De nuevo, y como cada primavera, regresa el día de Sant Jordi, la gran fiesta de la cultura y la literatura. Un día en el que los libros salen a la calle, toman plazas y avenidas, y convierten cada rincón en un punto de encuentro entre lectores, autores e historias.
Sant Jordi no es solo una tradición: es una celebración viva de la lectura, del poder de las palabras y de la imaginación. Cada libro que se abre es una puerta a otros mundos, a nuevas ideas, a emociones compartidas. Y en este día, más que nunca, recordamos que leer nos conecta, nos transforma y nos hace crecer.
Entre páginas que esperan ser descubiertas y rosas que simbolizan el cariño, las calles se llenan de cultura en estado puro.
La historia ha sido un campo fértil de inspiración para las artes, desde la pintura, la escultura, el cine o la literatura. El teatro se ha nutrido en muchas ocasiones de las tramas gestadas por la historia para crear relatos. William Shakespeare, Bertolt Brecht o Lope de Vega son algunos de los grandes dramaturgos que han relatado la historia en sus obras. El caso que nos ocupa hoy, traslada al escenario Memorias de Adriano, la novela histórica escrita por Marguerite Yourcenar, publicada en el año 1951 y que se ha convertido con el paso del tiempo en un hito del género.
«Basado en Mémoires d’Hadrien de Marguerite Yourcenar, Memorias de Adriano es un espectáculo teatral que representa, al mismo tiempo, una emocionante película de romanos y el relato íntimo de un hombre que dialoga con su historia, con la Historia. Un testimonio en primera persona de la vida del emperador romano nacido en Hispania».
La obra, estrenada el pasado 25 de marzo y producida por el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y el Teatre Romea, propone al público un recorrido íntimo a través de los recuerdos de Adriano, uno de los emperadores romanos más destacados.
Brenda Escobedo en ladramaturgia y Beatriz Jaén en la dirección han conseguido hilvanar un recorrido biográfico a través de las reflexiones del propio emperador, interpretado de forma magistral por Lluís Homar, que presta su físico a un personaje que dominó el mundo antiguo hace 2.000 años. La propuesta, sencilla y en muchas ocasiones conmovedora, sigue de cerca la obra de Yourcenar, de la que absorbe su esencia, siguiendo al emperador desde su infancia en Hispania, pasando por su acceso al poder imperial o su relación con el joven amante Antínoo. Todo ello de una forma profunda e intima.
Dramaturga y directora han conseguido crear desde la sobriedad un contexto en el que el monólogo de Adriano anciano y próximo a la muerte se hace creíble, y se convierte no solo en una meditación sobre la historia, sino, también, en una reflexión sobre la humanidad en su esencia.
Homar, como ya he dicho, consigue transmitir a su personaje una contundencia reflexiva que no está al alcance de cualquiera. Sobre el escenario le acompaña un elenco integrado por Clara Mingueza, Álvar Nahuel, Marc Domingo, Xavi Casan y Ricard Boyle que desdoblan su actuación interpretando al equipo técnico de un espacio de grabación y, al mismo tiempo, encarnan a los personajes a los que hace referencia con sus palabras el propio Adriano. De esta forma el monólogo de Adriano/Homar se nos hace más próximo y podemos llegar a entender, al menos en parte, la identidad y el carácter de uno de las personajes más poderosos del planeta de su época.
Memorias de Adriano se convierte, así, en un ejemplo del buen hacer teatral, aquel que convierte la historia en una pieza de investigación histórica y que permite al público revivir, aunque solo sea por un breve espacio de tiempo, la grandeza del pasado, la esencia de la historia y de los personajes que, de una forma u otra, le dieron substancia.
“Memorias de Adriano” se representa en el Teatre Romea del 25 de marzo al 10 de mayo de 2026.
Autoría: Marguerite Yourcenar Traducción: Julio Cortázar Dramaturgia: Brenda Escobedo Dirección: Beatriz Jaén Intérpretes: Lluís Homar, Clara Mingueza, Álvar Nahuel, Marc Domingo, Xavi Casan, Ricard Boyle Escenografía: José Novoa Vestuario: Nídia Tusal Iluminación: Pedro Yagüe Música original y espacio sonoro: Tagore González Caracterización: Toni Santos Producción: Teatre Romea y Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida
Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados y domingos a las 17:30 horas Precio: desde 21€ Duración: 100 minutos Idioma: español NOTA CULTURALIA: 9 ——
No estamos ante una novedad editorial al uso, sino ante una obra que merece ser recuperada con calma. España y la creación de la Europa moderna (siglos XVI-XVIII), del historiador británico Henry Kamen, es uno de esos ensayos que invitan a revisar lugares comunes y a replantear el relato histórico dominante.
