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Crítica teatral: República Bananera, en el Versus Teatre.


El Versus Teatre nos invita con República Bananera a una reflexión acerca de la democracia y de su funcionamiento, en un momento, como el actual, de crisis económica y política generalizada. Un debate acalorado y vigente de la mano de la compañía de teatro La Barroca.

El Versus Teatre nos ofrece una seductora experiencia teatral con la programación de esta mezcla de musical y teatro de reflexión política y social escrita por Joan Yago, dirigida por Israel Solà y protagonizada por Mercè Boher, Cinta Moreno y Arnau Puig. Una oportunidad para reflexionar, en clave de comedia-musical, sobre la democracia y la justicia, y sobre si es posible que los seres humanos, alguna vez o en algún lugar, podamos llegar a alcanzarla tan altas metas.

La obra da inicio tras un conflicto bélico de liberación en Guatemala, que afecta a la apacible vida de los turistas occidentales en la isla de San Jorge, obligando a las potencias europeas a iniciar la evacuación apresurada, en medio de la noche, de todos sus ciudadanos en la zona. Aunque no todos los turistas estarán dispuestos a dejar la isla, un auténtico paraíso terrenal. Dos mujeres y un capitán de la marina comercial se niegan a interrumpir su descanso y deciden permanecer en el lugar, donde están dispuestos a crear un nuevo Estado, un nuevo país, que respete todos los derechos inalienables de todos los ciudadanos. Un imperioso y bienintencionado objetivo que con-moverá los espíritus de los tres residentes.

Este primer impulso humanista se irá debilitando y degradando a medida que las diferencias de carácter, de opinión y de objetivos vayan haciendo brecha en el ánimo y en las voluntades de los tres únicos habitantes del nuevo Estado. Unas diferencias que comportarán desastrosas consecuencias y que nos mostrarán bien a las claras lo difícil de la vida política y lo imposible de hacer realidad los deseos de TODAS las personas.

La Barroca nos ofrece una lección reflexiva sobre la idea del bien, de la justicia y de los derechos y de su aplicación en la realidad humana que nos engloba. República Bananera, cuyo título ya nos indica por donde pueden ir los tiros, nos propone una clara y definitiva contradicción entre los aspectos más ideales y platónicos que guían la existencia de (la mayoría) de los seres humanos y su transmutación práctica en el mundo real. Si bien la obra comienza con una gran declaración de ideales y de objetivos tras la conflagración bélica que pone en inicio la representación, la propia puesta en marcha del proyecto de Estado y de ciudadanía «ideales» muestra bien a las claras uno de los grandes retos a los que se ha enfrentado, se enfrenta y se enfrentará la humanidad a lo largo de los siglos: ¿es posible hallar una estructuración política que permita a todos los ciudadanos realizarse como personas y hacer uso de sus derechos y prerrogativas sin menoscabo de los derechos de los demás? ¿Nos puede servir para ello el sentido común?

No sé qué opinión tienen ustedes (la mía me la guardo ya que creo que es demasiado pesimista para el tono que le quiero dar a esta reseña!!), aunque lo que nos propone La Barroca es una cuestión difícil, si bien no aburrida o pesada. La obra está concebida con un vigoroso sentido del humor. Ya los mismos contrastes entre los propios personajes marcarán una pauta cómica: Mercè Boher es una acaudalada aristócrata que está de vuelta de todo y, sobre todo, de las continuas constricciones que la sociedad del momento (mediados del siglo XX) le impone como ciudadana y como mujer; Cinta Moreno caracteriza a una joven bobalicona que aunque inicialmente se mantiene en la isla por la falta de respeto y las impertinencias de aquellos que llevaban a cabo la evacuación de la isla, irá adoptando cada vez una visión más glamurosa y clasista de lo que ha de ser su «paraíso terrenal». Por último Arnau Puig encarna a un seductor capitán de marina que ha viajado por todo el mundo dejando tras de sí una estela de corazones rotos en cada puerto. La divergencia de opiniones y de visiones del mundo generarán los primeros problemas entre los ciudadanos de República Bananera, que sin duda se irán ampliando y profundizando a medida que avanza la obra.

La trama y los personajes están aderezados por el tono musical de la obra. Su director, Israel Solà, le ha dado un toque sinfónico a la obra alternando la trama «político-social» con temas musicales con sonidos y ritmos de la época: chachachá, habaneras… Un ingrediente que sin duda, le resta efectividad al asunto. Y me explico. Es posiblemente la combinación de los dos géneros (teatro de denuncia-reflexión con teatro humorístico-musical) lo que le sustrae más puntos a la obra. Si como elementos separados ambos estilos muestran una buena realización (un dilema reflexivo acerca de la libertad, del sentido común y de los derechos y las obligaciones de los ciudadanos y sobre quién está capacitado para imponer su visión de los bueno y lo correcto a los demás), el tono jocoso y cómico de los temas musicales (que lo son y mucho) rompen el mensaje para convertir a la obra en un producto de entretenimiento. La reflexión y la crítica quedan, así, en un segundo plano, casi simbólico al final de la representación, momento en el cual el tono humorístico crece en exceso, si lo que se proponía la compañía era «hacer pensar» a los espectadores.

Una pega, ésta, que le resta mérito al producto global. Sin embargo, deja un buen sabor de boca al público asistente, marcado por unos diálogos y unas situaciones a veces hilarantes y unos temas musicales que llegan, incluso, a sonrojar al respetable. Una pena ya que la cuestión que nos propone República Bananera es un tema actual y jugoso que podría haber dado mucho más de sí tratado de otra forma.

República Bananera es así, un buen espectáculo musical y de humor que se queda a medias como producto de crítica política y social, en un momento en el que necesitamos tanto del humor como de la reflexión, y sobre todo, de la acción en consecuencia!! Ven como ya me pongo pesimista!!

