De nuevo, y como cada año, regresa el día de Sant Jordi, el día del libro!! Una jornada muy especial dedicada a la cultura y especialmente a la lectura.
Aunque este año el día de Sant Jordi está casi incorporado a la Semana Santa, vale la pena salir y recorrer las principales calles de vuestra ciudad y encontrar la rosa y el libro perfectos!!
— «Educar es dar la posibilidad de un futuro»
— «Educar en la esperanza ayuda a construir un mundo mejor».
El teatro es pasión, o mejor dicho, se vive como una pasión. La escena da forma a la vida y al examen que hacemos sobre nosotros mismo. Es en este contexto en el que se ubica Mort d’un comediant, una reflexión sobre el teatro como una forma de hacer frente y, al mismo tiempo, huir de la realidad.
“Adri, un joven cuidador de ancianos, empieza a trabajar en casa de Llorenç Cardona, uno de los actores más respetados y queridos de Cataluña. El primer día, su sobrina Miranda le advierte que para conservar el trabajo deberá seguir un montón de normas que van más allá de sus tareas habituales: en la recta final de su vida, Llorenç parece haber perdido la cabeza y en ocasiones decide comportarse como los personajes que ha interpretado durante su dilatada carrera y obligando a Adri a seguirle la corriente”.
Guillem Clua como autor y Josep Maria Mestres como director han dado vida a una propuesta que gustará al público. Una trama actual que nos retrotrae a la esencia del teatro, en la que destaca Jordi Bosch que da vida a un famoso actor de teatro que sufre un trastorno mental. Su día a día quedará afectado por la llegada de Adri, su nuevo cuidador. Entre los dos se generará un vínculo de amistad a través del teatro, que llevará a Adri a descubrir el por qué del estado de Llorenç.
Mort d’un comediant es un alarde teatral creado para hacer brillar a su protagonista principal, en este caso a Jordi Bosch, que se verá obligado a lo largo de la obra a representar a diversos de los grandes personajes del teatro en su ansia de enseñar a Adri donde reside la magia del arte escénico. Y Bosch no rehuye su responsabilidad y lleva a cabo una Masterclass sobre el escenario que seguro que emocionará a más de uno.
La obra está ideada como una tragicomedia en la que la comedia y las risas predominan en la primera parte de la representación y la realidad más trágica, centrada en los problemas mentales del protagonista, se imponen en la segunda parte, cuando el público descubre los motivos que han llevado a Llorenç Cardona a refugiarse en el teatro para no hacer frente a la realidad. Es en esta segunda parte en la que los personajes de Adri (Francesc Marginet Sensada) i Miranda (Mercè Pons) toman, en parte, las riendas de la representación, lo que permitirá al público conocer poco a poco la verdad de lo que pasa sobre el escenario.
Todo cuadra, así, a la perfección, con el talento de Clua que envuelve su texto en la misma sustancia del teatro y a la sutileza de la dirección de Mestres, que sabe conducir el desarrollo de la representación en todo momento. Nada sería, sin embargo, posible sin el oficio de Bosch, que sabe dar a cada uno de los personajes o, mejor dicho, a cada una de sus interpretaciones, el toque que necesita. La única pega, un cierto grado de artificiosidad en el desarrollo de la trama que, creo, se centra más en la magia seductora del teatro que en la realidad que comporta la gestión de un problema de salud mental.
Aún así, Mort d’un comediant es una recomendación inexcusable para aquellos a los que le guste que el teatro hable del teatro y que quieran disfrutar con una trama actual y cercana envuelta por algunos de los grandes clásicos del teatro.
“Mort d’un comediant” se representa en el Teatre Romea del 21 de marzo al 1 de junio de 2025.
Autoría: Guillem Clua
Dirección: Josep Maria Mestres
Reparto: Jordi Bosch, Mercè Pons y Francesc Marginet Sensada
Escenografía: Joan Sabaté
Vestuario: Bàrbara Glaenzel
Iluminación: Kiko Planas
Espacio sonoro: Jordi Bonet
Caracterización: Toni Santos
Producción: Teatre Romea
Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 16,10€
Duración: 90 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa
El pasado mes de febrero regreso a las librerías Javier Sierra el maestro del misterio, con la publicación de El plan maestro, una apasionante novela que te hará viajar a través del arte a una historia desconocida de la civilización.
En 1990, Javier Sierra fue abordado por un sujeto singular en el Museo del Prado. Este le confesó que existía una comunidad secreta que, desde hacía siglos, se había dedicado a proteger una selección de obras que servía de puerta entre distintos mundos. Aquel tropiezo dio lugar en el año 2013 a El maestro del Prado.