Lejos de visiones simplificadas o tópicas, Kamen propone una lectura amplia y matizada del papel de España en la configuración de la Europa moderna. Frente a la idea de una nación aislada o en decadencia, el autor reivindica el protagonismo de la sociedad española en los grandes procesos que transformaron el continente entre los siglos XVI y XVIII: desde la expansión global hasta el desarrollo de nuevas formas políticas, sociales y culturales.
El libro se adentra en una época marcada por cambios profundos —la reforma religiosa, el auge del Estado moderno o la expansión comercial— y lo hace poniendo el foco no solo en las élites, sino también en la vida cotidiana: el trabajo, el ocio, la migración o incluso aspectos como la sexualidad y las condiciones de vida en tiempos de conflicto.
Uno de los mayores aciertos del ensayo es precisamente su capacidad para desmontar clichés historiográficos. Kamen no escribe una historia nacional al uso, sino una historia conectada, donde España aparece como un actor dinámico dentro de una Europa en transformación, participando activamente en procesos que fueron, en esencia, compartidos.
Con más de quinientas páginas, estamos ante una obra ambiciosa pero accesible, que combina rigor académico con vocación divulgativa. No es, por tanto, un libro de consumo inmediato, sino una lectura reposada, ideal para quienes buscan comprender mejor la complejidad de la Edad Moderna.
En definitiva, aunque no se trate de una publicación reciente, España y la creación de la Europa moderna sigue siendo una referencia muy válida para quienes quieran acercarse —o volver— a una interpretación menos tópica y más global de la historia europea y del papel desempeñado por España en ella.
El historiador británico Henry Kamen (1936) se formó en Oxford y ha enseñado en diversas universidades de Gran Bretaña, Estados Unidos y España. Ha sido profesor del Consejo Superior de Investigaciones Científicas en Barcelona, y es miembro de la Royal Historical Society de Londres. Especialista en los siglos XVI y XVII del Imperio español, es uno de los hispanistas más reputados del panorama internacional.
Título:España y la creación de la Europa moderna. Siglos XVI-XVIII Autor: Henry Kamen Editorial: Espasa Publicación: 19 junio 2024 Colección: NO FICCIÓN Presentación: Rústica con solapas Formato: 15 x 23 cm Editorial: Espasa ISBN: 978-84-670-7364-5 Páginas: 592 Temáticas: Historia / Historia de España Precio: ● Bolsillo: 12,95€ ● Rústica con solapas: 22,90€
El momento de la muerte es un acontecimiento difícil para cualquier familia. Una situación en la que las tensiones afloran y los momentos se hacen inacabables. Es en este contexto en el que se desarrolla La Presència, una comedia algo trágica interpretada por Anna Sahun, Pau Roca, Marc Rodríguez y Mar Ulldemolins.
“Ernest y Sandra se encuentran en la masía de su padre para acompañarle durante sus últimas horas de vida. Miki, la pareja de Sandra, también está allí para apoyarles. Mientras los hermanos, que no tienen mucha relación, se ponen al día, llega la médica del CAP a visitarle. Pocos minutos después, Climent muere. Lo que ninguno espera es que la campana que utilizaba para llamarles vuelva a sonar. Si el padre está muerto, ¿quién la ha tocado?”.
La obra, escrita por Carmen Marfà y Yago Alonso y dirigida por Pau Carrió, se interna en un contexto familiar arraigado en un pueblo de montaña, en el que las tradiciones y la familia tienen un valor propio. La llegada de Sol, la médica del CAP, y el inicio de toda una serie de fenómenos extraños, crea una situación en la que la verdad se acabará revelando y se harán evidentes las relaciones que se han establecido a lo largo de los años entre los diferentes miembros de la familia.
La Presència es una comedia bien estructurada y desarrollada en la que los puntos de referencia que el público tiene de los personajes irán cambiando a medida que las diversas revelaciones se vayan haciendo evidentes, lo que provocará estallidos de humor salpimentados por el mundo de las tradiciones y las leyendas propio de las comunidades de montaña.