La obra, por otra parte, es un producto teatral mucho más que correcto. En ella se suma originalidad, ideas, buenas actuaciones y divertidos temas musicales. Aunque recuerde, es más una comedia musical que una excusa para la reflexión y la meditación. Si es consciente de este hecho disfrutará con la representación de República Bananera. Y es posible, que luego, un poco más tarde piense: ¿Es posible un mundo mejor para todos? ¿O estamos condenados a ser humanos para siempre?

«República Bananera» se representa en el Versus Teatre del 3 de febrero al 18 de marzo de 2012.

Texto: Joan Yago
Dirección: Israel Solà
Intérpretes: Mercè Boher, Cinta Moreno y Arnau Puig
Escenografía: Albert Pascual y Elisenda Rodríguez
Vestuario: Albert Pascual
Iluminación: Elisenda Rodríguez
Música: Gori Matas
Compañía: La Barroca

Horarios: de martes a sábado a las 21:00 horas,domingo a las 18:00 horas
Precio: 16 €
Idioma: catalán
Duración: Una hora y veinte minutos
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Estrena teatral: República Bananera, al Versus Teatre

És possible que tres persones arribin a un acord quan les seves opinions són clarament enfrontades? Aquesta és la qüestió que des del passat 3 de febrer intenta resoldre el nou espectacle de la companyia La Barroca: República Bananera, la història de tres turistes que es neguen a abandonar un luxós balneari situat en una paradisíaca illa caribenya i que hauran d’acostar posicions si pretenen fundar una nova república, una comèdia que es podrà veure al Versus Teatre fins al 18 de març.

Un moment de República Bananera

L’estiu de 1947 l’illa de San Jorge deixa de ser una colònia europea. Així, i per qüestions de seguretat, aquella mateixa nit s’ha de dur a terme l’evacuació de tots els seus habitants. Tres personatges, però, es neguen a abandonar la bona vida: allà són absolutament lliures, així que, entre copa i copa, decideixen crear la seva pròpia república per a conservar aquest estil de vida. La intenció és pactar quin model de societat pretenen imposar, amb el sentit comú com a principal premissa, però les diferències entre ells dificultaran aquesta missió.

República Bananera és el segon espectacle de La Barroca –nom que fa referència a la forma d’entendre el teatre dels seus integrants, que donen el mateix valor al text, als actors i a la posada en escena–, una companyia teatral que s’emmiralla en aquells grups de comediants ambulants que, units per l’amor incondicional al teatre, anaven de poble en poble amb la intenció d’apropar el seu art al públic de manera artesanal.

República Bananera es representarà al Versus Teatre del 3 de febrer al 18 de març de 2012.

Text: Joan Yago
Direcció: Israel Solà
Intèrprets: Mercè Boher, Cinta Moreno, Arnau Puig
Escenografia: Albert Pascual, Elisenda Rodríguez
Vestuari: Albert Pascual
Il·luminació: Elisenda Rodríguez
Música: Gori Matas
Companyia: La Barroca

Horaris: de dimarts a dissabte a les 21:00 hores, diumenge a les 18:00 hores
Preu: 16 €
Idioma: català
Durada: Una hora i vint minuts

Crítica teatral: Vamos a por Guti, en el Versus Teatre

A veces la desesperación, la frustración y el desencanto por la rutina que nos acucia hacen que tengamos ideas descabelladas para, así, convertir nuestros sueños en realidad. Pues bien, realizar sus fantasías es precisamente el objetivo de los protagonistas de Vamos a por Guti, el nuevo espectáculo del Versus Teatre que cuenta la historia de cuatro jóvenes perseguidos por el infortunio que deciden secuestrar a José María Gutiérrez, Guti (entonces jugador del Real Madrid), con la intención de ganar una apuesta millonaria en internet.

En el pequeño escenario del Versus Teatre se dan cita tres personajes. Están nerviosos, muy nerviosos, porque se enfrentan a una noche decisiva en sus vidas: pretenden secuestrar a Guti antes de que empiece el partido decisivo entre el Real Madrid y el Fútbol Club Barcelona. Pero para lograrlo falta un cuarto socio que se retrasa. Inevitablemente el nerviosismo se apodera de ellos hasta que, por fin, llega el muchacho; a partir de ese instante el grupo deberá discutir cómo encarar la situación para lograr su objetivo y salir airosos de ella, aunque nada será tan fácil como habían previsto.

Tras el llamativo título de Vamos a por Guti se esconde la historia de unos personajes desencantados con el rumbo que, sin remedio, han tomado sus vidas: los cuatro son trabajadores de una inmobiliaria que, hartos de sus miserias y de soportar a un jefe prepotente, deciden invertir todos sus ahorros para ganar una apuesta de internet que da como triunfador del encuentro al equipo madridista; con todo, y para favorecer su suerte, deciden retener a (¿la estrella?) Guti durante una noche. El resultado de este disparate es una obra tragicómica en la que el público reirá, sí, pero también reflexionará sobre la dramática realidad que lleva a cada uno de los muchachos a buscar una solución desesperada.

La obra, firmada por la joven compañía Projecte NISU, muestra la incapacidad de la sociedad actual para conseguir ser feliz, una historia que se presenta sin apenas escenografía (cuatro sillas y una mesa), una austeridad que hace que los personajes parezcan más desvalidos todavía. El punto de partida es sencillo, pero el texto, con unos relatos con los que fácilmente se identificará el espectador, se explica de forma inteligente gracias a un curioso flashback que nos hará entender, ya al final de la representación, los primeros instantes de la obra, cuando uno de los protagonistas se dirige al público, moviendo los labios sin decir nada, mientras sus compañeros discuten tras él en un discreto segundo plano; en los últimos minutos la escena vuelve a producirse, pero ahora quienes repiten sus movimientos en silencio son sus compañeros, y será entonces cuando comprenderemos qué quiere compartir con nosotros.