Desde entonces, el autor se ha obsesionado con encontrar de nuevo a ese personaje y, en su camino, ha descubierto que existe un «plan maestro» que otorga al arte un sentido esencial. Este lleva siglos siendo urdido por unos misteriosos maestros que han transformado a nuestra especie hasta límites insospechados. Algunos mitos se refieren a ellos como dioses instructores, otros como daimones; también como ángeles y espíritus. Sus ideas han moldeado nuestra especie con aportes como la agricultura, la astronomía, las matemáticas o la expresión artística. Pero ¿quiénes son ellos?
Javier Sierra periodista y escritor español de fama internacional. Hace más de treinta años decidió buscar respuestas a grandes preguntas a través de la escritura. Tras ganar el Premio Planeta con El fuego invisible y convertirse en el único autor español cuyas novelas han llegado al top ten de los más leídos en Estados Unidos, Javier Sierra se enfrenta ahora al gran desafío de explicar el origen del arte a través de los maestros que lo hicieron posible.
Título: El plan maestro
Autor: Javier Sierra
Editorial: Planeta
Publicación: Febrero 2025
Páginas: 504
Formato: Tapa dura con sobrecubierta / 15 x 23 cm
Precio:
● Tapa dura: 22,9€
● eBook (Epub 3) 12,99€
● Audiolibro
Hay pocas películas que sean tan populares e intergeneracionales como Grease, el film musical del año 1978 dirigido por Randal Kleiser e interpretado en los papeles principales por John Travolta y Olivia Newton-John. Un film que relata al espectador una trama “de primer amor” fresca y juvenil ambientada en el Instituto Rydell, condimentada con varias coreografías y temazos musicales que marcaron una época. Por eso no es extraño que su adaptación teatral de la mano de Som Produce sea todo un acontecimiento para los amantes la película.
“Sandy y Danny han pasado un romántico y maravilloso verano juntos, pero al acabar las vacaciones sus caminos se separan. Al regresar al instituto vuelven a encontrarse de manera sorprendente. Si bien el contexto ha cambiado y la actitud de Danny no es la misma que durante el verano… Solo el amor, la brillantina y el rock’n’roll podrán salvar la situación”.
Regresa, pues, a Barcelona uno de los clásicos del teatro musical. Y para la ocasión, celebrando el 50 aniversario de su estreno original en Chicago, Som Produce ha elaborado una propuesta escénica a la altura de las circunstancias, en la que los y las estudiantes del icónico Instituto Rydell volverán a hacer de las suyas.
David Serrano, en la dirección y la adaptación, nos propone un espectáculo musical que, aunque altera el orden de las escenas del film (que no el orden del musical original), mantiene la esencia de la historia. Y para que todo funcione como debe funcionar, la elección del reparto y la ejecución de las coreografías han de estar al 100%. Y es en la parte de las interpretaciones donde la propuesta patina más, no llegando, a veces, al nivel necesario. Aún así hay que destacar la fuerza e intensidad de los números grupales y la interpretación de Carlos Solano, al que podríamos considerar el “maestro de ceremonias” del espectáculo, Mia Lardner como Sandy, Isabel Pera como Rizzo y Marc Ribalta como Kenickie.
Por su parte las coreografías del Tívoli están muy bien afinadas y consiguen dar al espectáculo un aspecto muy cinematográfico, con números como Greased Lightnin’, Summer Nights, We Go Together o la escena de la competición de baile, que introducen al publico de pleno en la atmósfera musical del rock&roll de los años 50.
El resultado es un musical que consigue tocar la fibra del público que se trasladará, seguro, al momento en el que disfrutó por primera vez de la película, y que sabe sacar partido de una historia de amor, de unos personajes y de una época, que han marcado, sin duda, los recuerdos de muchos y muchas de nosotros.
“Grease El Musical” se representa en el TeatreTívoli del 6 de marzo al 6 de abril de 2025.
Dirección y adaptación: David Serrano
Dirección musical: Jesús Serrano
Coreografía: Toni Espinosa
Letras: Jim Jacobs, Warren Casey
Reparto: Carlos Solano, Quique Niza, Mia Lardner, Isabel Pera, Marc Ribalta, Sonia Vallverdú, Pau Gimeno, Laura Miguel, Miguel Millán, Paula Domínguez / Ana de Alva, Aleix Maria, Rocío Serrato, Christian Velert
Músicos:
● Nadir Ibarra (Saxo i flauta)
● Tony Molina (Trompeta)
● Salva Pérez (Bateria)
● Benjamín Bravo (Baix)
● Sergio Rivas (Guitarra)
Escenografía: Ricardo Sánchez Cuerda
Iluminación: Juanjo Llorens
Sonido: Gastón Briski
Caracterización: Ricardo Sánchez Cuerda
Vestuario: Ana Llena
Producción: SOM Produce
Horarios: martes a las 20:30 horas; miércoles a jueves a las 20:00 horas; viernes y sábados a las 17:00 y a las 21:00 horas y domingo a las 16:30 horas
Precio: desde 16:30€
Duración: 120 minutos
Idioma: 120 minutos
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa
El Centre d’Art Amatller presenta Universo Goya, una exposición inmersiva donde las luces y sombras del genio nos trasladan a un mundo apasionante.
Universo Goya, entre la luz y la oscuridad es una exposición inmersiva que pondrá al alcance de todos las claves para interpretar el valor histórico y artístico de uno de los pintores más universales de la historia del arte. Arte digital, tecnología y patrimonio nos adentran en el mundo personal y creativo de Goya y en su contexto histórico, así como por la trayectoria de toda su vida.
Disfruta de una puesta en escena vibrante y de un relato intenso pero cercano de la personalidad, la vida y la obra del pintor aragonés. Tendrás delante de ti una gran variedad de recursos museográficos de carácter escenográfico y tecnológico y objetos artísticos y patrimoniales. Además, podrás contemplar escenarios vitales y creativos del pintor aragonés y un espacio audiovisual inmersivo realizado por grandes artistas y técnicos. Todo, acompañado de una espectacular banda sonora. Una experiencia multisensorial única!!
● Una exposición que homenajea la figura humana y artística de Goya
● Objetos de la época que nos acercan a las costumbres de finales del siglo XVIII y principios del XIX
● Instalaciones escenográficas y tecnológicas
● Videomapping para identificar el rostro humano de Goya
● Un espacio dedicado al «taller de Goya» con un cuadro original
● Una gran muestra de estampas de diferentes series de grabados
● La sala inmersiva y de realidad virtual, en la que recorrerás con arte digital y una gran banda sonora las obras y los escenarios creados por Goya
● Fechas: A partir del 27 de febrero
● Lugar: Centre d’Art Amatller, Barcelona (Passeig de Gràcia 41)
● Edad: para todos los públicos
● Horario: De 10:00 a 22:00 horas. Ultimo acceso a las 20:00 horas
● Duración: Entre 70 y 90 minutos
● Precio: Entradas desde 9€
● Accesibilidad: El lugar es accesible para personas con movilidad reducida
Entradas: Web Exposición Universo Goya
Shakespeare, el genio teatral más reconocido universalmente, ha sido trasladado al lenguaje cinematográfico en producciones que han logrado vehicular musicalmente la tensión de sus tramas escénicas, encarnadas por personalidades desconcertantemente convincentes.
De ahí que sus bandas sonoras hayan intentando condensar la fuerza de sus relatos en composición musicales que han quedado en la memoria del público. En el concierto West Side Story, Shakespeare en el cine del próximo 11 de mayo podremos eschuchar algunos de estos intentos. Desde Julio César de Miklós Rózsa a las icónicas “Danzas sinfónicas” de la versión de Romeo y Julieta que es West Side Story, pasando por la composición de Nino Rota para el filme Romeo y Julieta de 1968 y la suite de la película Enrique V compuesta por Patrick Doyle, música de altos vuelos, hasta el punto de que Simon Rattle optó por grabarla al frente de la Orquesta Sinfónica de Birmingham.
Miklós Rózsa: Julio César (1953) 6’
Nino Rota: Romeo y Julieta (1968) 8’
Patrick Doyle: Suite de la película Enrique V (1989) 17’
Leonard Bernstein: West Side Story. Danzas sinfónicas (1957) 25’
Banda Municipal de Barcelona (BMB)
Dirección: Rafael Agulló
Concierto: West Side Story. Shakespeare en el cine
Fecha: 11 de mayo de 2025 a las 18:00 horas
Espacio: Sala 1 Pau Casals (L’Auditori)
Precio: de 12 € a 16 €
Duración: 120 minutos (aprox.)
Información y entradas: Web L’Auditori
Siempre es un placer recuperar un clásico, ya sea por el aliento que atesora, por la visión del mundo que facilita o por las reflexiones que aporta, diferentes, claro está, a las nuestras propias pero equiparables en su sustancia. Y si la ocasión nos permite recontemplar el Siglo de Oro español en la figura de Calderón de la Barca, no se debe dejar escapar. Este es el caso del estreno de El Gran Teatro del Mundo en el Teatre Romea, obra producida por el Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), adaptada por Xavier Albertí, Brenda Escobedo y Lluís Homar y dirigida por este último.
“El gran teatro del mundo es una obra paradigmática. En ella se conjuga un imaginario escénico inédito en su tiempo y una versificación de una extraordinaria belleza con unas reflexiones espirituales y filosóficas de gran profundidad que proponían a los espectadores amplias cotas de reflexión sobre la naturaleza de nuestra existencia y los valores que la acompañan, hecho que la convierten en una de las más importantes producciones teatrales del Siglo de Oro”.
El Teatre Romea nos ofrece una oportunidad de aquellas que no se pueden rehuir y que no es otra que asistir a una representación de la reflexión social que Calderón de la Barca llevó a cabo en con El gran teatro del mundo, una de esas obras que dejan huella en aquellos y aquellas que la contemplan.
La CNTC ha acometido la empresa de representar uno de los grandes clásicos de nuestro Siglo de Oro con una puesta en escena original, dentro y fuera del propio escenario, y con un desarrollo portentoso. Calderón nos sorprende con un auto sacramental revolucionario en el que analiza las relaciones sociales de la época con trazos filosóficos y humorísticos, en el que convierte al propio autor teatral en Dios y a los personajes en los diversos roles sociales de la época, que incluyen al Labrador, al Rico, al Pobre, a la Hermosura, al Rey, a la Discreción, al Niño y a la Ley de Gracia (irónicamente el “apuntador del Gran Teatro”), a los que hará afanarse por el mundo, mostrando al público su estamento social. Ya os podéis imaginar que con todo el cinismo y el humor que un auto sacramental, vinculado con la liturgia católica y que se representaba el día de Corpus, puede contener.
Es un regalo contemplar como el Autor divinizado da vida y muerte a sus personajes por medio del fino verso de Calderón, al que la adaptación se ha mantenido fiel, haciendo un gran alarde para ello. A lo que se suma la interpretación de una compañía donde destacan dos intérpretes, Antonio Comas, que da vida al Autor y Carlota Gaviño que encarna al Mundo en el que el resto de personajes tendrá que de interpretar sus roles.
La escenografía se mantiene siempre en un segundo plano, pues en la propuesta de la CNTC prima la interpretación de los roles sobre un escenario que o es el simple telón del teatro Romea, o bien un escenario vacío, en el que actúan casi desnudos, evidenciando así, su carácter universal.
Y, claro está, la magia de Calderón se hará presente con el tono de sus versos y las relaciones que se plantean entre los diversos estamentos sociales del siglo XVII, en la que los ricos tienen venia y los pobres han de ganarse el sustento con el sudor de su frente o malviven de la caridad y la beneficencia de los que más tienen.
Como os he dicho El gran teatro del mundo es una gran oportunidad para confirmar la grandeza de nuestro teatro clásico y para contemplar la agudeza de la CNTC, que revive un pasado escénico con la gracia y la simpleza que un clásico como Calderón de la Barca requiere.
«El gran teatro del mundo» se representa en el teatre Romea del 27 de febrero al 16 de marzo de 2025.
Autoría: Calderón de la Barca
Dramaturgia: Xavier Albertí, Brenda Escobedo y Lluís Homar
Dirección: Lluís Homar
Dirección musical: Xavier Albertí
Reparto: Clara Altarriba, Malena Casado, José Luis Verguizas, Antoni Comas, Carlota Gaviño, Pilar Gómez, Yolanda de la Hoz, Chupi Llorente, Jorge Merino, Aisa Pérez, Pablo Sánchez
Escenografía: Elisa Sanz
Vestuario: Deborah Macías
Iluminación: Pedro Yagüe
Movimiento: Pau Aran
Producción: Compañía Nacional de Teatro Clásico
Horarios: de martes a sábado a las 20:00 horas y domingos a 18:00 horas
Precio: Des de 16,80€
Idioma: castellano
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa
El origen del teatro occidental está, ya lo sabéis, en la Antigua Grecia y, de alguna manera, en su forma de dar vida al mundo mítico helénico que ha llegado hasta nosotros. Gracias a esa supervivencia conocemos hoy el relato de Electra, Hija de Agamenón y Clitemnestra, en tres versiones diferentes, de la mano de los tres grandes clásicos griegos Esquilo, Sófocles y Eurípides.
El Teatre Lliure presenta una resumida y actualizada visión de la triple historia de Electra en una propuesta dirigida por Alícia Gorina, e interpretada por una compañía de jóvenes actores y actrices graduadas del Institut del Teatre.
«El episodio del asesinato de Clitemnestra por parte de sus hijos, Orestes y Electra, es el único de la mitología clásica relatado por los tres trágicos griegos: Esquilo, Sófocles y Eurípides. En esta propuesta, ocho intérpretes nos confrontan con tres versiones breves en clave íntima y contemporánea de cada una de las tres tragedias. Tres piezas independientes que corresponden también a tres estilos diferentes de puesta en escena”.
Gorina, que la temporada pasada ya se internó en el mundo de los clásicos con Ifigènia, también en el Teatre Lliure, se interesa en su nueva propuesta en un aspecto fundamental del relato de Electra, que no es otro que el asesinato de Clitemnestra, su madre, por parte de sus dos hijos. Para ello elabora un relato tripartito, de la mano de Albert Arribas, basándose en la obra de los tres grandes trágicos dándole a cada una de ellas un tono y una escenografía diferenciada. Para el relato de Esquilo, el texto más antiguo, Gorina emplea a un coro clásico, una forma teatral más arcaica, que provee a la representación de un tono más atávico, casi espiritual; para el turno de Sófocles la directora opta por monólogos recitados por los diversos personajes y para el turno de Eurípides Gorina escoge un estilo deconstruido en el que la trama se representa con un formato más actual.
El resultado es una obra que podríamos considerar de arqueología teatral, que mostrará al público la naturaleza evolutiva e innovadora del teatro clásico griego y como una historia puede transformarse, adaptándose a las condiciones sociales y culturales del momento.
El reparto, como ya he dicho, está constituido por jóvenes graduados y graduadas del Institut del Teatre, esto es, Ariadna Chillida, Fermí Delfa, Marta Margarit, Clara Mir, Pau Oliver, Àlex Pujol, Joan Sentís, Carla Vilaró que saben dar a la representación, en cada uno de sus estilos, un toque propio, fresco y juvenil.
El Lliure y Gorina nos embarcan, de esta forma, en una aventura de descubrimiento teatral quasi-arqueológico que nos dirigirá hacia el origen del teatro griego y que nos permitirá reflexionar sobre la naturaleza del teatro y sobre su vigencia en nuestros días, al permitirnos ver como el relato de cualquier acontecimiento puede imponerse, incluso, a su propia sustancia.
“Electra” se representa en el Teatre Lliure del 27 de febrero al 23 de marzo de 2025.
Autoría: Esquilo, Sófocles y Eurípides
Dirección: Alícia Gorina
Adaptación: Albert Arribas
Reparto: Ariadna Chillida, Fermí Delfa, Marta Margarit, Clara Mir, Pau Oliver, Àlex Pujol, Joan Sentís, Carla Vilaró
Escenografía: Xevi Oró
Vestuario: Adriana Parra
Caracterización: Alba Quintos
Iluminación: Quim Algora
Sonido: Igor Pinto
Movimiento: Iris Marrot
Producción: Teatre Lliure e Institut del Teatre
Horarios: de jueves a sábado a las 19:30 horas y domingo a las 18:30 horas
Precio: de 7 a 32€
Duración: 1 hora 30 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa
A poco más de un año de su fallecimiento, el Palau Martorell acoge la más completa exposición de pintura jamás celebrada en España con la cual rinde homenaje a Fernando Botero, uno de los artistas más importantes del siglo XX que ya forma parte de la Historia del Arte. Su propuesta creativa, original y novedosa, a través de un lenguaje de volúmenes monumentales y vibrante color, dio lugar a un estilo propio, el boterismo, que hace que su obra sea inmediatamente reconocida.
La exposición, comisariada por Lina Botero y Cristina Carrillo de Albornoz, explora la extraordinaria versatilidad de Fernando Botero en el uso de las distintas técnicas pictóricas y la riqueza que esto significó para su obra. Para ello, se ha reunido un conjunto de más de 110 obras, gran parte inéditas, procedentes de colecciones privadas, que incluye esculturas, óleos, acuarelas, sanguinas, carboncillos y dibujo a lápiz.
“Fernando Botero. Un Maestro universal” también analiza la importante relación del artista colombiano con España e Italia, así como la influencia crucial que ambos países tuvieron en su obra. Por este motivo, se podrán ver por primera vez en nuestro país dos obras excepcionales: una versión de “Las Meninas” de Velázquez, que siempre estuvo colgada en su estudio parisino, y “Homenaje a Mantegna”, un préstamo extraordinario procedente de una colección privada de Estados Unidos, y recientemente descubierto por Lina Botero a través de Christie´s. A estas piezas se suman, entre otras, sus series icónicas con los temas clásicos más queridos por él, como los dedicados a Latinoamérica, el circo, la religión, la mitología, la naturaleza muerta y sus versiones de obras maestras de la historia del arte.
“Fernando Botero. Un Maestro universal” está producida y organizada por el Palau Martorell y Arthemisia en colaboración con la Fundación Fernando Botero.
Exposición: Fernando Botero. Un Maestro universal
Espaciio: Palau Martorell (Barcelona)
Fechas: A partir del 14 de febrero de 2025
Más información: web Palau Martorell
Todos somos conscientes, o deberíamos serlo, de lo importante que es la lengua, o mejor dicho, las lenguas, y lo importante que es también su cuidado en una época como la nuestra en la que los medios de comunicación y, sobre todo, las redes sociales afectan intensivamente su integridad y desarrollo. La gramática, escrita y dirigida por Ernesto Caballero, nos propone una reflexión satírica sobre el uso que hacemos de nuestro patrimonio lingüístico.
“Imaginemos que un buen día, de forma accidental, una mujer convencional o sujeto se convirtiera de la noche a la mañana en una erudita consumada de la lengua y la gramática. ¿Cómo cambiaría su vida esta circunstancia? ¿Vería ensanchados sus horizontes personales y profesionales o, por el contrario, estas nuevas destrezas le provocarían la marginación de su entorno? Imaginemos, al mismo tiempo, un prestigioso neurocientífico dispuesto a someter a la mujer a un intensivo proceso de desprogramación lingüística para devolverle a su estado primario de limitación expresiva para evitarle, de este modo, los trastornos de inadaptación social originados después de su accidente”.
Caballero pone su atención en La gramática en el uso cotidiano que hacemos de la lengua, y lo que ello supone, proponiéndonos una situación burlona en la que seremos testigos de los efectos perjudiciales que puede tener el buen uso de la lengua en una persona “normal”, poseída por el espíritu regulador de las gramáticas. Una situación imaginaria y disparatada que, enriquecida con un logrado sentido del humor, nos hará reír y reflexionar a la vez sobre la lengua.
La propuesta en sí es de pequeño formato. Una actriz (María Adánez), un actor (José Troncoso), un escenario casi vacío y, sobre todo, un guion original esforzado. Ella, el sujeto, la señora de la limpieza que accidentalmente ha visto incrementado su dominio de la lengua al caérsele encima, literalmente, las gramáticas de la lengua española cuando estaba limpiando en la sede de la RAE. Un percance, veremos, con graves consecuencias negativas. Adánez lo hace muy bien y le da a su personaje la ambivalencia lingüística que requiere. José Troncoso, el terapeuta que intenta devolver la salud espiritual a la protagonista, se complementa perfectamente con ella, formando entre los dos un tándem humorístico que funciona muy bien.
El humor, como es lógico, brota de una situación paradoxal, y no dejará de fluir a la largo de la representación gracias a la conexión entre los dos protagonistas y la originalidad de la trama.
Un ejercicio teatral que, aunque a veces demasiado hiriente a la hora de mostrar al “hablante medio”, nos hará reflexionar sobre el uso, o mal uso, que hacemos del idioma y la necesidad de cuidarlo, ya que, si lo pensamos, somos nosotros mismos en la práctica los que le damos forma, al mismo tiempo que el idioma nos da forma a nosotros, abriéndonos las puertas al conocimiento, a la comunicación y, como es el caso, al disfrute teatral.
“La gramática” se representa en el Teatre Romea del 12 al 23 de febrero de 2025
Autoría y dirección: Ernesto Caballero
Intérpretes: María Adánez, José Troncoso
Escenografía: Víctor Longás
Iluminación: Karla Belvis – Insuel
Vestuario y caracterización: Anna Tusell
Producción: Focus
Horarios y precio: web teatre Romea
Idioma: castellano
Duración: 80 minutos
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa
El rincón con mis relatos de ficción, humor y fantasía por Fer Alvarado
Culturalia 