Archivo de la categoría: Exposiciones

Galeria Johnson: una nova sala d’exposició fotogràfica a Barcelona

Galeria Johnson

Els aficionats a la fotografia de temàtica musical estan d’enhorabona: el passat 6 de març va obrir les seves portes la Galeria Johnson, un nou espai cultural que arriba a Barcelona de la mà del galerista francès Phil Delécluse i que estarà dedicat a l’exhibició i venda de fotografies d’icones del rock i el blues dels últims 50 anys, imatges que han il·lustrat discos o han estat portada en revistes com Esquire, GQ, Rolling Stones o Vogue.

La sala rep el seu nom del músic Robert Johnson (1911-1938), un pioner del blues que en va tenir prou amb només una trentena de cançons per influir a músics tan reconeguts com Jimi Hendrix, The Rolling Stones, ZZ Top o Led Zeppelin, a més d’inaugurar l’anomenat “Club dels 27”, edat en què va morir. Per a Delécluse, la importància d’aquest músic de Hazlehurst (Mississipí) va ser definitiva en el desenvolupament de la música que ell pretén homenatjar: «Sense ell, ni el blues ni el rock’n’roll existirien». Potser per això també se’l coneix com l’Avi del Rock and Roll.

David Bowie i Mick Ronson esmorzen en un tren, una imatge signada per Mick Rock
David Bowie i Mick Ronson esmorzen en un tren, una imatge signada per Mick Rock

Així, Phil Delécluse ha triat una trentena de fotografies d’autèntics referents de la història del rock i el blues: David Bowie, Iggy Pop, Lou Reed, Slash, Freddie Mercury, The Clash, B.B. King o Freddie Mercury són alguns dels protagonistes d’aquesta exposició que serveix per a donar a conèixer la feina dels fotògrafs Mick Rock, George Dubose, Knapp, Adrian Boot i Desi Estévez. El responsable de la sala confia trobar un públic que comparteixi amb ell la fascinació per aquest tipus de fotografies, una atracció que ell explica d’una manera molt senzilla: «Al final, la fotografia de rock s’assembla molt a la música rock: no es centra tant en la tècnica sinó en l’emoció que destil·la cada instantània».

The Clash, en una imatge de 1976 realitzada per Adrian Boot
The Clash, en una imatge de 1976 realitzada per Adrian Boot

A la Galeria Johnson es podran trobar edicions limitades d’aquestes peces, numerades, signades i emmarcades, a preus que oscil·laran entre els 300 € i els 5.000 €. Delécluse espera consolidar el seu projecte ben aviat, i ja valora noves idees amb què atraure els aficionats: exposicions cada tres mesos, fotos a la carta per a regals especials, etc.

Galeria Johnson
Pg. del Rector Oliveras, núm. 4
08009 Barcelona.
De dilluns a dissabte, de 9:30 h a 13:30 h i de 16:00 h a 20:00 h

Més informació: http://www.galeriajohnson.com/

Exposición: Richard MacDonald. The First Twenty-Five (Esculturas Figurativas), en el MEAM

banderolas-richard-macdonald_ok_br41224-435Richard MacDonald, el maestro americano de la escultura figurativa, expone por vez primera en nuestro país gracias a la unión de esfuerzos del MEAM y del Certamen Internacional de Danza Ciutat de Barcelona.

El escultor americano Richard MacDonald, especializado en esculturas de bailarines y acróbatas y estrechamente vinculado al Cirque du Soleil y al Royal Ballet de Londres, visita Barcelona esta primavera invitado por el MEAM (Museo Europeo de Arte Moderno) y el Certamen Internacional de Danza Ciutat de Barcelona, que se ha celebrado del 1 al 4 de mayo en el Teatre Nacional de Catalunya (TNC). Será la primera vez que se expondrá su obra en España, con el título de The First Twenty-Five (Esculturas Figurativas).

