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Teatro

Crítica teatro: Grease el Musical, en el Teatre Tívoli

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Hay pocas películas que sean tan populares e intergeneracionales como Grease, el film musical del año 1978 dirigido por Randal Kleiser e interpretado en los papeles principales por John Travolta y Olivia Newton-John. Un film que relata al espectador una trama “de primer amor” fresca y juvenil ambientada en el Instituto Rydell, condimentada con varias coreografías y temazos musicales que marcaron una época. Por eso no es extraño que su adaptación teatral de la mano de Som Produce sea todo un acontecimiento para los amantes la película.

“Sandy y Danny han pasado un romántico y maravilloso verano juntos, pero al acabar las vacaciones sus caminos se separan. Al regresar al instituto vuelven a encontrarse de manera sorprendente. Si bien el contexto ha cambiado y la actitud de Danny no es la misma que durante el verano… Solo el amor, la brillantina y el rock’n’roll podrán salvar la situación”.

Regresa, pues, a Barcelona uno de los clásicos del teatro musical. Y para la ocasión, celebrando el 50 aniversario de su estreno original en Chicago, Som Produce ha elaborado una propuesta escénica a la altura de las circunstancias, en la que los y las estudiantes del icónico Instituto Rydell volverán a hacer de las suyas.

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David Serrano, en la dirección y la adaptación, nos propone un espectáculo musical que, aunque altera el orden de las escenas del film (que no el orden del musical original), mantiene la esencia de la historia. Y para que todo funcione como debe funcionar, la elección del reparto y la ejecución de las coreografías han de estar al 100%. Y es en la parte de las interpretaciones donde la propuesta patina más, no llegando, a veces, al nivel necesario. Aún así hay que destacar la fuerza e intensidad de los números grupales y la interpretación de Carlos Solano, al que podríamos considerar el “maestro de ceremonias” del espectáculo, Mia Lardner como Sandy, Isabel Pera como Rizzo y Marc Ribalta como Kenickie.

Por su parte las coreografías del Tívoli están muy bien afinadas y consiguen dar al espectáculo un aspecto muy cinematográfico, con números como Greased Lightnin’, Summer Nights, We Go Together o la escena de la competición de baile, que introducen al publico de pleno en la atmósfera musical del rock&roll de los años 50.

El resultado es un musical que consigue tocar la fibra del público que se trasladará, seguro, al momento en el que disfrutó por primera vez de la película, y que sabe sacar partido de una historia de amor, de unos personajes y de una época, que han marcado, sin duda, los recuerdos de muchos y muchas de nosotros.

“Grease El Musical” se representa en el TeatreTívoli del 6 de marzo al 6 de abril de 2025.

Dirección y adaptación: David Serrano
Dirección musical: Jesús Serrano
Coreografía: Toni Espinosa
Letras: Jim Jacobs, Warren Casey
Reparto: Carlos Solano, Quique Niza, Mia Lardner, Isabel Pera, Marc Ribalta, Sonia Vallverdú, Pau Gimeno, Laura Miguel, Miguel Millán, Paula Domínguez / Ana de Alva, Aleix Maria, Rocío Serrato, Christian Velert
Músicos:
● Nadir Ibarra (Saxo i flauta)
● Tony Molina (Trompeta)
● Salva Pérez (Bateria)
● Benjamín Bravo (Baix)
● Sergio Rivas (Guitarra)
Escenografía: Ricardo Sánchez Cuerda
Iluminación: Juanjo Llorens
Sonido: Gastón Briski
Caracterización: Ricardo Sánchez Cuerda
Vestuario: Ana Llena
Producción: SOM Produce

Horarios: martes a las 20:30 horas; miércoles a jueves a las 20:00 horas; viernes y sábados a las 17:00 y a las 21:00 horas y domingo a las 16:30 horas
Precio: desde 16:30€
Duración: 120 minutos
Idioma: 120 minutos
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: El Gran Teatro del Mundo, en el Teatre Romea

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Siempre es un placer recuperar un clásico, ya sea por el aliento que atesora, por la visión del mundo que facilita o por las reflexiones que aporta, diferentes, claro está, a las nuestras propias pero equiparables en su sustancia. Y si la ocasión nos permite recontemplar el Siglo de Oro español en la figura de Calderón de la Barca, no se debe dejar escapar. Este es el caso del estreno de El Gran Teatro del Mundo en el Teatre Romea, obra producida por el Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), adaptada por Xavier Albertí, Brenda Escobedo y Lluís Homar y dirigida por este último.

