Estreno teatral: Sucre, en el Espai Escènic Brossa.


La bailarina valenciana Noelia Liñana y el músico tarraconense Paco Enlaluna presentan Sucre, un espectáculo único que intercala la música, la danza, las proyecciones y el diálogo.

Ponemos azúcar al café, al zumo, a la vida para que nuestro paladar evite los matices amargos. Noelia lo sabe muy bien. Desde el día que se desmaya en medio de un ensayo y un médico le diagnostica una diabetes con dependencia de la insulina, deja de poner azúcar a su vida.

El azúcar se convierte en la tentación, la “fruta prohibida”.

En escenario, dos mundos: el proyectado, donde la protagonista niña vive en un mundo edulcorado, ajena a los conflictos, y el bailado, donde los personajes luchan o ceden a la provocación del azúcar. Todo esto salpicado por la incomunicación de quien busca complicidades profundas y recibe consejos vacíos, de quien busca nuevas perspectivas y en cambio recibe sermones sobre las saludables propiedades de la berenjena.

Después de una larga trayectoria como bailarina en grandes compañías como Lanònima Imperial, Tomas Noone o Gelabert Azzopardi, Liñana emprende conjuntamente con Paco Enlaluna su primera aventura en solitario a partir de experiencias propias como por ejemplo el diagnóstico de la diabetes o la muerte de su padre. Sucre es su primera producción y en ella ejerce como directora y coreógrafa.

La obra narra ocho historias protagonizadas por personajes excesivamente dependientes del azúcar, y que edulcoran  sus oscuridades personales antes de enfrentarse a ellas pasando por diferentes estados como por ejemplo la negación, la rebelión o la aceptación irónica. Aun así, Sucre es un espectáculo optimista. Un alegre collage de danza contemporánea con pequeñas dosis de humor y de ironía.

Sucre” se representa en el Espai Escènic Brossa del 12 al 22 de mayo del 2011.

Dirección: Noelia Liñana
Bailarina: Noelia Liñana
Actrices audiovisual: Noelia Liñana y Ainara García
Dirección musical: Paco Enlaluna
Músico en directo: Paco Enlaluna
Guió y dramaturgia: Paco Enlaluna y Noelia Liñana
Dirección escénica / coreografía: Nicolaas Marckmann
Diseño de iluminación: Marc Martínez
Producción: Segundo Acto Produccions

Horarios: de miércoles a viernes a las 21:00 horas y sábados a las 19:00 y a las 21:30 horas.
Precio: 16 €.

Crítica teatral: Feísima enfermedad y muy triste muerte de la reina Isabel I, en el Versus Teatre.


La compañía de teatro La Calòrica representa en el Versus Teatre hasta el próximo 22 de mayo la obra Feísima Enfermedad y Muy Triste Muerte de la Reina Isabel I, la recreación tragicómica y grotesca de los últimos días de vida de una reina cuyo gobierno hizo variar el rumbo de la historia de España.

El Versus nos presenta una obra de carácter histórico, es decir, que nos habla de personajes históricos, algunos de ellos muy pero que muy conocidos, como son la reina Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón, los reyes Católicos. Y nos los presenta en clave de comedia, obligándonos a presenciar los días previos de la muerte de la reina y la situación de sus dominios, que, en aquella época, se extendían a lo ancho y largo del planeta conocido. Sin embargo, durante la representación no saldremos de la alcoba de la reina, donde todos los personajes de la obra irán pasando, ya sea para reverenciar a la soberana moribunda o para asegurarse de la “feísima enfermedad y muy triste muerte” de la misma, una de las soberanas más poderosas de su tiempo.

La compañía La Calòrica nos ofrece una postal teatral e histórica minimalista donde el sentido del humor y los tópicos históricos están muy presentes. En ella la reina Isabel I en su lecho de muerte sigue gobernando unos reinos que le costaron mucho conseguir: enfrentamientos dinásticos, la rivalidad con su sobrina Juana la Beltraneja, las peripecias históricas que hubo de llevar a cabo para heredar su reino, su boda con Fernando II de Aragón y la unión de los territorios de la Península, a excepción de Portugal. Aunque no será todo esto lo que le importará a la reina. Viendo cerca la muerte solo pensará en quién heredará su legado.

Su elección recae en su hija Juana, conocida por la historia como Juana la Loca (aunque parece que no lo estaba tanto). Juana está casada con un príncipe austríaco educado en el norte de Europa que posee unos principios y una cultura muy diferentes a las existentes en suelo hispano. He aquí el intríngulis de la obra: la oposición entre la “España y la Europa del momento”, la oposición entre el conservadurismo y el tradicionalismo hispano y los nuevos aires en la cultura, en las costumbres y en los pensamientos que se movían por aquellos entonces por Europa, una evolución que en breve provocaría un cisma religioso, político, económico y social en toda Europa con la aparición del protestantismo y los conflictos religiosos que dominaron gran parte de la época moderna.

Pero no se asusten. Que la obra nos habla de ello pero sin exigirnos ningún esfuerzo instructivo previo. Al contrario. Es la propia obra la que nos identificará a los personajes y nos dibujará el espacio y el ambiente que necesitamos conocer. Para ello la actuación de los actores y actrices serán básicos. Bien pronto veremos la relación mantenida entre Isabel y Fernando, basada en el tópico histórico de la poderosa personalidad de la reina y a un mero consorte dibujado como un pequeño gran-rey obsesionado con su “imperio mediterráneo” pero sin carácter ni fuerzas para enfrentarse a sus enemigos europeos, italianos y franceses. La mano de la religión también estará presente en la figura del consejero político y espiritual de los reyes, que se creerá el único personaje con el carisma, la energía y las aptitudes necesarias para marcar el camino a seguir por la historia de la Monarquía Hispánica, a veces, incluso, enfrentándose e intentando someter a los propios reyes. A los tres personajes principales se les suma Juana, la hija de Isabel y de Fernando, educada para ser la esposa del rey, nunca la reina y Felipe el Hermoso, aureolado por la modernidad y un entendimiento del mundo y de su poder muy lejano al nacido en suelo hispano. Solo un personaje plebeyo, la criada, tendrá acceso a la alcoba de la reina, y siempre para ayudar y servir a sus superiores.

La compañía La Calòrica construye un acertado esbozo tragicómico y grotesco de una de las épocas y de uno de los reinados de más significancia para entender la historia de la España actual. Y lo hace con muchas ganas y con mucho empeño. Todo un hallazgo para aquellos que quieran reflexionar y que quieran reír con la historia y con el teatro. Para ello los personajes, aunque con un intercambio confeso de sexos (la reina Isabel interpretada por un actor, el consejero espiritual del reino interpretado por una actriz) nos permiten conocer algo más, aunque a veces de una forma descabellada, el episodio de la enfermedad y muerte de la reina Isabel I. Todo un ejemplo que nos enseña lo interesante que pueden ser el teatro y la historia, y también la suma de ambos. Una obra, en definitiva, que nos hará viajar en el tiempo (escénico, claro está) y ver los nuevos aires y los viejos que se respiraban en la Europa moderna de finales del siglo XV y principios del XVI y los entresijos de la gran política, que a veces orquestan pequeñas personas. Todo, claro está desde el humor y el ingenio más burlesco y caricaturesco.

Feísima enfermedad y muy triste muerte de la reina Isabel I” se representa en el Versus Teatre del 18 de marzo al 22 de mayo de 2011.

Dramaturgia: Joan Yago
Dirección: Israel Solà
Intérpretes: Xavi Francés, Aitor Galisteo Rocher, Esther López Martín, Carla Rovira Pitarch, Júlia Truyol y Marc Rius
Escenografía, vestuario e iluminación: Gerard Orobitg, Carmen Padró, Albert Pascual y Marta Soto
Asesoramiento de voz: Matilde Miralles

Horarios: de jueves a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 19:00 horas.
El domingo 15 de mayo no hay función.
Precio: 16 €.
Duración de la obra: 65 minutos
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Escrito po: Jorge Pisa Sánchez

Estreno teatral: Cuando se apaguen la velas, en el Guasch Teatre.


El Guasch Teatre presenta en su programación para adultos Cuando se apaguen la velas, la historia de un asesino a sueldo dedicado y en silla de ruedas preparado para llevar a cabo su último encargo.
Dante (Xavier Serrat) es todo un ejemplo de superación personal. Aunque hace casi dos años que se ve obligado a ir en una silla de ruedas, ha seguido trabajando hasta el día de hoy, el día de su jubilación. Solo necesita acabar un último encargo y se podrá ir para siempre. Dejar atrás todo el sufrimiento que ha tenido que soportar durante estos últimos años. Y es que la suya sería una historia como la de otros muchos si no fuera porque Dante… trabaja como asesino a sueldo.

Son muchos años de experiencia, muchas víctimas que han pasado por sus manos y muchos los escenarios que ha tenido que recrear con mucho cuidado y a petición de sus superiores. Pero esta vez será diferente. Totalmente diferente. Sus últimas víctimas las ha escogido él… y tiene una buena razón para hacerlo.

Ahora solo es cuestión de tiempo y suerte. Si todo sale tal y como lo ha planeado, en breves minutos acabará el trabajo y se podrá ir. Dar por finalizado un viaje catárquico a través del cual reconciliarse con su pasado. Nadie lo podrá impedir. Ya se ha encargado de cubrirse las espaldas. Al fin y al cabo, es un buen profesional.

Cuando se apaguen las velas” se representará en el Guasch Teatre a partir del 12 de mayo de 2011.

Autor: Eric Romero
Director: Miquel Murga
Intérprete: Xavier Serrat
Escenografía: Noemí Batllori
Fotografía: Enric Monté

Horarios:
jueves a las 21:00 horas; viernes y sábados a las 22:00 horas y domingos a las 19:30 horas.
Precio: jueves 18 €; de viernes a domingos 20 €.

Crítica cinematográfica: Happythankyoumoreplease, de Josh Radnor.


Un escritor falto de inspiración. Un grupo de amigos sin seguridad en sí mismos. Una pareja desorientada y con ideas opuestas sobre su futuro en común. La dificultad de encontrar el amor en la sociedad moderna. Y, por supuesto, Nueva York. Con estas premisas bien podría tratarse de la última película de Woody Allen, pero no (aunque su influencia se respira a lo largo de todo el film): éstos son los principales ingredientes de Happythankyoumoreplease, el debut en la dirección de Josh Radnor, protagonista de una de las series más divertidas y de mayor éxito de los últimos años, Cómo conocí a vuestra madre.

Tras una movida noche, Sam se despierta de resaca y con el tiempo justo para acudir a una reunión clave en su futuro como escritor. De camino hacia la editorial encuentra un niño extraviado en el metro, y, sin saber qué hacer, se lo lleva con él. En su día a día, Sam ocupa sus horas en esperar a que llegue la inspiración ante el ordenador y en atender a sus amistades, entre las que se encuentran Annie, una joven con una extraña enfermedad que le ha hecho perder todo el pelo, algo que le acompleja hasta creer que nadie puede enamorarse de ella, y Mary Catherine, una joven que deberá decidir si seguir adelante o no con su relación con Charlie. Finalmente, la aparición de Mississippi, una joven camarera aspirante a cantante, hará que Sam se replantee cómo afrontar, en adelante, sus relaciones sentimentales.

Happythankyoumoreplease es un espléndido relato que funciona como retrato generacional de aquéllos (o buena parte de aquéllos) que rondan la treintena y viven en grandes ciudades, una generación que se muestra insegura, desorientada, con dificultad para encontrar su lugar en el mundo, alérgica al compromiso y angustiada por las responsabilidades que suponen ser adulto. Además, podría pasar por una de tantas comedias románticas, aunque es mucho más que eso: cierto es que el amor y sus consecuencias son los auténticos protagonistas de la historia, pero Radnor propone también una magnífica historia de sentimientos, ya sean los sentimientos que llevan al protagonista a hacerse cargo de un niño con problemas familiares, o la estrecha relación que mantienen Annie y el mismo Sam, una preciosa historia de confianza mutua entre ambos que desmiente a los que no creen posible una simple amistad entre un hombre y una mujer. Paralelamente, y a pesar de desprender cierta tristeza y melancolía, la película se revela como un canto al optimismo y a encarar la vida con una actitud positiva, a pesar de los problemas que nos atormentan a diario.

En una historia de personajes desorientados como ésta, la ciudad de Nueva York (aunque bien podría ser cualquier otra gran ciudad) ejerce una función imprescindible, convirtiéndose en una de las principales protagonistas de esta película, una Nueva York algo diferente a la que estamos acostumbrados a ver en el cine: aquí no hay solemnes atardeceres que muestren su conocidísimo skyline, ni imágenes que demuestren que estamos en la ciudad que nunca duerme, no; la película retrata una ciudad luminosa, sí, pero diurna, quizás para dar consistencia a ese mensaje optimista que el film ofrece. Asimismo, el relato sirve para posicionar al espectador en la rivalidad entre grandes ciudades, en esta ocasión entre Nueva York y Los Ángeles: la primera, moderna, bohemia, ideal para mantener una excelente actividad cultural, mientras que la segunda se muestra impersonal y en la que cualquier movimiento debe realizarse motorizado.


Josh Radnor es director, guionista y el antihéroe protagonista de este film de espíritu indie que viene avalado por el Premio del Público del Festival Internacional de Cine de Sundance en 2010. Sin duda es él quien sostiene el peso de la película, a pesar de tratarse de una historia coral. El resto del reparto lo forman nombres poco conocidos, entre los que destacan Malin Akerman como la optimista Annie, Kate Mara como la hermosa camarera que fascina al joven escritor y, sobre todo, el pequeño Michael Algieri, todo un descubrimiento como el niño extraviado, Rasheen.

Así, ésta es una historia imprescindible para todo aquél alérgico a las edulcoradas comedias románticas convencionales, que conmueve con facilidad al espectador, y que debe su peculiar título a la expresión que repite, a modo de mantra, una de sus optimistas protagonistas, quien cree que en todo momento hay que agradecerle al karma (o a quien sea) todo lo bueno que a uno le pasa y pedirle todavía más, por favor: Happythankyoumoreplease.

Título: Happythankyoumoreplease
Director: Josh Radnor
Intérpretes: Josh Radnor, Malin Ackerman, Kate Mara, Catherine Zoe Kazan, Pablo Schreiber, Tony Hale, Michael Algieri y Richard Jenkins
Guión: Josh Radnor
Fotografía: Seamus Tierney
Montaje: Michael R. Miller
Productores: Jesse Hara, Austin Stark, Chris Papavasiliou y Benji Kohn
Productores Ejecutivos: Bingo Gubelmann, Peter Sterling y Glenn Williamson
Productor Asociado: Brian Schornak
Diseño de producción: Jade Healy
Dirección de Arte: Chris Trujillo
Vestuario: Sarah Beer
Supervisión musical: Andy Gowen
Música original: Jaymay
País de producción: Estados Unidos
Género: Comedia romántica
Año de producción: 2010
Duración: 100 minutos
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Escrito por: Robert Martínez Colomé


Crítica teatral: Las fichas, en el teatro Tantarantana.


Hasta el próximo domingo 8 de mayo perdurará en la cartelera del teatre Tantarantana la obra Las fichas de la compañía Radio Rara Teatro, una tragedia griega ambientada en el mundo actual que mezcla heroicidad, humor y programas de televisión en un mundo gobernado por la envidia y el hedonismo más corrosivo.

Esta es, pues, la propuesta de la compañía Radio Rara Teatro de la que podremos gozar algunos días más en el escenario del Tantarantana. Las fichas nos propone un itinerario emocional a través de las vidas de gente normal afectadas por las mismas influencias (buenas o malas, nunca inocuas) que nos afectan a cada uno de nosotros cada día y en cada momento.

Clara es una chica joven del extrarradio que sufre de lo mismo que sufren muchas chicas jóvenes, y no tan jóvenes, en la actualidad. Le acaban de echar del trabajo al cerrar la policía el local en el que servía ¿como camarera? por las noches. Pertenece a una familia totalmente desestructurada en el que su egoísta madre no ha invertido ni invierte demasiado tiempo en su educación ni en preocuparse de su bienestar económico, físico y emocional, si no todo lo contrario. Sus amistades están en una situación, si cabe, más complicada que la suya y los únicos valores y objetivos que le quedan son los que le marca la programación de los diferentes canales de la televisión: su deseo es poder participar en el programa El juego de tu vida, que a cambio de las confesiones más irreverentes y sádicas de su miserable vida la puede hacer millonaria.

Clara consigue su objetivo y es llamada a participar en el programa, y a cambio de 600.000 euros explica todo lo embarazoso y comprometido de su vida. A partir de aquí y de su conocimiento de Gonzo, un pijo recalcitrante con el que comenzará una relación sentimental, Clara iniciará el recorrido de una tragedia vital que la llevará de la cima a la decadencia, de lo más alto al suelo más quejumbroso. Una parábola teatral que nos permitirá reflexionar sobre la vida, los valores y los elementos constituyentes de la sociedad en la que vivimos y que, por desgracia, le toca vivir, muchas veces sin demasiados momentos de alegría ni las “herramientas” necesarias, a una gran parte de la población.

La compañía Radio Rara Teatro de la mano de Secun de la Rosa nos presenta un bit de realidad con un toque muy personal. La obra se construye, o mejor dicho, se deconstruye, como un plato cocinado por Ferran Adrià, desde un desorden organizativo muy competente. El narrador de la obra, el propio Secun de la Rosa, pierde bien pronto, durante la representación, las riendas de la misma y los propios actores y las historias que nos narran romperán las veces necesarias el ritmo y el filum narrativo de la obra. Casi podríamos decir que los propios intérpretes del espectáculo se rebelan y se hacen con el poder de la función, imponiendo sus condiciones al narrador, y por tanto al público, y haciéndose valer en contra de un punto de vista de de narración subjetivo, aunque sea éste el del propio narrador. Lo que permite una gran frescura a la representación, que se libra de los convencionalismos habituales del género teatral.

La historia es, como decía, una tragedia griega llevada a un mundo actual como el nuestro, en el que la heroína, Clara, se verá necesariamente abocada hacia un final en el que incluso su vida se verá en peligro. Clara tendrá que luchar contra todo y contra todos con lo poco que posee, y es, por lo que parece, un enorme corazón o un cerebro muy pequeño. Eso lo tendrán que decidir ustedes. Clara estará rodeada por el resto de personajes, Gonzo su novio pijo e interesado; su madre, necesitada y dominante; sus amigos, de baja estofa y sin capacidad ninguna ni voluntad para aconsejarle y el propietario de un local cercano y el mismo narrador de la obra, cuya función en la representación no le permitirá nada más que explicar aquello que pasa, siempre, claro está, desde su personal y subjetivo punto de vista. Y un escenario que, a través de un juego de luces y de un atrezo minimalista, se convertirá en el tablero de un juego de mesa, seguramente el parchís, en el que se juega la vida de las personas y en el que para ganar se ha de comer a los contrarios y avanzar 20 casillas por cada victoria que se consigue. Y creo que el juego del parchís se puede convertir en un buen símil de la vida moderna en la que el consumo y el triunfo, de uno mismo, nunca de la comunidad ni de los otros, se convierte en el objetivo principal. Y en el que las personas somos fichas que avanzan por el tablero indefensas pudiendo ser comidas y destruidas en cualquier momento aunque también, por el contrario, podemos convertirnos en auténticos depredadores y devorar a los otros, ya sea física o emocionalmente.

Las fichas se compone de una interpretación que nos recuerda, también, la tragedia griega, en la que una protagonista principal, Clara, hace de contrapeso a un coro de personajes (familia, amigos…) que interactuarán individual y colectivamente con ella. Todos ocultándose en la oscuridad del escenario y adquiriendo corporeidad y contenido cuando su personaje o personajes actúen. Una muy controlada y acertada dirección y presentación de la trama de la mano de Secun de la Rosa que nos muestra que no solo domina el humor, del cual también nos ofrece diversas muestras en la obra, sino también su lado más trágico y realista, del cual se nutre Las fichas.

Pues ya saben, si quieren disfrutar del trabajo bien hecho, teatralmente hablando, de una compañía joven pero con ganas de hacerse un lugar en el panorama teatral madrileño y que sabe proponer y desarrollar ideas y tramas interesantes y atractivas, y si quieren ser testigo del acontecer de una fabula actual, urbana y trágica que, a unos más y a otros menos, nos toca de cerca, les recomiendo Las fichas, seguro que su argumento no les dejará impasible.

Las fichas” se representa en el teatre Tantarantana del 13 de abril al 8 de mayo de 2011

Autor y dirección: Secun de la Rosa
Intérpretes: Sandra Collantes, Fernando Ramallo, Carmen Mayordomo, Belén Cuesta, Fran Arraez y Secun de la Rosa
Diseño de luces: Pedro Pablo Melendo
Escenografía: Daniel Sánchez “KNOWME”
Vestuario: Benjamín Márquez
Producción: Radio Rara Teatro

Horarios: de miércoles a sábados a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas.
Precios: miércoles y jueves 15 €; resto de días 18 € | previas 11 €
Duración: 1hora y 15 minutos
Idioma: castellano
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez