shani y Shukra, lo que generará una tragicomedia cínica y desvergonzada que analizará no solo hacia donde vamos sino también de donde partimos.
Romero y los integrantes de la compañía Les Maniquís nos hacen reflexionar desde el humor y el sarcasmo. Y para ello utilizan el género del “teatro distópico” (no sé si está etiqueta existía ya), algo que ya conocíamos a través de su anterior producción Urna 321. Y lo hace a través de las herramientas y los objetos y de un estilo teatral reconocible. El escenario se organiza en base a espacios configurados a través de restos de maquinaria “espacial” y de elementos industriales. Un futuro creado a través de desperdicios que nos dan una idea de la “triste” situación que atraviesa la humanidad y los componentes expulsados de ella. El vestuario combina ropajes actuales e identificativos, como en el caso de los “pañales de tela” de Jan, que nos informan también de su carácter infantil, y de las vestimentas de Ravi. A ellas se suman los atuendos excéntricos de las mujeres de la obra que a través de sujetadores-desatascadores, de peinetas y de faldas hechas en base a fregonas de tela le dan un toque distópico e irreal a la representación y en parte nos informan también de los caracteres de las féminas.
No será, sin embargo, hasta los momentos finales de la representación donde aparecerá la auténtica joya de la obra. Y ésta no es otra que la reflexión que hacen los integrantes de la cápsula sobre la vida en la nave nodriza y sobre el resort asteroidal llamado Itimad. Las dos “invasoras” espaciales, Shukra y Shani, recuerdan, durante el banquete nupcial (¡¡sí, seremos testigos de una boda!! estrafalaria, claro está) la publicidad sobre Itimad, un resort asteroidal promocionado en la nave nodriza. Ambas poseen el mismo recuerdo (exactamente el mismo) mientras que Chandra defiende su individualidad y su idea personal sobre Itimad. En definitiva, la libertad a tener sueños personales, a soñar con cosas que otros no pueden soñar, todo lo contrario a lo que quiere el Estado-nodriza. Todo un hallazgo, si señor, en la línea de la mejor ciencia-ficción, aunque en este caso sea teatral. ¿Quién pudiera controlar y dominar los deseos y los sueños de los hombres? Seguramente el sueño de los Estados, de las corporaciones y casi también de los bancos.
En el aspecto interpretativo ¡Oh, Itimad, Itimad! Es una obra sentidamente coral en la que todos los personajes aportan una parte importante al resultado final. Oriol Roca se recrea en la interpretación de un adulto-niño que no ha sabido y no ha querido crecer a costa de sus padres; Núria Granell se defiende caracterizada de madre y limpiadora de la cápsula con comportamientos esquizofrenoides en algunos momentos y David Blanco compagina su papel de patriarca atormentado y de ciudadano expulsado de la civilización pero ansioso de regresar a ella, cueste lo que cueste. Aún así, la carga de humor y de moralidad más interesante es la que se materializa tras la llegada de Shani (Noelia Izquierdo) y Shukra (Maialen F. Boncompte), la primera sobresaliente en su papel de concienciadora y guía espiritual traidora a los principios que representa y la segunda como campeona de la división de honor de tiro a la cápsula y de carácter desvergonzado y alegre, en penitencia por la caída en desgracia de su hermana.
Toda una combinación de elementos y géneros abordados desde la escasez de medios, que no de ideas y de ganas. ¡Oh, Itimad, Itimad! Es una vuelta de tuerca más de Iván Romero y la compañía de teatro Les Maniquís, sobre una temática, el futuro de la humanidad, observado desde un calidoscopio que nos ofrece muchas vistas particulares y plurales, y que nos propone una pregunta: ¿Qué pasaría si el futuro de la humanidad fuera tal que casi no valiera la pena vivirlo? ¿Qué sucedería si los vicios y los deterioros vitales y sociales de la humanidad nos encaminasen hacia un callejón sin salida? ¿Son nuestros propios sueños privados y personales la última propiedad individual que el futuro nos permitirá poseer? ¿Dónde está el resto de nuestras vidas?
«¡Oh, Itimad, Itimad!” se representó en el teatre Riereta del 22 al 24 de abril de 2011.
Autor y director: Iván Romero
Intérpretes: Oriol Roca, Núria Granell, David Blanco, Noelia izquierdo y Maialen F. Boncompte
Luces y sonido: Frisco Sáez “Elfrisco”
Escenografía: J. Chamizo
Vestuario: Lorena Gómez, Aleix Molinero y Gladis Castorseno
Idioma: castellano Duración: 1 hora y 15 minutos
Las hermanas Torras vuelven a Barcelona con un espectáculo musical basado en el swing, el jazz y el relato de novela negra.
Poco más de medio año había pasado desde que las hermanas Torras presentaron en el Versus Teatre su último espectáculo, Magnífics sons, en el cual nos explicaban una historia de hermanas a través de las canciones y los temas de los musicales de Broadway.
Por suerte, el pasado 3 de marzo las “Torras sisters” nos presentaron su nuevo espectáculo, Cabaret de mitja nit, una obra de teatro musical que nos acerca al ambiente de las películas en blanco y negro, a las redes mafiosas y gansteriles y a los personajes del mundo de la noche, aquellos que reinan solo cuando las luces de neón de bares y locales se encienden y el alcohol y la música permite que los deseos y los sentimientos afloren a través del cuerpo.
Posiblemente sea ésta la mejor forma de iniciar nuestra crítica. Describiendo en un párrafo la esencia del ambiente del espectáculo. Tras lo cual es necesario seguir con un breve resumen del argumento. Pues si es así, vamos allá.
La historia de Cabaret de mitja nit nos es narrada por Mark Green, el propietario del local del mismo nombre (en la voz en off del inconfundible Roger Pera, director de la obra). Green le ha dado la oportunidad de una audición a una joven e inexperta cantante, Jane, para poder actuar en su local. La prueba es un fracaso, sobre todo por la oposición de Norma, la pareja de Green, una cantante consolidada y celosa de su posición en el local. Aún así Jane es contratada en el Cabaret de Mitja nit.
Tras lo primeros choques profesionales entre las dos cantantes se generará una relación de amistad y de pupilaje entre ambas. Por desgracia para el trío de cantantes y propietario, el deseo, la infidelidad y el sexo se impondrá cuando Mark inicie una relación con la nueva cantante, hecho que provocará los celos en Norma y llevará la relación profesional al traste.
Como podemos ver una historia de toque “negro” en un ambiente nocturno. Cabaret de mitja nit es, además de todo eso, un espectáculo musical, en el que se suma el humo de los cigarros del local, las gotas de sudor, las esencias y perfumes y las voces de las dos protagonistas, Maria y Marta Torras. Un espectáculo hecho a la medida de las dos jóvenes actrices que han construido y construyen su carrera profesional en trono a los temas musicales, de jazz y de soul.
Cabaret de mitja nit es un acierto, un paso en positivo en su curriculum teatral, tras la representación de Magnífics sons, un espectáculo éste que aunque sumaba también las voces de las dos hermanas se perdía un poco en la ausencia de un texto que condujera la historia hacia delante, la cual solo avanzaba a través de los temas musicales que se interpretaban. Cabaret de mitja nit nos propone, en cambio, una historia interesante, la rivalidad sentimental y profesional entre dos actrices y cantantes sobre el pequeño escenario de un local musical perdido, sin duda, en algún barrio antiguo de una gran ciudad norteamericana.
Una historia, empero, que no se aleja en demasía de los clichés establecidos en cualquier historia de novela y cine negro, en el que los protagonistas son abordados y asediados por los sentimientos de unas mujeres nocturnas, decididas y capaces de ponerse a su altura, e incluso superarles. Una historia dirigida, como ya he dicho por Roger Pera, que le da un toque muy especial, un toque muy negro, al argumento de la obra.