“El gran teatro del mundo es una obra paradigmática. En ella se conjuga un imaginario escénico inédito en su tiempo y una versificación de una extraordinaria belleza con unas reflexiones espirituales y filosóficas de gran profundidad que proponían a los espectadores amplias cotas de reflexión sobre la naturaleza de nuestra existencia y los valores que la acompañan, hecho que la convierten en una de las más importantes producciones teatrales del Siglo de Oro”.

El Teatre Romea nos ofrece una oportunidad de aquellas que no se pueden rehuir y que no es otra que asistir a una representación de la reflexión social que Calderón de la Barca llevó a cabo en con El gran teatro del mundo, una de esas obras que dejan huella en aquellos y aquellas que la contemplan.

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La CNTC ha acometido la empresa de representar uno de los grandes clásicos de nuestro Siglo de Oro con una puesta en escena original, dentro y fuera del propio escenario, y con un desarrollo portentoso. Calderón nos sorprende con un auto sacramental revolucionario en el que analiza las relaciones sociales de la época con trazos filosóficos y humorísticos, en el que convierte al propio autor teatral en Dios y a los personajes en los diversos roles sociales de la época, que incluyen al Labrador, al Rico, al Pobre, a la Hermosura, al Rey, a la Discreción, al Niño y a la Ley de Gracia (irónicamente el “apuntador del Gran Teatro”), a los que hará afanarse por el mundo, mostrando al público su estamento social. Ya os podéis imaginar que con todo el cinismo y el humor que un auto sacramental, vinculado con la liturgia católica y que se representaba el día de Corpus, puede contener.

Es un regalo contemplar como el Autor divinizado da vida y muerte a sus personajes por medio del fino verso de Calderón, al que la adaptación se ha mantenido fiel, haciendo un gran alarde para ello. A lo que se suma la interpretación de una compañía donde destacan dos intérpretes, Antonio Comas, que da vida al Autor y Carlota Gaviño que encarna al Mundo en el que el resto de personajes tendrá que de interpretar sus roles.

La escenografía se mantiene siempre en un segundo plano, pues en la propuesta de la CNTC prima la interpretación de los roles sobre un escenario que o es el simple telón del teatro Romea, o bien un escenario vacío, en el que actúan casi desnudos, evidenciando así, su carácter universal.

Y, claro está, la magia de Calderón se hará presente con el tono de sus versos y las relaciones que se plantean entre los diversos estamentos sociales del siglo XVII, en la que los ricos tienen venia y los pobres han de ganarse el sustento con el sudor de su frente o malviven de la caridad y la beneficencia de los que más tienen.

Como os he dicho El gran teatro del mundo es una gran oportunidad para confirmar la grandeza de nuestro teatro clásico y para contemplar la agudeza de la CNTC, que revive un pasado escénico con la gracia y la simpleza que un clásico como Calderón de la Barca requiere.

«El gran teatro del mundo» se representa en el teatre Romea del 27 de febrero al 16 de marzo de 2025.

Autoría: Calderón de la Barca
Dramaturgia: Xavier Albertí, Brenda Escobedo y Lluís Homar
Dirección: Lluís Homar
Dirección musical: Xavier Albertí
Reparto: Clara Altarriba, Malena Casado, José Luis Verguizas, Antoni Comas, Carlota Gaviño, Pilar Gómez, Yolanda de la Hoz, Chupi Llorente, Jorge Merino, Aisa Pérez, Pablo Sánchez
Escenografía: Elisa Sanz
Vestuario: Deborah Macías
Iluminación: Pedro Yagüe
Movimiento: Pau Aran
Producción: Compañía Nacional de Teatro Clásico

Horarios: de martes a sábado a las 20:00 horas y domingos a 18:00 horas
Precio: Des de 16,80€
Idioma: castellano
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: Electra, en el Teatre Lliure

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El origen del teatro occidental está, ya lo sabéis, en la Antigua Grecia y, de alguna manera, en su forma de dar vida al mundo mítico helénico que ha llegado hasta nosotros. Gracias a esa supervivencia conocemos hoy el relato de Electra, Hija de Agamenón y Clitemnestra, en tres versiones diferentes, de la mano de los tres grandes clásicos griegos Esquilo, Sófocles y Eurípides.

El Teatre Lliure presenta una resumida y actualizada visión de la triple historia de Electra en una propuesta dirigida por Alícia Gorina, e interpretada por una compañía de jóvenes actores y actrices graduadas del Institut del Teatre.

«El episodio del asesinato de Clitemnestra por parte de sus hijos, Orestes y Electra, es el único de la mitología clásica relatado por los tres trágicos griegos: Esquilo, Sófocles y Eurípides. En esta propuesta, ocho intérpretes nos confrontan con tres versiones breves en clave íntima y contemporánea de cada una de las tres tragedias. Tres piezas independientes que corresponden también a tres estilos diferentes de puesta en escena”.

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Gorina, que la temporada pasada ya se internó en el mundo de los clásicos con Ifigènia, también en el Teatre Lliure, se interesa en su nueva propuesta en un aspecto fundamental del relato de Electra, que no es otro que el asesinato de Clitemnestra, su madre, por parte de sus dos hijos. Para ello elabora un relato tripartito, de la mano de Albert Arribas, basándose en la obra de los tres grandes trágicos dándole a cada una de ellas un tono y una escenografía diferenciada. Para el relato de Esquilo, el texto más antiguo, Gorina emplea a un coro clásico, una forma teatral más arcaica, que provee a la representación de un tono más atávico, casi espiritual; para el turno de Sófocles la directora opta por monólogos recitados por los diversos personajes y para el turno de Eurípides Gorina escoge un estilo deconstruido en el que la trama se representa con un formato más actual.

El resultado es una obra que podríamos considerar de arqueología teatral, que mostrará al público la naturaleza evolutiva e innovadora del teatro clásico griego y como una historia puede transformarse, adaptándose a las condiciones sociales y culturales del momento.

El reparto, como ya he dicho, está constituido por jóvenes graduados y graduadas del Institut del Teatre, esto es, Ariadna Chillida, Fermí Delfa, Marta Margarit, Clara Mir, Pau Oliver, Àlex Pujol, Joan Sentís, Carla Vilaró que saben dar a la representación, en cada uno de sus estilos, un toque propio, fresco y juvenil.

El Lliure y Gorina nos embarcan, de esta forma, en una aventura de descubrimiento teatral quasi-arqueológico que nos dirigirá hacia el origen del teatro griego y que nos permitirá reflexionar sobre la naturaleza del teatro y sobre su vigencia en nuestros días, al permitirnos ver como el relato de cualquier acontecimiento puede imponerse, incluso, a su propia sustancia.

“Electra” se representa en el Teatre Lliure del 27 de febrero al 23 de marzo de 2025.

Autoría: Esquilo, Sófocles y Eurípides
Dirección: Alícia Gorina
Adaptación: Albert Arribas
Reparto: Ariadna Chillida, Fermí Delfa, Marta Margarit, Clara Mir, Pau Oliver, Àlex Pujol, Joan Sentís, Carla Vilaró
Escenografía: Xevi Oró
Vestuario: Adriana Parra
Caracterización: Alba Quintos
Iluminación: Quim Algora
Sonido: Igor Pinto
Movimiento: Iris Marrot
Producción: Teatre Lliure e Institut del Teatre

Horarios: de jueves a sábado a las 19:30 horas y domingo a las 18:30 horas
Precio: de 7 a 32€
Duración: 1 hora 30 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: La gramática, en el teatre Romea

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Todos somos conscientes, o deberíamos serlo, de lo importante que es la lengua, o mejor dicho, las lenguas, y lo importante que es también su cuidado en una época como la nuestra en la que los medios de comunicación y, sobre todo, las redes sociales afectan intensivamente su integridad y desarrollo. La gramática, escrita y dirigida por Ernesto Caballero, nos propone una reflexión satírica sobre el uso que hacemos de nuestro patrimonio lingüístico.

“Imaginemos que un buen día, de forma accidental, una mujer convencional o sujeto se convirtiera de la noche a la mañana en una erudita consumada de la lengua y la gramática. ¿Cómo cambiaría su vida esta circunstancia? ¿Vería ensanchados sus horizontes personales y profesionales o, por el contrario, estas nuevas destrezas le provocarían la marginación de su entorno? Imaginemos, al mismo tiempo, un prestigioso neurocientífico dispuesto a someter a la mujer a un intensivo proceso de desprogramación lingüística para devolverle a su estado primario de limitación expresiva para evitarle, de este modo, los trastornos de inadaptación social originados después de su accidente”.

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Caballero pone su atención en La gramática en el uso cotidiano que hacemos de la lengua, y lo que ello supone, proponiéndonos una situación burlona en la que seremos testigos de los efectos perjudiciales que puede tener el buen uso de la lengua en una persona “normal”, poseída por el espíritu regulador de las gramáticas. Una situación imaginaria y disparatada que, enriquecida con un logrado sentido del humor, nos hará reír y reflexionar a la vez sobre la lengua.

La propuesta en sí es de pequeño formato. Una actriz (María Adánez), un actor (José Troncoso), un escenario casi vacío y, sobre todo, un guion original esforzado. Ella, el sujeto, la señora de la limpieza que accidentalmente ha visto incrementado su dominio de la lengua al caérsele encima, literalmente, las gramáticas de la lengua española cuando estaba limpiando en la sede de la RAE. Un percance, veremos, con graves consecuencias negativas. Adánez lo hace muy bien y le da a su personaje la ambivalencia lingüística que requiere. José Troncoso, el terapeuta que intenta devolver la salud espiritual a la protagonista, se complementa perfectamente con ella, formando entre los dos un tándem humorístico que funciona muy bien.

El humor, como es lógico, brota de una situación paradoxal, y no dejará de fluir a la largo de la representación gracias a la conexión entre los dos protagonistas y la originalidad de la trama.

Un ejercicio teatral que, aunque a veces demasiado hiriente a la hora de mostrar al “hablante medio”, nos hará reflexionar sobre el uso, o mal uso, que hacemos del idioma y la necesidad de cuidarlo, ya que, si lo pensamos, somos nosotros mismos en la práctica los que le damos forma, al mismo tiempo que el idioma nos da forma a nosotros, abriéndonos las puertas al conocimiento, a la comunicación y, como es el caso, al disfrute teatral.

“La gramática” se representa en el Teatre Romea del 12 al 23 de febrero de 2025

Autoría y dirección: Ernesto Caballero
Intérpretes: María Adánez, José Troncoso
Escenografía: Víctor Longás
Iluminación: Karla Belvis – Insuel
Vestuario y caracterización: Anna Tusell
Producción: Focus

Horarios y precio: web teatre Romea
Idioma: castellano
Duración: 80 minutos
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: El día de la marmota, en el Teatro Coliseum

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A nadie se le escapa que los éxitos del pasado pueden ser también éxitos del presente. No por otra tanto el cine como el teatro no dejan de versionar y reelaborar propuestas que ya funcionaron en otros tiempos. Este es el caso de El día de la marmota, el exitazo del cine de fantasía romántica protagonizado en el año 1983 por Bill Murray y Andie MacDowell.

«Phil Connors (Roc Bernadí), un egocéntrico y televisivo meteorólogo, se encuentra condenado a revivir el mismo día una y otra vez, atrapado en el tiempo en un pequeño pueblo perdido en medio de Pensilvania. El desconcierto inicial por esta insólita situación da lugar a una serie infinita de intentos extravagantes, divertidos y surrealistas, de escapar del bucle temporal en el que se encuentra. ¿Es posible que encontrar el amor auténtico sea la única clave para salir del Día de la Marmota?»

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Àngel Llàtzer y Manu Guix emprenden una nueva propuesta musical recuperando un clásico del cine de los años noventa muy popular en su momento y que nos traslada a Punxsutawney, un pequeño pueblo de la América profunda al que el meteorólogo Phil Connors ha sido enviado como corresponsal para cubrir informativamente La Fiesta de la Marmota, en la que la marmota Phil determinará si el invierno acabará pronto o no este año. Un trabajo enojoso que exaspera a Phil y que, por tanto, hará pagar a todos los que están a su alrededor. Lo que no espera Phil es que ese día se repita una y otra vez a partir de entonces, haciéndole entrar en un ciclo sin fin del que intentará librarse sin éxito.

La trama de El día de la marmota es conocida por todos y por todas, o casi, si bien aún no habíamos podido disfrutar de la versión musical de la historia. Nostromo Live ha puesto de nuevo en marcha su maquinaria para presentar una propuesta que hará las delicias de los amantes de la fantasía y de las historias de amor, en este caso no tan clásica. ¿Cómo se podrá romper ese día sin fin y, de paso, enamorar a la productora Rita Hanson (Diana Roig) que está al cargo de la noticia, manteniendo al mismo tiempo, su sano juicio?

La obra, como la película, aúna, dos géneros, el de la fantasía y el romántico, y lo hace de forma más que competente, gracias a un relato hábil y muy popular, y a una puesta en escena que, aunque de mediano formato, consigue transmitir la magia que requiere la historia. No esperemos ver, sin embargo, la grandilocuencia de musicales anteriores de la compañía como Bailando bajo la lluvia o Los productores, si bien la historia tampoco requiere de ella.

El casting de actores y actrices, liderado por Roc Bernadí y Diana Roig, hacen que la magia de El día de la marmota se haga realidad sobre el escenario y que las situaciones sean creíbles, a lo que se suma los diversos temas musicales y las coreografías que proporcionan una energía suplementaria a las interpretaciones. Como os decía, entre ellas destacan las de Bernardí y Roig, la pareja principal de protagonistas que desarrollarán una historia de amor algo atípica y repetitiva.

Dos momentos a destacar. El primero la escena en la que se rasga momentáneamente el cuarto telón para reivindicar la agridulce situación de las actrices de reparto en el teatro, y que provee al espectáculo de un realismo y autenticidad significativa. El segundo, la escena en la que el protagonista idea toda una serie de estratagemas para morir y acabar con la pesadilla que está viviendo, todo un lujo de simples efectos que sorprenderán, sin duda, al público.

El día de la marmota es una buena propuesta para los amantes de los musicales y de las historias románticas, a lo que se suma, si me lo permitís, una lección que reside en el aprendizaje del protagonista principal, y que no es otro que aquello tan simple que nos enseñaron desde pequeños, el «tratar a los otros como nos gustaría que nos trataran a nosotros». Solo eso es lo que salvará al protagonista de la obra, y de paso, si lo pensáis, lo que nos salvará a nosotros mismos.

«El día de la marmota» se representa en el Teatre Coliseum del 23 de diciembre de 2024 al 22 de marzo de 2025

Dirección: Enric Cambray
Autoría: Tim Minchin, Danny Rubin
Traducción: David Pintó
Libreto: Danny Rubin
Música y letras: Tim Minchin
Coreografía: Myriam Benedited
Dirección Musical: Manu Guix
Reparto: Roc Bernadí, Diana Roig, Oriol Burés, Clàudia Bravo, Júlia Bonjoch, Ernest Fuster, Marc Gómez, Alexandre Ars, Eduard Mauri, Joana Roselló, Júlia Saura, Edgar Martínez, Pol Roselló, Paula Pérez, Sol Carner, Carles Vallès
Producción: Nostromo Live

Horarios: web Teatre Coliseum
Precio: desde 30,75€
Idioma: catalán
Duración: 150 minutos
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: El médico, el musical, en el teatre Apolo

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Si hablamos de teatro tenemos casi obligatoriamente que hablar de teatro musical. Y es que cualquier historia se puede adaptar como musical con una fórmula que atrae cada vez a más espectadores. Y una de estas historias es la de El médico, el bestseller de Noah Gordon publicado en el año 1986 y que ahora Beon Entertainment adapta sobre el escenario.

«La vida del pequeño Rob J. Cole cambia el día que queda huérfano y descubre que posee un insólito don en sus manos. Adoptado como aprendiz por un cirujano barbero, Rob recorre Inglaterra desarrollando su curiosidad por aprender. Con diecinueve años, un médico judío le habla de la lejana Persia, donde existe una escuela de medicina dirigida por el mejor médico de la época: Avicena.
Rob parte hacia la aventura, dispuesto a cruzar medio mundo para convertirse en médico. Pero el amor, la plaga, la guerra y un rey déspota pondrán a prueba su voluntad».

La trama de El médico es, sin duda, una historia cautivadora, no por otra se adaptó en el año 2013 al cine de la mano de Philipp Stölzl. Ya solo hacía falta algo de destreza escénica para adaptarla como musical. Y para ello Dario Regattieri e Iván Macías han aunado esfuerzos para narrarnos musicalmente una historia que nos hace viajar a Oriente y a una época en la que la medicina y el conocimiento médico estaban limitados por leyes y mandatos religiosos.

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La adaptación teatral es fiel a la novela y, aunque esto pueda parecer contradictorio, es seguramente este hecho el que lastra el espectáculo. Beon Entertainment se ha esforzado más en mantenerse fiel al relato original que en conseguir una propuesta seductora, lo que encorseta en gran medida el desarrollo de la obra.

El reparto se emplea a fondo para dotar a la representación de un toque musical notable, pero el ritmo se ve frenado por la fidelidad antes mencionada. Vale la pena destacar entre el elenco las voces y las interpretaciones tanto de Josean Moreno, que da vida al cirujano-barbero que enseña al joven Cole la base de los conocimientos médicos y Paco Arrojo, que crea a un temible Sha de Persia en la parte final de la obra.

El médico es una buena propuesta para los fans de Gordon, para aquellos y aquellas a las que les gusten las adaptaciones fieles y para los que disfruten reconociendo a los personajes y las escenas de la novela, pero decepcionará a aquellos y aquellas que buscan algo más, esto es, la magia del teatro musical, que solo hallarán en algún tema musical y en alguna de las escenas en las que El médico consigue alzar el vuelo.

“El médico. El musical” se representa en el teatre Apolo del 29 de octubre de 2024 al 2 de marzo de 2025.

Autoría: Noah Gordon
Dirección: José Luis Sixto, Francesc Abós
Reparto: Joseán Moreno, Fernando Samper, Alba Cuartero, Paco Arrojo, Sergi Albert, Beatriz de Teresa, Laureano Ramírez, Adrián de Vicente, María Jaraiz, Miguel Ferrer, Jordi Gràcia, Franc de Luna, Pedro da Costa, Gisela Villamayor, Imanol Fuentes, Pedro Estrada, Esther Santaella, Berta Butinyà
Adaptación: Félix Amador
Dramaturgia: Félix Amador, Iván Macías
Libreto: Félix Amador
Composición musical: Iván Macías
Dirección artística: Ignasi Vidal, Gerónimo Rauch
Dirección musical: Iván Macías
Escenografía: Josep Simón, Eduardo Díaz
Iluminación: Felipe Ramos
Sonido: Alejandro Martín
Vestuario: Lorenzo Caprile
Coreografía: Francesc Abós
Producción: Beon Worldwide

Precio: a partir de de 16,67€
Horarios: de martes a jueves a las 20:00 horas; viernes y sábados a las 16:30 y a las 20:30 horas y domingos a las 17:00 horas
Duración: 165 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 6,5
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Jorge Pisa

Música,Teatro

Teatro: El musical de los 80s 90s, en el teatre Apolo (Barcelona)

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La Compañía Onbeat presenta El musical de los 80s 90s, el musical de una época única en el que el público compartirá la experiencia de los personajes, cantando y bailando con ellos. El mejor pop español de los 80 y 90 se mezcla con éxitos internacionales y con las mejores canciones del verano que marcaron nuestra juventud.

La inauguración de un bar es la excusa perfecta para organizar el reencuentro de los amigos del instituto que terminaron sus estudios hace 25 años, comenzando juntos en el 90. La Movida del Bacalao es la sede donde se reúnen para recordar una época que marcó la vida de sus protagonistas, al ritmo de la mejor música de aquella juventud, donde no existían redes sociales.

Con el recuerdo de antaño, la realidad les mostrará que la vida de esos antiguos amigos ha cambiado mucho respecto a lo que esperaban (unos más que otros); aunque ellos en el fondo siguen siendo los mismos.

«El musical de los 80s 90s» se representa en el teatre Apolo de Barcelona del 21 de marzo de 2024 al 19 de julio de 2025.

Guion y dirección: Antonio Martin Regueira
Coreografía: Fátima Padial
Reparto: Albert Artigas, Guille Guillado, (Max Navarro), Adrià Andreu, (Ionai Ramírez), Mireia Coma, Ana Extremera, (Nize Crespo), Elena Moreno, Elisabet Molet
Horarios: viernes y sábados a las 22:30 horas
● Próximas sesiones: Web Teatre Apolo
Precio: des de 20€

Teatro

Crítica teatro: Forever Van Gogh, en el Teatre Apolo

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Los espectáculos inmersivo son una realidad creciente en nuestras sociedades digitalizadas. Cada año se estrenan diversas exposiciones digitales que recorren la vida de un artista famoso, su arte o un período histórico en concreto, reconstruyendo fácilmente para el visitante o espectador ambientes u obras artísticas. Y es de la suma de la Inteligencia Artificial, la perspectiva inmersiva y el biopic de la que se nutre Forever Van Gogh, el espectáculo producido por Beon. Entertainment, dirigido por Ignasi Vidal y delineado musicalmente por el violinista Ara Malikian, que repasa la vida y la obra de Vincent Van Gogh.

«Forever Van Gogh es un espectáculo teatral sobre la vida del reconocido pintor Vincent van Gogh que utiliza la Inteligencia Artificial para el desarrollo de los espacios virtuales. Durante la obra se hace un recorrido por la trayectoria del artista y por los aspectos más íntimos que le llevaron a albergar una singular visión del arte. Un espectáculo para descubrir los diferentes momentos de su vida, a través de sus distintas etapas creativas, y conocer a la persona que hay detrás del genio».

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La propuesta de Beon. Entertainment se aposenta en la energía pictórica de la obra de Van Gogh, que como os podéis imaginar es muy potente. La biografía escénica que se centra en los últimos diez años de la vida del pintor y se basa en la correspondencia que se escribieron los hermanos Teo y Vincent Van Gogh, juega y se recrea en la vivacidad de los colores y la maestría en el uso del pincel del artista postimpresionista para mostrarnos un escenario digital en el que sus cuadros toman vida. La propuesta se concreta con un joven reparto que da vida competentemente a los personajes de la obra y entre los que destacan, como no podría ser de otra forma, Cisco Lara, que da vida al genial pintor neerlandés y Felipe Insola, que interpreta a su hermano. A todo ello se suma la danza, que juega un papel importante también en la representación y que, posiblemente, sea el elemento que más ralentiza el espectáculo. No confundir, por otra parte con un espectáculo músical, ya que aunque con música y danza, Forever Van Gogh no lo es.

A lo ya comentado hemos de sumar, por supuesto, el violín de Ara Malikian, que junto con los efectos digitales, es el elemento que provee a la obra de un carácter propio y acompaña al devenir del protagonista a lo largo de la representación y le da sentido emocionalmente.

Forever Van Gogh es un espectáculo eminentemente visual envuelto en las notas de violín de Malikian, al que le sobra algo de su perfil biográfico y le falta capacidad de conectar con el espectador, pero que muestra la potencialidad de lo digital en el teatro y el ímpetu de la IA en los escenarios, que, seguramente, irá siendo cada vez más habitual de ahora en adelante.

Tras su estancia en el Teatre Apolo de Barcelona Forever Van Gogh estará en gira por del 6 al 8 de diciembre en Pontevedra y del 18 al 29 de diciembre en Sevilla

«Forever Van Gogh» se representa en el Teatre Apolo del 3 al 20 de octubre de 2024.

Dirección: Ignasi Vidal
Autoría: Ignasi Vidal
Reparto: Tomy Álvarez, Paco Morales, Vicky Condomí, Alcorta Tamar, Vela Noelia Venza, Inés Valderas, Andoni Larrabeti, Joaquin Fernández, Mario Glez, Víctor Ramos, Cisco Lara, Felipe Ansola
Escenografía: Alessio Meloni
Vestuario: Pier Paolo Álvaro
Coreografía: Chevi Muraday
Música original: Ara Malikian
Producción: Beon. Entertainment

Precio: a partir de 18€
Horarios: Web teatre Teatre Apolo
Idioma: español
Duración: 105 minutos
NOTA CULTURALIA: 6,5
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: Godspell, El Musical, en el teatre Poliorama

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Cada vez es más obvia la capacidad que tienen los musicales para atraer al público teatral. Se estrenan musicales de todo tipo a lo largo de temporada tanto en Madrid como en Barcelona. Hoy os hablamos de Godspell, un clásico del teatro musical de los años 70 recuperado por Antonio Banderas y dirigido por Emilio Aragón y que nos permite evocar las enseñanzas y el ejemplo de vida «de un tal Jesús«.

«Godspell es un recorrido por la vida y las parábolas de Jesucristo que nos permitirá descubrir conceptos como la tolerancia y el respeto al diferente, la necesidad de construir redes de apoyo comunitario, la compasión por cualquier ser humano, la riqueza sostenible y compartida, la libertad de ser y elegir, la corresponsabilidad en la construcción de una buena vida para todos, el derecho a equivocarse y volver a empezar, a dolerse con el sufrimiento del otro, a vivir completos, a reír, amar, cantar, jugar, vivir… y hasta morir».

Godspell es un musical espiritual y de aprendizaje basado en los ejemplo de Jesús a través del Evangelio de San Mateo. Pero no os asustéis, ya que la propuesta posee un fuerte carácter festivo y se ha adaptado a los nuevos tiempos. Banderas y Aragón han reelaborado un material cristiano y le han dado un toque actual que le va muy bien.

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El musical se divide en dos partes. La primera, la mejor llevada a cabo, repasa algunos de los ejemplos vitales que Jesucristo enseñó a sus seguidores y que proveen de un material de reflexión muy necesario, también, en el siglo XXI. Cada una de las parábolas y ejemplos se representa como una escena individual o sketch, en el que los miembros del reparto se lucen en la interpretación musical. Además cada escena tiene una tonalidad musical diferente, que va desde el soul al flamenco, pasando por folk, pop-rock o los números made in de Broadway, una diversidad musical que le va muy bien al musical. El segundo acto se centra más en el relato de la Pasión de Cristo, y es la parte que más se resiente del musical, ya que le falta la energía y la viveza desplegadas en la primera parte.

En lo que respecta al reparto, no puedo decir nada más que está genial. Adrián Salzedo, Alberto Ladrón de Guevara, Andro Crespo, Érika Bleda, Iván Amigo, Juls Sosa, Lucía Ambrosini, Noemí Gallego, Nuria Sánchez Raúl Ortiz se lucen a la hora de interpretar musicalmente cada uno de los sketches y darle ese tono respetuoso y fresco que es la clave de la propuesta.

Por lo que respecta a la representación cabe indicar que al espectáculo le falta una trama algo más trabada y una conclusión respecto a la escena inicial del musical, que queda colgada. Y sobre el tema central de la representación, esto es, la sabiduría atesorada en los Evangelios, aunque constituye un repertorio sapiencial de primer orden, tiene el inconveniente de estar algo alejados de los valores sociales actuales, sobre todo de la juventud.