Esta muestra antológica, que repasará sus 25 años de carrera y podrá verse en la primera planta y en el patio del MEAM del 25 de abril al 15 de junio de 2014, incluye un amplio recorrido por la obra de este maestro, considerado un referente de la escultura figurativa a nivel internacional.

nureyev_crop_ad-12035Partiendo de la premisa de que la belleza de la forma humana en movimiento tiene un significado universal, MacDonald aboga por una revisión de la idea del arte como transportador de la verdad emocional. Profundo y riguroso en su estudio de cada tema, el artista se basa en una experiencia directa y en la observación de modelos en vivo.

Los bailarines y acróbatas desarrollan según MacDonald una forma de arte “del instante”, radicalmente opuesto al carácter perdurable de la escultura, que fascina al artista. Sin embargo, para él «la escultura figurativa y la danza son artes tan antiguas como la propia humanidad, y existe una afinidad natural entre la visión de ambas disciplinas. La danza es una expresión vital universal de la alegría humana presente en todas las culturas”.

Partiendo de esta inspiración, lleva 25 años retratando bailarines y mimos de todo el mundo, entre ellos los del Cirque du Soleil. MacDonald es el único artista autorizado por la troupe para colarse en su backstage, al que tiene un acceso ilimitado y sin precedentes en la historia de esta famosa compañía. También su vinculación al Royal Ballet de Londres, primera compañía de ballet del Reino Unido, es una fuente de inspiración para el escultor.

Su trabajo ha sido expuesto en todo el mundo, destacando la Corcoran Gallery of Art de Washington DC o el Museo de Boston en Chesterwood. Compraron obras suyas personalidades como Luciano Pavarotti, el fundador del Cirque du Soleil, Guy Laliberte, escritores Dean Koontz y Tony Robbins o políticos como Bill Clinton.

thia-n-mar_crop_ad-12037«The First Twenty-Five (Esculturas Figurativas)« se expone en la primera planta y en el patio del MEAM del 25 de abril al 15 de junio de 2014.

MEAM (Museo Europeo de Arte Moderno)
C/ Barra de Ferro 5. Barcelona.

Horarios: de martes a domingo de 10 a 20 horas
Precio: entrada general 7 € / entrada reducida: 5 €

Exposición: Postales de un viaje en el espacio-tiempo, de Daniel Suárez Pérez

Exposición Postales 1Os presentamos hoy la nueva exposición de ilustraciones de Daniel Suárez Pérez, Postales de un viaje en el espacio-tiempo.

A bordo de la máquina del tiempo de la imaginación, el autor de esta exposición realiza un viaje a otras épocas y dimensiones, pasadas y futuras, dejando testimonio de los escenarios y personajes visitados en varias ilustraciones realizadas con diversas técnicas, desde el óleo hasta el lápiz.

Donde: Centro Cultural Hortaleza (c/ Santa Virgilia, 15, Madrid)
Cuando: del 16 al 31 de octubre de 2013
Horarios: de lunes a viernes de 9:00 a 21:00 horas; sábados y domingos de 10:00 a 21:00 horas.

Más información:

http://www.dansupe.com/
http://www.cultivalibros.com/libreria/dibujando-pasiones

Presentació audiovisuals: Arxipèlag de les Còmores, Brunei i Palawan, de Jordi Llorens Estapé.

Palawan_1El divendres dia 7 de juny el fotògraf Jordi Llorens Estapé presentarà al Centre Cultural de Vilanova del Vallès els nous audiovisuals dels seus dos últims viatges:

Les illes Comores, al nord de Madagascar; El sultanat de Brunei a l’illa de Borneo i l’illa de Palawan a les Filipines. Tres diferents destinacions on gaudir dels colors maragda de les seves cristal·lines aigües que permeten somiar que encara existeixen paradisos perduts pel món poc explotats habitats per una gent acollidora que obren d’una manera senzilla les portes del seu territori encara verge.

Una possibilitat de viatjar pel món a través de l’audiovisual i de la màgia de les fotografies!!

Aquí tens una breu sinopsis del que podràs veure:

ARXIPÈLAG DE LES COMORES: “Les illes de la Lluna”

Viatjar a les Comores no sempre resulta fàcil. Però pot suposar una lliçó de paciència, humilitat i tenacitat. Tot es mou mora mora (a poc a poc) i les instal·lacions turístiques són molt bàsiques, però per a mi ja és prou atractiu perquè és el que busco en els viatges: llocs remots, fora dels circuits turístics. Una ruta ambiciosa en un arxipèlag on el temps sembla haver-se aturat i on els seus encantadors habitants d’arrel àrab-suahili ens obren les portes d’aquest territori encara verge. Capritxosament escampades per l’oceà índic, les misterioses i boniques Illes Comores m’han ofert tot tipus d’encisos per desconnectar del món durant un temps.

BRUNEI: El racó oblidat de Borneo

Brunei, un dels països més petits del mon i alhora més rics, s’amaga discretament en una de les illes més grans del planeta, Borneo. Un lloc poc freqüentat pel turisme i del que poc es coneix, si exceptuem les excentricitats del sultà que el governa i la seva llegendària fortuna.

PALAWAN: l’última frontera de les Filipines

Palawan té molts tresors ocults: El Nido sedueix pels seus nombrosos escenaris naturals verges, dels quals destaquen les solitàries platges tropicals. I Coron,  amb les formacions de pedra calcària, oculten misterioses llacunes i platges perdudes. En aquest espai colossal, milers d’illes duen a fantasies i desitjos, envoltades de cels de foc. Palawan pot fer recuperar la nostàlgia per la intensitat dels moments viscuts, pels blaus maragda de les aigües i sobretot pels somriures en els ulls profunds de la gent acollidora.

Audiovisuals: Arxipèlag de les Còmores, Brunei i Palawan
Autor: Jordi Llorens Estapé
Lloc: Centre Cultural de Vilanova del Vallès
Dia: 7 de juny de 2013
Hora: 20:30 hores

Més informació: http://www.jordillorens.com/

Nueva exposición: Chema Madoz: Ars combinatoria, en La Pedrera

chema-madoz-ars-combinatoria

Hoy en día cualquiera puede ser un fotógrafo en potencia: la gran cantidad de dispositivos electrónicos que tenemos a nuestro alcance nos permiten inmortalizar aquellos momentos que creemos únicos con mayor o menor gracia. Sin embargo,  convertir aquella instantánea en una pieza de museo no es una tarea tan sencilla, ya que para ello se necesitan grandes dosis de talento, disciplina y una visión muy personal de la realidad, cualidades de las que ha hecho gala Chema Madoz a lo largo de toda su trayectoria como fotógrafo, un hábil artista capaz de transformar objetos cotidianos en imágenes cargadas de poesía para, así, crear un mundo onírico propio que podremos descubrir en Ars combinatoria, la retrospectiva sobre sus últimos 30 años de carrera que se inauguró el pasado 9 de abril en La Sala d’exposicions La Pedrera de Barcelona.

Chema Madoz,agujaaguaLejos quedan aquellos tiempos en los que Chema Madoz (Premio Nacional de Fotografía en el año 2000) trabajaba en un banco; por entonces ya había hecho sus pinitos como fotógrafo –reportajes en los que se centraba en la figura humana–, pero pronto decidió dar un paso al frente, dejar su profesión y centrarse en su verdadera pasión. Sin embargo, poco a poco perdió el interés en fotografiar personas para dar el protagonismo a los objetos, a quienes despoja, con mucha imaginación, de su función principal y les otorga posibilidades mucho más poéticas que las evidentes, con la intención de que el espectador reflexione acerca de su entorno más inmediato. Así, el artista busca una imagen precisa a partir de una idea preconcebida, en escenarios íntimos que él mismo crea o manipula, siempre en blanco y negro y con una cuidada elección de la luz para jugar con las sombras que proyecta el protagonista.

En La Pedrera, el visitante tendrá acceso a ese universo paralelo creado por el fotógrafo, un total de 70 obras en las que nada es lo que parece a simple vista: en ese mundo ficticio es posible encerrar una nube en una jaula, quebrar un huevo duro y su soporte como si fueran un mismo objeto, unir con aguja e hilo unas perlas que no son otra cosa que diminutas gotas de agua, convertir una batuta en una escuadra y un cartabón, confeccionar un majestuoso arco tan solo con libros, transformar un bastón en una barandilla preciosa o una hoja de afeitar en el punto de libro perfecto. Madoz no duda en buscar la complicidad sincera del espectador, y por ese motivo no le ofrece ninguna pista, ni siquiera pone título a ninguna de sus imágenes con el objetivo de que sea él mismo quien las interprete.

chema-madoz-fotografia-90Además, en Ars combinatoria –título que hace referencia al arte combinatorio pensado por el filósofo mallorquín Ramon Llull– se incluyen dos vídeos que muestran la forma tan meticulosa, casi obsesiva, en la que trabaja y construye sus estructuras (su perfeccionismo es tal que le ha llevado a elaborar entramados de gran complejidad para obtener una imagen impactante); la curiosidad del espectador quedará saciada con la exposición de diversas libretas de anotaciones en las que dibuja las primeras ideas de sus proyectos, cinco objetos originales que el mismo Madoz ha realizado para incluir en sus fotografías –entre ellos un guante que funciona como un elegante monedero– y sus colaboraciones con los poetas catalanes Salvador Espriu y Joan Brossa, el mismo que a principios de los 90 se felicitaba por descubrir en él a un “hermano” en el terreno artístico.

Ars combinatoria se podrá ver en La Sala d’exposicions La Pedrera de Barcelona del 9 de abril al 28 de julio de 2013, de lunes a domingo, de 10:00 horas a 20:00 horas. La entrada es gratuita.

Más información: http://www.lapedrera.com

Nova exposició: Jaume de Laiguana. Retrospectiva 1997-2012, al Palau Robert

laiguana700x70

“M’agrada extreure bellesa d’allò que, a priori, sembla que no se’n pugui treure”, afirma el barceloní Jaume de Laiguana quan parla de la seva feina, un artista exigent i perfeccionista que n’ha tingut prou amb poc més de quinze anys com a professional darrere la càmera per a convertir-se en el fotògraf de capçalera de models, músics, esportistes i actors d’arreu del món. La seva passió per la feina i la seva capacitat per a transformar qualsevol encàrrec en un delicat treball d’autor l’han fet guanyar una merescuda fama internacional i, ara, el Palau Robert de Barcelona ha decidit dedicar-li una àmplia retrospectiva en què permet descobrir al visitant una selecció de les imatges més destacades de la seva carrera, una exposició que el mateix protagonista va inaugurar el passat 28 de febrer envoltat dels seus amics més populars.

Jaume de Laiguana_01La seva és la història d’una casualitat: els inicis de De Laiguana van ser com a dissenyador gràfic, però un bon dia el fotògraf d’una sessió no es va presentar; en aquell instant calia prendre una decisió ràpidament, i ell no ho va dubtar, va agafar la càmera i va salvar la situació seguint només la seva intuïció ja que amb prou feines tenia unes nocions bàsiques de fotografia. D’aquesta manera va començar la seva carrera en una disciplina tan exigent com és la fotografia, un trajecte en què no ho ha tingut gens fàcil: encara recorda les moltes nits sense dormir per a construir personalment el set on l’endemà faria una de les seves sessions amb models de prestigi, consolidant el caràcter inquiet i perseverant que avala les seves produccions, en les quals hem d’incloure, a més de la fotografia, la realització de diversos espots i videoclips (seu és el controvertit vídeo Loca, de Shakira, rodat sense permís pels carrers de Barcelona).

Admirador de Helmut Newton, Peter Lindbergh i Gregory Crewdson, Jaume de Laiguana és poc amic del photoshop –tan sols l’utilitza si el client ho demana, i només per a esmenar petits detalls–; per a ell, el secret està en tenir cura de la il·luminació, saber triar l’escenari on realitzar les fotografies i conèixer bé el model per tal de buscar-ne els límits. Seguint aquest procés, De Laiguana ha immortalitzat, tant en blanc i negre com en color, cantants com LoquilloCarlos Segarra o Alejandro Sanz, actors com Hugh Laurie, Bruce Willis, Rossy de Palma –jugant perillosament amb unes tisores–, Elsa Pataky –mantenint l’equilibri damunt un sofà en una postura impossible–, directors de cinema com Álex de la Iglesia o Bigas Luna, esportistes com Lewis Hamilton –simulant estar dins el seu monoplaça– o els membres de la delegació espanyola que van participar als Jocs Olímpics de Pequín, i models com Martina Klein, Laura Sánchez –qui va haver de suportar la força de la pressió de l’aigua contra el seu cos– o Bimba Bosé –penjada d’unes anelles en una peixera d’aigua gelada en ple hivern–, i així fins a un total de 158 fotografies i diversos vídeos explicatius sobre la realització de les seves obres, un material que ha estat dividit en sis sèries en què l’artista reflexiona sobre el maltractament del medi ambient, el malbaratament de l’aigua, la protagonitzada pels esportistes que van anar a Pequín i inspirada en la Revolució Industrial, la recreació d’algunes escenes clàssiques del cinema de suspens, la del cinema espanyol i la realitzada per al “Perro verde”.

Jaume de Laiguana_02La retrospectiva presentada al Palau Robert finalitza amb el primer dels dotze treballs que formaran part de Workinprogress, una reflexió sobre els riscos laborals en diverses professions; per a denunciar aquests perills, De Laiguana realitzarà una sèrie de fotografies amb què explicarà una història concreta, un projecte que el mantindrà ocupat durant els pròxims dos anys. Aquesta primera sèrie està dedicada a la prostitució a les carreteres, i la protagonitza el model Jon Kortajarena.

Jaume de Laiguana. Retrospectiva 1997-2012 es podrà veure al Palau Robert de Barcelona fins al 26 de maig de 2013, de dilluns a dissabte, de 10:00 hores a 20:00 hores; diumenges i festius, de 10:00 hores a 14:30 hores. L’entrada és gratuïta.

Més informació: www.gencat.cat/probert/

Nueva exposición: Alberto García-Alix: Autorretrato, en La Virreina Centre de la Imatge

mi_lado_femenino_2002

Alberto García-Alix (León, 1956) lleva más de treinta años con una cámara fotográfica a cuestas, una sólida carrera en la que ha inmortalizado su entorno más inmediato con su particular mirada, imágenes impactantes y realistas en riguroso blanco y negro de sus amigos, sus principales pasiones –los tatuajes, la música, las motos– y los lugares que más le han marcado a lo largo de su vida. Sin embargo, todo ese bagaje apenas se ha podido ver en Barcelona, donde su presencia ha sido meramente testimonial hasta ahora, cuando La Virreina Centre de la Imatge ha tenido el acierto de programar Autorretrato, la primera gran exposición del fotógrafo en la ciudad, una compilación de sus imágenes más íntimas y personales en las que él es el protagonista absoluto y que se inauguró el pasado 7 de febrero.

Muchos aficionados a la fotografía descubrieron a Alberto García-Alix con sus retratos de la movida madrileña en los años ochenta –aunque insiste en renegar de la etiqueta de “fotógrafo oficial de la movida” porque, en su opinión, él tan solo fotografiaba a sus amigos de entonces, tan protagonistas de ese movimiento como él mismo–, pero quien busque esas instantáneas en La Virreina Centre de la Imatge se llevará una decepción importante: todas las imágenes están estrechamente relacionadas con su persona (tan solo una fotografía junto a Ana Curra remite a esos años), García-Alix ha escogido para la ocasión sus trabajos más introspectivos, aquellos que mejor le definen. Así, Autorretrato –escrito en singular porque, en cierta manera, todas las imágenes incluidas forman, en su conjunto, un gran autorretrato del artista– muestra un personaje sin miedo al desnudo, tanto metafórica como literalmente, fotografías desenfocadas con el objetivo de sugerir que comparten protagonismo con primeros planos de extraordinaria crudeza, luces y sombras para establecer un juego de sensaciones con el espectador, a veces inquietante, a veces despiadado, pero siempre fascinante.

Autorretrato en Toulouse, 1978
Autorretrato en Toulouse, 1978

En La Virreina se podrán ver un total de 76 fotografías, todas ellas relacionadas, de un modo u otro, con el particular universo de García-Alix. De esta manera, el visitante podrá comprobar cómo ha evolucionado su propia visión del autorretrato, desde finales de 1970 (las primeras instantáneas son de 1977) hasta la actualidad: en las primeras, el autor posa desafiante ante la cámara, retratos de cuerpo entero en lugares que han marcado su vida o con sus bienes más preciados (en Mi gran ilusión aparece orgulloso con su Harley-Davidson); a medida que pasan los años, el fotógrafo se centra en primeros planos de su rostro –tan cercanos que a veces queda cortado por el encuadre– o de alguna parte de su anatomía para, de esta manera, acentuar la mirada subjetiva en el espectador (La primera vez sería un buen ejemplo de ello: muestra sin tapujos su primera experiencia con la heroína, sin duda una de las imágenes más impactantes de la exposición); en paralelo, el artista también retrata lo que denomina “paisajes íntimos”, aquellos lugares que han sido significativos para él, ya sean las habitaciones en las que ha vivido o algunos rincones convertidos en testimonios silenciosos de sus actividades (El lugar de mi confesión, donde reveló un gran secreto a un amigo).

En los últimos años, García-Alix ha coqueteado seriamente con el vídeo, y en Autorretrato se incluyen dos de sus composiciones: Tres vídeos tristes y De donde no se vuelve, en los que construye una serie de relatos a partir de sus fotografías y a los que él mismo pone voz, narraciones en primera persona que también le sirven para compartir con el visitante sus impresiones acerca de su propio trabajo (“La fotografía es el espacio donde imaginar”, confiesa).

Autorretrato en Formentera, 2010
Autorretrato en Formentera, 2010

Alberto García-Alix se define a sí mismo como un hombre “tímido” y con cierto pudor a hablar de su trabajo –“Hacer las fotografías no me produce ninguna vergüenza, otra cosa es mostrarlas”, afirma el fotógrafo–; no obstante, los responsables de Autorretrato han logrado vencer sus reticencias y han programado un encuentro entre él y Nicolás Combarro, comisario de la exposición, para que conversen sobre el autorretrato, tema central de la muestra (7 de marzo, a las 19:00 horas).

Autorretrato se podrá ver en La Virreina Centre de la Imatge de Barcelona hasta el 5 de mayo de 2013, de martes a domingo, de 12:00 horas a 20:00 horas. La entrada es gratuita.

Más información: http://lavirreina.bcn.cat/

Exposición: Entropología, de Miguel Soler.

El Palacio Pimentel de Valladolid inaugura una exposición de la obra de Miguel Soler titulada Entropología, visitable del 18 de octubre al 17 de noviembre de 2012.

ENTROPOLOGÍA
Un proyecto de Miguel Soler
del 18 de octubre al 17 de noviembre de 2012

El ideólogo del vocablo Entropología, fue Claude Lévi-Strauss, quien en 1955 lo citó en su libro Tristes trópicos. Partiendo de este término Miguel Soler, Sevilla (1975) ha realizado un proyecto de investigación, en el que ha analizado tanto su propio proceso creativo, como el de diferentes artistas que han sido referentes en su evolución artística.

La disciplina entropológica tiene como uno de sus objetivos estudiar la sociedad e intentar lograr que las grandes catástrofes o situaciones extremas, aquellas que suponen la extinción, no se vuelvan a repetir; así, el estudio entropológico sirve como ejemplo moralizante de lo que no tiene que suceder en la historia. De igual forma pero desde una perspectiva artística, la disciplina entropológica también intentaría que el mundo no fuese hacia el desastre. Esa sería la determinante función socializadora que realizaría el artista.

Soler ha titulado su exposición ENTROPOLOGÍA, en ella podemos apreciar una selección de obras de los últimos cinco años…

«Miguel Soler (Sevilla, 1975) expone en el Palacio de Pimentel de Valladolid Entropología, su muestra más reciente. El artista, a quien se le ha denominado en el pasado como Entómologo social utiliza este término como punto de partida para su última investigación. Pero ¿qué es la entropología visual? Para acercarnos a una definición concreta, Soler hace referencia a la fórmula de trabajo empleada por algunos artistas-activistas que, con un marcado compromiso social, político y cultural, articulan a través de los nuevos medios de expresión una obra donde concepto y mensaje resultan fundamentales. En una sociedad saturada de información, las noticias y los acontecimientos que tienen lugar a nuestro alrededor nos llegan “multiversionados”, lo que nos impide conocer a fondo la “verdadera realidad” de las cosas. El papel del entropólogo es procurar, pues, la implementación y utilización adecuada de los avances tecnológicos para así contrarrestar los efectos negativos de la mediatización a la que estamos sometidos.»

Exposición: Entropología
Autor: Miguel Soler
Lugar: Palacio Pimentel de Valladolid
Valladolid, del 18 de octubre al 17 de noviembre de 2012
Horario: laborables de 12:00 a 14:00 y de 19:00 a 21:00 horas; domingos y festivos de 12:00 a 14:00 horas; lunes: cerrado.

Más información:

www.miguelsoler.com
www.gatoencerrado.tv

Nova exposició: The New York Times Magazine. Fotografies, al Palau Robert de Barcelona

Trenta anys de treball constant han convertit el setmanari “The New York Times Magazine” en un referent de la fotografia contemporània dins els mitjans de comunicació; la seva excel·lent feina l’ha consolidat com un espai de llibertat per a tots els fotògrafs, a més de servir com una plataforma perfecta per a exhibir els treballs dels més destacats professionals de la imatge. Ara, els aficionats a la fotografia podran descobrir els secrets més ben guardats d’aquesta publicació gràcies a l’exposició The New York Times Magazine. Fotografies, una selecció d’imatges publicades a la revista en els darrers anys que serveix per a reflexionar sobre la naturalesa de la fotografia i el paper de les revistes en l’actualitat i l’evolució de l’edició impresa. Els comissaris responsables de l’exposició són Lesley A. Martin, membre d’Aperture –una fundació pionera entre les institucions dedicades a la fotografia en l’àmbit internacional–, i Kathy Ryan, editora fotogràfica de “The New York Times Magazine”, i es podrà veure a Barcelona gràcies a la col·laboració entre Aperture, Canopia –representant exclusiva d’Aperture a Espanya que es dedica a la gestió integral de projectes culturals, consolidada en el sector gràcies a la seva tasca de difusió de la fotografia– i el Palau Robert, seu que acollirà aquest extens material des del 28 de setembre fins al 2 de desembre.

Selma Blair fotografiada per Roger Ballen

La línia editorial de “The New York Times Magazine” es caracteritza per encarregar els seus reportatges a tota mena de fotògrafs; d’aquesta manera, en les seves pàgines hi tenen cabuda els retrats de coneguts actors, imatges de fotoperiodisme pur, reportatges de fotografia artística, de moda i d’esports, una proposta eclèctica que ha servit per a popularitzar el setmanari i convertir-lo en una referència imprescindible en el camp de la fotografia. La responsable de l’exposició, Kathy Ryan, ha treballat en la publicació durant més de 25 anys, i és una de les pioneres de la combinació de fotografia artística i fotoperiodisme a les pàgines de la revista; Ryan creu que l’èxit de “The New York Times Magazine” està en proposar un encreuament entre diferents disciplines i, així, aconseguir que un artista trenqui els seus límits per a treballar en un camp que no sigui pròpiament el seu.

Julianne Moore és una de les protagonistes de «Dream House», de Gregory Crewdson

A Barcelona es podran veure algunes de les imatges captades pels millors professionals de la fotografia que, en els darrers anys, han col·laborat amb la revista. L’exposició està organitzada al voltant d’onze mòduls, cadascun dels quals mostra un projecte destacable que s’ha publicat en les seves pàgines durant les tres darreres dècades. El públic podrà gaudir de més de 130 obres de fins a 35 destacats artistes, noms tan coneguts com Annie Leibovitz o Sebastião Salgado al costat de Lars Tunbjörk, Paolo Pellegrin, Gregory Crewdson, Steve McCurry, Ryan McGinley, Roger Ballen, Chuck Close o Simon Norfolk, entre d’altres, professionals que han documentat l’infern de Kuwait de 1991 o els dies posteriors a l’11-S, s’han passejat per rodatges de films tan coneguts com Revolutionary Road o Sherlock Holmes, han visitat les instal·lacions del CERN a Ginebra, han donat la seva particular visió dels esports d’hivern o han fotografiat reconeguts actors en una casa abandonada.

A més, el Palau Robert ofereix una oportunitat única per conèixer els processos creatius de la revista gràcies al material visual que han aportat els responsables del magazine, com ara fulls de contactes, fotos, quatre vídeos, correspondència personal de l’editora, comprovants i algunes revistes originals.

The New York Times Magazine. Fotografies es podrà veure al Palau Robert de Barcelona fins al 2 de desembre de 2012, de dilluns a dissabte, de 10:00 hores a 20:00 hores; diumenges i festius, de 10:00 hores a 14:30 hores. L’entrada és gratuïta.

Més informació: www.gencat.cat/probert/

Nova exposició: Barcelona 1957. Leopoldo Pomés, a La Fundació Foto Colectania

A mitjans dels anys 50, l’editor Carlos Barral va proposar a Leopoldo Pomés, aleshores un jove i prometedor fotògraf, un projecte de llibre sobre la Barcelona de l’època, un volum en què Pomés aportaria la seva mirada i Luis Goytisolo signaria els textos que acompanyarien les imatges. Les fotografies, però, no van satisfer el soci de Barral a l’editorial, Víctor Seix –segons el seu parer, el treball no tindria cap futur comercial perquè presentava una ciutat lúgubre i excessivament grisa–, i el projecte va caure en l’oblit fins ara, quan Pomés, en col·laboració amb La Fundació Foto Colectania, les ha recuperat per a presentar-les públicament a Barcelona 1957. Leopoldo Pomés, l’exposició que, des del passat 19 de setembre, es pot veure a la seu de la fundació, un total de vuitanta fotografies que posteriorment es recolliran també en un llibre –coeditat per Foto Colectania i La Fábrica– amb textos del mateix Leopoldo Pomés, Juan Manuel Bonet y Eduardo Mendoza.

El fotògraf Leopoldo Pomés

En el mateix moment en què va rebre l’encàrrec (1957), Leopoldo Pomés va començar la seva personal ruta per la ciutat càmera en mà, un recorregut que es va allargar en el temps fins al 1958 i que no es va limitar a visitar les zones més recurrents pels fotògrafs de l’època, les del centre de la ciutat, sinó que també va voler donar la seva visió de l’extraradi barceloní, fins aleshores poc valorat per la resta de professionals. D’aquesta manera, el Raval, l’Eixample, la zona alta i la Rambla van ser immortalitzats per Pomés sense que s’oblidés dels barris més modestos, com la Barceloneta, Verdum, Els Encants i Sant Andreu.

Metro-1959

El resultat de la seva expedició per la ciutat comtal van ser un recull d’imatges, aparentment senzilles i en rigorós blanc i negre, que mostraven la quotidianitat d’una Barcelona fosca i deprimida, completament allunyada de la imatge idíl·lica i de postal que en té el turista que la visita en ple segle XXI: aquella era una societat soferta que intentava superar la duresa de la postguerra amb paciència, totalment privada d’alegries per la dictadura. Així, el fotògraf va retratar l’heterogènia població de finals dels anys cinquanta, on convivien elegants burgesos amb venedors ambulants, drapaires i barraquistes, a més de fotografiar amb especial atenció les dones que es passejaven pels carrers de la ciutat.

A Barcelona 1957. Leopoldo Pomés només s’hi exposen vuitanta de les fotografies que Pomés va realitzar a finals dels anys cinquanta, una tria que el fotògraf barcelonès ha fet amb la col·laboració de Pepe Font de Mora, comissari de l’exposició i també director de Foto Colectania, en una titànica recerca pels seus atapeïts arxius personals. Així, en aquesta acurada selecció, el visitant trobarà algunes imatges prou conegudes pels seguidors de l’autor, però també en descobrirà fins a una seixantena que, fins ara, s’havien mantingut totalment inèdites malgrat la seva qualitat i el seu interès documental.

Barcelona 1957. Leopoldo Pomés es podrà veure a La Fundació Foto Colectania (C/Julián Romea, núm. 6) fins al 26 de gener de 2013, de dilluns a dissabte, d’11:00 h a 14:00 h i de 16 a 20 h.

Més informació: http://www.colectania.es/