Como no podía ser de otra forma la trama de Cabaret de mitja nit está acotada por los temas musicales que interpretan las hermanas Torras. Temas que van desde The sound of music, Sóc una estrella (Big time); And all that jazz (Chicago), Potser m’agrada així (The wild party) o Ell no és bo (The life). Y como no podía ser, tampoco, de otra forma, Maria y Marta Torras realizan un trabajo estupendo. No solo conocen el mundo del musical (yo diría que lo llevan dentro, y eso se nota) sino que están como pez en el agua en una historia de mujeres, de música, de rivalidad y también de amor y de respeto.
Una historia que se desarrolla sobre un pequeño espacio que nos muestra los camerinos de las cantantes, el escenario del local y dos grandes biombos que permitirán a las actrices transformarse entre los diversos números musicales y entre los diversos actos del espectáculo, y que nos llevará de la mano al mundo de la noche, de la música, del amor y del deseo, y a algunos de los episodios de la vida de los personajes que como a todos, nos educan, nos hacen crecer, y nos hacen pertenecer al mundo, muy humano, demasiado humano, en el que vivimos.
Toda una dosis de música y magia musical para todos aquellos a los que les apasiona el mundo de Broadway, y a los que siguen la carrera musical de dos hermanas, Maria y Marta, Marta y María, que viven para y por el teatro musical.
“Cabaret de mitja nit” se representa en la Sala Muntaner del 3 de marzo al 19 de junio de 2011.
Director: Roger Pera
Intérpretes: Marta Torras y Maria Torras
Músicos: Juli Rodríguez y Xavi Miró
Dirección musical y arreglos: Juli Rodríguez
Coreografía: Maria Torras
Idea original y guión: Juli Rodríguez y Maria Torras
Traducción y adaptación de las canciones: Maria Torras
Diseño iluminación: Dani Gener Diseño de sonido: Aina Asín
Escenografía: Toni Fernández Vestuario: Maria Sánchez y Maria Torras
Producción: Set d’Acció
Horario: de miércoles a sábado a las 22:45 horas y domingos a las 20:30 horas. Precio: Miércoles y jueves 14 €; de viernes a domingo 16 €. Idioma: catalán Duración: 1 hora y 5 minutos
El Espai Brossa se apunta, también, al teatro ruso con la programación del 16 de marzo al 10 de abril de Gusev, un conte de Txèkhov, un viaje a los infiernos del alma humana.
Comenzaré diciendo que Gusev, un conte de Txèkhov es una obra arriesgada que plasma la dureza de la vida, la dureza de la muerte y la mezquindad del ser humano. Todo comienza y todo acaba en la cabina de un barco que se dirige… bueno, que nunca sabemos a donde se dirige. Dicha cabina está ocupada por cuatro hombres, cuatro soldados del ejército ruso enfermos de lo que parece ser la tuberculosis. El contacto con el exterior es nulo, tan solo para extraer los desechos y desperdicios del interior de la cabina, y con ellos los cadáveres de los muertos. Una cabina que se convierte en un infierno de enfermedad y de desesperación, la de unos hombres que sienten y son conscientes de que el futuro está negado para ellos, que han sido desahuciados y para los que no existe ninguna esperanza
Hemos de situar la trama en una época de conflicto, aunque la obra no se esfuerza por delimitarla temporalmente ya que la muerte y la desesperación pertenecen a todas las épocas y a todos los lugares del mundo. Sin embargo yo situaría la obra por aquello de principios del siglo XX, en pleno conflicto entre la Rusia zarista y los revolucionarios soviéticos. Aunque bien pensado, la historia de Gusev, un conte de Txèkhov es una historia universal, pues más que el contexto externo lo que importa es el infierno interno de los soldados (o mejor dicho, de los presos).
Aún así, y vuelvo a decirlo, Gusev es una obra arriesgada. Arriesgada por su oscurantismo, por todo lo que esconde o mejor dicho por las lagunas argumentales que crea. El inmovilismo domina gran parte de la obra con unos personajes que no pueden o no deben moverse mucho. Si a esto se suman los delirios que nacen en el interior de cada uno de los cautivos, o al menos en la mayoría de ellos, sin un comienzo ni un final, en un ciclo de dolor y desesperación que parece que rompe el normal pasar el tiempo, y las tinieblas en las que permanece el público a falta de una trama clara que encauce la acción de la obra, Gusev corre el riesgo de ser una obra incomprendida. Corre el riesgo de haber impactado sobre el público, porqué es una obra que apela al sentimiento, a la emoción, pero de difícil comprensión y recuerdo para el mismo.