El texto de Marfà y Alonso se despliega de forma apacible pero hábil y posibilita al público irse haciendo una idea creciente de la historia de la familia y de lo que está pasando sobre el escenario. A lo que se suma la dirección de Carrió que permite lucirse a los actores y las actrices con una alta atmósfera de comicidad que envuelve toda la representación.
El reparto de la obra es reducido, como los miembros de una pequeña familia, pero consigue dotar a la obra de un alto grado de realismo humorístico. Pau Roca (Ernest) y Mar Ulldemolins (Sandra) interpretan a los dos hermanos que han perdido el contacto, pero que vuelven a reunirse ante la cercana muerte de su padre, ambos afectados, de una forma u otra, por el inexplicable abandono que sufrieron en la infancia por parte de su madre. Marc Rodríguez da vida a Miki, la pareja de Sandra, un urbanita agobiado por una carrera profesional insatisfactoria. Finalmente, Anna Sahun (Sol) interpreta a la “peculiar” médica cuya llegada provocará un extraño y paranormal giro de los acontecimientos.
La Presencia es, así, un juego de espejos teatral, en el que la identidad de los personajes irá transformándose, y en el que las relaciones de familia, las tradiciones y los roles sociales que todos y todas vamos adoptando en la vida, se aúnan para crear una propuesta de alto voltaje cómico, en la que el público se verá obligado a poner algo de su parte para desentrañar cuál es la presencia a la que hace referencia su título, un arcano teatral que seguro os hará reír a la par que reflexionar.
«La Presència» se representa en el Teatre Borràs del 11 de marzo al 12 de abril de 2026.
Autoría: Carmen Marfà i Yago Alonso Dirección: Pau Carrió Intérpretes: Anna Sahun, Pau Roca, Marc Rodríguez, Mar Ulldemolins Escenografía: Paula Bosch Vestuario: Pol Cornudella Iluminación: Guillem Gelabert Espacio sonoro: Guillem Rodriguez Producción: Sixto Paz Produccions y La Villarroel
Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas Precio: A partir de 23€ Duración: 80 minutos Idioma: catalán NOTA CULTURALIA: 8,5 —— Jorge Pisa
En plena temporada teatral de primavera en Barcelona, el Teatre Romea acoge una de las propuestas más evocadoras de la cartelera: Memorias de Adriano, una adaptación escénica de la célebre novela de Marguerite Yourcenar que ha conquistado público y crítica por igual.
Protagonizada por Lluís Homar, figura señera del teatro español, la obra despliega un monólogo íntimo y profundo en el que el emperador Adriano —tan sabio como contradictorio— dialoga con su pasado, sus decisiones y sus heridas. Más allá de una simple reconstrucción histórica, el montaje propone un viaje sensorial que nos enfrenta a las tensiones esenciales de la condición humana: el poder, el amor, la memoria y la finitud.
Dirigida por Beatriz Jaén y con dramatúrgia de Brenda Escobedo, la puesta en escena se aleja de la espectacularidad superficial para centrarse en la resonancia interior del personaje. Así, el espectador no solo observa la historia de un líder romano, sino que se ve invitado a escuchar su propia voz interior reflejada en la del emperador.
En esencia, Memorias de Adriano es mucho más que teatro histórico: es una experiencia emocional y filosófica que revive el pasado para hablarnos del presente, haciéndonos sentir que las preguntas que nos planteamos hoy ya resonaban en los pasillos del poder hace dos mil años.
«Memorias de Adriano» se representa en el Teatre Romea del 25 de marzo al 10 de mayo de 2026.
Autoría: Marguerite Yourcenar Dirección: Beatriz Jaén Traducción: Julio Cortázar Dramaturgia: Brenda Escobedo Reparto: Lluís Homar, Clara Mingueza, Álvar Nahuel, Marc Domingo, Xavi Casan, Ricard BoyleEscenografía: Jose Novoa Iluminación: Pedro Yagüe Espacio sonoro: Tagore González Caracterización: Toni Santos Vestuario: Nídia Tusal Producción: Teatre Romea y Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida
Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados y domingos a las 17:30 horas Duración: 1 hora y 40 minutos Idioma: español
La programación de la Nave 10 Matadero incorpora esta temporada Niebla, una propuesta escénica dirigida por Fernanda Orazi que revisita la célebre “nivola” de Miguel de Unamuno desde una mirada contemporánea y profundamente teatral. Lejos de plantear una adaptación al uso, el montaje se presenta como un dispositivo escénico que explora los límites entre ficción y realidad, invitando al espectador a adentrarse en un juego metateatral donde el propio hecho escénico se convierte en materia de reflexión.
Publicada en 1914, Niebla es una obra fundamental de la literatura española del siglo XX, pionera en la ruptura con las convenciones narrativas tradicionales y en la exploración de cuestiones filosóficas como la identidad, el libre albedrío o el sentido de la existencia. Esta nueva versión recoge ese espíritu innovador y lo traslada al lenguaje teatral mediante una puesta en escena que enfatiza la artificialidad y la construcción del personaje. El protagonista, Augusto Pérez, emprende un viaje de autoconciencia que le lleva a descubrir su propia condición de ente ficticio, desencadenando así un conflicto tan lúcido como inquietante.
El montaje apuesta por una teatralidad visible, en la que los intérpretes no solo encarnan a sus personajes, sino que participan activamente en la creación del relato, desvelando los mecanismos de la representación. Este enfoque refuerza el carácter metateatral de la propuesta y sitúa al público ante una experiencia escénica dinámica, donde el humor y la reflexión conviven de forma constante.
A través de esta lectura, Orazi conecta los dilemas existenciales de Unamuno con la sensibilidad contemporánea, planteando preguntas que siguen resonando hoy: qué significa existir, hasta qué punto somos dueños de nuestras decisiones o cómo se configura nuestra identidad en relación con los demás.
Con un elenco que da vida a este universo cambiante y una puesta en escena que apuesta por la libertad creativa, Niebla se perfila como una de las citas teatrales más sugerentes de la temporada. Una oportunidad para redescubrir a Unamuno desde una perspectiva actual y para sumergirse en una experiencia escénica que convierte la incertidumbre en motor poético y teatral.
«Niebla» se representa en la Nave 10 Matadero del 20 de marzo al 12 de abril de 2026.
Autoría: Fernanda Orazi a partir de ‘Niebla’ de Miguel de Unamuno Reparto: Juan Paños, Leticia Etala, Javier Ballesteros, Carmen Angulo y Pablo Montes Diseño de iluminación: David Picazo Dirección: Fernanda Orazi Diseño de espacio sonoro y música: Javier Ntaca Producción: NAVE 10 | Matadero, Buxman Producciones y Pílades Teatro Diseño de espacio escénico y vestuario: Cecilia Molano
Horarios: de martes a domingo a las 19:30 horas Precio: a partir de 15,75€ Duración: 1 hora y 40 minutos Idioma: español
En la cartelera de primavera de La Villarroel aterriza Una bufetada a temps, la nueva comedia de Marta Buchaca, una autora que ya ha demostrado su habilidad para convertir conflictos cotidianos en auténticos campos de batalla emocionales.
La premisa es tan sencilla como explosiva: un abuelo pierde los nervios y le da una bofetada a su nieto de ocho años. Lo que podría parecer un episodio doméstico más se convierte en un auténtico terremoto cuando la escuela decide intervenir… e incluso plantear una denuncia. A partir de ahí, todo salta por los aires.
Pero Buchaca no busca el drama lacrimógeno. Todo lo contrario: utiliza el humor —afilado, incómodo y muy reconocible— para poner sobre la mesa una cuestión que atraviesa familias, escuelas y generaciones: ¿dónde están hoy los límites en la educación infantil?
Sobre el escenario, nombres de peso como Ramon Madaula y Montse Guallar encabezan un reparto que promete ritmo, complicidad y esa tensión tan característica de las comedias que incomodan mientras hacen reír.
Con una duración de 90 minutos y recomendada a partir de 12 años, la obra se presenta como una pieza ágil, directa y muy pegada a la actualidad. No hay respuestas fáciles, pero sí muchas preguntas: ¿es la autoridad sinónimo de violencia? ¿hemos pasado de un extremo a otro en la educación? ¿quién tiene la última palabra: la familia o la institución?
En definitiva, Una bufetada a temps se perfila como una comedia que, bajo su apariencia ligera, esconde un debate incómodo y necesario. De esas que arrancan carcajadas… pero también dejan un poso de reflexión al salir del teatro.
«Una bufetada a temps» se representa en La Villarroel del 1 al 26 de abril de 2026
Autoría y dirección: Marta Buchaca Intérpretes: Ramon Madaula, Montse Guallar, Marc Rius, Eudald Font, Sara Diego Escenografía: Sebastià Brosa Vestuario: Marta Pell Iluminación: Anna Espunya Espacio sonoro: David Solans Producción: La Pocket y La Villarroel
Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas Precio: A partir de 21,25€ Duración: 90 minutos Idioma: catalán
La cartelera barcelonesa acoge Els fills, la obra de la dramaturga británica Lucy Kirkwood que llega a los escenarios con dirección de David Selvas y con un potente reparto formado por Emma Vilarasau, Mercè Aránega y Jordi Boixaderas. El montaje puede verse en La Villarroel, que propone una intensa reflexión dramática sobre la responsabilidad moral, el paso del tiempo y el legado que dejamos a las generaciones futuras.
La obra sitúa al espectador en un futuro cercano marcado por las consecuencias de un accidente nuclear. Hazel y Robin, una pareja de científicos ya retirados, viven en una casa de campo intentando mantener cierta normalidad tras la catástrofe que cambió sus vidas. Su rutina, aparentemente tranquila, se ve alterada por la inesperada visita de Rose, una antigua colega que reaparece después de muchos años. Su llegada no solo reabre viejas heridas del pasado, sino que también plantea una decisión difícil que obligará a los tres personajes a enfrentarse a las consecuencias de sus actos y a preguntarse hasta dónde llega su responsabilidad.
Con una estructura dramática cargada de tensión y un texto que combina intimidad, ironía y profundidad ética, Els fills plantea cuestiones muy actuales sobre el impacto de nuestras decisiones en el planeta y sobre el papel que juega cada generación frente a los problemas que heredan las siguientes. La obra convierte un encuentro aparentemente cotidiano en un intenso debate moral que interpela directamente al espectador.
Con un reparto de primer nivel y un texto reconocido internacionalmente, Els fills se presenta como una propuesta teatral tan inquietante como emocionante. Una obra que invita a reflexionar mientras mantiene al público atrapado en su conflicto y que promete convertirse en una de las citas imprescindibles de la temporada teatral en Barcelona.
«Els fills» se representa en La Villarroel del 7 de febrero al 29 de marzo de 2026.
Autoría: Lucy Kirkwood Traducción: Cristina Genebat Dirección: David Selvas Intérpretes: Emma Vilarasau, Mercè Aránega, Jordi Boixaderas Escenografía: Josep Iglésias Vestuario: Maria Armengol Caracterización: Noelia López Iluminación: David Bofarull Sonido: Lucas Ariel Vallejos Producción: La Brutal
Horarios: miércoles y viernes a las 20:00 horas; jueves y sábados a las 17:30 y a las 20:30 horas y domingos a las 17:30 horas Precio: a partir de 24,30€ Duración: 90 minutos Idioma: catalán
Sergio del Molino regresa a la novela histórica con La hija, una ambiciosa narración que rescata del olvido a una figura real vinculada a uno de los grandes nombres de la pintura española: Rosario Weiss, la joven artista que creció en el entorno de Francisco de Goya y que, pese a su talento, quedó relegada a un segundo plano en la historia del arte.
La novela arranca en el París de 1878, cuando un hombre llega a contemplar unas pinturas de Goya que han sido trasladadas desde España. Frente a esas obras —las inquietantes Pinturas Negras que el artista pintó en los últimos años de su vida— se abre una puerta al pasado. Los recuerdos lo conducen a su juventud y, sobre todo, a la figura de Rosario Weiss, la mujer que marcó su vida y cuyo destino quedó ligado para siempre al del maestro aragonés.
A partir de ahí, Sergio del Molino reconstruye una historia marcada por el arte, la memoria y las sombras del siglo XIX español. Rosario Weiss creció en el entorno más íntimo de Goya, aprendió de él y desarrolló una prometedora carrera como dibujante y pintora. Sin embargo, la historia oficial terminó diluyendo su figura entre rumores, silencios y la poderosa leyenda del genio. La novela se propone recuperar esa vida casi borrada, imaginando los espacios que la documentación histórica apenas permite entrever.
Con su habitual mezcla de investigación, reflexión y narración, Del Molino explora también cómo se construyen los grandes mitos culturales y quién queda fuera de ellos. El resultado es una obra de gran aliento que combina la recreación histórica con una mirada contemporánea sobre la memoria, el arte y las voces olvidadas.
Con La hija, Sergio del Molino firma una novela histórica poderosa y envolvente que invita a redescubrir un episodio poco conocido del mundo artístico español. Una lectura ideal para los amantes de la ficción histórica y para quienes disfrutan de las historias que iluminan las zonas menos visibles de la historia. Un título que promete convertirse en una de las novedades más destacadas de la temporada literaria.
Sergio del Molino es autor de dos ensayos narrativos cruciales sobre la despoblación y «la idea de país»: La España vacía (2016; Alfaguara, 2022) y Contra la España vacía (Alfaguara, 2021). Además, es autor de novelas como Lo que a nadie le importa (2014) y La mirada de los peces (2017), del breve ensayo biográfico Calomarde. El hijo bastardo de las luces (2020), de una autobiografía novelada sobre su relación con la enfermedad, La piel (Alfaguara, 2020), y Un tal González (Alfaguara, 2022). Es columnista del diario El País y colaborador de Onda Cero Radio, entre otros medios. En 2024 publicó Los Alemanes (Premio Alfaguara de novela 2024). La hija es su nueva novela (Alfaguara, 2026)
Título: La hija Autor: Sergio del Molino Editorial: Alfaguara Colección: Hispánica Fecha de publicación: 5 de marzo de 2026 Páginas: 648 Tipo de encuadernación: Tapa blanda con solapas Idioma: español Dimensiones: 15,4 x 24,1 cm Precio: ● tapa blanda: 22,71€ ● Audiolibro: 18,89€ ● eBook: 11,39€
Hoy os presentamos en Blog CulturaliaEl ejército ciego, la novela con la que el escritor David Toscana ha ganado el prestigioso Premio Alfaguara de Novela 2026, entre más de 1 140 manuscritos presentados, dotado con una significativa suma económica y la publicación de la obra en todo el ámbito hispanohablante.
Ambientada en el año 1014, la narración parte de un hecho histórico real: tras la batalla de Klyuch, el emperador bizantino Basilio II ordena cegar a 15 000 soldados búlgaros, dejando uno de cada cien con un ojo para guiar al resto de regreso a casa. A partir de este episodio brutal, Toscana construye una fábula poderosa y cargada de simbolismo, que explora la guerra, el poder y la resistencia desde una perspectiva inusual.
Narrada en primera persona por Kozaron, un escriba invidente cuya mirada —al mismo tiempo poética y práctica— impregna la novela, El ejército ciego combina historia, inventiva y poesía, creando una épica intensa donde se confunden el testimonio de los vencidos, la leyenda y el humor negro. Las experiencias de los soldados en su marcha a tientas, sus intentos por recuperar una vida más allá de la vista, y las microhistorias que surgen en su tránsito hacen de esta obra una reflexión sobre la memoria, la supervivencia y el relato histórico.
Fruto de la imaginación de Toscana, la novela trasciende la reconstrucción histórica convencional para ofrecer una lectura simbólica y casi mítica del pasado, planteando preguntas sobre cómo contamos las historias de la guerra y quiénes quedan olvidados en esas narraciones.
El ejército ciego, con su original aproximación a un hecho remoto, combina la crudeza histórica con un estilo narrativo que desafía las formas tradicionales de la novela histórica, convirtiéndose en uno de los títulos más interesantes e innovadores del panorama literario reciente de habla hispana.
David Toscana (Monterrey, México, 1961) ha publicado los libros de cuentos Lontananza (1997) y Brindis por un fracaso (2006), y las novelas Las bicicletas (1992), Estación Tula (1995), Santa María del Circo (1998), Duelo por Miguel Pruneda (2002), El último lector (2005), El ejército iluminado (2006), Los puentes de Königsberg (2009), La ciudad que el diablo se llevó (2012), Evangelia (2016), Olegaroy (2017) y El peso de vivir en la tierra (2022). Ha sido galardonado con los premios José María Arguedas, Antonin Artaud, Colima, José Fuentes Mares, Xavier Villaurrutia, Elena Poniatowska, Mazatlán y Bienal de Novela Mario Vargas Llosa. Su obra ha sido traducida a diecisiete lenguas.
Título: El ejército ciego Autor: David Toscana Editorial: ALFAGUARA Colección: Hispánica Páginas: 240 Premio Alfaguara de novela Encuadernación: Tapa blanda con solapas Dimensiones: 15 x 24 cm Idioma: español Fecha de publicación: 26 de marzo de 2026 Precio: ● Tapa blanda: 18,91€ ● eBook: 9,49€ ● Audiolibro: 17,09
Culturalia 