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Estreno: Flirt, en el SAT! Teatre

La compañía Guillem Albà y la Always Drinking Productions nos proponen un viaje musical, divertido y cargado de amor y humor para estas navidades con el estreno del espectáculo Flirt.

Con FLIRT vuelve el showman que ya conocimos con el primer espectáculo de Guillem Albà (“Sketchofrenia”) y el universo de un antihéroe inquieto y divertido. Y vuelve también a los escenarios la increíble calidad musical de la Always Drinking Marching Band. Más clown. Más música. Más Guillem Albà.

Esta es la última oportunidad que se da Marcel para encontrar a su amor. Ha creado un espectáculo para enseñar y enseñarse. Para mostrar su manera de ser, pensar y vivir. A través de escenas, cartas y canciones viajaremos con este joven antihéroe a la búsqueda del amor. ¿Quién sabe? Quizás hoy, cuando le conozcas, te enamoras de él…

FLIRT es un espectáculo que tiene como cimientos el HUMOR, la MÚSICA EN DIRECTO y el AMOR. Un montaje que nace de la fusión entre el talento de actor y clown de Guillem Albà y la calidad musical y la versatilidad interpretativa de los músicos de la Always Drinking Marching Band. En escena encontramos a los seis músicos de la Always Drinking y el actor y clown Guillem Albà. Todos ellos dirigidos por el reconocido autor, actor y director Jordi Purtí, conocido en el mundo del teatro y el humor. La dirección musical la firma Víctor Bauzà.

Con FLIRT, el espectador puede disfrutar con la interpretación del joven clown, acompañado por seis músicos de lujo, con una larga experiencia sobre los escenarios, que entran a jugar en la parte interpretativa. Sus intervenciones, pensadas y ejecutadas en favor del juego del actor, les convierten en agentes activos de la vertiente dramática.

La idea original de montar “Flirt” surge cuando Jordi Purtí y Guillem Albà se reencuentran en la Sala Muntaner de Barcelona, durante el otoño de 2009, en la segunda temporada de Sketchofrenia en la ciudad. Enseguida se entienden, tanto a nivel humano como artístico, y comienzan a trabajar en la creación de este nuevo proyecto. Jordi Purtí en la creación y la dirección, y Guillem Albà en la creación y la interpretación.

La reconocida trayectoria como autor, director y actor de Jordi Purtí, y la confianza depositada en el actor, animan aún más las ganas de Guillem Albà de tirar adelante un espectáculo de humor con música en directo. Cuando se confirma que la banda del espectáculo será la Always Drinking Marching Band, Víctor Bauzà coge las riendas de la composición y dirección musical, acabando de forjar así el triángulo artístico de este nuevo trabajo.

Flirt” se representará en el SAT! Teatre del 17 de diciembre de 2010 al 9 de enero del 2011.

Autores: Jordi Purtí y Guillem Albà
Dirección: Jordi Purtí
Música y Dirección Musical: Víctor Bauza
Intérprete: Guillem Albà
Músicos: Always Drinking Marching Band
Dirección técnica y Diseño de iluminación: Oriol Ibáñez
Diseño escenografía, títeres y máscara: Alfred Casas
Construcción y Vestuario: L’Estaquirot Teatre, Alfred Casas, Rosa Maria Coca y Wilja Family
Audiovisuales: Pere Roure
Coproducción: Guillem Albà y Always Drinking Marching Band

Horarios: Jueves y viernes a las 21:00 horas; sábado a las 21:30 horas y domingo a las 18:30 horas.

26 diciembre, función a las 20 horas
24 y 31 diciembre y 6 enero no hay función

Precio: 16 €
Idioma: multilingüe
Duración del espectáculo: 75 minutos sin pausa

Prórroga teatral: Callejeras, en la Sala Muntaner.

La Sala Muntaner prorroga el espectáculo de teatro cabaret Callejeras de la compañía Bitxos Teatre hasta el próximo 9 de enero.

Callejeras es una refrescante combinación de teatro, comedia y cabaret, en la que sus protagonistas inician un viaje hacia la búsqueda de su identidad como mujeres guiadas por su luz interior, «el camino del amor», consiguiendo hacer cómplices a las especta-actrices y a los especta-actores de esta búsqueda y compartiendo con ellos su vida cotidiana dentro de este Cabaret.

El público se adentra en este especial Cabaret y el espectáculo ya ha comenzado: las músicas tocan una canción de bienvenida; «Michela» la maestra de ceremonias observa a los Especta-actores; «Priscila» recoge las chaquetas de los asistentes con su «burra»; «Josefa» sirve  una copita de cava y con una entrada huracanada llegan las «Vedetes» del cabaret «Estrella«, «Miranda» y «Mimi«, para iniciar todas ellas un viaje hacia la búsqueda de su identidad como mujeres e iluminadas y guiadas por su luz interior encuentran al fin su camino: «El camino del amor y de la vida».

Callejeras nace de la necesidad de sus autoras, Rosa Saez, Tania Martínez y Cristina Baeza de escribir historias que hablen de la mujer actual y de algunas de sus problemáticas en una sociedad en la que existe un machismo dominante. Pero más allá de hacer una reflexión sobre la sociedad actual y el papel que la mujer tiene dentro de ésta, Callejeras acerca al espectador a una reflexión humana a través de sus personajes abordando temas como la mujer esclava de sí misma y siempre en la búsqueda del amor ideal que nunca llega, la mujer frente a la vejez y la mujer frente a la maternidad. Los personajes femeninos de Callejeras ayudados por Venus, la diosa del amor y de la vida, llegan a un mensaje positivo y optimista, en el que encuentran el camino del amor.

Callejeras” se representará en la Sala Muntaner hasta el próximo 9 de enero de 2011.

Autor: Cristina Baeza, Tania Martínez y Rosa Sáez.
Dirección: Cristina Baeza
Dirección musical: Elena Montané y Anna Fité
Intérpretes: Angie Savall, Athenea Mata, Judith García, Julia Agudo, Tania Martínez y Vanessa Buchaca
Compañía: Bitxos Teatre

Horario: De miércoles a sábado a las 22:45 horas y los domingos a las 20:30 horas.
Precio: Miércoles y jueves, 14 €; de viernes a domingo, 16 €.
Idioma: castellano
Duración del espectáculo: 90 minutos

Estrenos de diciembre en el Versus Teatre.

El Versus Teatre programa durante la segunda quincena de diciembre dos obras para ofrecer un contrapeso de género a la cartelera navideña, El último beso, un pequeño drama que trata sobre la eutanasia y La mort i la donzella, una nueva adaptación sobre la obra del dramaturgo chileno Ariel Dorfman.

El último beso, de Jerónimo Cornelles.

En la Unidad de cuidados intensivos de un extraño hospital, Erika, mujer de Xandro, reza sin ser católica esperando uno de esos milagros imposibles que a veces suplicamos los ateos. La aparición repentina de Laura, una transexual con un extraño traje de hada reclamando algo que le pertenece, hará que este milagro pase a ocupar un segundo plano, pues hay cosas, quizás más importantes, que sólo pueden solucionar los vivos. Alrededor de estas dos mujeres Noemí, una psicóloga tetraparética espasmódica que intentará ayudarlas ante la difícil situación en la que se encuentran, formando sin ser consciente, un delicado triángulo.

Bramant Teatre es una compañía fundada en 1998 y que en la actualidad está formada por Jerónimo Cornelles, Teresa Crespo y Maria Minaya. Interesados en investigar nuevas formas de explicar historias y en colaborar con artistas de diferentes ámbitos y procedencias, Bramant Teatre apuesta por las producciones de «autor y acción» y trata de innovar con productos escénicos de calidad para todos los públicos.

«El último beso» se representará en el Versus Teatre del 14 al 19 de diciembre del 2010

Autor y Director: Jerónimo Cornelles
Intérpretes: Teresa Crespo, Carme Juan y Maria Minaya.
Compañía: Bramant Teatre

Horarios: De martes a sábado a las 21:00 horas y los domingos a las 19:00 horas.
Precio: 16 €
Idioma: castellano
Duración de la obra: 1 hora y 15 minutos.

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La mort i la donzella, de Ariel Dorfman.

Durante la existencia de un régimen opresivo, Paulina Salas ha sido torturada por sus captores. A pesar del trauma, no delata a su novio Gerardo Escobar, que participa activamente como insurgente al régimen, siendo editor de un diario clandestino. Más tarde contraerán matrimonio y se asentarán en la costa.

Un día Gerardo tiene problemas con uno de los neumáticos de su automóvil y es llevado a casa por un hombre desconocido. Una vez en casa, Paulina reconoce la voz del desconocido como la de su torturador. Deberá confiar en su oído, porque en las torturas llevaba los ojos vendados, y en evidencias descubiertas en el momento para hacerlo confesar y al mismo tiempo convencer a su incrédulo esposo.

El torturador de Paulina escuchaba el cuarteto de cuerda La muerte y la doncella de Franz Shubert durante los abusos; de ahí el título.

La mort i la doncella” se representará en el Versus Teatre del 21 al 29 de diciembre de 2010.

Autor: Ariel Dorfman
Dirección: Aleix Rengel Meca y Teresa Canas
Intérpretes: Aleix Rengel, Jaume Mimó y Marta Bayarri
Compañía: In-fusió Teatre

Horario:
Martes y miércoles a las 21:00 horas
Precio: 12 €
Duración de la obra: 1 hora y 20 minutos
Idioma:
catalán

Estreno teatral: Black Out-Doppelgänger, en la Sala l’Estruch de Sabadell

El coreógrafo Jordi Cortés se vuelve a sumergir en las limitaciones y posibilidades del cuerpo humano con el estreno de BLACK OUT – DOPPELGÄNGER en L’Estruch de Sabadell, un espectáculo que  contará con la ayuda de la tecnología 2.0 y se podrá ver en streaming live, cosa que hará que se multipliquen los espectadores que lo verán.

Para el coreógrafo Jordi Cortés las infinitas posibilidades y limitaciones del cuerpo humano configuran un material precioso para transformarlo en danza, en teatro, en un viaje hacia el interior del alma humana. En Black Out-Doppelgänger, Cortés redunda en su búsqueda de lo que pueden decir los cuerpos cuando viven una dificultad y se interroga sobre el poder de la imagen y sobre su contrario, que es la sombra. El espectáculo se ha creado en residencia en L’Estruch de Sabadell y también se estrena aquí el próximo sábado 11 de diciembre en una única función.

Cortés
es un gran coreógrafo y, junto a todo el equipo de la compañía, conducen la nave de Alta Realitat hacia espacios creativos que pocos se atreven a pisar. Con su anterior montaje, titulado V.I.T.R.I.O.L., Cortés tuvo el atrevimiento de incorporar en su elenco a personas discapacitadas. Ahora, las luces y sombras de Black Out… tampoco existirían sin ellas.

«Mezclar diferentes elementos para llegar a la esencia», es lo que pretende Cortés. V.I.T.R.I.O.L. proponía un espectáculo singular entorno a la belleza y reflexionaba sobre el cuerpo humano y la imperfección, la fealdad, el dolor… Black Out-Doppelgänger sigue la estela del anterior, pero busca la sombra del cuerpo, trabaja sobre la luz que desprendemos los humanos, se cuestiona la dualidad y las imágenes de los interiores y exteriores que todos nos fabricamos y se adentra en la idealización. Cortés construye sus espectáculos sobre la marcha, sabiendo cuál es el objetivo de la pieza, pero haciendo que el camino dé las respuestas definitivas.

En V.I.T.R.I.O.L., la integridad de la carne era vista como un objeto hecho de músculos, vísceras, nervios, estímulos, cerebro y consciencia propia. En BLACK OUT, el objeto pasa del mundo interior que conoce en un mundo exterior que desconoce y que interpreta ya sea como a luz o como en la sombra, como una imagen o un objeto. Si antes era la proximidad entre los objetos diferentes la que permitía interactuar, esta vez el objeto de estudio de los textos será justo la distancia entre ellos.

Una de las bases de este proyecto innovador es la interacción del público. Mediante las tecnologías 2.0 la interacción llegará hasta las casas de los usuarios. Juntando el live streaming con las redes sociales se consigue llevar el teatro dentro de las casas de los usuarios y no sólo esto, también la interacción con la obra.

Se está realizando una campaña de captación y comunicación con el fin de poder conseguir el máximo de espectadores conectados en el momento de la representación. De forma que los usuarios serán una parte activa de espectáculo y a su vez, por efecto viral, los contactos de estos usuarios tanto en Facebook como en Twitter, que pasarán a formar parte del colectivo inmenso de la representación, convirtiendo el espacio donde se representa el espectáculo en el teatro con más aforo del mundo.

Cortés trabaja como intérprete y coreógrafo en España, Gran Bretaña, Holanda, Eslovenia, Portugal, Nueva Zelanda, en producciones que han viajado por diferentes partes de Europa, América y Oceanía. Funda las compañías Lanónima Imperial y Heightened Reality Londres. Colabora, además, con compañías como Iztok Kovack, Nigel Charnock, Wendy Houston o DV8 Physical Theatre, donde estuvo cinco temporadas durante su estancia en Londres. Participa en diversos proyectos de creación con Theatre Complicite, Bunker, Jerwood Foundation, Theater Paneke y Atalaya Teatro, entre otros.

MÁS INFORMACIÓN:
http://www.facebook.com/ALTAREALITAT.PAGINA.OFICIAL
http://twitter.com/altarealitat

La conexión se hará con streaming live a través del enlace: www.altarealitat.com/blackout

ALTA REALITAT, www.altarealitat.com, es una empresa cultural de espectáculos, con un objetivo muy definido: apostar por formas de creación innovadoras, por textos contemporáneos y los nuevos autores, por la fusión de disciplinas artísticas; siempre dentro de una firme vocación multicultural y humanista.

Black Out-Doppelgänger” se representará en la Sala L’Estruch de Sabadell el próximo 11 de diciembre de 2010. Se podrá seguir a través live streaming y de las redes sociales como Facebook y Twitter.

Dirección y coreografía: Jordi Cortés
Intérpretes: Mercedes Recacha, Maxime Iannarelli, Raül Perales y María José Moya “La Jose”
Texto: Miguel Orbaneja Gil de Biedma
Ayudante de dirección: Glòria José
Música y espacio sonoro: Jesus Díaz – Gabriel Fletcher
Diseño Espacio y Luces: Llorenç Parra
Vídeo Creación: Denise Castro
Fotografía: Yoana M2
DVD: Adrià Egea
Producción y Management: ALTA REALITAT

Horario: Sábado 11 de diciembre a las 21:30 horas.
Precio: 10 €.

Crítica teatral: Alícia ja no viu aquí, al Teatre Tantarantana

Regresa al teatre Tantarantana Alícia ja no viu aquí (la dona a Espanya, 1939-1981), un éxito histórico-musical “diferente” de la temporada pasada.

18 de julio de 1936. Ese día, Barcelona se preparaba para iniciar las Olimpiadas Populares, creadas en contraposición a los juegos organizados en Berlín por Hitler. Lamentablemente, esa fecha no pasó a la historia por esos juegos: se iniciaba uno de los episodios más tristes de este país, con el alzamiento de los militares frente a la legalidad republicana, y que desembocaría en la dictadura franquista, casi 40 años que tiñeron de gris las vidas de la población española. Ése es el punto de partida de la obra Alícia ja no viu aquí. La dona a Espanya 1939-1981, de 1 hora y 30 minutos de duración y estrenada el 4 de febrero en el Teatre Tantarantana.
Definir Alícia ja no viu aquí es ciertamente complicado. ¿Es un musical? No, pero las actrices cantan en directo. ¿Es una comedia? No, pero hay situaciones muy divertidas. ¿Es un drama? No, pero hay momentos emotivos. ¿Es teatro histórico? Tampoco, pero es evidente que, sin el período histórico como protagonista, esta obra no existiría. Lo único cierto es que Alícia ja no viu aquí es un sentido homenaje a las mujeres, a aquéllas que lucharon por la libertad durante la guerra civil y que vieron sesgadas sus propias libertades durante la dictadura.

La obra utiliza a Alícia como metáfora de la mujer que, supuestamente, vivía en «el país de las maravillas», tal y como desde el poder se pretendía hacer creer a la población que era éste. De esta manera, y gracias al fantástico trabajo de las siete actrices, nos trasladamos a la España de finales de los 30, y así avanzamos por las diferentes décadas hasta llegar a principios de los 80, habiendo comprobado la evolución que, afortunadamente, protagonizó el país.

En Alícia ja no viu aquí se escenifican situaciones que vivieron las mujeres durante el franquismo; de esta manera, conocemos a mujeres sometidas al hombre, a quien debían satisfacer por ser él quien traía un sueldo a casa, otras resignadas a dedicar sus esfuerzos al hogar, mujeres desesperadas acudiendo al consultorio de Elena Francis, niñas marcadas por las monjas de las escuelas, mujeres refugiadas en el confesionario de la iglesia, otras asombradas con la llegada de mujeres europeas, … Cada escena finaliza con una canción característica de la época; así, el público puede disfrutar de canciones tan variadas como Perfidia, La novia, Un rayo de sol, Fumando espero, La, la, la (en la versión en catalán), o Què volen aquesta gent (momento álgido que logra poner la piel de gallina al patio de butacas)…

La obra requiere un gran esfuerzo por parte de las siete actrices, quienes consiguen hacer un retrato creíble de la mujer y de una época que para ellas resulta lejana: todas son nacidas durante la década de los 80, por ello seguro que tuvieron que recurrir a madres y abuelas para dar credibilidad a sus actuaciones; sea como sea, las siete demuestran que la juventud no está reñida con el talento en el escenario. Además, el esfuerzo es mayor si se tiene en cuenta que también son las mismas actrices quienes cantan en directo las canciones de la obra, logrando con ello momentos ciertamente emotivos.

En definitiva, Alícia ja no viu aquí. La dona a Espanya 1939-1981 es un magnífico trabajo de memoria histórica, imprescindible para todo aquél que crea que en este país siempre se ha vivido con la misma libertad que existe en el siglo XXI.

«Alícia ja no viu aquí» se representa en el Teatre Tantarantana hasta el 12 de diciembre de 2010.

Dramaturgia: Josep Galindo y Pablo Ley
Dirección: Josep Galindo
Dirección musical: Javier Gamazo
Intérpretes: Helena Bagué, Anna Elías, Marina Fita, Sílvia Martín, Mar Monegal, Sílvia Montells y Alba Pérez
Investigación Dramatúrgica: Projecte Galilei
Coreografía y movimiento: Teresa Garcia
Diseño de imágenes: Toni Roura
Espacio Escénico: Projecte Galilei
Diseño de sonido y arreglos musicales: Javi Gamazo
Iluminación: Anna Espunya
Vestuario: Projecte Galilei

Horarios: Miércoles a las 21:00 horas; jueves a las 18:00 horas; viernes y sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas.
Precios: De miércoles a jueves 15 €; resto de días 18 €
Idioma: catalán y castellano.
Duración: 90 minutos.

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Escrito por: Robert Martínez Colomé

Estreno teatral: El cas Kuleshov, en el SAT! Teatre

La compañía de danza Lanònima Imperial estrena en el SAT! «El caso Kuleshov«, su nueva propuesta que analiza la relación entre música, teatro, danza y cine en el contexto de la imagen y de las emociones.

Una de las compañías de danza catalanas más internacionales, Lanònima Imperial, estrena en el SAT! una nueva propuesta coreográfica llena de experimentalismo y conceptualización basada en los experimentos del cineasta soviético Kuleshov.

Durante los días 9, 10, 11 y 12 de diciembre tres bailarines, un trombonista y un director traerán al escenario del SAT! un nuevo espectáculo de Lanònima, una nueva aventura estética de la compañía de Juan Carlos García que parte del estudio del efecto Kuleshov, teoría según la cual a partir del montaje y la intercalación de imágenes diversas con un mismo primer plano de una cara inexpresiva, ésta se podía dotar de diferentes cargas emocionales en función de la escena u objeto que la precedía.

En «El cas Kuleshov«, Juan Carlos García, director del espectáculo (Premio Nacional de Danza y Premio Ciudad de Barcelona), pone en escena un montaje que cuenta con elementos como la proyección cinematográfica, la coreografía, la oratoria y la música en vivo de un trombón.

El espectáculo, presentado por primera vez en Buenos Aires el mes pasado, representa una investigación que plantea las relaciones entre música, teatro, danza y cine en las vanguardias históricas que se esconde detrás del velo de la extraña belleza estética de las producciones de Lanònima Imperial. Una propuesta que se suma a la continua búsqueda y remodelación conceptual de la danza contemporánea que la compañía persigue con cada nueva producción.

Lanònima Imperial, que celebrará 25 años durante el 2011, es una de las compañías de danza catalanas más internacional. Ha presentado sus trabajos a importantes teatros y festivales de toda Europa, América y Asia y cuenta con una larga trayectoria que la han llevado a investigar y explorar caminos y proyectos experimentales que lo han convertido en una de las compañías más importantes del panorama actual.

El cas Kuleshov” se representará en el SAT! Teatre del 9 al 12 de diciembre de 2010.

Dramaturgia, dirección y fotografía: Juan Carlos García
Idea original: Jacobo Sucari y Juan Carlos García
Interpretación y creación: Inma Asensio, Romina Pedroli, Marco Purcaro, Frédéric Filiatre y Juan Carlos García
Música: Frédéric Filiatre
Dirección técnica e iluminación: Manu Martínez
Vestuario: Ariadna Papión
Vídeo creación: Jacobo Sucari
Escenografía: Juan Carlos García y Manu Martínez
Textos: Dylan Thomas, Ernesto Sábato y Juan Carlos García

Horarios:
Jueves y viernes  a las 21:00 horas; sábado a las 21:30 horas y domingo a las 18:30 horas.
Precio: 14 €
Duración del espectáculo: 1 hora

Más información:
Web de Lanònima Imperial: http://www.lanonima.com

Estreno teatral: No som res, en el SAT! Teatre

El SAT! Teatre estrena en Barcelona No som res, el nuevo espectáculo de los exTeatre Guerrilla después del éxito en el festival Temporada Alta de Girona/Salt.

Del 19 de noviembre hasta el 6 de diciembre se podrá disfrutar de una roadmovie teatral llena de humor con el divertido retrato casero de Carles Xuriguera y Rafel Faixedas. Una obra que llega por primera vez a Barcelona con texto escrito por el Premio Nacional de literatura, Francesc Serés.

La historia de dos primos que van al entierro de su abuelo y que durante el trayecto en coche tienen una avería que les obliga continuar a pie el camino es el disparo de salida de «No som res«. Un espectáculo que nos hablará de la vida y la muerte pasadas por el filtro del humor, a veces sutil, a veces más directo, bajo un punto de vista irónico y esperanzado.

Los dos actores encargados de la historia son Carles Xuriguera y Rafel Faixedas, conocidos para ser ex componentes de la reconocida compañía catalana Teatre de Guerrilla, que durante doce años ha presentado cinco espectáculos teatrales, con dos adaptaciones al castellano, actuando en festivales internacionales en Paris y Lisboa, con más de 1000 representaciones en toda la península. También han hecho colaboraciones televisivas como Casting, El Club con Albert Om, pasando por colaboraciones como Romans a la catalana, Fent amics, Set de nit, Jo vull ser, Caçadors de Bolets o Villaguerrilla. Así como cinco años participando a Els matins de RAC1 con Albert Om, Xavier Bosch y Jordi Basté.

Después de estos doce años dejan la compañía Teatre de Guerrilla y empiezan una nueva línea, manteniendo su particular forma actoral próxima al payaso pero con el deseo de incorporar dramaturgias de otros autores de acuerdo con el sello que los caracteriza.

El autor, Francesc Serés (1972), Premio Nacional de Literatura, es autor de la trilogía De fems i de marbres (2003). Éste 2010 le ha sido concedido el Premi Ciutat de Barcelona de Literatura por su último libro Contes russos. Su obra ha sido premiada en diversas ocasiones.

La música va a cargo del músico catalán Sanjosex, que ha publicado tres discos y ha participado en festivales como el Primavera Club, el BAM, MMVV o PopArb.

No som res” se representa en el SAT! Teatre del 19 de noviembre al 6 de diciembre de 2010.

Autor: Francesc Serés
Intérpretes: Carles Xuriguera y Rafel Faixedas
Asesoramiento artístico: Hans Ritcher
Luces, sonido y efectos: Cesc Pastor, Dani Tort y Jordi Vilà
Música: Dr.Mashirito y Sanjosex
Diseño pantalla: Miquel Casals y Ernest Forts
Compañía: Xuriguera/Faixedas

Horarios: Jueves y viernes a las 21:00 horas; sábados a las 21:30 horas y lunes y domingos a las 18:30 horas.
Precio: 16 €.
Idioma: Catalán
Duración de la obra: 1 hora y 20 minutos

Crítica de la obra en CULTURALIA: https://cinelatura.wordpress.com/2010/12/19/critica-teatral-no-som-res-al-sat-teatre/

Crítica teatral: Pasta fullada, al Teatre Gaudí Barcelona

¿Cómo se vive la vida de familia cuando se llega a la sesentena? ¿Cómo evoluciona una relación de pareja con el paso del tiempo? ¿Y la amistad entre dos parejas que se conocen desde hace mucho? Unas preguntas que intentan ser respondidas en Pasta Fullada, la obra creada por Ever Blanchet que se representa en el Teatre Gaudí Barcelona desde el pasado 1 de octubre, dirigida por Òscar Molina e interpretada por Margarida Minguillon, Carme Sansa, Josep Minguell y Carles Sales.

El final de una cena entre dos parejas de amigos en la casa de una de ellas da comienzo a una historia de amistad, de sentimientos, de vida y, también, de deseos y de pasión. Cuatro amigos que se conocen desde hace mucho tiempo, aunque cada uno de ellos no lo sabe todo sobre los demás. Cuatro personas que han creado una nueva familia entre ellos donde la amistad y la confianza es, en parte, la moneda de cambio, pero donde la mentira también tiene un lugar propio.

A través de diversas escenas de la vida en pareja y de la vida en común entre los cuatro amigos asistimos a una obra que nos habla de la realidad de la existencia cuando el tiempo ha pasado y sigue pasando, de la cotidianeidad de la experiencia humana, pero no desde la filosofía de la reflexión, sino desde los problemas y los aciertos diarios. Una realidad que, como siempre en la vida, está dominada por el sexo. Por el sexo que tuvieron, por el sexo que tienen y por el sexo que tendrán. Un elemento muy a tener en cuenta cuando el cuerpo ha dejado de tener la flexibilidad, la autonomía y el rigor de antaño y la realidad física es mucho más precaria.

Veremos, pues, como nuestros cuatro personajes se ven afectados por la relación con el otro: por la relación propia de su pareja, por la relación con el resto de la familia, sobre todo los hijos, y, también, por la relación con los amigos. En este planteamiento la sexualidad tendrá un papel primordial. Así pues, el sexo, en este caso maduro, toma el protagonismo, lo que hará escandalizarse, aunque solo sea un poco, a parte del público asistente. Pocas veces se habla de una forma tan clara de la actividad sexual de los que podrían ser, por edad, nuestros padres, e incluso, y espero que no se lo tomen a mal los actores, nuestro abuelos. Se habla de una forma abierta y constante de la sexualidad, pero con una elegancia y una delicadeza extremas, propia, por así decirlo, de una “pequeña y gentil obra maestra”. De una forma, en definitiva, que no debe ni puede herir las sensibilidades del público, de una forma que deja un regusto en la boca, o mejor dicho, en la memoria, que permanece una vez bajado el telón, y que seguro que nos hará pensar en nuestra vida, en nuestro sexo, tengamos la edad que tengamos, en nuestro periplo vital y en las personas que nos acompañan en él.

Pero no solo se habla de sexo en Pasta fullada. Ni mucho menos. Se habla de la amistad, de los proyectos vitales, de la insatisfacción, de la comunicación entre las personas, de la vejez, o de la aproximación a ella, de los deseos y también de los deseos ocultos, los que nos hacen remover las tripas y nos obligan a actuar, en parte, tal y como actuamos. De la energía que nos hace levantar cada mañana alrededor de las 6:00 a.m para ir a trabajar y que nos hace irnos a dormir a las 1:00 a.m. cada noche después de cerrar un nuevo capítulo de nuestra existencia.

Poco se puede decir de los intérpretes, Margarida Minguillon, Carme Sansa, Josep Minguell y Carles Sales, cuatro actores de sobra conocidos por todos y que han desarrollado su trayectoria profesional en diversos sectores de la cultura y el entretenimiento, televisión, teatro, cine… La elegancia, y vuelvo a repetir la palabra elegancia, con la que estos actores nos transmiten la vida escrita sobre papel y dirigida por Ever Blanchet y Òscar Molina respectivamente, es extraordinaria. Unos personajes que cobran vida y se desarrollan a expensas y fuera del texto en la mente y el corazón de los espectadores, que, sin duda, se los han de hacer suyos, convirtiéndolos en amigos y familiares, en conocidos propios.

Una obra que habla de la amistad, de la evolución del amor a lo largo del tiempo, del sexo y de las personas que nos acompañan a través del dilatado recorrido vital, de la obra de teatro que cada uno de nosotros escribimos con nuestro trabajo, con nuestra familia, con nuestros deseos, con nuestros éxitos y fracasos y con todo lo bueno y lo malo que, en definitiva, nos hace ser lo que somos.

Pasta Fullada” se representa en el Teatre Gaudí Barcelona hasta el próximo 19 de diciembre de 2010..

Autor: Ever Blanchet
Director: Òscar Molina
Intérpretes: Carmen Sansa, Carles Sales, Josep Minguell y Margarida Minguillón

Horarios: De jueves a sábado a las 20:45 horas y domingo a las 19:30 horas.
Precio: 18 €.
Idioma: catalán.
Duración de la obra: 90 minutos.

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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Estreno teatral: La nit de les Tríbades, en la Nau Ivanow

La Nau Ivanow estrena el próximo 25 de noviembre La nit de les Tríbades, la segunda aventura de la compañía Teatre Portàtil, una adaptación teatro-audiovisual de una obra de Per Olov Enquist que dramatiza la vida del autor teatral August Strindberg.
El episodio describe el reencuentro entre el dramaturgo y su ex mujer, Siri von Essen, para el ensayo de una obra de teatro, el monólogo La más fuerte, y de las tensiones que surgen entre los dos a raíz de la presencia en el ensayo de María, la amante de Siri.

La compañía Teatre Portàtil nace cuando un escenógrafo (Martí), un actor (Jon) y un director (Ferran) en el año 2008 decidieron unir esfuerzos para trabajar en un proyecto propio y sacar adelante su sueño. Novecento fue el primer proyecto de la compañía. Plantearon el monólogo de Alessandro Baricco para realizarlo en los pisos, patios y azoteas de Barcelona. Esta propuesta les llevó a más de 50 espacios de Barcelona, desde jardines señoriales a porterías del Clot, pasando por el vestíbulo de Sala Beckett, asociaciones, escuelas de música o simples comedores, hasta llegar a presentar su trabajo a la Scuola Holden, que dirige el mismo Alessandro Baricco en Turín.

Con La nit de les Tríbades la compañía Teatre Portàtil quiere estudiar y experimentar con las posibilidades (dramatúrgicas, interpretativas, técnicas) de la edición en directo de una obra de teatro. Filmar, realizar y proyectar en directo una obra de teatro. Proponen, pues, un espacio de representación convencional, tres cámaras en directo, un realizador… y una pantalla de proyección entre el público y los actores. Los espectadores asisten a una representación teatral donde los actores actúan detrás de una cuarta pared real sobre la que se proyecta la filmación de lo que está pasando detrás de la pantalla. No se trata sólo de filmar una obra de teatro (a pesar de que también es eso), y es algo más que hacer cine en directo (a pesar de que conseguirlo ya sería un éxito). Quieren explorar un lenguaje intermedio, híbrido, y poner al público ante un acontecimiento audiovisual en directo, ofreciéndoles una pieza de repertorio, La nit de les Tríbades, de Per Olov Enquist. ¿Narración teatral o narración audiovisual? ¿Cine o teatro?

La nit de les Tríbades” se representará en la Sala Andy Warhol de la Nau Ivanow del 25 al 28 de noviembre de 2010.

Autor: Per Olov Enquist
Dirección: Ferran Utzet
Intérpretes: Jonatan del Vas, Fiona Rycroft, Eva Parets y Melcior Casals
Escenografía y atrezo: Martí Baltà
Vestuario: Marta Sancho
Dramaturgia: Joan Yago
Audiovisual: Marc Tardiu
Compañía: Teatre Portàtil

Horarios: De jueves a sábado a las 21:15 horas y los domingos a las 19:15 horas.
Precio: 12 €; Amigos de la Nau Ivanow 10 €.

Crítica teatral: Copacabana, a la Biblioteca de Catalunya.

“No juguis amb el menjar”, ens deia la mare a casa quan érem petits. Doncs precisament això, jugar amb el menjar, i també amb els espectadors, és el que fan els tres intèrprets de Copacabana, uns estrambòtics cuiners que s’esforcen per elaborar un menú ben especial als seus clients, amb l’humor com a ingredient principal de la recepta, en un eclèctic show estrenat a la Biblioteca de Catalunya el passat 4 de novembre.

Per a aquesta ocasió, la Biblioteca de Catalunya s’ha transformat en un restaurant, però no un de qualsevol: allà s’hi ha establert tres peculiars cuiners, descendents del prestigiós xef de l’antic circ Bimil, però sense gaire fortuna, ja que no hi entra mai ningú a menjar. Aquest fet fa que el desànim s’apoderi d’ells, les seves il·lusions i projectes s’esvaeixen, així que deixen de preocupar-se de la neteja i el manteniment del restaurant fins a permetre que es torni un lloc rònec i decrèpit. Una nit, però, s’hi presenta un nombrós grup de clients, tota una sorpresa pels joves cuiners que, malgrat no tenir res per a oferir als visitants, faran mans i mànigues per aconseguir que tots marxin mitjanament sopats i amb la satisfacció d’haver assistit a una experiència única.

Copacabana és un espectacle inclassificable, en ell convergeixen gairebé totes les arts que podríem trobar al desaparegut circ Bimil però des d’un punt de vista més d’estar per casa, hi ha des de números de cabaret i revista en petit format fins a mim, passant per divertits gags on les ombres xineses ens mostren una dama força peluda, bell canto o una simpàtica referència a La dama y el vagabundo, fins i tot ens trobarem un circ minimalista on una ceba realitza les funcions de mestre de cerimònia, i tot això mentre els tres xefs, uns sapastres amb pentinats impossibles que desafien la llei de la gravetat, improvisen un particular menú amb tot allò que troben per la vella cuina: crispetes, verdures, espagueti i copa de xocolata salada, un tiberi comestible malgrat el seu aspecte, que només deixarà satisfet als comensals que siguin menys exigents.

Aquest és un espectacle benintencionat que compensa amb originalitat i imaginació els pocs mitjans dels quals disposen, i és de justícia reconèixer el gran mèrit que té aquest fet, però el cert és que els diferents gags que ens proposen són una mica irregulars, fent que la funció resulti a estones divertida, però no tant com a priori un podia imaginar: aquesta és una obra basada en essència en el teatre gestual, sense diàlegs, fet que al principi descol·loca una mica a l’espectador més convencional, que de seguida es veu obligat a canviar el xip; a més, el secret de la seva comicitat radica, gairebé en exclusiva, en la interacció dels actors amb el públic, i fer d’això l’eix principal d’un show és tot un risc, ja que no tothom accepta col·laborar fàcilment en aquests tipus d’espectacles, ni per descomptat cap de nosaltres té prou talent per seguir el joc dels cambrers. Sigui com sigui, els tres actors, una mica histriònics i amb una innocència gairebé infantil, ofereixen un ampli ventall de registres (uns playbacks ben aconseguits, juguen a donar vida als productes del sopar, utilitzen el seu cos com a principal eina de comunicació) que no permeten que el públic s’avorreixi, aconseguint que tots els espectadors acabin col·laborant en cada funció.

En definitiva, si vostè vol gaudir d’un menú humorístic ben especial, si gaudeix interactuant en el teatre i vol veure un espectacle que s’allunya dels clixés habituals del que és una típica funció de teatre, Copacabana és l’obra que estava esperant.

Copacabana” es representa a la Biblioteca de Catalunya fins el 5 de desembre de 2010.

Direcció: Sergi Ots
Intèrprets: Natàlia Méndez, Emilie De Lemos i Sergi Ots
Guió: Emilie De Lemos i Sergi Ots
Coreografia: Sheila Ferrer
Escenografia: Jordi Dorado
Vestuari: Espe Pascual
So: Erin Ruiz
Il·luminació: Quim Aragó y Francis Baena
Efectes especials: Marcos Díaz

Horari: dimecres i dijous, a les 21 h; divendres i dissabte, a les 20 h i a les 23 h; diumenge, a les 19 h
Precio: 18 €
Durada de l’obra: 90 minuts

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Escrit per: Robert Martínez Colome