En cuanto al título, no parece casual que se elija a Guti como víctima de esos cuatro fracasados: en los últimos años ha pasado a ser un personaje que ha ensombrecido al futbolista, fue una promesa que nunca completó una temporada excelente y cuya vida personal restó protagonismo a su calidad como jugador. Por todo ello Guti también podría formar parte de ese grupo de muchachos con unas expectativas difíciles de cumplir. Sin embargo el público no podrá evitar cuestionarse si secuestrarle será la solución para que pierda su equipo.

En Vamos a por Guti los protagonistas visten pantalón corto y lucen zapatillas deportivas, pero llevan la camisa blanca y la corbata corporativa de la inmobiliaria para la que trabajan, un complemento que los encadena a su empleo e incluso se ajusta a los cuellos de cada uno de ellos con tal fuerza que los asfixia sin remedio, unas corbatas de las que los jóvenes intentarán liberarse como paso previo para dejar atrás sus grises existencias.

Un punto de partida provocador, un texto inteligente, una puesta en escena imaginativa y el descaro de sus protagonistas avalan Vamos a por Guti, una notable función que pondrá en entredicho la célebre sentencia del poeta: “Y los sueños, sueños son”.

Vamos a por Guti se representará en el Versus Teatre del 11 de noviembre al 11 de diciembre de 2011.

Dirección escénica: Nicolas Chevallier
Dramaturgia y codirección: Albert Boronat
Intérpretes: Albert Pérez Hidalgo, Sergi Torrecilla, Xavier Torra y Nicolás Carbajal
Escenografía y vestuario: Margherita Mantovani
Coaching: David Menéndez
Diseño gráfico: Montse Arranz
Gestión técnica y fotografía: Vanessa Tedejo Farré
Producción, diseño de luces y sonido: Projecte NISU

Horarios: de jueves a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 20:00 horas
Precio: 16 €
Idioma: castellano
Duración: 1 hora

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Escrito por: Robert Martínez Colomé

 

Estrena teatral: Vamos a por Guti al Versus Teatre

La jove companyia teatral Proyecto NISU estrena al Versus Teatre Vamos a por Guti, una extravagant proposta en què uns personatges sense massa fortuna a les seves vides decideixen segrestar el jugador de futbol Guti amb la intenció de guanyar una aposta milionària a internet.

L’obra està ambientada a l’any 2009, moment en què quatre treballadors d’una immobiliària decideixen segrestar Guti per guanyar una aposta a internet i, de pas, aconseguir que el Reial Madrid perdi un partit contra el Barça. Amb tot sota aquesta simple premissa s’amaga alguna cosa més: els desitjos d’aquestes persones que pretenen canviar les seves vides a qualsevol preu, però sense saber com.

Dirigida per Nicolas Chevallier, Vamos a por Guti és una obra contemporània i innovadora escrita per Albert Boronat (qui també exerceix les funcions de codirector), un text que mostra els dilemes, les inseguretats, les frustracions, els somnis, les humiliacions i el patetisme d’aquests personatges, interpretats per Albert Pérez Hidalgo, Sergi Torrecilla, Xavier Torra i Nicolás Carbajal.

Aquesta original proposta porta el segell del Proyecto NISU (Proyecto de Navegación Incendiaria y Salvamento Unilateral), una companyia jove nascuda a Barcelona l’any 2010 amb moltes ganes d’experimentar. Els seus membres el consideren un espai de llibertat creativa on poden donar forma a diverses inquietuds i interessos escènics, i tot sota la consigna d’intentar fer el teatre que els agradaria veure, apostant per la feina de grup i dialogant amb l’actualitat.

Vamos a por Guti es representarà al Versus Teatre de l’11 de novembre a l’11 de desembre de 2011.

Direcció escènica: Nicolas Chevallier
Dramatúrgia i codirecció: Albert Boronat
Intèrprets: Albert Pérez Hidalgo, Sergi Torrecilla, Xavier Torra i Nicolás Carbajal
Escenografia i vestuari: Margherita Mantovani
Coaching: David Menéndez
Disseny gràfic: Montse Arranz
Gestió tècnica i fotografia: Vanessa Tedejo Farré
Producció, disseny de llums i so: Proyecto NISU

Horaris: de dijous a dissabte a les 21:00 hores i diumenge a les 20:00 hores
Preu: 16 €
Idioma: castellà
Durada: 1 hora

Crítica teatral: Entrevista amb un vampir que al final va resultar que potser no ho era tant, de Paco Mir

A finals dels anys 70 l’escriptora Anne Rice va publicar una novel·la titulada Entrevista amb un vampir, una crònica gòtica que va adquirir una gran popularitat gràcies a la versió cinematogràfica que en va fer Hollywood, estrenada l’any 1994. Els relats enfrontant una periodista i un vampir, però, no han de ser necessàriament foscos i tenebrosos, i demostrar això és el que pretén el Versus Teatre amb el seu nou espectacle: Entrevista amb un vampir, una història que té un subtítol –que al final va resultar que potser no ho era tant– prou indicatiu del caràcter humorístic que ofereix aquesta obra de teatre.

La companyia Grappa Teatre s’ha associat amb el tricicle Paco Mir per realitzar aquest muntatge amb el vampirisme com a motiu principal; així, el petit escenari del Versus Teatre ha estat transformat en el plató on es grava l’emissió del programa Mysteryus, un d’aquells espais televisius que tant han triomfat en els darrers anys, centrat en la investigació dels fenòmens paranormals. Al capdavant del programa hi ha la famosa Maria Pau Palau, una presumptuosa periodista que, uns dies abans, va escandalitzar els seus seguidors al publicar un article negant l’existència dels anomenats vampirs, una opinió polèmica que el convidat del programa –el senyor Joan Taboada– intentarà rebatre amb un argument contundent: ell mateix és un vampir i, com s’encarrega de deixar clar en la seva intervenció, ho és per vanitat, convertit en un ésser d’aquestes característiques pel mateix Johann Sebastian Bach al segle XVIII.

D’aquesta manera, i seguint l’estructura d’una típica entrevista televisiva, es van succeint, un darrere l’altre, una sèrie de gags que ens permetran conèixer la vida d’aquest excèntric personatge, una criatura de la nit que comparteix pis amb una dona-llop, que pot llegir els pensaments de les persones, que té la capacitat de transformar-se en ratpenat (això sí, només quan ell ho vol) i que ens demostrarà com n’estem, d’equivocats, quan pensem en els tòpics que envolten aquesta clàssica figura d’ultratomba, malgrat les sospites que sosté la presentadora sobre si el que explica aquest home és cert o tan sols es tracta d’un farsant.

Entrevista amb un vampir… és un espectacle senzill, de petit format, basat en l’única novel·la publicada per l’escriptora noruega Josephine P. Hey en la dècada dels anys trenta. Possiblement el públic espera assistir a una funció on l’humor negre sigui omnipresent, però no és així, ja que els seus responsables s’han decantat per un estil més aviat blanc, fins i tot una mica surrealista, que aprofita la confrontació de dos caràcters diametralment oposats per provocar el riure de l’espectador: per un costat, la incrèdula periodista que, amb les seves punyents preguntes, intenta descobrir la veritat; per altra banda, el senyor Taboada, un personatge pusil·lànime que, en tot moment, se sent atacat i humiliat per la senyora Palau, fent constants intents per abandonar el plató, però tornant sempre al seu seient. En aquest sentit, els permanents equívocs i les diferents situacions plantejades en l’espectacle recorden els enfrontaments pallasso llest-pallasso ximple que tantes vegades ens han fet riure amb anterioritat, i que aquí ho tornaran a fer, arribant a la conclusió que, sovint, ni el llest és tan espavilat ni el ximple és tan babau.

Damunt d’un escenari pràcticament buit (dues cadires i un panell galàctic), sense cap mena d’artifici, només hi trobarem dos actors, i per aquest motiu es fa imprescindible que existeixi una bona entesa entre ells, ja que l’èxit de la representació depèn exclusivament del seu treball, i, aquí, la complicitat entre tots dos resulta evident. Així, tant Teresa Ros com Gilbert Bosch fan una tasca excepcional defensant els seus personatges; Ros fa la feina fosca al realitzar les preguntes per intentar descobrir la veritable identitat del seu entrevistat, mentre que Bosch exerceix de simpàtic vampir, un paper agraït a qui l’actor assigna una actitud insegura que esdevé còmica cada cop que se sent ultratjat per la presentadora. A més Bosch treu molt profit de la seva capacitat gestual, un fet que ens fa pensar que hi ha tingut molt a veure la mà del director de l’obra, Paco Mir, un mestre en aquest sentit.

En definitiva, si voleu conèixer una de les figures més terrorífiques del cinema i la literatura dels darrers temps però des d’un punt de vista més divertit i menys sinistre, Entrevista amb un vampir… és la vostra obra, una magnífica ocasió per riure amb la manera com alguns defensen les seves insòlites creences, pensaments que, encara ara, conserven aquelles persones que no es perden els programes sobre inexplicables fenòmens, similars al Mysteryus.

«Entrevista amb un vampir que al final va resultar que potser no ho era tant» es podrà veure al Versus Teatre fins al 6 de novembre de 2011.

Autora: Josephine P. Hey
Adaptació: Paco Mir, Teresa Ros i Gilbert Bosch
Direcció: Paco Mir
Intèrprets: Teresa Ros, Gilbert Bosch
Espai escènic: Paula Bosch
Vestuari: Anna Güell
Disseny d’il·luminació: Àlex Felip
Tècnic d’il·luminació: Andriy Kravchyk
Tècnic de so: Montse Lila
Disseny gràfic: Masato Takagaki
Assessor esotèric: David Bosch

Idioma: català.
Durada: 1 hora i 15 minuts
Horaris: de dijous a dissabte a les 21:00 hores; diumenge a les 20:00 hores
Preu: 16 €

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Escrit per: Robert Martínez Colomé

Crítica teatral: L’impostor, Versió del Tartuf de Molière, en el Versus teatre.


Seguramente no existe una temporada teatral en ninguna ciudad española, ni tampoco en el mundo, al menos en el Occidental, en la que no se represente, como mínimo, una de la obra escrita por Molière, sin duda alguna uno de los dramaturgos franceses más reconocido, sino el que más, de todos los tiempos. Esta vez, y al inicio de la temporada, el Versus Teatre se ha atrevido con el estreno de L’impostor, Versió del Tartuf de Molière, una adaptación de la obra el autor francés dirigida por Frederic Roda al frente de la compañía Die Probe.

Y como pasa con todos los clásicos, la obra escogida, El Tartufo, pretende analizar los sentimientos y las ambiciones clásicas que vivifican y alteran los corazones humanos, los antiguos y los modernos, condimentado todo ello con un gran sentido del humor evidente a lo ancho y largo de la obra.

Tartufo o el impostor nos traslada a mediados del siglo XVII, a la casa del burgués Segimon cuyo entendimiento está confundido y obnubilado por la influencia que ejerce sobre él, y por tanto sobre el resto de la familia, Tartufo, un “supuesto” fraile beatucho acogido en la casa. Segimon, cegado por su reverencia hacia Tartufo, se propone unirlo en matrimonio con su propia hija, Anna, si bien esta está enamorada de Maurici. La decisión tomada por Segimon llevará a su mujer, Elvira y a una de las criadas, Francina, a luchar contra el triste destino matrimonial que Segimon depara a su hija, intentando desenmascarar a Tartufo. Toda esta complicada situación familiar lleva, como no, a que se represente sobre el escenario una trama cómica de intentos, equívocos y consecuencias, que afectará de pleno a la vida en la casa e incluso al destino económico y social de la familia.

La joven compañía teatral Die Probe lleva a cabo, pues, una relectura de una de las obras más conocidas de Molière, y lo hace con un carácter joven, un hecho que se nota tanto en los intérpretes y, a pesar de la veteranía del director Frederic Roda, en alguna inconveniencia a la hora de configurar el espectáculo. Y seguramente la mayor de ellas sea, justamente, la adaptación de la obra.

Me explico. La versión del Tartufo estrenada en el Versus opta por mantener una imagen clásica de la obra, apartándose de las muy de moda y peligrosas actualizaciones escénicas. Es todo un placer, además, deleitarse con un texto interpretado en catalán y en verso, con unas rimas y un ingenio preciosistas, que nos permiten gozar aún más del perfil clásico de la adaptación. Todo esto nos introduce rápidamente en la trama de la historia, a lo que no son ajenos los esfuerzos de sus jóvenes actores.

Si bien, la adaptación desbarata gran parte de los aciertos del intento. La drástica reducción del número de personajes y la dramática supresión de parte de la trama producen un efecto de desconcierto en el espectador, que, sobre todo en el último acto, se ve sorprendido por una deriva del argumento que no le permite comprender lo que se está narrando sobre el escenario. El cambio en el ritmo de representación, es pues, un bache que hace descarrilar, en parte, los logros de un proyecto que se nota materializado con mucho más que empeño.

La juventud, además, es manifiesta en la compañía y se hace evidente en el transcurso de la obra. La mayoría de los actores y actrices están aún en fase de aprendizaje, y se nota, lo que nos puede hacer valorar aún más el esfuerzo interpretativo. Aún así, es de derecho destacarla actuación de Anaïs Garcia y Laura Fité, la primera como una fiel criada alegre y metomentodo; y la segunda como Tartufo, que en esta versión adopta un componente andrógino (una mujer interpretando a un personaje masculino) que permite a la obra introducir un elemento de misterio y ocultación muy adecuado a un personaje mentiroso, conspirativo e intrigante que busca su éxito personal aún a expensas de destruir a la familia que lo acoge. Una juventud teatral que no ha podido ser equilibrada por la dirección escénica de Frederic Roda, que nos presenta una adaptación con unos perfiles no del todo definidos.

Aún así, y si tomamos a L’impostor. Versió del Tartuf de Molière como un ejercicio de maduración profesional (que creo que es lo que es), es de ley reconocerle algunos aciertos, sobre todo la valentía de atreverse con un Molière, y nada menos que con el Tartufo, y el hecho de permitirnos recrearnos de nuevo con una obra y con unos personajes que han dejado huella en la historia del teatro.

L’impostor. Versió del Tartuf de Molière” se representa en el Versus Teatre del 11 de octubre al 2 de noviembre de 2011.

Dirección: Frederic Roda
Versión: Joan Oliver
Reparto: Marina Barberà, Laura Fité, Anaïs Garcia, Anna Massó, Marc Rius y Jordi Sanosa
Cía: Die probe
Iluminación: Marc Martin
Técnico de iluminación: Andriy Kravchyk
Diseño de vestuario: Companyia Acte Quatre
Producción: Die probe y Acces Teatre SL con el apoyo de Teatre de Ponent, sl.

Horarios: martes y miércoles a las 21:00 horas.
Precio: 12 €.
Idioma: catalán.
Duración: 1 hora y 10 minutos.
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Estreno teatral: Entrevista amb un vampir que al final va resultar que potser no ho era tant y L’impostor en el Versus Teatre.


El Versus Teatre presenta una doble programación para este mes de octubre. Por un lado la comedia Entrevista amb un vampir que al final va resultar que potser no ho era tant basada en la novela de Josephine P. Hey; por el otro L’impostor, una versión del Tartufo de Molière dirigida por Frederic Roda y producida por la compañía Die probe.

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Entrevista amb un vampir que al final va resultar que potser no ho era tant, de Josephine P. Hey.

Una comedia dirigida por Paco Mir que recupera la única obra escrita per Josephine P. Hey.

María Paz Palacio, periodista televisiva y estrella del polémico programa de investigación MYSTERYUS, invita a su plató a un hombrecillo que ha osado contradecirla, vía e-mail, y que afirma ser un vampiro. La venganza está servida: entre preguntas y respuestas singulares, María Paz Palacio intentará desmontar todos los argumentos que va exponiendo Juan Taboada (el hombrecillo) con otros… más o menos sólidos.

Una comedia hilarante, ingeniosa y trepidante que desmenuza en clave de humor clásico, negro, cruel, surrealista y, a veces, también un poco tonto… la mayoría de tópicos del mundo del vampirismo.

La adaptación recupera la única obra que escribió la noruega Josephine P. Hey, una novela homónima que a finales de los años treinta se convirtió, apoyada por la crítica especializada, en un gran éxito de ventas.

Entrevista amb un vampir que al final va resultar que potser no ho era tant” se representa en el Versus Teatre del 7 de octubre al 6 de noviembre de 2011.

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Autora: Josephine P. Hey
Versión: Paco Mir, Teresa Ros y Gilbert Bosch
Dirección: Paco Mir
Compañía: Grappa Teatre
Reparto: Teresa Ros y Gilbert Bosch

Horarios: de jueves a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 20:00 horas.
Precio: 16 €.
Idioma: catalán.
Duración de la obra: 1 hora y 25 minutos.

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L’impostor. Versió del Tartuf de Molière.

Frederic Roda dirige L’impostor de Molière en el Versus Teatre.

Estrenada hace más de 300 años, el 12 de mayo de 1664, Tartufo es ya uno de los títulos esenciales de la historia del teatro y uno de los más representados y adaptados de todos los tiempos. Con la firma de uno de los mejores dramaturgos del teatro occidental, Molière, ahora es Frederic Roda quién decide darle vida de nuevo con un equipo formado por jóvenes actores que ya han recibido el entusiasta beneplácito de la crítica en las diversas previas que se han realizado.

El argumento, ya conocido por todos, hace de L’impostor una obra clave de su época y de la historia del teatro, puesto que a través de la crítica a la hipocresía, la influencia y el exceso de confianza en ciertos estamentos como el religioso se ganó la controversia y la oposición de sectores influyentes del poder, como la Iglesia. Ahora tenemos una nueva oportunidad para revisitar este clásico de la mano de la compañía Die probe.

Sólo nos hace falta que nuestra propuesta sea lo suficientemente atractiva para que os enganche y os pueda hacer pasar un buen rato con los personajes protagonistas de esta adaptación: Segimon, el padre, Elvira, la madre, Anna, la hija, Mauricio, el pretendiente, Francina, la muchacha y Tartufo, el impostor.

Mucho se ha escrito sobre esta obra y sobre sus posibles interpretaciones. La que os representamos es una más. Este es sin duda el valor de los clásicos, que nunca te los acabas y que siempre encuentras una nueva manera de ponerlos sobre el escenario.

L’impostor. Versió del Tartuf de Molière” se representa en el Versus Teatre del 11 de octubre al 2 de noviembre de 2011.

Dirección: Frederic Roda
Versión: Joan Oliver
Reparto: Marina Barberà, Laura Fité, Anaïs Garcia, Anna Massó, Marc Rius y Jordi Sanosa
Cía: Die probe
Iluminación: Marc Martin
Diseño de vestuario: Pau Fernandez
Producción: Die probe y Acces Teatre SL con el apoyo de Teatre de Ponent, sl.

Horarios: martes y miércoles a las 21:00 horas.
Precio: 12 €.
Idioma: catalán.
Duración: 1 hora y 10 minutos.

Crítica teatral: Planeta ESO, en el Versus Teatre.


¿Cuál es la situación de la educación en Cataluña? ¿Cómo aprenden los jóvenes catalanes? ¿Qué es lo que les mueve, lo que les interesa? El Versus Teatre estrenó a finales del mes de agosto Planeta ESO, una obra que  pretende realizar un retrato de la situación educativa y generacional de los institutos catalanes basada en la obra del mismo título publicada en la editorial Plaza & Janés en el año 2003.

Como ya sabemos el teatro desde hace tiempo ha dejado de ser tan solo un lugar donde asistir a la representación de clásicos teatrales o hilarantes comedias de enredo y ha pasado a convertirse, cada vez más, en un espacio y una herramienta de análisis y crítica de la sociedad, la política y la economía actuales (o por lo menos actuales en el momento del estreno de la obra). Planeta ESO incorpora, sin embargo, ingredientes de diferentes géneros de teatro para presentarnos lo que pretende ser un retrato robot de la comunidad educativa y de la población estudiantil catalana.

Un retrato robot que nos hacen llegar Assumpció Ortet y Meritxell Ané dirigidas por Joan Gallart en clave de comedia, a veces crítica y a veces indulgente, de una de las problemáticas que más caracterizan no tan solo a los estudiantes catalanes sino también al modelo de sociedad que intentamos legar al futuro.

Como ya sabemos el trabajo de los profesores de secundaria es uno de los más arriesgados y agotadores que existen en la actualidad. Los profesores no solo tienen la obligación de formar a los alumnos en las diferentes ramas del conocimiento humano sino que, además, y como si esto fuera poco, han de luchar por asentar en las mentes semi-huecas de manadas de jóvenes desinteresados en cuestiones que no tengan relación con los éxitos televisivos, musicales, del mundo del videojuego y de la telefonía móvil, unos mínimos asientos éticos de comportamiento en unas edades que todos sabemos que son difíciles debido a la magra capacidad de atención de unos chicos y chicas que tienden a pensar más en sus necesidades e intereses personales inmediatos, al tiempo que descubren nuevas aplicaciones corporales (si es que no se han descubierto antes) que hacen que los miembros del sexo contrario comiencen a generar un gran interés que no se abandonará nunca.

Pues bien, y perdonen esta larga digresión que no sé a lo que venía, de todo esto trata Planeta ESO a través del “duólogo” interpretado por Ortet y Ané, que nos hará conocer de primera mano y sonreírnos con los comportamientos de los jóvenes estudiantes y con los analíticos e irónicos comentarios de dos supuestas profesionales de la educación.

La capacidad de expresión de los alumnos materializada en sus respuestas a algunas de las preguntas “de examen”; el descubrimiento de las artes y las gracias de sus cuerpos en plena ebullición hormonal descontrolada; la relación que se establece entre los propios estudiantes y entre ellos y sus profesores macerada, claro está, por un sentido del humor apto para todos los públicos; las con-vivencias en los viajes de fin de curso… A todo esto se suma el incomprendido papel de los padres, copartícipes en la educación de los jóvenes, al menos en sus vertientes más “comportamentales” que, en la mayoría de los casos o bien sobrestiman las capacidades de sus hijos (y por lo tanto subestiman el papel del profesor) o interfieren negativamente en una educación sana y de futuro para sus retoños.

Como les decía, todo esto es lo que veremos en Planeta ESO presentado en un menú de comedia soft, con dos ingredientes básicos: Assumpció Ortet y Meritxell Ané, las dos únicas actrices de la obra, que tanto interpretan a las profesoras (de ESO) que nos narran sus tragicómicas anécdotas profesionales, o dan voz a los inexpertos y atormentados alumnos ante los que se abre una vida de infinitas posibilidades y riesgos.

Planeta ESO pretende, así, ser una fiel adaptación del libro del que toma su nombre y un ejercicio de humor estudiantil, que se basa en la interpretación de las dos protagonistas femeninas. La representación opta, sin embargo, por una versión soft y esponjosa del tema que deja de banda los pespuntes más dramáticos de la actual situación educativa catalana (y española por extensión), aspirando a ser un producto digerible por el amplio público, objetivo que consigue como demuestra la prórroga del espectáculo en el escenario del Versus Teatre hasta el próximo 6 de noviembre.

Así, pues, ya saben, si quieren pasar un buen rato conociendo de primera mano o simplemente recordando aquellas anécdotas que todos, de una forma u otra, hemos vivido en nuestra etapa estudiantil, no deben de dejar escapar Planeta ESO, un ejercicio teatral en clave de humor que nos habla de la educación, de nuestros hijos, de los padres y de una sociedad que, en medio de una gran crisis económica, política y social no sabe que hacer casi con nada y menos con la educación pública universal, una de las claves de un futuro prometedor.

Planeta ESO” se representa en el Versus Teatre del 26 de agosto al 6 de noviembre de 2011.

Autores: Empar Fernández y Judit Pujadó
Dirección: Joan Gallart
Reparto: Assumpció Ortet y Meritxell Ané
Compañía: AGM Produccions

Horarios: de jueves a sábado a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas.de dijous a dissabte a les 19:00 hores i diumenge a les 18:00 hores.
Precio: 16 €
Idioma: catalán
Duració de la obra: 1 hora.
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Inici de la temporada teatral al Versus Teatre.


El Versus Teatre inicia temporada teatral aquest mateix mes d’agost  amb la programació de dos produccions: Des-penjades, una comèdia íntegrament femenina sobre la recerca de la identitat i Planeta ESO, basada en el llibre homònim de Empar Fernández i Judit Pujadó guardonat amb el Premi Pere Quart d’humor i sàtira.

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Des-penjades, de Mònica Lucchetti.
Companyia: Despenjades

Mònica Lucchetti torna al Versus Teatre després de l’èxit de públic que va aconseguir al gener amb les representacions de Des-penjades, l’últim text de la jove dramaturga Virgínia Sánchez. Des-penjades és una comèdia protagonitzada per quatre dones que miren de trobar la seva identitat: quatre personatges que creuen les seves vides sobre l’escenari en una recerca constant del que són i del que necessiten per ser felices. A ritme de comèdia, tindran encontres i desencontres que aniran configurant les relacions en les quals es troben immerses en un intent de teixir la xarxa que els permeti sentir-se part del món, part de quelcom que els ajudi a construir les seves identitats.

Però, què passa quan la xarxa que creien que les sostenia es dissol, o quan el fil que les uneix a ella es trenca? Com aconseguir recompondre’l o crear-ne un de nou? És allò que ens uneix als demés el que ens fa saber qui som o, al contrari, els lligams ens empresonen en la recerca del nostre propi jo? Com, aleshores, deturar el vertigen que comporta sentir-se des-penjada?

Des-penjades és una comèdia que versa sobre l’art de buscar i la dificultat de trobar. I de la complexitat de les relacions en el context actual, on el vincle interpersonal se’ns presenta com a una entitat especialment fràgil i, alhora, profundament necessària.

Des-penjades” es representarà al Versus Teatre del 23 d’agost al 2 d’octubre de 2011.

Autora: Virgínia Sànchez
Direcció: Mònica Lucchetti
Repartiment: Carmen Fortuny, Beatriz L. Maurel, Marta Martori i Virgínia Sànchez
Companyia: Despenjades
Veu en off: Mariona Ribas
Moviment escènic: Mamen Alcázar
Banda sonora: Swoon, d’Amanda Jayne
Disseny de la il·luminació: Marc Martín

Horaris: de dimarts a dissabte a les 21:00 hores i diumenges a les 20:30 hores.
Preu: 16 €.
Idioma: Català.
Durada de l’obra: 1 hora i 15 minuts.

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Planeta ESO
, de Joan Gallart.

Planeta ESO és l’adaptació del llibre homònim escrit per Empar Fernández i Judit Pujadó que va ser guardonat amb el Premi Pere Quart d’humor i sàtira. En el moment de la seva publicació va assolir un important èxit de vendes i un entusiasme dins la professió i l’àmbit estudiantil, ja que esdevé un encertat reflex irònic sobre el món dels adolescents, els pares i els mestres. Una paròdia en què dues professores comparteixen les experiències viscudes dins i fora de les aules. L’adaptació de Planeta ESO compta amb la dramatúrgia i direcció de Joan Gallart i és interpretada per Meritxell Ané i Assumpció Ortet.

Planeta ESO parla d’un món habitat per adolescents, mestres i pares que s’explora amb els ulls ben oberts i amb tot el bon humor possible. Tot i que el títol pugui induir a engany o estimular falses expectatives, cal dir que no és cap tractat pedagògic ni cap queixa amarga sobre la situació de l’ensenyament. Tot el contrari.

Planeta ESO és una paròdia. Tot el que hi trobareu, però, és ben cert: professors engrescats a recordar i a compartir un somriure, alumnes que protagonitzen anècdotes hilarants, pares desconcertats…

Benvinguts i benvingudes, doncs, al Planeta ESO.

Planeta ESO” es representarà al Versus Teatre del 26 d’agost al 2 d’octubre de 2011.

Autores: Empar Fernández i Judit Pujadó
Direcció: Joan Gallart
Repartiment: Assumpció Ortet i Meritxell Ané
Companyia: AGM Produccions

Horaris: de dijous a dissabte a les 19:00 hores i diumenge a les 18:00 hores.
Preu: 16 €
Idioma: català
Duració de l’obra: 1 hora.

Crítica de la obra en CULTURALIA: https://cinelatura.wordpress.com/2011/10/05/critica-teatral-planeta-eso-en-el-versus-teatre/

Crítica teatral: Locas, en el Versus Teatre.


Como viene siendo habitual el duro y sofocante mes de agosto que vivimos en la turística ciudad de Barcelona viene a ser refrescado por la actividad de dos teatros, el Versus Teatre y el Teatre Gaudí, que mantienen su programación teatral en un mes donde el resto de la oferta teatral se desvanece, algo así como si se derritiese por el calor, dejando a la ciudad condal huérfana en este ámbito cultural.

Es así que la voluntad de los equipos directivos de ambos teatros nos dan la oportunidad de plantearnos poder ir a ver una obra de teatro en un período del año en el que las playas y el “jolgorio nocturno” campean a sus anchas por las calles barcelonesas.

Y este es el caso de Locas, estrenada en el Versus Teatre el pasado 2 de agosto y que se mantendrá en cartelera hasta el 14 de este mismo mes. Una obra que viene avalada por una muy buena acogida por parte del público y la prensa en los escenarios madrileños y que nos permite sumergirnos en el mundo de la locura y atravesar esa débil línea que separa la cordura de la locura y que es a veces un límite tan débil que no podemos siquiera distinguirlo y, consecuentemente, diferenciar aquello sano de aquello no sano en el funcionamiento de la mente de los individuos.

Locas inicia su acción en lo que parece ser una sala de espera donde dos pacientes esperan su turno para entrar en la consulta del psicólogo. Las dos son mujeres muy diferentes: la primera es una ama de casa que posee una vida familiar vacía en la que tanto su marido como sus hijos ya no necesitan de sus “servicios domésticos”. Una vida que se replica automáticamente cada 24 horas y en la cual su razón de ser ha dejado, desde hace tiempo, de tener algún valor. La segunda es una mujer de negocios responsable del recto y beneficioso avance de cuatro empresas. Una mujer estresada que ha sustituido la vida familiar por una vida empresarial que está ahogando su existencia. Ambas mujeres se conocerán en la consulta del psicólogo mientras las máscaras existenciales de ambas se irán disolviendo, lo que nos permitirá conocer algo mejor el drama humano que se esconde detrás de muchas vidas que rozan la alienación en la sociedad en la que vivimos.

Locas es un espectáculo teatral de pequeño formato con voluntad de experimentar sensaciones de gran formato. Una obra que más que un argumento trepidante incide en las situaciones temperamentales que podemos reconocer muchas veces como muy cercanas. Una obra de opuestos que, como decía antes, nos permite reflexionar sobre lo que presumiblemente está sano de lo que no lo está. Y sobre cuales son las causas de todo ello, si es que existe alguna.

Una breve introducción “audio-histórica” sobre la mente y sus trastornos nos permite conocer a las dos mujeres protagonistas en la obra. Ello requiere sobre todo una inversión en las interpretaciones de las dos actrices Ángeles González Cuerda y Maribel Jara que nos dejan claro desde un buen principio lo opuesto de sus personalidades: A una mujer “triunfadora” en su vida profesional se le enfrenta una mujer derrotada por su vida familiar. Dos opciones de vida (de las muchas que existen) viviseccionadas a lo largo de los 75 minutos de duración del espectáculo.

Locas, además, desarrolla el juego de los opuestos hasta el final de la obra con algún que otro giro que nos muestra que no todo lo que parece verdadero lo es, y es aquí donde entra de pleno el juego de máscaras individuales que caracteriza a las sociedades y más concretamente a la occidental que, atrofiada en ella misma, genera un sistema de pantallas, de ocultaciones y de espejos que hacen difícil, muchas veces, poder seguir adelante con la propia existencia.

La obra analiza un tema, el de la locura (y por opuesto, el de la cordura) de una forma ágil y sugestiva aunque a veces le falta algo de ritmo y parece entrar en un estado en el que la trama no avance. Las interpretaciones nos permiten visualizar la “forma” de la locura, cosa que no quiere decir, ni mucho menos, que el escenario se llene de desvaríos, chillidos y decibelios, sino todo lo contrario. En las palabras, en los silencios y en los movimientos de las actrices notaremos la esencia del trastorno, bien conocido por el autor y director de la obra, José Pascual Abellán, tras varios años de experiencia como profesor de educación especial. Aún así la obra peca de “golpe-efectismo” en un argumento que de ninguna forma lo necesita. Una concesión al cine y a las historias de misterio que no tiene cabida en la obra.

Aún así Locas nos permite un acercamiento desde el punto de vista de la tragicomedia hacia un mundo que aunque parezca muy alejado de nosotros está mucho más cercano de lo que debiera, motivado, claro está, por un modelo de sociedad ejemplar, siempre que formemos parte de aquel uno por ciento de la población que, aún estando en crisis, disfruta y goza de su existencia atando a sus mascotas con collares hechos de billetes. Perdón, me equivocaba, que estos también pueden llegar a sentirse amenazados por la locura de vivir en el interior de un entramado social que busca y se desvive por conseguir el beneficio económico y menosprecia el beneficio de la salud, el mental y el de las emociones, algo de lo que no se puede extraer nada provechoso.

Locas” se representa en el Versus Teatre del 2 al 14 de agosto de 2011.

Dirección y dramaturgia: José Pascual Abellán
Reparto: Ángeles González Cuerda y Maribel Jara
Codirección: Doriam Sojo
Música original: José Francisco Giménez
Escenografía: Joaquín Román / Teatro A Cuestas
Producción: Teatro A Cuestas
Coordinación vestuario: Jonatan Mármol

Horarios: de martes a sábado a las 22:30 y domingos a las 20:30 horas.
Precio: 16 €
Idioma: castellano
Duración de la obra: 75 minutos
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez