A partir del 19 de mayo el Mercat de les Flors nos ofrece una programación clásica con la representación del espectáculo Degustación de Titus Andrónicus, de la Fura dels Baus, una adaptación furera de la obra de William Shakespeare.
Con Degustación de Titus Andrónicus La Fura vuelve a los espacios no convencionales y al “lenguaje furero” basado en la acción, la imagen y la música a la vez que comparte el espacio escénico con el público. Se trata de una adaptación de Titus Andrónicus de Shakespeare. El desarrollo de la obra nos obsequia con un ágape antropófago en el que se desencadena el final trágico de casi todos los personajes. Escogida por este motivo, facilita la entrada de La Fura en el mundo de la gastronomía, una nueva puerta para poder llegar a uno de los sentidos que la compañía nunca había agredido hasta ahora. Y lo hace con uno de los grandes de la cocina mundial: Andoni Luis Aduriz, restaurante Mugaritz, en Errentería, el quinto mejor del mundo según la prestigiosa The S. Pellegrino World’s 50 Best Restaurants 2010.
“Degustación de Titus Andrónicus” se representará en el Mercat de les Flors del 19 de mayo al 5 de junio de 2011.
Dirección y dramaturgia: Pep Gatell
Adaptación texto: Salvador Oliva
Dirección gastronómica equipo Mugaritz: Andoni Luis Aduriz, Javier Vergara y Dani Lasa
Intérpretes: Joan Serra, Ramon Tarès, Diana Bernedo, Joaquim Revenga “Tatín”, María Pérez, Carles Fígols, Vidi Vidal, Iván Altimira, Roelkis Bueno, Darío Ese y Raúl Vargas
Composición musical: Robert Merdzo
Vídeo: Álan Fàbregas
Diseño iluminación: Cube BZ
Diseño vestuario: Marga Binoux
Construcción escenografía: Masters
Director técnico: Francesc Martínez “Kiku”
Técnico de sonido: Oriol Lliscar
Técnico de iluminación: Miguel Miñambres
Técnico de vídeo: Manel Raga
Coproducción: La Fura del Baus, Kutxa, KH Lloreda, De Dietrich, Teatros del Canal
Horarios: de martes a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 19:00 horas. Precio: martes 15 €; de miércoles a domingo 22:00 horas. Duración del espectáculo: 80 minutos sin pausa.
El próximo 22 de julio se estrena en España Templario, film dirigido por Jonathan English e interpretado por James Purefoy y Paul Giamatti. La película está ambientada en uno de los momentos más violentos y cruciales de la historia de la Inglaterra medieval durante el reinado de Juan I, cuando tras la firma de la Carta Magna un grupo de caballeros lucharon por defender su país del megalómano rey Juan Sin Tierra.
Corre el año 1215. El rey Juan I de Inglaterra (Paul Giamatti) se ve obligado a firmar la Carta Magna. Furioso por haberse visto forzado a firmarla, recluta un despiadado ejército de mercenarios que empieza a arrasar el país para recuperar el poder. Pero cuando el ejército del rey está a punto de llegar a Londres y hacerse con el control del reino, un solo bastión se interpone entre él y la inevitable victoria: el castillo de Rochester.
Un pequeño grupo de rebeldes reunidos por el barón Albany (Brian Cox) se ha atrincherado en el castillo para combatir al rey Juan hasta que lleguen los refuerzos: un caballero templario (James Purefoy) atormentado por la culpa ante las atrocidades que cometió durante las cruzadas y por sus florecientes sentimientos por Isabel (Kate Mara), hermosa señora del castillo y esposa del avejentado Reginald de Cornhill (Derek Jacobi); unos mercenarios curtidos en la batalla, entre los que se encuentra Beckett (Jason Flemyng), que lucha no por Dios ni por su país, sino por dinero y sed de sangre; y unos jóvenes soldados, como Guy (Aneurin Barnard), que probará el sabor de la sangre y de la batalla por primera y puede que por última vez.
La película está dirigida por Jonathan English y cuenta con un reparto de lujo encabezado por actores consagrados como Paul Giamatti (El mundo según Barney, Entre copas) y James Purefoy (Solomon Kane, Roma), rostros jovenes como Kate Mara (Happythankyoumoreplease, 127 horas) y secundarios británicos de lujo como Brian Cox (Troya), Derek Jacobi (El discurso del rey) o Jason Flemyng (X-men: Primera Generación).
Título: Templario Título Original:Ironclad Nacionalidad: Reino Unido, USA Año de producción: 2011 Director: Jonathan English Guión: Stephen McDool, Erick Kastel Reparto: James Purefoy, Kate Mara, Paul Giamatti, Derek Jacobi, Jason Flemyng
El espacio escénico de la Nau Ivanow representa del 27 de abril al 8 de mayo Descartable, de Daniel J. Meyer, una firme crítica teatral hacia la sociedad actual en la que vivimos y contra los roles que nos obliga a desarrollar. Una visión actual de lo que somos y de lo que no podemos llegar a ser.
No son pocas las obras de teatro que hacen un largo trayecto, ya sea en el espacio o en el tiempo, para acabar hablándonos del presente y de todo aquello que vivimos, que sentimos y que sufrimos en la actualidad, aunque maquilladlo y disfrazado de una forma tal que nos puede parecer, al menos en un primer golpe de vista, como algo antiguo y lejano. Descartable, obra escrita y dirigida por Daniel J. Meyer no hace ni una cosa ni la otra. Nos habla, eso sí, de nuestro mundo actual, sin embargo se queda en él para hablar de él, de una forma firme y concisa y a en muchas ocasiones dura.
Meyerescoge para su diatriba “contra la modernidad” a una pareja triunfadora (o eso parece) que está a punto de casarse. Ella es una esforzada arquitecta que parece estar triunfando en su carrera profesional. Él trabaja en la oficina, no llegamos a saber bien bien de qué. Los dos intentan tirar adelante un proyecto vital y familiar conjunto, heredado de la sociedad en la que vivimos, en la que la pareja “feliz” es un fiel testigo del éxito emocional y sentimental. Aunque pronto veremos que detrás de una ceremonia bonita y unas sonrisas radiantes y continuas pero vacías se esconden muchos de los males que nos impone la sociedad de consumo en la que estamos inmersos. Un espejismo necesario para poder seguir adelante.
Descartable es, como dije antes, una obra firme y concisa que se permite muy pocos dispendios para atacar una cuestión que nos toca a todos muy de cerca. ¿Cuál es el futuro de las personas y de las parejas en una sociedad insensible que tan solo necesita de nuestro trabajo? ¿Es posible la felicidad en los tiempos en los que vivimos? ¿Es posible el romanticismo o la idea del amor en un mundo en el que todo se ha convertido en un bien consumible o, si no puede ser consumido, en un residuo? ¿Existe algo más allá del éxito?
Todas estas (y otras más) son las preguntas que Daniel J. Meyer intenta responder con su espectáculo. Un espectáculo que en ningún momento tiene ningún tipo de indulgencia para el público que asiste a su representación. Meyer nos introduce en el meollo del asunto desde el primer momento. La obra avanza en base a escenas que nos muestran la vida ¿ideal? de la pareja ¿triunfadora? que se acaba de trasladar a su nueva vivienda. Todo en ella es tan parecido a todas las otras casas (concepto IKEA) que no hace falta ningún tipo de atrezo o escenografía, tan solo una serie de cajas que se transforman en aquello que se necesita en cualquier momento: una cama, unos armarios, una pasarela… acompañado de un vestuario monótono que sirve para universalizar a los personajes.
Poco a poco iremos viendo como lo que parece un panorama idílico se va transformando en algo vacío (de sentimientos, de realidad, de voluntades) hecho provocado, sin ninguna duda, por el ritmo de vida en el que vivimos. La ingesta masiva de comida precocinada (representada en las variadas bolsas de patatas de sabores fantásticos); la incapacidad de los miembros de la pareja de entregarse plenamente al otro en ninguno de los sentidos; el omnipresente ir y venir de los viajes en avión (una de las grandes concesiones que la globalización ha permitido a los “no ricos”); la presencia constante de los instrumento de trabajo en el ámbito familiar; la injerencia de la televisión (y lo que ella representa) en varios momentos de la trama; incluso el tipo de ocio automático e inducido del que disfrutan. Un panorama que convierte a los personajes en cualquiera de nosotros, de aquellos que solo se pueden dejar llevar por las formas sociales y culturales que en definitiva nos definen ahora, igual que las propias de otros tiempos definían otras épocas.
Una obra con unas garras finas y precisas que saben donde rasgar para mostrarnos, en carne viva, el interior de los cuerpos y de las mentes. Casi una operación quirúrgica que nos muestra unos resultados que, como pacientes potenciales que somos, no nos gusta ver, aunque cuando descienda el telón (imaginario, pues el espacio escénico no lo posee) nos levantaremos y volveremos a “ejercer” nuestra cotidianidad, por muy parecida que ésta sea a lo que acabamos de ver representado en el escenario. Una excelente idea y una aún mejor puesta en escena de la mano de Daniel J. Meyer, autor y director de la obra que se está haciendo un hueco en el mundo teatral barcelonés, hecho que ratifica su contribución en obras como Èdip 1,2,3,4 y El señor de les mosques, ambas representadas en el Versus Teatre; o su participación en obras de gran formato como Boeing Boeing, La doble vida d’en John o Gerónimo Stilton, el musical.
Al empeño de Meyer se suma la acertada interpretación de las dos parejas protagonistas, una opuesta a la otra, una metafórica e irreal y la otra actual y existente. Las actuaciones de Laia Pellejà, Toni Ramírez, Daniela Poch y Rafa DelaCroix, en contraposición las unas con las otras, se adaptan a la firmeza y la concisión del resto de la obra para dejarnos ver en ellos un poco (o mucho) de nosotros mismos.
Ya para acabar me veo obligado a resaltar dos de las escenas que se representan en la obra. La primera la escena de la salida nocturna de la pareja, en la que la esencia de muchos de nuestras debilidades (el sexo, el amor, la droga, el alcohol, la infidelidad, el todo vale) se nos hace patente de una forma clara y sencilla. La segunda, la escena de la pasarela, el momento, para mi gusto, más brutal de la representación, en el que los cuatro personajes nos muestran, sin palabra alguna, los efectos de la actualidad, las consecuencias nocivas de nuestra forma de vida, tan solo acompañados por la letra de un tema musical, que nos repite, hasta la saciedad, que solo “quiere nuestra alma”, tan solo.
Y uno se pregunta ¿quién quiere nuestra alma? ¿quién nos ha robado, si es que alguna vez las hemos tenido, nuestras ganas de vivir y de sentir, nuestras ganas de ser las personas que somos y de resistirnos a unas fuerzas invisibles pero poderosas que tan solo quieren que dejemos de ser nosotros mismo y que seamos y hagamos lo que ellas quieren que seamos y hagamos.
“Descartable” se representó en el espacio escénico de la Nau Ivanow del 27 de abril al 8 de mayo de 2011.
Dramaturgia y dirección: Daniel J. Meyer
Intérpretes: Laia Pellejà, Toni Ramírez, Daniela Poch y Rafa DelaCroix
Ayudante de dirección y videocreación: Leire Erkizia
Iluminación: Luis Aznarez y Natalia Ramos
Sonido: Ferran Roig
Regiduría y fotografía: Sara Manzano
Diseño gráfico: Jordi Martinez Pinyol
Colaboraciones movimiento: Laura Vilar
Voz en off: Enric R. Cambray ———————————————
La bailarina valenciana Noelia Liñana y el músico tarraconense Paco Enlaluna presentan Sucre, un espectáculo único que intercala la música, la danza, las proyecciones y el diálogo.
Ponemos azúcar al café, al zumo, a la vida para que nuestro paladar evite los matices amargos. Noelia lo sabe muy bien. Desde el día que se desmaya en medio de un ensayo y un médico le diagnostica una diabetes con dependencia de la insulina, deja de poner azúcar a su vida.
El azúcar se convierte en la tentación, la «fruta prohibida».
En escenario, dos mundos: el proyectado, donde la protagonista niña vive en un mundo edulcorado, ajena a los conflictos, y el bailado, donde los personajes luchan o ceden a la provocación del azúcar. Todo esto salpicado por la incomunicación de quien busca complicidades profundas y recibe consejos vacíos, de quien busca nuevas perspectivas y en cambio recibe sermones sobre las saludables propiedades de la berenjena.
Después de una larga trayectoria como bailarina en grandes compañías como Lanònima Imperial, Tomas Noone o Gelabert Azzopardi, Liñana emprende conjuntamente con Paco Enlaluna su primera aventura en solitario a partir de experiencias propias como por ejemplo el diagnóstico de la diabetes o la muerte de su padre. Sucre es su primera producción y en ella ejerce como directora y coreógrafa.
La obra narra ocho historias protagonizadas por personajes excesivamente dependientes del azúcar, y que edulcoran sus oscuridades personales antes de enfrentarse a ellas pasando por diferentes estados como por ejemplo la negación, la rebelión o la aceptación irónica. Aun así, Sucre es un espectáculo optimista. Un alegre collage de danza contemporánea con pequeñas dosis de humor y de ironía.
“Sucre” se representa en el Espai Escènic Brossa del 12 al 22 de mayo del 2011.
Dirección: Noelia Liñana
Bailarina: Noelia Liñana
Actrices audiovisual: Noelia Liñana y Ainara García
Dirección musical: Paco Enlaluna
Músico en directo: Paco Enlaluna
Guió y dramaturgia: Paco Enlaluna y Noelia Liñana
Dirección escénica / coreografía: Nicolaas Marckmann
Diseño de iluminación: Marc Martínez
Producción: Segundo Acto Produccions
Horarios: de miércoles a viernes a las 21:00 horas y sábados a las 19:00 y a las 21:30 horas. Precio: 16 €.
La compañía de teatro La Calòrica representa en el Versus Teatre hasta el próximo 22 de mayo la obra Feísima Enfermedad y Muy Triste Muerte de la Reina Isabel I, la recreación tragicómica y grotesca de los últimos días de vida de una reina cuyo gobierno hizo variar el rumbo de la historia de España.
El Versus nos presenta una obra de carácter histórico, es decir, que nos habla de personajes históricos, algunos de ellos muy pero que muy conocidos, como son la reina Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón, los reyes Católicos. Y nos los presenta en clave de comedia, obligándonos a presenciar los días previos de la muerte de la reina y la situación de sus dominios, que, en aquella época, se extendían a lo ancho y largo del planeta conocido. Sin embargo, durante la representación no saldremos de la alcoba de la reina, donde todos los personajes de la obra irán pasando, ya sea para reverenciar a la soberana moribunda o para asegurarse de la “feísima enfermedad y muy triste muerte” de la misma, una de las soberanas más poderosas de su tiempo.
La compañía La Calòrica nos ofrece una postal teatral e histórica minimalista donde el sentido del humor y los tópicos históricos están muy presentes. En ella la reina Isabel I en su lecho de muerte sigue gobernando unos reinos que le costaron mucho conseguir: enfrentamientos dinásticos, la rivalidad con su sobrina Juana la Beltraneja, las peripecias históricas que hubo de llevar a cabo para heredar su reino, su boda con Fernando II de Aragón y la unión de los territorios de la Península, a excepción de Portugal. Aunque no será todo esto lo que le importará a la reina. Viendo cerca la muerte solo pensará en quién heredará su legado.
Su elección recae en su hija Juana, conocida por la historia como Juana la Loca (aunque parece que no lo estaba tanto). Juana está casada con un príncipe austríaco educado en el norte de Europa que posee unos principios y una cultura muy diferentes a las existentes en suelo hispano. He aquí el intríngulis de la obra: la oposición entre la “España y la Europa del momento”, la oposición entre el conservadurismo y el tradicionalismo hispano y los nuevos aires en la cultura, en las costumbres y en los pensamientos que se movían por aquellos entonces por Europa, una evolución que en breve provocaría un cisma religioso, político, económico y social en toda Europa con la aparición del protestantismo y los conflictos religiosos que dominaron gran parte de la época moderna.
Pero no se asusten. Que la obra nos habla de ello pero sin exigirnos ningún esfuerzo instructivo previo. Al contrario. Es la propia obra la que nos identificará a los personajes y nos dibujará el espacio y el ambiente que necesitamos conocer. Para ello la actuación de los actores y actrices serán básicos. Bien pronto veremos la relación mantenida entre Isabel y Fernando, basada en el tópico histórico de la poderosa personalidad de la reina y a un mero consorte dibujado como un pequeño gran-rey obsesionado con su «imperio mediterráneo» pero sin carácter ni fuerzas para enfrentarse a sus enemigos europeos, italianos y franceses. La mano de la religión también estará presente en la figura del consejero político y espiritual de los reyes, que se creerá el único personaje con el carisma, la energía y las aptitudes necesarias para marcar el camino a seguir por la historia de la Monarquía Hispánica, a veces, incluso, enfrentándose e intentando someter a los propios reyes. A los tres personajes principales se les suma Juana, la hija de Isabel y de Fernando, educada para ser la esposa del rey, nunca la reina y Felipe el Hermoso, aureolado por la modernidad y un entendimiento del mundo y de su poder muy lejano al nacido en suelo hispano. Solo un personaje plebeyo, la criada, tendrá acceso a la alcoba de la reina, y siempre para ayudar y servir a sus superiores.
La compañía La Calòrica construye un acertado esbozo tragicómico y grotesco de una de las épocas y de uno de los reinados de más significancia para entender la historia de la España actual. Y lo hace con muchas ganas y con mucho empeño. Todo un hallazgo para aquellos que quieran reflexionar y que quieran reír con la historia y con el teatro. Para ello los personajes, aunque con un intercambio confeso de sexos (la reina Isabel interpretada por un actor, el consejero espiritual del reino interpretado por una actriz) nos permiten conocer algo más, aunque a veces de una forma descabellada, el episodio de la enfermedad y muerte de la reina Isabel I. Todo un ejemplo que nos enseña lo interesante que pueden ser el teatro y la historia, y también la suma de ambos. Una obra, en definitiva, que nos hará viajar en el tiempo (escénico, claro está) y ver los nuevos aires y los viejos que se respiraban en la Europa moderna de finales del siglo XV y principios del XVI y los entresijos de la gran política, que a veces orquestan pequeñas personas. Todo, claro está desde el humor y el ingenio más burlesco y caricaturesco.
«Feísima enfermedad y muy triste muerte de la reina Isabel I» se representa en el Versus Teatre del 18 de marzo al 22 de mayo de 2011.
Dramaturgia: Joan Yago
Dirección: Israel Solà
Intérpretes: Xavi Francés, Aitor Galisteo Rocher, Esther López Martín, Carla Rovira Pitarch, Júlia Truyol y Marc Rius
Escenografía, vestuario e iluminación: Gerard Orobitg, Carmen Padró, Albert Pascual y Marta Soto
Asesoramiento de voz: Matilde Miralles
Horarios: de jueves a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 19:00 horas.
El domingo 15 de mayo no hay función. Precio: 16 €. Duración de la obra: 65 minutos
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El Guasch Teatre presenta en su programación para adultos Cuando se apaguen la velas, la historia de un asesino a sueldo dedicado y en silla de ruedas preparado para llevar a cabo su último encargo. Dante (Xavier Serrat) es todo un ejemplo de superación personal. Aunque hace casi dos años que se ve obligado a ir en una silla de ruedas, ha seguido trabajando hasta el día de hoy, el día de su jubilación. Solo necesita acabar un último encargo y se podrá ir para siempre. Dejar atrás todo el sufrimiento que ha tenido que soportar durante estos últimos años. Y es que la suya sería una historia como la de otros muchos si no fuera porque Dante… trabaja como asesino a sueldo.
Son muchos años de experiencia, muchas víctimas que han pasado por sus manos y muchos los escenarios que ha tenido que recrear con mucho cuidado y a petición de sus superiores. Pero esta vez será diferente. Totalmente diferente. Sus últimas víctimas las ha escogido él… y tiene una buena razón para hacerlo.
Ahora solo es cuestión de tiempo y suerte. Si todo sale tal y como lo ha planeado, en breves minutos acabará el trabajo y se podrá ir. Dar por finalizado un viaje catárquico a través del cual reconciliarse con su pasado. Nadie lo podrá impedir. Ya se ha encargado de cubrirse las espaldas. Al fin y al cabo, es un buen profesional.
«Cuando se apaguen las velas» se representará en el Guasch Teatre a partir del 12 de mayo de 2011.
Autor: Eric Romero
Director: Miquel Murga
Intérprete: Xavier Serrat
Escenografía: Noemí Batllori
Fotografía: Enric Monté
Horarios: jueves a las 21:00 horas; viernes y sábados a las 22:00 horas y domingos a las 19:30 horas. Precio: jueves 18 €; de viernes a domingos 20 €.
Un escritor falto de inspiración. Un grupo de amigos sin seguridad en sí mismos. Una pareja desorientada y con ideas opuestas sobre su futuro en común. La dificultad de encontrar el amor en la sociedad moderna. Y, por supuesto, Nueva York. Con estas premisas bien podría tratarse de la última película de Woody Allen, pero no (aunque su influencia se respira a lo largo de todo el film): éstos son los principales ingredientes de Happythankyoumoreplease, el debut en la dirección de Josh Radnor, protagonista de una de las series más divertidas y de mayor éxito de los últimos años, Cómo conocí a vuestra madre.
Tras una movida noche, Sam se despierta de resaca y con el tiempo justo para acudir a una reunión clave en su futuro como escritor. De camino hacia la editorial encuentra un niño extraviado en el metro, y, sin saber qué hacer, se lo lleva con él. En su día a día, Sam ocupa sus horas en esperar a que llegue la inspiración ante el ordenador y en atender a sus amistades, entre las que se encuentran Annie, una joven con una extraña enfermedad que le ha hecho perder todo el pelo, algo que le acompleja hasta creer que nadie puede enamorarse de ella, y Mary Catherine, una joven que deberá decidir si seguir adelante o no con su relación con Charlie. Finalmente, la aparición de Mississippi, una joven camarera aspirante a cantante, hará que Sam se replantee cómo afrontar, en adelante, sus relaciones sentimentales.
Happythankyoumoreplease es un espléndido relato que funciona como retrato generacional de aquéllos (o buena parte de aquéllos) que rondan la treintena y viven en grandes ciudades, una generación que se muestra insegura, desorientada, con dificultad para encontrar su lugar en el mundo, alérgica al compromiso y angustiada por las responsabilidades que suponen ser adulto. Además, podría pasar por una de tantas comedias románticas, aunque es mucho más que eso: cierto es que el amor y sus consecuencias son los auténticos protagonistas de la historia, pero Radnor propone también una magnífica historia de sentimientos, ya sean los sentimientos que llevan al protagonista a hacerse cargo de un niño con problemas familiares, o la estrecha relación que mantienen Annie y el mismo Sam, una preciosa historia de confianza mutua entre ambos que desmiente a los que no creen posible una simple amistad entre un hombre y una mujer. Paralelamente, y a pesar de desprender cierta tristeza y melancolía, la película se revela como un canto al optimismo y a encarar la vida con una actitud positiva, a pesar de los problemas que nos atormentan a diario.
En una historia de personajes desorientados como ésta, la ciudad de Nueva York (aunque bien podría ser cualquier otra gran ciudad) ejerce una función imprescindible, convirtiéndose en una de las principales protagonistas de esta película, una Nueva York algo diferente a la que estamos acostumbrados a ver en el cine: aquí no hay solemnes atardeceres que muestren su conocidísimo skyline, ni imágenes que demuestren que estamos en la ciudad que nunca duerme, no; la película retrata una ciudad luminosa, sí, pero diurna, quizás para dar consistencia a ese mensaje optimista que el film ofrece. Asimismo, el relato sirve para posicionar al espectador en la rivalidad entre grandes ciudades, en esta ocasión entre Nueva York y Los Ángeles: la primera, moderna, bohemia, ideal para mantener una excelente actividad cultural, mientras que la segunda se muestra impersonal y en la que cualquier movimiento debe realizarse motorizado.
Josh Radnor es director, guionista y el antihéroe protagonista de este film de espíritu indie que viene avalado por el Premio del Público del Festival Internacional de Cine de Sundance en 2010. Sin duda es él quien sostiene el peso de la película, a pesar de tratarse de una historia coral. El resto del reparto lo forman nombres poco conocidos, entre los que destacan Malin Akerman como la optimista Annie, Kate Mara como la hermosa camarera que fascina al joven escritor y, sobre todo, el pequeño Michael Algieri, todo un descubrimiento como el niño extraviado, Rasheen.
Así, ésta es una historia imprescindible para todo aquél alérgico a las edulcoradas comedias románticas convencionales, que conmueve con facilidad al espectador, y que debe su peculiar título a la expresión que repite, a modo de mantra, una de sus optimistas protagonistas, quien cree que en todo momento hay que agradecerle al karma (o a quien sea) todo lo bueno que a uno le pasa y pedirle todavía más, por favor: Happythankyoumoreplease.
Título: Happythankyoumoreplease Director: Josh Radnor Intérpretes: Josh Radnor, Malin Ackerman, Kate Mara, Catherine Zoe Kazan, Pablo Schreiber, Tony Hale, Michael Algieri y Richard Jenkins Guión: Josh Radnor Fotografía: Seamus Tierney Montaje: Michael R. Miller Productores: Jesse Hara, Austin Stark, Chris Papavasiliou y Benji Kohn Productores Ejecutivos: Bingo Gubelmann, Peter Sterling y Glenn Williamson Productor Asociado: Brian Schornak Diseño de producción: Jade Healy Dirección de Arte: Chris Trujillo Vestuario: Sarah Beer Supervisión musical: Andy Gowen Música original: Jaymay País de producción: Estados Unidos Género: Comedia romántica Año de producción: 2010 Duración: 100 minutos
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Hasta el próximo domingo 8 de mayo perdurará en la cartelera del teatre Tantarantana la obra Las fichas de la compañía Radio Rara Teatro, una tragedia griega ambientada en el mundo actual que mezcla heroicidad, humor y programas de televisión en un mundo gobernado por la envidia y el hedonismo más corrosivo.
Esta es, pues, la propuesta de la compañía Radio Rara Teatro de la que podremos gozar algunos días más en el escenario del Tantarantana. Las fichas nos propone un itinerario emocional a través de las vidas de gente normal afectadas por las mismas influencias (buenas o malas, nunca inocuas) que nos afectan a cada uno de nosotros cada día y en cada momento.
Clara es una chica joven del extrarradio que sufre de lo mismo que sufren muchas chicas jóvenes, y no tan jóvenes, en la actualidad. Le acaban de echar del trabajo al cerrar la policía el local en el que servía ¿como camarera? por las noches. Pertenece a una familia totalmente desestructurada en el que su egoísta madre no ha invertido ni invierte demasiado tiempo en su educación ni en preocuparse de su bienestar económico, físico y emocional, si no todo lo contrario. Sus amistades están en una situación, si cabe, más complicada que la suya y los únicos valores y objetivos que le quedan son los que le marca la programación de los diferentes canales de la televisión: su deseo es poder participar en el programa El juego de tu vida, que a cambio de las confesiones más irreverentes y sádicas de su miserable vida la puede hacer millonaria.
Clara consigue su objetivo y es llamada a participar en el programa, y a cambio de 600.000 euros explica todo lo embarazoso y comprometido de su vida. A partir de aquí y de su conocimiento de Gonzo, un pijo recalcitrante con el que comenzará una relación sentimental, Clara iniciará el recorrido de una tragedia vital que la llevará de la cima a la decadencia, de lo más alto al suelo más quejumbroso. Una parábola teatral que nos permitirá reflexionar sobre la vida, los valores y los elementos constituyentes de la sociedad en la que vivimos y que, por desgracia, le toca vivir, muchas veces sin demasiados momentos de alegría ni las “herramientas” necesarias, a una gran parte de la población.
La compañía Radio Rara Teatro de la mano de Secun de la Rosa nos presenta un bit de realidad con un toque muy personal. La obra se construye, o mejor dicho, se deconstruye, como un plato cocinado por Ferran Adrià, desde un desorden organizativo muy competente. El narrador de la obra, el propio Secun de la Rosa, pierde bien pronto, durante la representación, las riendas de la misma y los propios actores y las historias que nos narran romperán las veces necesarias el ritmo y el filum narrativo de la obra. Casi podríamos decir que los propios intérpretes del espectáculo se rebelan y se hacen con el poder de la función, imponiendo sus condiciones al narrador, y por tanto al público, y haciéndose valer en contra de un punto de vista de de narración subjetivo, aunque sea éste el del propio narrador. Lo que permite una gran frescura a la representación, que se libra de los convencionalismos habituales del género teatral.
La historia es, como decía, una tragedia griega llevada a un mundo actual como el nuestro, en el que la heroína, Clara, se verá necesariamente abocada hacia un final en el que incluso su vida se verá en peligro. Clara tendrá que luchar contra todo y contra todos con lo poco que posee, y es, por lo que parece, un enorme corazón o un cerebro muy pequeño. Eso lo tendrán que decidir ustedes. Clara estará rodeada por el resto de personajes, Gonzo su novio pijo e interesado; su madre, necesitada y dominante; sus amigos, de baja estofa y sin capacidad ninguna ni voluntad para aconsejarle y el propietario de un local cercano y el mismo narrador de la obra, cuya función en la representación no le permitirá nada más que explicar aquello que pasa, siempre, claro está, desde su personal y subjetivo punto de vista. Y un escenario que, a través de un juego de luces y de un atrezo minimalista, se convertirá en el tablero de un juego de mesa, seguramente el parchís, en el que se juega la vida de las personas y en el que para ganar se ha de comer a los contrarios y avanzar 20 casillas por cada victoria que se consigue. Y creo que el juego del parchís se puede convertir en un buen símil de la vida moderna en la que el consumo y el triunfo, de uno mismo, nunca de la comunidad ni de los otros, se convierte en el objetivo principal. Y en el que las personas somos fichas que avanzan por el tablero indefensas pudiendo ser comidas y destruidas en cualquier momento aunque también, por el contrario, podemos convertirnos en auténticos depredadores y devorar a los otros, ya sea física o emocionalmente.
Las fichas se compone de una interpretación que nos recuerda, también, la tragedia griega, en la que una protagonista principal, Clara, hace de contrapeso a un coro de personajes (familia, amigos…) que interactuarán individual y colectivamente con ella. Todos ocultándose en la oscuridad del escenario y adquiriendo corporeidad y contenido cuando su personaje o personajes actúen. Una muy controlada y acertada dirección y presentación de la trama de la mano de Secun de la Rosa que nos muestra que no solo domina el humor, del cual también nos ofrece diversas muestras en la obra, sino también su lado más trágico y realista, del cual se nutre Las fichas.
Pues ya saben, si quieren disfrutar del trabajo bien hecho, teatralmente hablando, de una compañía joven pero con ganas de hacerse un lugar en el panorama teatral madrileño y que sabe proponer y desarrollar ideas y tramas interesantes y atractivas, y si quieren ser testigo del acontecer de una fabula actual, urbana y trágica que, a unos más y a otros menos, nos toca de cerca, les recomiendo Las fichas, seguro que su argumento no les dejará impasible.
“Las fichas” se representa en el teatre Tantarantana del 13 de abril al 8 de mayo de 2011
Autor y dirección: Secun de la Rosa
Intérpretes: Sandra Collantes, Fernando Ramallo, Carmen Mayordomo, Belén Cuesta, Fran Arraez y Secun de la Rosa
Diseño de luces: Pedro Pablo Melendo
Escenografía: Daniel Sánchez “KNOWME”
Vestuario: Benjamín Márquez
Producción: Radio Rara Teatro
Horarios: de miércoles a sábados a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas. Precios: miércoles y jueves 15 €; resto de días 18 € | previas 11 € Duración: 1hora y 15 minutos Idioma: castellano
———————————————————— Escrito por: Jorge Pisa Sánchez
Os presentamos aquí la programación del Teatre Gaudí Barcelona del próximo mes de mayo que incluye las últimas representaciones de In on it y el estreno, el próximo 3 de mayo, de Menys emergències, de la compañía de teatro Chroma. —————————————————————————————————
In on it, de Daniel MacIvor.
In on It está dirigida por Òscar Molina en su traducción catalana (de Gerard Vázquez) y protagonizada por Roger Pera y Xavi Casan. El secreto del éxito de In on it recae en su inteligentísima narrativa, un juego meta- teatral que consigue adentrarnos en tres realidades diferentes dentro de un mismo montaje y con tan sólo dos intérpretes y un escenario casi desnudo. Por un lado, la historia de un hombre a punto de morir que mira de hacer los últimos planes de su vida; por otro, la historia de amor entre dos amantes que miran de hacerla funcionar; y por último, dos hombres intentando crear un espectáculo. Al fin y al cabo, un ejercicio magistral de dramaturgia e interpretación que ha sido considerado el más ingenioso del dramaturgo canadiense.
“In on it” se representa en el Teatre Gaudí Barcelona hasta el próximo 15 de mayo de 2011.
Autor: Daniel MacIvor
Traducción: Gerard Vàzquez
Dirección: Òscar Molina
Intérpretes: Xavi Casan y Roger Pera
Diseño de iluminación: Dani Gener
Vestuario: Ximena Topolanski
Atrezo: J. Valero
Horarios: de jueves a sábado a las 20:45 horas y los domingos a las 19:30 horas. Precio: 18 € Idioma: catalán Duración de la obra: 1 hora y 20 minutos
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Menys emergències, de Martin Crimp.
El Teatre Gaudí Barcelona inaugura la reformada sala pequeña, con un aforo para unas 30 personas, con uno de los autores de más renombre de los últimos años, Martin Crimp. Una de sus obras más irónicas entorno a las relaciones humanas y las presiones que jerce la sociedad, una celebración ácida que brinda por todas aquellas cosas que hacen que la vida valga la pena.
Un ambiente relajado que ayuda al recreo donde todos tienen el derecho a pasarlo bien. Un cóctel que disimula con humor la angustia de lo cotidiano escogido por inercia, que nos obliga a crear una familia, a poseer cosas, a tragarnos nuestra animalidad.
Tres personajes anónimos intentan crear una narración desde diferentes perspectivas. Cada uno expresa su visión particular de temas como la felicidad, el matrimonio, el odio, el abandono. El silencio los desespera, la palabra brota de una forma descontrolada. No pueden dejar de hablar, de ellos, de los otros, de aquello que recuerdan.
Esta comedia ironiza sobre nuestra pequeña sociedad instalada en el bienestar que sabe mantener convenciones y se reconoce en aquello políticamente correcto. Una realidad aumentada con la lente de un telescopio. Un rompecabezas de apariencias y buenas maneras que filtra las evidencias de la traición, el abuso y el terror.
Menys emergències consiste en tres dramas cortos «Todo el cielo azul«, «De cara a la pared» y «Menos emergencias«, que transportan a la audiencia a un mundo siniestro.
«Todo el cielo azul«. La primera pieza cuenta, desde la visión de la mujer, la historia de un matrimonio infeliz. Quizás el único que sostiene la pareja es el pequeño Bobby, su hijo.
«De cara a la pared«. Es el relato de una masacre desde la mente de un asesino con una vida casi perfecta. Un día, inexplicablemente, el hombre decide entrar armado en una escuela de primaria.
«Menos emergencias«. En la última pieza, el pequeño Bobby, es abandonado por sus padres en un universo de horror. Una historia familiar en la que resuenan los relatos anteriores.
Aquí se acaba la pesadilla de las buenas maneras, si bien los personajes aseguren una y otra vez, que las cosas van mejorando día a día
“Menys emergències” se representará en el Teatre Gaudí Barcelona del 3 de mayo al 7 de junio de 2011.
Dramaturgia: Martin Crimp
Dirección: Juan Miranda
Intérpretes: Francisco Ferrer, Ilona Muñoz y Xavi Serrat
Traducción: Cristina Cordero, Denise Duncan y Núria Vizcarro Boix
Iluminación: Juan Manuel Albinyana
Asistencia y Vestuario: Constanza Aguirre
Fotografía: David Tavira
Asistencia y Vestuario: Constanza Aguirrey Ricardo Soler
Compañía: Cía. Chroma
Horarios: martes a las 20:45 horas. Precio: 18 € (La entrada incluye un cóctel) Idioma de la obra: catalán Duración de la obra: 65 minutos
Os dejamos hoy con la información de dos de las obras del autor de culto estadounidense Mitch Albom, que no solo ha vendido millones de ejemplares de sus obras en todo el mundo, sino que es uno de los autores de cabecera de Albert Espinosa, una gran referencia.
Martes con mi viejo profesor. Un testimonio sobre la vida, la amistad y el amor.
Un libro sencillo e intenso que encierra profundas verdades. Conversaciones entre Mitch y su antiguo profesor de la universidad todos los martes. Una historia real para un libro de culto. El libro que ha cambiado la vida a millones de personas.
Título:Martes con mi viejo profesor Autor: Mitch Albom Páginas: 216 Año de publicación: 1998 ISBN: 978-84-92695-88-1 Formato: 16 x 24,3 cm Encuadernación: rústica Precio: 18,50 €
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Ten un poco de fe. Una emotiva historia sobre lo más profundo de nuestros valores y creencias.
Mitch nunca ha sido muy religioso. Aunque educado en el seno de una comunidad judía, la espiritualidad siempre ha resultado algo secundario para él. Por eso queda muy sorprendido cuando el octogenario rabino de su comunidad le pide que, cuando llegue su hora, sea él el que pronuncie su discurso fúnebre. Esta propuesta inesperada da pie a repetidos encuentros entre el viejo rabino y Mitch que empieza a replantearse su propia espiritualidad. Paralelamente, vamos descubriendo la historia de Henry, criado en un ambiente hostil que le conduce rápidamente por el camino de la delincuencia y la drogadicción. Años más tarde, Henry se ha convertido en otra persona, siempre dispuesta a ayudar a los demás.
Título:Ten un poco de fe Autor: Mitch Albom Páginas: 272 ISBN: 978-84-92695-22-5 Año de publicación: 2010 Formato: 14 x 21,5 cm Encuadernación: cartoné con sobrecubierta Precio: 18,00 €
Mitch Albom pasó de ser periodista deportivo a escritor mundialmente famoso gracias a su extraordinaria novela Martes con mi viejo profesor. Con Las cinco personas que encontrarás en el cielo, confirmó su estatus como uno de los autores de best sellers más destacados de Estados Unidos. La excepcional acogida de público y crítica que le han merecido hasta la fecha sus obras demuestra que se puede ser un autor de culto y vender al mismo tiempo millones de ejemplares. Un día más se ha colocado rápidamente en el primer puesto de los libros más vendidos del New York Times y de otras relevantes publicaciones estadounidenses. Al igual que sus libros anteriores, Un día más se está publicando con enorme éxito en todo el mundo.
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