Aún así, si os gustan los musicales y os apetece descubrir o redescubrir aquellos no tan conocidos y laureados, Godspell es un buena oportunidad y un ejercicio de «arqueología teatral» que, seguro, os sorprenderá.

«Godspell, The Musical» se representa en el Teatre Poliorama del 18 de septiembre al 13 de octubre de 2024.

Autor: John-Michael Tebelak
Música y letras: Stephen Schwartz
Dirección: Emilio Aragón
Reparto: Adrián Salzedo, Alberto Ladrón de Guevara, Andro Crespo, Érika Bleda, Iván Amigo, Juls Sosa, Lucía Ambrosini, Noemí Gallego, Nuria Sánchez, Raúl Ortiz
Coreografía: Carmelo Segura
Escenografía: Sebastià Brosa
Vestuario: Gabriela Salaverri
Iluminación: Juanjo Llorens
Sonido: Jordi Ballbé, Albert Ballbé

Horarios: miércoles y jueves a las 20:00 horas; viernes a las 21:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: desde 20€
Duración: 150 minutos (con intermedio)
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: La colección, en el teatro Romea

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A veces se estrenan obras de teatro que son difíciles de clasificar, que no sabes bien bien cómo valorar y que requieren un esfuerzo extra a la hora de hacer la crítica. Este es el caso de La colección, obra estrenada el pasado 3 de septiembre en el teatre Romea, creada y dirigida por Juan Mayorga, e interpretada por José Sacristán, Ana Marzoa, Ignacio Jiménez y Zaira Montes.

«Héctor y Berna son un matrimonio sin hijos, a lo largo de su vida han reunido una colección a la que sacrificaron todo lo demás. Ahora, ancianos, quieren asegurarse de que la colección los sobreviva, para lo que buscan un heredero. Han convocado a Susana, coleccionista a su vez, acaso para examinarla. Los acompaña Carlos, quizá un examinador, o una pieza de la colección. Es La colección una obra sobre el matrimonio, sobre el paso del tiempo y sobre la misteriosa relación entre las personas y los objetos».

Como os decía La colección es una propuesta diferente, en la que la intriga, un texto inquietante y el buen hacer del reparto, nos van a hacer pensar. Somos testigos desde el inicio de la obra de la selección que el matrimonio formado por Héctor (José Sacristán) y Berna (Ana Marzoa) llevan a cabo para escoger a un/a heredero/a de su colección. Una colección que no veremos nunca, que tan solo oiremos, y que se convierte en el centro de la representación

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Es aquí donde el espectador tendrá que dar forma a la colección y decidir de qué está compuesta y por qué es tan importante y, también, tan valiosa. De esta forma el espectador pasa a formar parte de la obra, escribiendo desde su perspectiva personal una parte crucial de la trama que se desarrolla sobre el escenario.

La propuesta de Mayorga es original en varios aspectos. Primero por el tono tranquilo con el que avanza la trama, que permite al público obtener más de un punto de vista de la colección, ya que sus poseedores también tienen una visión diferente de ella y, también, de muchas otras cosas. Una incertidumbre que persistirá hasta el final de la obra.

Por lo que respecta al reparto, La colección merece una valoración muy alta. José Sacristán y Ana Marzoa están magníficos en su interpretación de los excéntricos propietarios de la colección. A ellos se suman una diestra Zaira Montes que dudará en varias ocasiones sobre la propuesta que se le hace y que nos hará dudar sobre cuál es su verdadero propósito en la historia e Ignacio Jiménez, más en un segundo plano y del que la obra no nos acabará de aclarar qué papel representa en ella. Por último un escenario repleto de cajas que también nos hará dudar de qué es lo que contienen, hecho este que sumará intriga a la representación.

La colección no nos lo va a poner nada fácil. Nos va a obligar a meternos en la obra y a darle sentido, ya que seguro, al salir, todos tendremos una idea propia de la naturaleza de la colección, pero saldremos, seguro también, con un muy buen sabor de boca del teatro.

«La colección» se representa en el Teatre Romea del 3 al 29 de septiembre de 2024.

Texto y dirección: Juan Mayorga
Reparto: José Sacristán, Ana Marzoa, Ignacio Jiménez y Zaira Montes
Escenografía: Alessio Meloni
Vestuario: Vanessa Actif y Sandra Espinosa
Iluminación: Juan Gómez Cornejo
Música y espacio sonoro: Jaume Manresa
Producción: LAZONA, Teatro de La Abadía

Horarios: Web Teatre Romea
Duración: 120 minutos
Idioma: español
Edad: a partir de 14 años
Precio: a partir de 19€
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa