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Teatro

Crítica teatro: La colección, en el teatro Romea

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A veces se estrenan obras de teatro que son difíciles de clasificar, que no sabes bien bien cómo valorar y que requieren un esfuerzo extra a la hora de hacer la crítica. Este es el caso de La colección, obra estrenada el pasado 3 de septiembre en el teatre Romea, creada y dirigida por Juan Mayorga, e interpretada por José Sacristán, Ana Marzoa, Ignacio Jiménez y Zaira Montes.

«Héctor y Berna son un matrimonio sin hijos, a lo largo de su vida han reunido una colección a la que sacrificaron todo lo demás. Ahora, ancianos, quieren asegurarse de que la colección los sobreviva, para lo que buscan un heredero. Han convocado a Susana, coleccionista a su vez, acaso para examinarla. Los acompaña Carlos, quizá un examinador, o una pieza de la colección. Es La colección una obra sobre el matrimonio, sobre el paso del tiempo y sobre la misteriosa relación entre las personas y los objetos».

Como os decía La colección es una propuesta diferente, en la que la intriga, un texto inquietante y el buen hacer del reparto, nos van a hacer pensar. Somos testigos desde el inicio de la obra de la selección que el matrimonio formado por Héctor (José Sacristán) y Berna (Ana Marzoa) llevan a cabo para escoger a un/a heredero/a de su colección. Una colección que no veremos nunca, que tan solo oiremos, y que se convierte en el centro de la representación

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Es aquí donde el espectador tendrá que dar forma a la colección y decidir de qué está compuesta y por qué es tan importante y, también, tan valiosa. De esta forma el espectador pasa a formar parte de la obra, escribiendo desde su perspectiva personal una parte crucial de la trama que se desarrolla sobre el escenario.

La propuesta de Mayorga es original en varios aspectos. Primero por el tono tranquilo con el que avanza la trama, que permite al público obtener más de un punto de vista de la colección, ya que sus poseedores también tienen una visión diferente de ella y, también, de muchas otras cosas. Una incertidumbre que persistirá hasta el final de la obra.

Por lo que respecta al reparto, La colección merece una valoración muy alta. José Sacristán y Ana Marzoa están magníficos en su interpretación de los excéntricos propietarios de la colección. A ellos se suman una diestra Zaira Montes que dudará en varias ocasiones sobre la propuesta que se le hace y que nos hará dudar sobre cuál es su verdadero propósito en la historia e Ignacio Jiménez, más en un segundo plano y del que la obra no nos acabará de aclarar qué papel representa en ella. Por último un escenario repleto de cajas que también nos hará dudar de qué es lo que contienen, hecho este que sumará intriga a la representación.

La colección no nos lo va a poner nada fácil. Nos va a obligar a meternos en la obra y a darle sentido, ya que seguro, al salir, todos tendremos una idea propia de la naturaleza de la colección, pero saldremos, seguro también, con un muy buen sabor de boca del teatro.

«La colección» se representa en el Teatre Romea del 3 al 29 de septiembre de 2024.

Texto y dirección: Juan Mayorga
Reparto: José Sacristán, Ana Marzoa, Ignacio Jiménez y Zaira Montes
Escenografía: Alessio Meloni
Vestuario: Vanessa Actif y Sandra Espinosa
Iluminación: Juan Gómez Cornejo
Música y espacio sonoro: Jaume Manresa
Producción: LAZONA, Teatro de La Abadía

Horarios: Web Teatre Romea
Duración: 120 minutos
Idioma: español
Edad: a partir de 14 años
Precio: a partir de 19€
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Teatro

Teatro: En mitad de tanto fuego, Teatre Akadèmia

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Xavier Albertí dirige En mitad de tanto fuego, un texto escrito por Alberto Conejero que nos acerca a la Ilíada de Homero a partir de Patroclo, uno de los personajes secundarios de este poema épico, interpretado por Rubén de Eguía.

Deseo, guerra, deserción, poder, violencia, patria… En mitad de tanto fuego comparte con el público la belleza, el misterio y la oscuridad de un poema épico a través del cual dialoga con la condición humana y enlaza épocas diversas. Combina voces del pasado y del presente. Lo hace a partir del personaje de Patroclo, compañero de armas de Aquiles. Un montaje a partir de la Ilíada de Homero y otros textos, que nos acerca a una obra fundamental de la literatura clásica griega.

Intérprete, dramaturgo y director. Tres grandes talentos presentan un espectáculo que es tanto una canción de guerra como un oratorio por las víctimas; un monólogo sobre lo que hacen en los cuerpos palabras e ideas como “gloria”, “honor” o “patria”.

Un poema oscuro en el cual se habla de la violencia del campo de batalla, pero también de la violencia del deseo. Porque la Ilíada empieza con las deserciones de dos hombres que se aman y que abandonan el campo de batalla diez años después de que la guerra haya empezado.

Sí, continuamos hablando de la Guerra de Troya porque todavía continúa quemando.

«En mitad de tanto fuego» se representa en el Teatre Akadèmia del 13 al 29 de septiembre de 2024.

Dirección: Xavier Albertí
Autor: Alberto Conejero
Reparto: Rubén de Eguía
Iluminación: Xavier Albertí y Toni Ubach
Producción: Grec 2023 Festival de Barcelona, Miramedia Universe

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: des de 18€
Idioma: castellano
Duración: 1 hora y 10 minutos

Teatro

Crítica teatro: La comedia de los errores, en el teatro La Latina (Madrid)

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Comienza la nueva temporada teatral y con ella la llegada de títulos destacados a la cartelera de Madrid. Uno de ellos es La comedia de los errores de Andrés Lima, un espectáculo teatral en el que la comedia y los errores están muy pero que muy presentes en el Teatro de la Latina.

«Antífolo y Dromio de Siracusa, amo y criado, llegan a Éfeso buscando a sus respectivos hermanos gemelos. El padre de todos ellos también llega a Éfeso, siendo detenido por extranjero sin papeles nada más pisar puerto, y es condenado a muerte. Sólo encontrando a sus hijos podrá salvarse.
Antífolo y Dromio de Éfeso viven en la ciudad siendo confundidos con sus hermanos siracusanos. Luciana y Adriana, pareja de estos últimos son las primeras en confundir a sus maridos con sus hermanos. A partir de aquí errores con antiguos deudores, joyas en manos equivocadas, deudas no saldadas, irán endemoniando a nuestros personajes hasta el punto de necesitar a un exorcista. Entonces es cuando el desastre se convierte en una fiesta».

Esta versión de La comedia de los errores es muy diferentes, seguro, a las anteriores, ya que la voluntad del equipo artístico no ha sido otra que «romper», en el buen sentido de la palabra, una historia ideada por William Shakespeare y basada en el Menaechmi, de Plauto, para darle un toque de sorna y de «siglo XXI» que le van muy bien.

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Olvidaos de un relato en el que la trama se desarrolla para ser recibida de una forma usual por el público presente. Lima, Boronat y el reparto de la obra se dedican a jugar con el texto y con los recursos teatrales para adaptar una trama que por otra parte podría resultar excéntrica, e incluso absurda en algunos momentos, para un público actual. Así pues, los continuos errores provocados por los personajes-actores irán incrementando la hilaridad del argumento; la falta de intérpretes en algunas escenas (seis actores para más de una veintena de personajes) creará situaciones hilarantes e incluso el desgarro (continuo) de la cuarta pared hará que una obra clásica se convierta en un espectáculo cómico mucho más cercano.

Es así que Lima y Boronat consiguen darle a un clásico un toque más cercano al teatro del absurdo de lo que el mismo Shakespeare o el bueno de Plauto podrían haber imaginado nunca. Sobre el escenario se irá intensificando una alboroto cómico que lo arrollará todo, multiplicado por una interacción con el público impropia (en el buen sentido de la palabra) de una propuesta de este tipo.

He de reconocer que inicialmente me turbó el tono que iba adoptando la obra, ya que esperaba algo más «clásico» en el desarrollo, no por otra la obra se estrenó el año pasado en el Festival de Teatro Clásico de Mérida. Pero una vez que uno se mete en la cocción de la obra, os puedo asegurar que la sonrisa primero y las carcajadas después están aseguradas.

En ello no es ajeno el grupo de actores protagonista, Pepón Nieto, Santiago Molero, Fernando Soto, Rulo Pardo, Avelino Piedad y Esteban Garrido. Cada uno de ellos interpreta a diversos personajes, lo que acentúa, como podréis imaginar, los errores en la representación y componen un ejercicio de humor sorprendente.

De ahí que La comedia de los errores sea una propuesta ideal para comenzar la temporada escénica con humor y con buen pie, rememorando a los clásicos y divirtiéndoos con las chanzas, los errores y las vicisitudes de dos parejas de gemelos y unos padres a los que la vida les ha deparado una existencia repleta de absurdos y confusiones.

La comedia de los errores se representará en el teatro Goya de Barcelona del 22 de octubre al 3 de noviembre de 2024

«La comedia de los errores» se representa en el teatro La Latina de Madrid del 27 de agosto al 22 de septiembre de 2024.

Dirección: Andrés Lima
Versión: Albert Boronat
Reparto: Pepón Nieto, Fernando Soto, Rulo Pardo, Santiago Molero, Avelino Piedad, Esteban Garrido
Diseño escenografía: Beatriz San Juan
Diseño vestuario: Paola Torres
Diseño iluminación: Pedro Yagüe
Espacio sonoro: Sergio Sánchez Bou
Producción: Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Pentación y Mixtolobo

Horarios: De martes a viernes a las 20:00 horas; sábados y domingos a las 19:00 horas
Precio: A partir de 18€
Duración: 110 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: Tirant lo Blanc, en el Teatre Romea

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El verano es un período de calores y de historias, de aquellas que se explican por el mero hecho de disfrutar de un buen relato, ya sea acompañando una buena sobremesa o ayudando a soportar las altas temperaturas. Y Tirant lo Blanc, es eso, una historia de caballería que han adaptado el Festival Grec y el Teatre Romea con la voluntad de actualizar, en lo posible, y hacer accesible las aventuras del archifamoso caballero medieval obra de Joanot Martorell.

“Partiendo de la presunta traición de la princesa Carmesina con el jardinero negro Leuseta, seguimos las peripecias del caballero Tirant cuando naufraga en el Mediterráneo, justo ante las costas de Barbaria. Aquí, en el norte de África, primero bajo las órdenes del Emir y después acompañado por la también superviviente Plaerdemavida y el rey de Etiopía Escariano, empieza la lucha de Tirant por cristianizar al infiel, regresar a Constantinopla para abrazar a Carmesina y liberar al imperio de la amenaza musulmana. Entre la acción y la memoria, los episodios más épicos del intrépido caballero Tirant lo Blanc se entrelazan con las debilidades amorosas que acompañan a los personajes de esta colosal historia”.

Una propuesta, la de este Tirant lo Blanc que, aunque con una reflexión sobre la naturaleza del personaje y una formato minimalista, no acaba de convertirse en la producción destacada del Festival Grec de este año. Algo entendible al ser la novela de caballería escrita por Joanot Martorell en el siglo XV algo complicada en su relato y poseedora de un estilo y un contexto muy vinculado a su época.

El Tirant lo Blanc de este año tiene elementos convincentes y elementos que no acaban de funcionar en un escenario y para un público del siglo XXI. Aunque la producción ha hecho un claro esfuerzo por adaptar el texto original, trabajo que ha recaído en las manos de Marius Serra, y ha confiado la dirección a Joan Arqué, responsable de obras como Encara hi ha algú al bosc, Canto jo i la muntanya balla o L’Amic retrobat, el resultado final no es el esperado.

La obra es algo fatigosa en su desarrollo, con toda una serie de aventuras que, desde la mirada actual, quedan en el ámbito de la anécdota amorosa y las gestas militares, con demasiadas referencias insinuadas que lastran el desarrollo de la historia. El Tirant de este Grec es un personaje bastante plano que dirige sus esfuerzos vitales hacia la concreción amorosa con la bella princesa Carmesina y sus victorias en el campo de batalla. Poco más es lo que destaca de su personalidad, basada, claro está en las páginas de Martorell.

La compañía no consigue elevar la propuesta, a pesar de que los esfuerzos son visibles. Quim Ávila, Agnès Jabbour, Laura Aubert, Neus Ballbé, Clara Mingueza y Moha Amazian encarnan a sus personajes con voluntad, aunque su lejanía se hace evidente a través de la adaptación, que ha acercado poco el texto original a las necesidades escénicas actuales.

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El escenario y el atrezo son escasos. Esto y el hecho de que algunos intérpretes encarnen a diversos personajes y que las transiciones entre una escena-situación y otra sean poco claras, hacen que la recepción de la trama por parte del público pueda ser, además, dificultosa.

A favor de la obra añadiré, además del esfuerzo interpretativo, la voluntad de la propuesta de valorar el personaje de Tirant, ya sea como héroe, como amante o como asesino en masa, hecho este que, desgraciadamente, no se desarrolla como debería a lo largo de la representación. Otro acierto es el acompañamiento musical de la representación, ya sea por la música 2.0 de Judit Neddermann o por la canción que entona Laura Aubert y que sirve de entreacto entre dos situaciones-escena.

Tirant lo Blanc no es, como ya dije, la obra que quedará en el recuerdo de este Grec 2024, aunque sí que nos permite recuperar la literatura medieval y ser conscientes del tesoro cultural que representa la lengua catalana, aunque algunos, por desgracia, no lo quieran ver así.

“Tirant lo Blanc” se representa en el Teatre Romea del 25 de junio al 4 de agosto de 2024.

Texto: Màrius Serra (a partir del clásico de Joanot Martorell)
Dirección: Joan Arqué
Intérpretes: Quim Àvila, Laura Aubert, Judit Neddermann, Moha Amazian, Neus Ballbé, Clara Mingueza, Ireneu Tranis, Agnès Jabbour
Escenografía: Judit Colomer
Vestuario: Nídia Tusal
Iluminación: Toni Ubach
Espacio sonoro: Roger Gimenez Veciana
Caracterización: Núria Llunell
Producción: Teatre Romea y Grec 2024 Festival de Barcelona

Horarios: Web Teatre Romea
Precio: A partir de 21€
Duración: 110 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 6
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: Malamort, en la Sala Beckett

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El thriller es un género poco habitual sobre los escenarios, dedicados muy especialmente a la comedia y la tragedia y a las múltiples mezcolanzas entre ellas. Por ello, Malamort de Daniela Feixas en la Sala Beckett nos ofrece una propuesta diferente a las habituales, en la que la intriga, las creencias y la pérdida están muy presentes.

«Judit, una agente rural destinada recientemente a un pueblo de alta montaña, recibe la extraña llamada de un vecino, Ton. El hombre ha perdido el gato de su hija, Laura. El animal fue un regalo del hermanastro de la chica, Alex, por su último cumpleaños y el hombre, extrañamente afectado por el hecho, pide al agente que le ayude a encontrarlo. Ella se implicará en la búsqueda del animal perdido. Poco a poco irá descubriendo la carga de superstición y los hechos inconfesables que se esconden bajo la aparente cotidianidad de los habitantes de un pueblo al que resulta mucho más sencillo entrar que conseguir escapar».

Malamort sigue sobre el escenario la estela de los relatos criminales que están ahora tan de moda y en los que se analiza minuciosamente el desarrollo de crímenes populares o sin resolución. Daniela Feixas da de esta forma a su propuesta un enfoque actual para explicarnos la vida y los misterios en un pueblo de montaña, en el que ha desaparecido un gato propiedad de la hija de uno de los vecinos. La investigación, llevada a cabo por la agente rural recientemente asignada a la localidad, mostrará la crudeza de la vida y de las relaciones familiares fuera de la gran ciudad.

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Malamort nos sumerge en una atmósfera oscura y a veces irrespirable en la que no todo es lo que aparenta. Una pequeña localidad aislada en donde las creencias oscuras y la tradición tienen un peso muerto y, al mismo tiempo, un lugar al que acudir para buscar sosiego tras los golpes recibidos en la vida. Ambas situaciones se dan en la obra, todo ello entretejido con el miedo a lo desconocido y la muerte.

Feixas ha creado un texto oscuro que avanza a golpes y en el que al espectador le costará progresar en la intriga, hecho este que potencia el suspense de la representación. El relato se estructura a partir de la relación entre los cuatro únicos personajes de la obra, dos adultos, Marta Marco, la afectada agente rural que investigará las extrañas desapariciones acaecidas en la montaña y Josep Julien, que encarna al padre preocupado, en demasía, por la seguridad de la familia. Entre los actores más noveles, Abril Julien, que interpreta al personaje más rebelde de la obra y Marc Soler Rull, que da vida a su atribulado hermanastro.

Malamort es una obra más que para pensar, para sentir las emociones que guían las vidas de los protagonistas, e intentar comprender las motivaciones de cada uno de ellos, todo envuelto en una atmósfera de creencias oscuras y comportamientos opresivos que marcarán el trágico desarrollo de la trama. Un ejercicio de comprensión escénica que estará en la Sala Beckett hasta el próximo domingo 28 de julio.

«Malamort» se representa en la sala beckett del 26 de junio al 28 de julio de 2024.

Autora: Daniela Feixas
Reparto: Abril Julien, Josep Julien, Marta Marco, Marc Soler Rull
Escenografía: Anna Tantull
Iluminación: Sylvia Kuchinow
Vestuario: Bàrbara Glaenzel
Sonido: Judit Farrés
Coreografía y movimiento: Nuria Legarda
Producción: Sala Beckett y el Grec 2024 Festival de Barcelona

Horario: de martes a sábado a las 20:00 horas y domingoa las 18:30 horas
Precio: de 11 € a 22 €
Duración: 1 hora y 20 minutos
Idioma: español
NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa






























































































Teatro

Crítica teatro: La llamada, en el Teatre Poliorama

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Hay obras de teatro que tienen algo que las hace especiales y que las convierte en un recuerdo que la memoria se encarga de proteger del paso del tiempo. Este es el caso de La llamada, que este mes de julio regresa al Poliorama en una gira que celebra sus 10 años de éxito escénico.

«Segovia. Campamento cristiano La Brújula. Bernarda, una monja recién llegada, quiere salvar el campamento con su canción «Viviremos firmes en la fe». Hermana Milagros, una joven con dudas, recuerda cómo le gustaba Presuntos Implicados. Y María y Susana, dos adolescentes castigadas, tienen un grupo llamado Suma Latina. Pero desde que Dios se le aparece a María una noche, todo está cambiando. Y es que a Dios le encanta Whitney Houston«.

Es posible que seáis uno de los 2.000.000 de personas que ya ha visto a lo largo de estos diez años La Llamada. Si es así sois unos afortunados o afortunadas, ya que seguro que habéis disfrutado de una trama sencilla que tan solo aspira a llegaros directamente al corazón. La Llamada sorprende casi desde el minuto uno, o al menos eso me pasó a mí, que por curiosidad profesional quise descubrir qué es lo que pasaba con este espectáculo romántico-musical del que la gente hablaba tanto y tan bien.

Los Javis (Javier Ambrossi y Javier Calvo) han creado una propuesta para todos los públicos que apela al sentido de la libertad en todos sus sentidos, la libertad de escoger, la libertad de amar e, incluso, la libertad para poder equivocarse en la vida, algo que por cierto hacemos todos mucho más a menudo de lo que estamos dispuestos a reconocer.

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La historia se sitúa en un campamento de verano cristiano en el que las vidas de María, Susana y la hermana Milagros van a cambiar. Dios se está apareciendo a María para cantarle canciones de Whitney Houston, una llamada que a la joven le costará descifrar. Susana nota que poco a poco está perdiendo a su amiga de toda la vida, y la hermana Milagros comienza a ser consciente de que su elección en el pasado de hacerse monja no fue la mejor que podía haber tomado.

Ya veis que el asunto no es de poca monta, para lo cual los Javis han desarrollado una trama respetuosa, fresca, y resuelta en la que todos los personajes, incluida la Madre Bernarda, la responsable del campamento, podrán todo de su parte para que los retos vitales de las protagonistas lleguen a buen puerto.

Todo funciona a la perfección en La Llamada, desde las interpretaciones, el punch cómico y las situaciones, a veces algo alocadas, que los personajes tendrán que superar. Todo, además, con un acertado toque musical y un desvergonzado, en el buen sentido de la palabra, sentido del humor que recorre todo el espectáculo. Una delicia oír las versiones de las canciones de Whitney Houston, en la voz de Dios, esto es, Richard Collins-Moore, y una delicia, también, ver como el desarrollo de la trama hará evolucionar las formas de pensar y de hacer de los personajes.

Ya os digo, no me esperaba nada así, y os puedo asegurar que el público asistente, el teatro lleno o casi lleno, disfrutó desde el principio hasta el final del espectáculo místico-musical.

De las actuaciones poco puedo decir que no se extraiga de lo que ya he escrito. Las cuatro actrices, de la primera a la última, esto es Nerea Rodríguez, Angy Fernández, Marta Valverde, y Estrella Xtravaganza clavan sus personajes de forma natural dando una credibilidad cotidiana a una historia que se sale bastante de lo que podríamos considerar habitual, con una escenografía sencilla pero efectiva y una pequeña banda de música que provee a la obra de la base musical necesaria.

La Llamada es una cita obligatoria durante este mes de julio en el Poliorama que os permitirá disfrutar de una historia que recordaréis con una alegre sonrisa para siempre y que, seguro, os inyectará en las venas el pensamiento proactivo que todos y todas necesitamos para hacer frente a los retos vitales a los que nos vemos obligados a encarar día a día.

«La Llamada» se representa en el teatro Poliorama del 3 al 26 de julio de 2024.

Dirección y guión: Javier Ambrossi y Javier Calvo
Reparto: Nerea Rodríguez, Angy Fernández, Marta Valverde, Estrella Xtravaganza, Richard Collins-Moore
Escenografía y iluminación: David Mínguez
Vestuario: Ana López Cobos
Coreografía: Ana del Rey y Noemí Cabrera
Regiduría: Alejandro Jaén

Horarios: de lunes a viernes alas 20:30 horas
Precio: A a partir de 17€
Duración: 90 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: El Misantrop, en el Teatre Grec

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El Festival Grec irrumpe de pleno en la cadenciosa actividad estival de Barcelona, con un aire cultural y artístico que se mantendrá hasta finales del mes de julio. Una actividad que comenzamos a reseñar aquí con Macho grita y que continuamos con El Misantrop, de la compañía La Brutal.

«En 1666 Molière, abandonado por su mujer y enfermo, escribe la que seguramente será, junto con el Tartufo, su obra maestra, El misántropo, una crítica a la hipocresía y a los intereses individualistas de la sociedad de la época. Alceste, está enamorado de Célimène, una mujer expansiva y vital que se mueve como pez en el agua en los ambientes cortesanos. Sus grandes aptitudes sociales chocarán con la forma traumática que tiene Alceste de relacionarse con la hipocresía y la falta de valores de la sociedad. Por eso, reprochará a Célimène sus flirteos con otros hombres, y a sus amigos, su falta de sinceridad. Constantemente sentirá hacia el género humano una profunda desconfianza y un gran desprecio».

Pues ya lo veis, volvemos a los clásicos, siempre los clásicos, que nos hablan de la sociedad y las formas de vida actuales para hacer una crítica, a veces feroz, del comportamiento humano. Porque no nos engañemos, las formas cambian, las formas de vestir y la tecnología también, pero la base del comportamiento humano es siempre la misma.

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David Selvas y Sergi Pompermayer reubican la trama de El misántropo en una discografía que está a punto de hacer aguas debido al carácter de Alceste, uno de los propietarios. Su trato con los demás, basado en la franqueza y en la falta de tacto social, están llevado a la discográfica El Misantrop a la quiebra. A partir de aquí, y de la voluntad de Alceste de mantener sus convicciones morales hasta sus últimas consecuencias, se originará el drama vital que es la clave de la obra de Molière.

La Brutal nos presenta una propuesta que pretende analizar la sociedad digital del siglo XXI a partir de un texto que nos muestran los usos sociales del XVIII. Y lo consigue con nota. El texto que mantiene una bella rima a lo largo de su desarrollo de la mano de Pablo Macho, se ha actualizado para soportar la realidad actual y para analizar cómo vivimos, o mejor dicho, como viven las nuevas generaciones en un contexto digital y postmoderno.

Y de esto que se traten temas como la hipocresía, la fidelidad, la gestión de los valores individuales en una sociedad líquida, la carga que representan las redes sociales o la adicción a las pantallas tan habitual hoy en día, cuando nuestras simples vidas suelen parecer grises si las comparamos con todo lo que pasa en las vísceras digitales.

La Brutal ha optado por un elenco no demasiado abultado en el que destacan claramente dos figuras. Pol López clava su papel de misántropo vencido por los hábitos de la modernidad. Seguramente una de las mejores interpretaciones de la edición del Grec de este año. A su lado Mireia Aixalà da vida a su pareja Célimène de una forma natural y creíble, demostrando de nuevo sus tablas sobre el escenario.

Por lo que respecta a la puesta en escena, El misantrop divide el escenario en dos secciones, una más escenográfica en la que se sitúa el interior de la discográfica, y una más minimalista y más cercana con el público, en la que se desarrolla la acción más participativa con los espectadores y en la que se rompe en varias ocasiones la cuarta pared escénica. Y como no podía ser de otra forma al ambientar la trama en el sí de una discográfica, la música juega un papel importante a la hora de expresar los estados de ánimo de los protagonistas con temas como Human Nature de Michael Jackson, Sweet Dreams Eurythmics o Rocket Man de Elthon John.

El misantrop es una magnifica propuesta que regresará a Barcelona en diciembre con una temporada regular en el Teatre Lliure y nos hará reír, incluso de nosotros mismos, y reflexionar de cómo vivimos nuestras vidas en un mundo globalizado y digitalizado. Como veis una excelente sugerencia para transitar por las no tan cálidas, de momento, noches veraniegas y disfrutar al mismo tiempo del teatro bien hecho.

«El misantrop» se representa en el Teatre Grec los días 2 y 3 de julio de 2024.

Dirección: David Selvas
Dramaturgia: Sergi Pompermayer, David Selvas
Reparto: Pol Lopez, Mireia Aixalà, Alex Pereira, Norbert Martínez, David Menéndez, Júlia Genís, Laia Alsina, Albert Prat
Versificador: Pablo Macho
Escenografía: Alejandro Andujar
Diseño de luces: Jaume Ventura
Diseño de vestuario: Marta Pell
Espacio sonoro y música: Paula Jornet, Adrià Jornet
Audiovisuales: Mar Orfila
Diseño de sonido: Efrén Bellostes

NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Historia,Teatro

Crítica teatro: Macho grita, en el Teatre Condal

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¿Es posible estrenar una obra de teatro que habla de la historia de España y de “lo español” desde un punto de vista histórico y algo canalla? Alberto San Juan lo consigue con Macho grita, una reflexión de la españolidad histórica sin complejos que llega al Teatre Condal en el marco del Festival Grec 2024.

“El mito del Don Juan es el punto de partida de una comedia musical que indaga en la relación entre nuestro presente y el ciclo que se inaugura en 1492. Sí, esto es un acercamiento personal de Alberto San Juan a la Reconquista, al descubrimiento de América o a la expulsión de los judíos y los moriscos. ¿Cómo se construye, en este territorio y con este pasado, el concepto del “macho”?
El espectáculo nace del deseo de hacer visible y explicar la historia invisible (o invisibilizada) de España, con la esperanza de entender mejor nuestro pasado y sacar lecciones para la vida hoy, cuando la voluntad de dominio y el afán depredador sobre los que hemos construido nuestras sociedades amenazan con liquidarnos”.

Pues sí, ya lo veis, San Juan versiona a su forma la historia de España y lo hace bien. Porque lo hace a través de los documentos y las opiniones históricas que nos ayudan a entender lo que pasó y como pasó.

La propuesta me sorprendió muy positivamente, siendo yo historiador de carrera. San Juan intenta explicarse a sí mismo, y de paso al auditorio, el porqué España es como es en la actualidad, y cómo se ha ido formando esa forma de ser “español” que ha invisivilizado otras formas de serlo. Y para ello se centra principalmente en la obra de los Reyes Católicos y sus sucesores los Áustrias: la conquista de Granada, el descubrimiento de América (para los europeos!!), la expulsión de los judíos y la progresión de sus políticas durante el gobierno de sus sucesores, esto es, la represión y posterior expulsión de los moriscos. Un período que sin duda ha tenido una importancia capital en la configuración política y “nacional” española.

Y todo esto lo hace en un tono de comedia y musical que le da al espectáculo una frescura que de otra forma no tendría, no os olvidéis que la sustancia del espectáculo es la Historia. San Juan se convierte en un showman que narra, interpreta y recita la historia a través de los personajes, de los textos históricos y da voz a todos aquellos españoles a los que se les denegó su españolidad mientras esta se iba definiendo históricamente.

Es así que Macho grita es un espectáculo de visibilización de la historia (olvidaos de tertulianos televisivos y de políticos y políticas necesitados de munición electoral) y de reflexión, de la influencia que tiene la historia en la forma en la que los españoles y las españolas de ahora, y hablo en concepto amplio, muy amplio, vivimos nuestras vidas, o como reflexiona San Juan en el espectáculo, si los hechos del pasado lejano nos afectan en nuestra felicidad o infelicidad actual.

San Juan y el grupo musical y de baile que le acompañan salen airosos del empeño, mostrando como la historia provee, sin duda, recordad sin ir más lejos las obras de Shakespeare o de los clásicos griegos, de la sustancia necesaria para confeccionar una propuesta de interés que de paso nos ayuda a ampliar nuestra visión de la Historia de España, tan compleja y tan trágica, y a preguntarnos qué es la identidad, cómo se construye y cómo, de una forma u otra, se puede jugar con ella para conseguir réditos políticos, sociales o, también, de dominio.

Sin duda un Festival Grec que comienza con un sobresaliente!!

“Macho grita” se representa en el Teatre Condal del 26 de junio al 7 de julio de 2024.

Dirección: Alberto San Juan
Dramaturgia: Alberto San Juan
Músicos: Pablo Navarro, Gabriel Marijuan, Miguel Malla, Claudio de Casas
Escenografía: Alberto San Juan
Iluminación: Raúl Baena, Eduardo Vizuete
Vestuario: Alberto San Juan
Producción: Compañía Nacional de Teatro Clásico, EQM
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Música,Teatro

Estreno Teatro: Piaf! The Show, en el Teatre Tívoli

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Del 13 al 16 de junio, en cuatro únicas funciones, el éxito internacional PIAF! THE SHOW se representará en el Teatre Tívoli de Barcelona tras recorrer más de 50 países sumando un millón de espectadores.

Concebido y dirigido por Gil Marsalla, y protagonizado por la aclamada actriz y cantante Nathalie Lermitte, PIAF! THE SHOW es considerado unánimemente por la familia y amigos de Edith Piaf como «el más bello homenaje jamás producido sobre la carrera de la cantante».

En dos actos de 45 minutos, PIAF! THE SHOW cuenta la historia de la pobreza a la riqueza de la carrera de Edith Piaf a través de sus inolvidables canciones, interpretadas en directo junto a una banda de cuatro músicos (piano, contrabajo, acordeón y percusión), con una puesta en escena original que cuenta con proyecciones de imágenes inéditas de la célebre cantante francesa.

Piaf The Show_1

Estrenado hace 15 años, PIAF! THE SHOW ha conseguido una repercusión sin precedentes, siendo actualmente el espectáculo francés con mayor éxito internacional. En 2017, llegó su consagración definitiva, agotando entradas en el Carnegie Hall de Nueva York y en el Olympia de París. El año pasado, para conmemorar el 60 aniversario de la desaparición de Edith Piaf, puso en marcha la tercera gira mundial con más de 120 fechas, incluyendo teatros y auditorios de Estados Unidos, Latinoamérica, Europa y Australia.

La estrella internacional Nathalie Lermitte como Edith Piaf

PIAF! THE SHOW está protagonizado por Nathalie Lermitte, intérprete francesa considerada “la legítima heredera musical de Edith Piaf”.
El año 1989 marcó los primeros pasos de Lermitte en el teatro musical. Encarnó el papel de Cristal en Starmania, que interpretó durante tres años en el Théâtre Marigny de París, continuando con una gira nacional que finalizó en Moscú y San Petersburgo. Lermitte pasó los años siguientes desempeñando una sucesión de papeles en musicales donde a menudo se la veía interpretando el papel de Edith Piaf, aunque también actuó en títulos de éxito como Peter Pan, Les Aventures d’Oliver Twist, Merlin o Shrek The Musical.

De 2009 a 2012, Lermitte fue columnista musical en la popular serie de televisión francesa Chabada. En 2015 interpretó el papel de la Reina en la obra nominada al premio Molière La Petite Fille Aux Allumettes (The Little Match Girl), dirigida por David Rozen. Desde 2018, Nathalie Lermitte forma parte de la gira mundial de PIAF! THE SHOW.

«PIAF! THE SHOW» se representa en el Teatro Tívoli del 13 al 16 de julio de 2024

Cantante: Nathalie Lermitte
Piano: Philippe Villa
Percusión: Benoit Pierron
Acordeón: Frederic Viale
Contrabajo: Giliard Lopes
Producción y Dirección: Gil Marsalla
Escenografía: Thomas Richeux

Horarios: de jueves a sábado a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: a partir de 25,00€
Duración: 105 minutos

Venta de entradas: Web Balanyá en viu

Teatro

18º Festival de Teatro Clásico de Olmedo (julio 2024)

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Del 19 al 28 de julio de 2024 tendrá lugar la decimoctava edición del Festival Olmedo Clásico, que programa una selección de trece espectáculos que se van a exhibir a lo largo de sus diez días de duración. La muestra se completa con las otras actividades que constituyen la esencia de Olmedo Clásico: las Jornadas sobre teatro clásico y el Curso de análisis e interpretación actoral. En la selección se han tenido en cuenta la calidad, pero también la variedad en cuanto a autores, géneros, épocas y territorios, así como de compañías y dramaturgias.

Por lo que se refiere a autores, Pedro Calderón de la Barca será el principal beneficiado este año, con cuatro espectáculos. Estos incluyen una de sus obras maestras, El alcalde de Zalamea, pero también otras nunca vistas en los escenarios actuales, como El castillo de Lindabridis y El sitio de Bredá, o las que componen el espectáculo Monstruos. El prodigio de los dioses. Tampoco el gran Lope de Vega faltará a la cita de este año, y lo hará con su cara más conocida, de la que es parte fundamental Fuenteovejuna, a la que dedicaremos la propuesta de «Versos esenciales» de esta edición; también La francesa Laura, que ha permanecido oculta hasta que muy recientemente la inteligencia artificial ayudó a descubrirla. Otros dos dramaturgos del Siglo de Oro acompañarán a los dos grandes: Juan Ruiz de Alarcón y Francisco Rojas Zorrilla. Ambos lo hacen con obras que no se han visto en los escenarios contemporáneos: La monja alférez, recuperada hace poco para el repertorio de Alarcón; y Los bandos de Verona, la particular historia de Romeo y Julieta dramatizada por Rojas.

Es uno de los empeños de esta edición hacer evidente la enorme riqueza de nuestro repertorio clásico, capaz de interpelar y divertir al espectador actual.

Contaremos también con espectáculos elaborados a partir de fuentes clásicas diversas, como Burro (con textos de Esopo, Apuleyo, Cervantes…) o Canciones del Siglo de Oro; también la ya apuntada de Monstruos. No faltará a la cita como cada año William Shakespeare, en esta ocasión con una peculiar versión de La comedia de los errores. Del panorama internacional contamos también con Las locuras por el veraneo de Carlo Goldoni.

La tragedia, el drama, la comedia: todos los géneros estarán representados. De darles vida se encargan algunas de las compañías punteras del clásico, con largas y exitosas trayectorias, asiduas visitantes del festival, como la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Fundación Siglo de Oro, Nao d’amores, Noviembre Teatro o Teatro Corsario. Al frente están directores tan consolidados como Eduardo Vasco, Ana Zamora, Yayo Cáceres o Jesús Peña, junto a quienes inician una trayectoria que se promete brillante, como David Boceta, Daniel Alonso de Santos o Marta Poveda.

PROGRAMACIÓN FESTIVAL OLMEDO CLÁSICO 2024

● 19 julio 23:00 h – El alcalde de Zalamea, de Calderón de la Barca, Teatro Corsario – Corrala del Palacio del Caballero

● 20 julio 23:00 h – Burro, Ay Teatro, sobre pasajes de Esopo, Apuleyo, Cervantes y otros – Corrala Palacio del Caballero

● 21 julio 23:00 h – El castillo de Lindabridis, de Calderón de la Barca, Nao d’amores – Corrala Palacio del Caballero

● 22 julio 18:00 h – El sitio de Bredá, de Calderón de la Barca, Instituto del Teatro de Madrid, Centro de Artes Escénicas San Pedro

● 22 julio 22:30 h – La monja alférez, de Juan Ruiz de Alarcón, Teatro Círculo (Nueva York) – Corrala Palacio del Caballero

● 23 julio 19:00 h – Fuenteovejuna en sus versos esenciales, Olmedo Clásico – Centro de Artes Escénicas San Pedro

● 23 julio 22:30 h – La francesa Laura, de Lope de Vega, Fundación Siglo de Oro – Corrala Palacio del Caballero

● 24 julio 19:00 h – Concierto Canciones del Siglo de Oro, por los británicos Auric – Centro de Artes Escénicas San Pedro

● 24 julio 22:30 h – Monstruos. El prodigio de los dioses, sobre textos de Calderón de la Barca, Prodigio Teatro – Corrala Palacio del Caballero

● 25 julio 22:30 h – Julio César, basada en textos y tradiciones sobre el político y militar romano, desde Plutarco a Shakespeare, Marmore/Chapitô (Portugal) – Corrala Palacio del Caballero

● 26 julio 23:00 h – Los bandos de Verona, de Francisco de Rojas Zorrilla, Saga Producciones y Secuencia 3 – Corrala Palacio del Caballero

● 27 julio 23:00 h – Las locuras por el veraneo, de Carlo Goldoni, Noviembre Teatro – Corrala Palacio del Caballero

● 28 julio 23:00 h – La comedia de los errores, de William Shakespeare, Pentación Espectáculos – Corrala Palacio del Caballero

Las 18 Jornadas sobre teatro clásico se celebrarán del lunes 22 al miércoles 24 de julio, bajo el lema «Y sin embargo, amigos: estudiar y representar a nuestros clásicos». Se proponen abordar las relaciones entre esos dos mundos que tan fructíferas han sido para la normalización de ese teatro. A ello se dedicarán sus doce sesiones, que incluyen espectáculos, recitales, presentaciones y diálogos entre miembros de las diferentes facetas implicadas en el clásico, con los espectadores en lugar privilegiado.

El 18 Curso de análisis e interpretación actoral «Fernando Urdiales» se impartirá del 25 al 27 de julio. El programa integra diferentes aspectos teóricos y prácticos del teatro clásico español (dramaturgia, dicción del verso, canto, danza e interpretación), además de proponer una puesta en escena sobre fragmentos de La traición en la amistad de María de Zayas.

También el teatro estará presente en la exposición de fotografías de Pío Baruque Fotógrafos, que recupera algunos de los grandes momentos vividos a lo largo de la trayectoria de Olmedo Clásico.

MÁS INFORMACIÓN:
Web Festival Olmedo Clásico
Programa completo festival