Tres elementos a destacar: el primero los tres actores que intervienen en la obra y que encarnan en su interpretación la desesperación de la situación. Una interpretación difícil y angustiosa de los actores Marc Torrents, Manolo Peña y Boi Pera. Una escenografía que nos muestra la cabina (prisión) donde están confinados los enfermos, que nos demuestra como las ideas y el esfuerzo valen mucho más que el dinero, al menos en el teatro. Una excelente materialización de una pequeña cabina de un barco condenado, con unos pasajeros condenados. Y tercero la música, que se convierte, posiblemente, en lo mejor y lo peor de la obra. Y me explico.
Gusev, un conte de Txèkhov presenta una “banda sonora” basada en el piano de Alejandro Villanueva. Su música acompaña a los viajeros condenados a lo largo de su travesía y le presta a la obra un “toque” de romanticismo e incomprensión. Aún así, se llega a la exageración en el tramo final de la obra donde Villanueva interpreta un solo ante el piano, que no tiene demasiado sentido con el desarrollo de la obra. Pasamos de una obra de teatro a un concierto de piano sin ninguna explicación y sin ningún sentido. Es pues debido a esto que la música se convierte en lo mejor y, también, en lo peor de la obra.
Aún así Gusev, un conte de Txèkhov permite al público dirigirse hacia un estado del alma en el cual la realidad y la desesperación, sobre todo esta última, se apodera no tan solo de la vida de los personajes de la ficción sino también de los corazones del auditorio y nos permite reflexionar sobre el mundo en el que vivimos y sobre los logros y las derrotas de los hombres que conforman nuestra realidad, o mejor dicho, la ficción que se desarrolla sobre el escenario.
“Gusev, un conte de Txèkhov” se representó en el Espai Escènic Brossa del 16 de marzo al 10 de abril de 2011.
Dirección: Jaume Villanueva
Reparto: Marc Torrents, Manolo Peña y Boi Pera
Piano: Alejandro Villanueva
Escenografía: Ramón de los Heros
Vestuario y Attrezzo: Anna Gas
Efectos especiales: Jesús Julvé, ‘Hausson’
Iluminación: Tomàs Pladevall Dirección artística: Manolo Trullàs Producción: Octubre Teatral
Horarios: de miércoles a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas. Precio: 16 €; miércoles, día del espectador 9 €. Idioma: catalán.
——————————————————– Escrito por: Jorge Pisa Sánchez
La Nau Ivanow programa dos obras teatrales durante la última semana del mes de abril de 2011, Descartable, una reflexión sobre la vida de no-pareja dirigida por Daniel J. Meyer y Escritos desde el fuego, un análisis de la no-acción de la compañía de teatro Cavalls.
Descartable, de Daniel J. Meyer.
Una pareja joven, divorciada o recién casada que convive en el mismo espacio.
Su vida es rutina, desinterés, cansancio. Sus presiones son excesivas: por un lado el ideal romántico del amor, por el otro la aceleración y otras exigencias (éxito, belleza, perfección, trabajo, exceso de actividad).
Tres niveles de acción. Dos fuerzas que oprimen a una ¿pareja?
Dos individuos que viven juntos.
Ellos son descartables.
Descartable es Descartable.
Daniel J. Meyer nace en Buenos Aires, donde estudia en COSATYC/ANDAMIO 90 y se especializa en dirección e interpretación. Complementa sus estudios teatrales con los de producción musical. El año 2003 se instala en Barcelona y participa en varios cursos de dramaturgia y dirección. Además, participa en el posgrado de Producción y Gestión de espectáculos en la UB. Ha trabajado en Sin noticias de Gurb, con Rosa Novell; ayudante de dramaturgia y dirección en Èdip 1,2,3,4, en el Versus Teatre (bajo la dirección de Josep Galindo y dramaturgia de Pablo Ley); ayudantía de dirección de: Si avui és diumenge demà és dijous; Boeing Boeing (con dirección de Alexander Herold), El senyor de les mosques (dirección de Abel Coll) y de La doble vida d’en John (dirección de Àngel Llàcer). Actualmente, es ayudante a Geronimo Stilton, el musical, de Àngel LLàcer y Manu Guix.
“Descartable” se representará en el espacio escénico de la Nau Ivanow del 27 de abril al 1 de mayo de 2011.
Dramaturgia y dirección: Daniel J. Meyer
Intérpretes: Laia Pellejà, Toni Ramírez, Daniela Poch y Rafa DelaCroix
Ayudante de dirección y videocreación: Leire Erkizia
Iluminación: Luis Aznarez y Natalia Ramos
Sonido: Ferran Roig
Regiduría y fotografía: Sara Manzano
Diseño gráfico: Jordi Martinez Pinyol
Colaboraciones movimiento: Laura Vilar
Voz en off: Enric R. Cambray
Horarios: Miércoles a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 19:00 horas. Precio: 12 €; Amics de la Nau 10 €. Duración de la obra: 70 minutos
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Escritos desde el fuego, de Víctor Sánchez Rodríguez.
Un espacio en medio de la nada, en medio de otras realidades y que no tiene ninguna utilidad. Una tierra baldía atravesada por tubos que tal vez van a parar al mar. Cinco vidas que se resisten a pensar que nada pase, que nada pase más, que nada más pase. Sus historias nos irán desvelando lo que se esconde entre el hueso y la carne. El territorio del fuego. Algunas resisten, otras se apagan. Alguna se consume. Y todo ello en una noche donde todo pasa, donde todo vuelve a pasar, donde todo pasa otra vez.
Víctor Sánchez Rodríguez, es un joven autor y director teatral, sus textos se caracterizan por explicar historias actuales que no esconden la sordidez, y por dar a sus textos una dimensión poética. Licenciado en Dirección y Dramaturgia en el Instituto del Teatro de Barcelona. Dentro de su titulación, ha participado en cursos de escritura dramática y seminarios. Como director ha firmado la puesta en escena de textos de algunos compañeros dramaturgos y versiones propias de clásicos de Tennessee Williams o Anton Chéjov. Ha sido ayudante de dirección de Carme Portaceli y Joan Castells. Como autor, ha escrito El Casino; Uns amors, uns indrets, Cavalls salvatges no m’arrancarien d’ací; Escritos desde el fuego y el guión de cine La felicidad de los cobardes. Ha sido asistente de dirección de Magda Puyo en Espectres, y ayudante de dirección de Joan Castells en Electra y de Carme Portaceli en Galileu y en Prometeu, espectáculo que inauguró el Festival Grec de Barcelona 2010.
Cia. Cavalls nace en junio de 2009 con el espectáculo Cavalls salvatges no m’arrancarien d’ací. Inicialmente concebido como proyecto académico del Institut del Teatre de Barcelona (Factoria IT de Nous Creadors), la buena acogida que tuvo dentro del ámbito del Institut del Teatre animó a la compañía a continuar con el espectáculo ya en el ámbito profesional. La obra fue seleccionada para participar en la XV Mostra de Teatre de Barcelona, dentro de la cual fue nominada mejor espectáculo por votación popular.
En marzo del 2010 estrena Platònov, de Chejov, en una adaptación de Lucía Carballal, dirigida por Víctor Sánchez Rodríguez, en el Teatre Estudi de l’Institut del Teatre de Barcelona. En diciembre de 2010, Cavalls Teatre se presenta a la beca Desperta de la Nau Ivanow con un nuevo proyecto: Escritos desde el fuego, un espectáculo concebido a partir de textos de Víctor Sánchez Rodríguez, y codirigida por él mismo y por Albert Massanas. La obra obtuvo un accésit especial que le permite el estreno dentro de la programación 2011 de la Nau Ivanow. En la actualidad la compañía tiene tres proyectos en marcha: la gira de Cavalls salvatges no m’arrancarien d’aci, Escritos desde el fuego y Els voladors de ponts, una nueva obra en proceso de escritura.
“Escritos desde el fuego” se representará en el espacio escénico de la Nau Ivanow del 26 de abril al 1 de mayo de 2011.
Texto y dramaturgia: Víctor Sánchez Rodríguez
Dirección: Albert Massanas y Víctor Sánchez Rodríguez
Intérpretes: Marta Aran, Núria Gómez, Laura Pla, Mima Riera y Nunu Santaló
Espacio escénico y vestuario: Nadia Balada, Anna Ribera e Isabel Velasco
Horarios: de martes a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 19:00 horas. * Miércoles 27, no hay función
Sábado, 30 de abril.
Coloquio con el director y los actores después de la función.
Precio: 12 €; Amics de la Nau 10 €. Duración de la obra: 70 minutos.
Hasta el próximo 1 de mayo se representa en el Teatre del RavalQuasi (Maine) una obra de John Cariani producida por La Plataforma L’Específica y Rasatabula.
Estamos en Quasi, pueblo remoto y mítico que se encuentra en el estado norteamericano de Maine. Es una noche fría, clara y sin luna, y la actividad solar está en el mejor momento para que se puedan divisar las auroras boreales. En varios espacios de Casi se encuentran, a la misma hora, diferentes residentes del pueblo. A medida que las auroras boreales colorean el cielo nocturno, los habitantes de Casi se enamoran y se desenamoran de forma inesperada y a menudo cómica. Las rodillas están heridas y los corazones están rotos. Pero las heridas y los corazones se curan en este sueño en una noche de invierno.
A través de nueve historias independientes que acaban conformando un “collage” realista y mágico a la vez, Quasi (Maine) es una obra que nos habla de cómo los seres humanos luchamos de forma real, verdadera y honesta para conseguir aquello que nos es más duro y difícil en la vida: el amor.
Este “cuento romántico que no pide disculpas”, esta “efervescente pero profundamente sentida tragicomedia” explora los misterios del corazón humano y emociona el público con la risa, el dolor, el amor y la esperanza.
Almost, Maine es la primera obra de John Cariani. Se estrenó en Broadway el año 2005 en el Daryl Roth Theatre. La obra fue, y sigue siendo, ampliamente elogiada por su inteligente y divertida mirada de la vida y el amor en un pequeño pueblo del extremo norte de Maine. Almost, Maine se gestó en el Cape Cod Theater Project el año 2002, y tuvo su estreno mundial el año 2004 a cargo de la Stage Company de Portland, convirtiéndose en la obra de mayor éxito de los 32 años de historia de esta compañía. Almost, Maine ha recibido numerosos premios de la crítica norteamericana y se ha producido y representado centenares a veces en teatros de Estados Unidos y también a países como Corea, Australia, Canadá y Alemania.
La plataforma de actrices y actores La Específica se funda el año 2008 a partir de la necesidad de una serie de profesionales, que se han conocido estudiando la Técnica Mèisner con Javier Galitó- Cava, de aglutinar esfuerzos para crear arte escénico y audiovisual. Con Casi (Maine) la plataforma la Específica quiere presentar no sólo una manera propia de trabajar, sino también expresar la necesidad de emocionar, generar magia y positivismo a través del arte en un momento social especialmente crítico.
“Quasi (Maine)” se representa en el Teatre del Raval hasta el próximo 1 de mayo de 2011.
Autor: John Cariani
Dirección: Ramón Garrido
Intérpretes: Òscar Bosch, Romina Cocca, Roser de Castro, Rakel Ezpeleta, Pep Papell y Pau Sastre
Traducción: Roser de Castro, Rakel Ezpeleta y Javier Galitó-Cava
Diseño de luces: Jaume Freixas
Espacio escénico: Èric Boada
Vestuario: Nata To
Música: Alfred Tapscott
Espacio sonoro: Natxo Tarrés
Horarios:de jueves a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:30 horas. Precio: jueves 16 € y de viernes a domingo 18 €. Idioma: catalán y castellano. Duración de la obra: 1 hora y 20 minutos.
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