Crónica concierto especial James Horner. La banda sonora de la eternidad (Auditorio Nacional de Música, Madrid)

Todos somos conscientes de la importancia de la imagen en una pelĆ­cula. Una de las grandes claves de su Ć©xito radica en ellas. Pero no son menos importantes otros aspectos de un film, como el guion, las interpretaciones, la fotografĆ­a o, evidentemente, la mĆŗsica. Es por ello que en los Ćŗltimos aƱos se han hecho cada vez mĆ”s populares en los auditorios los conciertos de bandas sonoras. Primero fueron los de los compositores mĆ”s populares, esto es, John Williams, Ennio Morricone, Jerry Goldsmith o Hans Zimmer. Con el tiempo les ha llegado la hora a otros compositores. Ɖl Ćŗltimo afortunado ha sido James Horner, del que sus seguidores gozaron de un concierto de alto voltaje musical organizado el pasado 26 de junio por la Film Symphony Orchestra.

Y la ocasión valió la pena. Ya era hora de que el legado musical de Horner pudiera ser disfrutado por los amantes de las bandas sonoras, teniendo en cuenta que muchos de los éxitos de los 90 y los 2000 tienen su firma.

El concierto comenzó de la mejor forma posible, con el tema principal de Star Trek II la Ira de Khan que proveyó al concierto desde sus inicios de la intensidad que necesitaba. A partir de ahí no dejaron de sonar grandes éxitos compuestos por Horner. Con los temas de Leyendas de pasión y Troya, ambas películas interpretadas por Brad Pitt, la selección se internó en el tema histórico, para dar paso a una selección de grandes películas de fantasía y ciencia-ficción en las que Horner destacó con una sensibilidad y una determinación sin parangón.

El pĆŗblico pudo gozar, asĆ­, de la mĆŗsica de pelĆ­culas como Deep Impact, Willow, The Amazing Spider-Man, Apolo 13 o Avatar, pelĆ­culas que Horner supo desarrollar musicalmente, alcanzando una maestrĆ­a compositiva difĆ­cil de igualar.

La selección tuvo también espacio para otras temÔticas, como la de los trastornos mentales que afectaron a John Forbes Nash, una de las mentes matemÔticas mÔs destacadas del siglo XX en Una mente maravillosa; la rebeldía escocesa liderada por William Wallace en el siglo XII en Braveheart o la azarosa llegada de una familia de ratones europeos migrantes a EE.UU. en Fievel y el Nuevo Mundo, para seguir con la interpretación de los temas de películas como Rocketeer, Titanic o Cocoon.

Como siempre vale la pena destacar algunos momentos del concierto. Uno de ellos fue el Lullaby de Casper, o los crƩditos finales de En busca del Valle encantado, dos momentos musicales a los que Horner supo dotar de una ternura musical verdaderamente emotiva.

Como siempre la FSO y los coros que la acompañaban se desenvolvieron sobre el escenario con una interpretación a la altura de los requerimientos técnicos que la composición de Horner siempre impone. Asimismo, Constantino Martínez-Orts supo, también como siempre, poner en antecedentes al público a la hora de comentar las bandas sonoras que iba interpretando la orquesta, con toda una serie de indicaciones técnicas y musicales que enriquecieron la experiencia musical.

Aunque la selección de la FSO estuvo muy acertada, de Horner siempre se queda algo en el tintero musical. Creo que alguna referencia a la banda sonora de Krull o a Proyecto Brainstorm, ambas de 1983, hubieran conseguido alzar aún mÔs el nivel de un concierto de altura. Aún así hay que felicitar a FSO por su portentosa actividad de difusión de la banda sonora cinematogrÔfica y por realizar toda una serie de conciertos que se convierten no solo en un deleite para el público presente, sino en una experiencia musical inmersiva difícil de olvidar.

CONCIERTO ESPECIAL JAMES HORNER. LA BANDA SONORA DE LA ETERNIDAD

Dónde: Auditorio Nacional de MĆŗsica — Sala Sinfónica, Calle PrĆ­ncipe de Vergara 146, Madrid
CuƔndo: Viernes 26 de junio de 2025 a las 22:30 horas
Precios entradas: de 34 € a 67 €
MÔs información:Web Film Symphony Orchestra

NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

CrĆ­tica teatro: La fortaleza, en el Teatre Lliure GrĆ cia

El teatro clÔsico es el pilar sobre el que se puede construir la realidad escénica de cualquier obra. No por otra la Compañía Nacional de Teatro ClÔsico encargó a Lucía Carballal una actualización de una dramaturgia de El castillo de Lindabridis de Calderón de la Barca, que ha dado como resultado La fortaleza, una obra de reflexión sobre la figura de un padre ausente y el peso de la tradición y la familia.

ā€œĀæCómo se relaciona la autora, que, como Lindabridis, perdió a su padre, con esta historia fantĆ”stica? Lo hace de la mano de tres actrices, Natalia Huarte, Mamen Camacho y Eva Rufo, que reflexionan sobre la paternidad y la ausencia en una propuesta autoficcional. En ella, Carballal rastrea la figura de un padre ausente, arquitecto de profesión, a travĆ©s de los edificios que construyó y, al mismo tiempo, se interroga sobre el sentido del teatro clĆ”sico —y de la tradición— en nuestro tiempo. La herencia, ya sea material o inmaterial; aquello que recibimos de nuestros padres o el patrimonio cultural que nos legan las generaciones anteriores son algunos de los temas que atraviesan La fortalezaā€.

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Carballal nos propone para este Grec 2026 una reflexión basada en El castillo de Lindabridis, que la autora convierte en La fortaleza, un término con mÔs de un sentido figurado que incluye desde los recuerdos y el patrimonio familiar hasta la capacidad de superación que vamos desarrollando cada uno y cada una de nosotros a lo largo de la vida.

Por eso, como en la obra de Calderón, la ausencia de la figura del padre marca el desarrollo de la representación y las reflexiones de la protagonista, interpretada por tres actrices que consiguen transmitir al público de una forma atrevida a la par que emotiva los recuerdos, los anhelos y las heridas que va dejando la vida a medida que la vamos viviendo y vamos creando nuestros elementos de resistencia, esa fortaleza que da título a la obra.

Y para ello no se necesita nada mÔs que el arte escénico que atesoran las tres protagonistas, un guion que sabe extraer de la vida las reflexiones mÔs sustanciales y un escenario vacío o casi vacío que permite a los espectadores centrar la atención en lo qué se dice y cómo se dice.

La fortaleza es, así, un guiño con el ojo tanto a una obra de referencia, El castillo de Lindabridis, como al público en su conjunto, un propósito que muestra cómo una obra clÔsica se puede transmutar en una propuesta actual que extrae de los agravios vitales que todos arrastramos a lo largo de la vida una enseñanza, que es justamente esa, la de que todos y todas tiramos hacia adelante superando tanto lo bueno como lo malo, aquello que al final nos hace ser como somos. Una clase de teatro vital que nos deja un poso con el cual enriquecer nuestro criterio, una intención en sí nada desdeñable.

«La fortaleza» se representó en el Teatre Liure Gràcia el 9 y el 10 de julio de 2026.

Dramaturgia y dirección: Lucía Carballal
Interpretación: Mamen Camacho, Natalia Huarte, Eva Rufo
EscenografĆ­a y vestuario: Pablo Chaves Maza (AAPEE)
Iluminación: Pilar Valdelvira (AAI)
DiseƱo de sonido: Benigno Moreno
VĆ­deoescena: Elvira Ruiz Zurita
Texto videoescena: Pablo Carballal

Duración: 80 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

CrĆ­tica teatro: Primera Llei de Newton, en La Villarroel

La vida en un instituto es dura, esto no lo podemos obviar. La diversidad y la complejidad de la misma sociedad hace que las realidades / experiencias que se viven en un centro de educación secundaria pueda ser, para alumnos y también para profesores, una tarea dura. De ahí que el teatro se interese por la realidad educativa con el estreno el pasado 1 de julio de Primera Llei de Newton, una obra que trata el conflicto que acontece en un instituto en relación al comportamiento tramposo de un alumno.

«Un instituto de alta complejidad, recientemente premiado por su proyecto educativo, se ve sacudido por un conflicto que pone en crisis su discurso de oportunidades.
A pocos días del claustro final, se descubre que Izan, un alumno a punto de graduarse, ha copiado sistemÔticamente los exÔmenes de una asignatura. La tensión aumenta cuando la madre de Izan se presenta en el instituto para solicitar un certificado que garantice que su hijo obtendrÔ el título de la ESO, al mismo tiempo que el centro recibe la visita de una joven influencer interesada en la historia de éxito del instituto».

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Primera Llei de Newton es una obra que toca diversos temas relacionados con la educación de los mĆ”s jóvenes. Eu Manzanares, con un muy buen ojo clĆ­nico, ha creado una realidad escĆ©nica que nos obliga a contemplar la ā€œduraā€ realidad que se vive en nuestros institutos. Una situación particular, el comportamiento tramposo de un alumno y su actitud chuleta, obliga a los profesores a discutir sobre si este se merece o no el tĆ­tulo de estudios secundarios para poder ser fichado por un club de futbol, que le puede solucionar la vida a Ć©l y a su familia. Como veis, el dilema estĆ” servido.

A través de discusiones, flashbacks y algunas escenas de alta tensión, la obra abre un debate tragicómico sobre la sociedad en la que vivimos y nos pregunta sobre si «el todo vale», aunque no sea legal o correcto, es la mejor forma de solucionar los problemas de la vida. Para ello se necesita un guion de altura, obra de Manzanares, que nos encamine hacia el debate sin prejuzgar el comportamiento de los diversos personajes, y que posea la tensión necesaria para mantener el interés del espectador a lo largo de la representación.

Pero todo ello no conseguiría el efecto requerido si el reparto de actores y actrices no estuviera a la altura. Y lo estÔ!! Lua Amat, Dafnis Balduz, Sara Diego, Rosa Gamiz, Anna Sahun y Max Vilarrasa dan en el clavo en sus interpretaciones, dando vida a los profesores que han de decidir sobre el futuro del alumno fullero; la madre del mismo, que ha de defender la actuación de su hijo, como cualquier buena madre, y la posibilidad de que consiga el certificado de estudios que le abra las puertas de la promoción social; o la joven influencer que se sentirÔ amenazada en un barrio muy alejado de sus estÔndares sociales. Un elenco dirigido con maestría por Nelson Valente, que sabe darle a la representación la compostura adecuada.

Primera Llei de Newton es una de esas obras que se revuelve en la actualidad y que sin duda nos obliga, una vez salidos del teatro, a debatir con nuestros acompaƱantes y si es posible, a opinar… ĀæEs lĆ­cito hacer trampas cuando el sistema es injusto?

ā€œPrimera Llei de Newtonā€ se representa en La Villarroel del 1 de julio al 2 de agosto de 2026.

Autoria y adjunta a dirección: Eu Manzanares
Dirección: Nelson Valente
Reparto: Lua Amat, Dafnis Balduz, Sara Diego, Rosa Gamiz, Anna Sahun, Max Vilarrasa
EscenografĆ­a: Paula Bosch
Vestuario: Zaida Crespo
Iluminación: Jaume Ventura
Espacio sonoro: David Solans
Caracterización: Toni Santos
Producción: La Villarroel, Grec 2026 Festival de Barcelona

Horarios: miƩrcoles y viernes a las 19:30 horas; jueves a las 17:30 y a las 20:00 horas; sƔbados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 24,10€
Idioma: catalƔn
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

CrĆ­tica teatro: El retrat de Dorian Gray, en el Teatre Romea

Llegamos, sin duda, a una de las joyas de este Grec 2026, que no es otra que la versión de El retrato de Dorian Gray que el pasado 30 de junio se estrenó en el Teatre Romea, con una ƀngels Gonyalons en estado de gracia.

ā€œĆ€ngels Gonyalons se pone en la piel de Oscar Wilde para defender El retrato de Dorian Gray de los ataques de la crĆ­tica de su tiempo, y es a travĆ©s de su voz que vemos a todos los personajes de la controvertida novela. Ella es Dorian, el joven que siente envidia de la belleza de su propio retrato y hace un pacto con el diablo para conservar eternamente la juventud. Ella es Basil Hayward, el pintor del controvertido retrato. Ella es Sibyl Vane, la joven actriz de la que Dorian se enamora. Pero, sobre todo, ella es Lord Henry, el dandi depravado que acompaƱa a Dorian en su descenso a los infiernos, mientras su retrato se va transformando monstruosamenteā€.

En verdad fue el título y el cartel de la obra lo que provocó interés en mi persona. Una historia acerca del peligro de la sobreestimación de la belleza. Un clÔsico de Oscar Wilde con un muy buen maridaje en nuestra época. Hasta que no estuve sentado en la butaca no fui consciente de la arquitectura escénica que Marc Rosich había construido con la obra original y lo bien que casaba con un formato de pequeño musical.

El retrat de Dorian Gray_1

Del acierto en gran parte es responsable ƀngels Gonyalons, cuya veteranĆ­a le permite interpretar a todos los personajes principales de la obra con un suave gesto o un simple cambio de tonalidad en la voz. AsĆ­ que Gonyalons es Dorian, es Basil Hayward, es Sibyl Vane y es Lord Henry, o lo que es lo mismo, consigue hacer creĆ­ble un monólogo plural tocado con la magia de diversos temas musicales, que proveen a la representación una sensibilidad soberbia.

Gonyalons estÔ acompañada por un trío vocal interpretativo y musical integrado por Jordi Vidal, Pau Oliver i Pol Blancafort que actúa como un coro clÔsico para ayudar al avance de la representación, y por un quinteto musical que interpreta la música en directo compuesta por Jordi Cornudella con un carÔcter íntimo que enlaza perfectamente con la representación de la obra.

Todo en El retrat de Dorian Gray es sedoso y agradable al tacto, con una Gonyalons en estado de inspiración que solo necesita de su dominio sobre el escenario para hacer creíble una historia sobre el culto a lo bello, a lo físico, que se materializa en el cuadro de Dorian Gray y que nos permite ver, a través de los ojos de Oscar Wilde, lo peligroso de centrar nuestros apetitos tan solo en lo material, subsistiendo con vidas vacías que no llevan a ninguna parte, y que por ello son mÔs controlables.

Felicidades al Festival Grec y a Focus, que han sabido dar en el clavo en la elección de la obra y a la hora de darle una tonalidad escénica inmejorable.

«El retrat de Dorian Gray» se representa en el Teatre Romea del 30 de junio al 2 de agosto de 2026.

A partir de la obra de Oscar Wilde
Dirección de escena y dramaturgia: Marc Rosich
Dirección musical y composición: Jordi Cornudella
IntĆ©rpretes: ƀngels Gonyalons, Jordi Vidal, Pau Oliver, Pol Blancafort
MĆŗsicos: Leos Quintet
EscenografĆ­a: SebastiĆ  Brosa
Vestuario: Joana MartĆ­
Iluminación: Bernat Jansà
Espacio sonoro: Jordi BallbƩ
Caracterización: Toni Santos
Producción: Teatre Romea y Grec 2026 Festival de Barcelona

Horarios: de martes a viernes a las 19:30 horas; sƔbados a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: a partir de 27,50€
Idioma: catalƔn
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

CrĆ­tica teatro: L’Albada, en el Teatre La Biblioteca

El teatro y la historia han mantenido desde siempre un abrazo muy intenso, que ha provisto a los escenarios de grandes historias y retratos históricos mĆ”s o menos remedados. L’Albada, producida por La Perla 29 y el Festival Grec 2026, nos propone, sin embargo, otro tipo de juego basado en un rompecabezas en el que la Guerra Civil EspaƱola y los dramas que se vivieron en ella tienen un papel protagonista.

ā€œDurante la preparación de los Juegos OlĆ­mpicos de Barcelona 92, Alba (Clara Mir) estĆ” terminando la carrera de Historia y emprende una investigación que la llevarĆ” mĆ”s allĆ” de lo que nunca hubiera podido imaginar. Guiada por un buen profesor (Ramon Vila) de la universidad y acompaƱada por otro joven historiador que busca sus orĆ­genes sin descanso (Jaume ViƱas), se adentrarĆ” en la historia mĆ”s oscura de la EspaƱa moderna y trazarĆ” un camino que la llevarĆ” desde la Guerra Civil hasta la euforia olĆ­mpica.

L’Albada, escrita por Jaume ViƱas y dirigida por Oriol Broggi, nos presenta una historia compleja en la que la historia reciente de EspaƱa y la investigación histórica estĆ”n muy presentes. Y si hay un tema protagonista en la historia reciente de EspaƱa no es otro que el de la Guerra Civil. En esta ocasión, Alba, una estudiante de Historia, inicia una investigación sobre unos milicianos anarquistas que la llevarĆ”, poco a poco, a descubrir no solo cómo vivieron ellos el final de la guerra, sino, tambiĆ©n, sus propios orĆ­genes.

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Para ello Viñas ha creado una arquitectura guionística compleja en la que veremos cómo dos tiempos históricos confluyen para mostramos un mapa vital de recuerdos, memoria, olvidos y silencios que recorren las venas de todos los personajes de la obra. Una representación que intenta mantener la atención del público a través de una espesura de secuencias, flashbacks y crónicas escénicas que se irÔn intercalando entre ellas, y que guiarÔn y a veces dificultarÔn el descubrimiento de la verdad escénica e histórica.

Y es que hablar de la Guerra Civil y de las consecuencias que esta tuvo en nuestra historia reciente es un propósito en sí mismo complicado y en muchos casos socavado por capas de miedo, vergüenza y silencio, caminos por los que habrÔn de transitar los protagonistas de la obra. Un reparto que en gran medida es coral, y en el que el buen hacer de once actores y actrices permitirÔ hacer creíble una historia en la que el drama y las pérdidas estÔn muy presentes. Desde un profesor de historia implicado, a una estudiante de fin de carrera con traumas de infancia, a hombres y mujeres trÔgicamente afectados por la guerra. Un puzle de memoria y olvido que resume las vivencias de una época muy reciente incluso a principios del siglo XXI.

Si bien, aunque el propósito es digno y voluntarioso, el resultado escénico es demasiado complejo, con múltiples historias que se entrelazan y a las que el espectador ha de estar muy atento, creo que demasiado. AdemÔs, la acumulación de historias hace que la obra se alargue hasta 3 horas y 40 minutos, una extensión que no estÔ al alcance de la atención de todos los públicos.

AĆŗn asĆ­, L’Albada es un portento en muchos aspectos, y aunque partidista en su confección, es una propuesta que nos obliga a reflexionar sobre nuestro propio pasado mĆ”s reciente. Y en un mundo en el que la guerra y los conflictos polĆ­ticos estĆ”n en auge, y las opciones polĆ­ticas de ultraderecha estĆ”n consolidĆ”ndose, vale la pena repensar las consecuencias que tiene una guerra, cualquiera, y en las vidas que quedan afectadas por ella durante generaciones.

ā€œL’Albadaā€ se representa en el Teatre La Biblioteca del 25 de junio al 30 de julio de 2026.

Autorƭa: Jaume ViƱas
Dirección: Oriol Broggi
Reparto: Cristina Arenas, Patrícia Bargalló, Joan Marmaneu, Clara Mir
Noƫl OlivƩ, Eduard Paredes, Maria Ribera, Oriol Ruiz Coll, Ismael Sempere, Ramon Vila, Jaume ViƱas
Vestuario: Gina MolinƩ
Espacio y escenografĆ­a: Oriol Broggi i Yaiza Ares
Sonido: ƒscar Camƭ i Oriol Broggi
Producción: La Perla 29 y el Grec Festival de Barcelona 2026

Horarios: Ver web La Perla 29
Precio: a partir de 30€
Duración: 3 horas y 40 minutos (con intermedio)
Idioma: catalƔn / castellano
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

CrĆ­tica teatro: La promesa, en el Teatre BorrĆ s

A veces el teatro es tan solo teatro, es la voluntad de disfrutar de un divertimento, de unas risas o, incluso, de unos recuerdos del ayer. Mucho de esto es lo que propone La promesa, en el teatre BorrƠs, una comedia, a veces algo trƔgica, escrita por Yago Alonso y Silvia Navarro y dirigida por Pau Roca.

ā€œCinco amigos acomodados se encuentran una vez mĆ”s para compartir una noche temĆ”tica de los aƱos 90 con un punto de partida: el momento en el que se conocieron siendo casi unos niƱos. La fiesta es un Ć©xito, pero lo que debĆ­a ser una noche de diversión y nostalgia cambia radicalmente cuando Paula, la organizadora, confiesa que el vino que han tomado estĆ” envenenado. ĀæPor quĆ© lo ha hecho? ĀæPor quĆ© ella tambiĆ©n ha bebido? ĀæQuĆ© mĆ”s tiene preparado Paula para esa noche?ā€

La Promesa serÔ un divertimento para muchos y muchas y una decepción para muchos otros y otras. La propuesta comienza con una selección de grandes hits de los 90, con los que una vez llegados los invitados a la fiesta el público disfrutarÔ de temas icónicos de la década e incluso de algunas de sus coreografías. Si bien, a medida que avanza la trama la temÔtica irÔ virando hacia la intriga que estÔ relacionada con el mismo título de la obra, esto es, por las consecuencias de un acontecimiento de la juventud de los protagonistas que finalizó trÔgicamente con una promesa. Es alrededor de este segundo tramo de la representación en el que se cuece el meollo del asunto y en el que se harÔn evidentes las trazas de reflexión social de La promesa.

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Por desgracia la obra es en sí poco creíble. El guion de La promesa es en gran medida artificioso, escrito con la voluntad de crear una obra en dos tramos que incluye una parte inicial de nostalgia musical generacional y una segunda parte que mezcla juego e intriga y que oscila entre la comedia y la tragedia. De ahí, que aún con el esfuerzo de los actores y las actrices y la mano experimentada de Pau Roca en la dirección, no se alcance el efecto teatral requerido.

El reparto, que incluye a Eduard Buch, Marc Rodríguez, Clara Altarriba, Mercè Martínez y Eduardo Lloveras, suma positivos en la interpretación coral. Sin embargo, la pieza que no estÔ a la altura de las circunstancias es el guion, que muestra una variabilidad que le hurta consistencia a la representación. Aún así, las risas y las carcajadas estÔn aseguradas, ya que lo disparatado de la situación, que incluye un intento de envenenamiento y la búsqueda embrollada del antídoto al estilo yincana, permitirÔ a los actores explotar la vertiente mÔs cómica de la trama.

Así, pues, La promesa es un divertimento con afÔn de crítica social, aunque, seguro, los espectadores recordarÔn mÔs a la salida del teatro la comicidad de las diversas situaciones que no la reflexión que la propuesta intenta acometer.

ā€œLa promesaā€ se representa en el teatre BorrĆ s del 23 de mayo al 12 de julio de 2026

AutorĆ­a: Yago Alonso y Silvia Navarro
Dirección: Pau Roca
Intérpretes: Eduardo Lloveras, Eduard Buch, Marc Rodriguez, Carol Rovira, Mercè Martinez
EscenografĆ­a: Paula Bosch
Vestuario: Pol Cornudella
Producción: Sixto Paz, Focus
Espacio Sonoro: Marti Maymó

Horarios: miƩrcoles y jueves a las 20:00 horas; viernes a las 19:00 horas; sƔbados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 25,40€
Duración: 90 minutos
Idioma: catalƔn
NOTA CULTURALIA: 6
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Jorge Pisa