El Versus Teatre estrena una de las obras más emblemáticas del reputado dramaturgo canadiense Daniel MacIvor, uno de los más prolíficos del país norteamericano. In on it, dirigida por Òscar Molina e interpretada por Roger Pera y Xavi Casan, que llega a Cataluña avalada por el éxito al Festival de Edimburgo del 2000 y por los diversos galardones que ha recibido desde su estreno.
In on It está dirigida por Òscar Molina en su traducción catalana (de Gerard Vázquez) y protagonizada por Roger Pera y Xavi Casan. El secreto del éxito de In on it recae en su inteligentísima narrativa, un juego meta- teatral que consigue adentrarnos en tres realidades diferentes dentro de un mismo montaje y con tan sólo dos intérpretes y un escenario casi desnudo. Por un lado, la historia de un hombre a punto de morir que mira de hacer los últimos planes de su vida; por otro, la historia de amor entre dos amantes que miran de hacerla funcionar; y por último, dos hombres intentando crear un espectáculo. Al fin y al cabo, un ejercicio magistral de dramaturgia e interpretación que ha sido considerado el más ingenioso del dramaturgo canadiense.“In on it” se representará en el Versus Teatre del 7 de enero al 27 de febrero de 2011.
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Autor: Daniel MacIvor
Traducción: Gerard Vàzquez
Dirección: Òscar Molina
Intérpretes: Xavi Casan y Roger Pera
Diseño de iluminación: Dani Gener
Vestuario: Ximena Topolanski
Atrezo: J. Valero
Horarios: De jueves a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 18:00 horas. Precio: 16 €.
El Teatre Tantarantana estrena año 2011 con la programación de Sumergirse en el agua, una obra de Helena Tornero que trata de la juventud, de sus problemas y de sus vidas en el marco de la sociedad occidental y de «perfecto» consumo en la que vivimos.
Tomás, un joven manipulador, e Iván, un joven acomplejado y vulnerable. Ambos deciden buscar una víctima con quien saciar sus frustraciones: Josué, protagonista de esta obra que pone sobre la mesa varios de los más graves problemas que tienen nuestros jóvenes y nuestra sociedad. La inmigración, la intolerancia colectiva, la exclusión social, la aceptación de uno mismo, los traumas sociales, la violencia agazapada tras comportamientos y costumbres no tan mal vistas, las tensiones en la relación padres-hijos en nuestra sociedad de consumo. También el amor, la amistad, las lealtades peligrosas, la cobardía, la valentía y las culpas. En fin, todo un catálogo temático que con gran habilidad, sin complejos, sin trampas, y con una gran honestidad ideológica, trata Helena Tornero en esta historia basada en un hecho real, que habla de mundos paralelos y aparentemente destinados a no entenderse.
Sumergirse en el agua es un texto audaz, potente, duro, de una actualidad trepidante, pero también ético y crítico. El lenguaje es directo, seco, y contundente, pero también poético, y la dramaturgia tiene el ritmo y la construcción del cine más reciente. Y sobre todo nos hablaba tanto de nuestro día a día colectivo y social. El montaje de Factoría Teatro supone el estreno absoluto en castellano de Sumergirse en el agua, premio SGAE de Teatro 2007.
En Sumergirse en el aguaHelena Tornero te agarra firmemente la barbilla y te gira la cabeza para obligarte a mirar, para que no pases por alto este caso real, aquí llevado a la ficción. Un caso que bien podría ser objeto de los noticieros de la televisión: el “bulling”, el racismo, la aceptación o el rechazo de uno mismo, las apariencias, el que dirán, incluso toques de homofobia. Todo inserto en el plano de la vida adolescente, juvenil y familiar. ¿Qué sociedad construimos en la que un adolescente cualquiera puede llegar a matar? ¿Cómo se permite que llegue a la fase del arrepentimiento? ¿Qué sucede para que no haya vuelta atrás? No se sabe donde empezó toda esta corriente que desemboca en la pérdida de una vida joven.
Desde sus orígenes como compañía Factoría Teatro ha mantenido una doble línea de producción, montando alternativamente espectáculos dirigidos al público infantil y familiar y espectáculos dirigidos a un público adulto. Ahora quieren adentrase también en la producción de espectáculos dirigidos a la franja de público más abandonada y que más requiere de su atención como profesionales de la creación teatral: el público joven, que es también ya público adulto. Factoría Teatro es una compañía con 17 años de trayectoria. Actualmente Gonzala Martín y Salvador Sanz son la base del proyecto artístico y empresarial.
“Sumergirse en el agua” se representará en el Teatre Tantarantana del 6 al 16 de enero de 2011. Sesión previa: 6 de enero – Estreno oficial: 7 de enero
Dramaturgia: Helena Tornero
Dirección: Gonzala Martín Scherman
Intérpretes: Silvia García De Pé, Victoria Teijeiro, Chendo Lestao, Ivan Ugalde, Salvador Sanz y Giovanni Mateo
Escenografía: Arturo Martín Burgos
Vestuario: Juan Ortega
Iluminación y espacio sonoro: José Ignacio Tofé
Música original: Eric Foinquinos
Movimiento escénico: Mª Eugenia De Castlla
Producción: Factoría teatro
Horarios: jueves a sábados a las 21 horas y domingos a las 19:00 horas.
Precios: jueves 15 € – resto de días 18 € | previas 11 € Idioma: castellano. Duración de la obra: 1 hora y 10 minutos.
Cada vez más, como podemos ver en la cartelera a lo largo del año, el género musical tiene un peso mayor en la oferta teatral barcelonesa, y también madrileña, y me aventuro a decir que incluso en el resto del país. Solo hace falta ver como comparten carteles publicitarios obras como Hoy no me puedo levantar, el musical de Mecano, 40 el musical, Hair… Aún así, no todos los productos musicales de los que podemos gozar, aquellos a los que nos gusta el género, son grandes proyectos con innumerables artistas sobre el escenario, actores, cantantes, músicos y bailarines, con espectaculares escenografías y con músicas y canciones famosas y reconocibles adaptadas para la ocasión.
De esto se encargan otro tipo de espectáculos de formato más reducido que, no por menos conocidos y por disponer de un marketing publicitario menos gigantesco, desmerecen en la ambición, el buen hacer y la categoría del producto. Un ejemplo de todo esto lo representa Ara o mai, un espectáculo musical de la compañía de teatro Veus Veus que nos transporta a la vida de teatro, al espíritu que pervive sobre el escenario más allá del momento en que se desliza el telón indicándonos el final de una obra teatral.
El argumento de Ara o mai tiene como protagonista el teatro. Àlex y Cristina, director y actriz, comienzan los ensayos de una nueva pequeña obra musical que se va a representar en un viejo teatro cerrado hace años a causa de un incendio. Durante los ensayos comienzan a ocurrir cosas extrañas, paranormales, que afectan tanto a los dos protagonistas como al resto de los actores presentes. Todo dará un giro cuando un trágico acontecimiento haga cambiar el destino de Cristina, y la realidad cambie definitivamente para ella, pasando a ser la principal actriz de una compañía de teatro que, quiera o no, estará obligada a actuar todas las noches por el resto de su vida.
Ara o mai es, como ya se ha dicho, una obra de pequeño formato, aunque eso no quita para que su ambición, su trama y el resultado final sean mucho más que meritorios. La compañía Veus Veus ha puesto toda la carne (teatral) en el asador para producir, crear e interpretar un pequeño musical que nos habla, sobre todo, del teatro y de la pasión que puede generar un escenario y, casi nada más (casi nada más!!) que una buena historia. El espectáculo realiza un viaje a través de la esencia del teatro a través de algunos de sus personajes más característicos: el teatro clásico español encarnado en un capitán que recita los versos de Lope de Vega; el teatro shakesperiano que corre a través de las venas de un actor que se muere por interpretar el papel de Hamlet y un cantante de opera conocedor de todos los grandes temas del género operístico.
Pero Ara o mai no es solo un paseo por el teatro, sino que es una thriller teatral, o más bien dicho, una obra de misterio. En su trama encontraremos a pocos personajes aunque sus actuaciones no ocasionarán más que giros narrativos, sorpresas y grandes descubrimientos acerca de la historia de los actores de la compañía, del teatro e incluso de las intenciones de Àlex y Cristina. La obra, pues, mezcla, la pasión por el teatro, ese especial fluido vital que corre por las venas de cualquier actor, y todo aquello que se cuece por el interior de aquellos que se enfrentan cada día, o mejor dicho, cada noche, al alzamiento de un telón que los deja “desnudos” y solos delante del público; mezcla todo esto con el misterio, con lo entresijos propios de cualquier compañía teatral y con los arcanos y los secretos propios de una trama que no dejará impasible a nadie. Veus Veus ha logrado un acierto argumental que nos hará disfrutar de los ochenta minutos que dura la obra.
También debemos hablar de la música y de las canciones, ya que no lo olvidemos, Ara o mai es, también un musical. Veus Veus ha realizado un gran esfuerzo en su primer espectáculo dirigido al público adulto, ya que la compañía posee una larga trayectoria consagrada en el mundo infantil. Y se nota!! En la forma de actuar, en la forma de integrar a los personajes, en la forma de crear el escenario. Pero se nota de una forma positiva, de una forma candorosa, en la confección de una realidad teatral en el que el mundo de los adultos se ve, o casi se ve, desde el punto de vista de un niño, de la inocencia y las emociones propias de un niño.
Los temas musicales se han creado y desarrollado teniendo en cuenta, o eso creo yo, dos grandes géneros, que a veces, solo a veces, por su acierto y su grandeza, se pueden integrar en uno: el musical de Broadway y las películas de animación al estilo Walt Disney y de todos los otros estudios que le van a la zaga. Temas dinámicos acertados, algunos incluso cómicos, y con un “toque” de gran musical que consiguen elevar el tono del espectáculo y darle un toque de magia y de sobrenaturalidad, la necesaria e indispensable para avanzar en la trama. Una mención especial es necesaria para el tema Ara o mai, que nos muestra la delicadeza y el buen hacer de Albert Doz en la composición musical teatral.
Una buena opción musical que se mantendrá en la cartelera barcelonesa hasta el 16 de enero de 2011, y que nos puede proveer un poco, aunque solo sea un poco, de esa magia vital que todos necesitamos en estas épocas navideñas y que nos trasladará a un mundo donde el teatro y, finalmente el amor, pueden triunfar sobre la vida.
“Ara o mai” se representa en el Guasch Teatre del 17 de diciembre de 2010 al 16 de enero de 2010.
Autor y música: Albert Doz
Dirección: Gabi Doz
Intérpretes: Montse González, Noli Ramos, Albert Doz, Àlex Esteve y Jordi Font
Coreografía: Inés Moltó
Escenografía: Txus Rodríguez
Vestuario: Teresa Clopès
Iluminación: Gabi Doz y RogerGuinot
Sonido: Roger Guinot
Producción. Veus-Veus
Horarios: Jueves a las 21:00 horas; viernes y sábado a las 22:00 horas y domingos a las 19:30 horas. El día 13 de enero de 2010 no hay función. PRÓRROGA: La representación del musical Ara o mai se prorroga los días 20, 22, 27, 28 i 30 de enero de 2011.
Precio: De 18 a 20 €. Idioma: catalán Duración del espectáculo: 80 minutos.
¿Qué podemos hacer de nuestras vidas cuando el destino nos ha jugado y obstina en jugarnos una mala pasada? ¿Cómo asienten los corazones el propio fluir de la existencia humana? ¿Existe alguna forma de redimirnos de nuestra propia vida? Malfario nos propone una reflexión sobre la vida y sobre los sueños que mueven a las personas para intentar cambiarla y mejorarla.
Una fuga de la cárcel. Pipo acaba de escaparse de prisión. Corre angustiado por las calles de la ciudad perseguido por las sirenas de la policía. Asustado, desesperado y herido se esconde en un piso desocupado. Miranda se gana la vida como prostituta, aunque no se la gana bastante bien, y cuando regresa a su casa descubre a Pipo en su interior. Lo que comienza con amenazas, insultos y golpes se convierte con el paso de las horas y de los días en una historia de desamor y con el tiempo, en una promesa de esperanza.
Malfario es un claro intento teatral de hablar sobre la vida, sobre las situaciones vitales que cualquiera de nosotros nos podemos ver obligados a vivir. De los vericuetos existenciales que la situación de cada uno de nosotros nos puede obligar a experimentar. Una historia, al mismo tiempo, de los sueños que nos hacen “tirar adelante” que nos permiten ser tan fuertes como la vida nos exige.
Miranda es una prostituta que sueña con un “salvador”, un Robert Redford (visualizado como el personaje caballeresco de El gran Gastby o el Richard Gere de Pretty woman) que la retire de su mundo de miserias, y con el que poder comenzar una nueva vida lejos de la prostitución y de los bajos fondos de la ciudad, personificados en el tendero del barrio que la acosa constantemente. Pipo es un pequeño delincuente que malvive en la ciudad, en esos bajos fondos de los que Miranda quiere huir. Su sueño es poder escaparse al Brasil, donde su nueva vida sonará a ritmo de salsa, de las fiestas y del calor tropical. Dos sueños irrealizables, o poco materializables, que mantendrán a ambos personajes con vida en un mundo donde la esperanza hace tiempo que desapareció. Unos sueños que intentarán llevar a la práctica el uno junto al otro, como la última posibilidad que les ofrece el destino para cambiar sus vidas e intentar ser y vivir lo que realmente quieren ser y vivir.
Malfario es, como su nombre indica, una historia dura y emotiva. La obra, ganadora del Premio Votación Popular de la 15ª Mostra de Teatre de Barcelona, pone en escena un espectáculo doloroso, desesperado e incomodo. Nos muestra dos vidas desesperadas y casi desahuciadas que intentan soñar, o lo que es lo mismo, vivir su sueño. La vida de Miranda se mueve entre sus “servicios profesionales”, de los que seremos testigo en una memorable y directa escena «musical», y su pequeño piso. La vida de Pipo entre la violencia, la delincuencia y los atropellos. No poseen nada pero, como la mayoría, lo quieren todo, quieren poder cumplir sus sueños, aunque estos sean pequeños, como los que todos nosotros poseemos e intentamos hacer realidad día a día, y que nos permiten mirar al mañana con la fuerza interior necesaria para enfrentarse a él, y vencerlo la mayoría de las veces.
Dos interpretaciones descarnadas las de Diana Bello y Daniel Pedrero Bernal, dos interpretaciones duras que nos permiten entender lo extrañamente normales que son las vidas de Pipo y Miranda. Dos interpretaciones que no necesitan una gran escenografía, tan solo de algunos elementos de attrezzo que nos permitan visualizar el apartamento de Miranda, el lugar donde transcurre la mayor parte de la acción de la obra, y de una pantalla que nos facilita la realización de un viaje físico y espiritual a través de las penurias del alma humana, de las penurias de dos personajes que lo único que desean hacer desesperadamente es vivir una vida feliz, algo que no está al alcance de todos, y menos en una sociedad tan “perfecta” e “inmejorable” como la nuestra.
«Malfario» se representa en el Teatre del Raval del 9 de diciembre de 2010 al 9 de enero de 2011.
Autor: Antonio Onetti
Versión y dirección: Montse Móstoles
Actores: Daniel Pedrero Bernal y Diana Bello
Producción: Viridiana
Horarios: De jueves a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 19:30 horas.
No hay función el 31 de diciembre.
Funciones especiales de Navidad: Miécoles 22 y 29 de diciembre a las 21:00 horas. Precio: Jueves 16 € y viernes, sábados y domingos 18 €. Duración de la obra: 90 minutos. Idioma: castellano.
El pasado 15 de noviembre dio inicio la actividad escénica, formativa y cultural de PORTA 4, un nuevo espacio dedicado a la producción y exhibición de las artes escénicas de pequeño formato en el barrio de Gràcia.
PORTA 4, además de ser sala escénica también será un espacio dedicado a la formación y nace con la voluntad de ser un espacio que de cabida a los creadores que residen en Barcelona y ser una clara apuesta por la innovación escénica, el riesgo y la experimentación. Situada en el barrio de Gracia de Barcelona, se quiere dedicar a la producción y exhibición artístico-cultural en general y a las artes escénicas, en particular. PORTA 4 tiene un claro interés en fusionar lenguajes y disciplinas bajo la premisa de la experimentación, el riesgo y la calidad.
La sala abrió sus puertas hace un tiempo (sobre todo inició su actividad con la escuela de teatro) y una vez reformada y con nuevo nombre (en sus inicios era la Sala OFF), PORTA 4 inició una actividad propia el pasado 15 de noviembre.
El equipo de Porta 4 está encabezado por Verónica Pallini (directora) y lo completan Elena Fortuny (actriz y profesora de PORTA 4), Eva Hibernia (autora, directora teatral y profesora de PORTA 4), Helena Cabo (profesora de PORTA 4), Juan Urraco (profesor de PORTA 4), Mónica Van Campen (actriz y profesora de PORTA 4), Marta Gil Polo (directora teatral y profesora de PORTA 4) y Assun Planas (actriz y profesora de PORTA 4).
El nuevo espacio Porta 4 está situado en la calle Esglèsia, núm. 4, en el barrio de Gràcia.
No som res, la vida y la muerte desmenuzada desde el punto de vista del humor más característico de Carles Xuriguera y Rafel Faixedas, ex componentes de la compañía de teatro Teatre de Guerrilla.
Durante algo más de dos semanas el SAT! Teatre nos ha propuesto, dentro de su programación BCN Espectacle, el nuevo espectáculo de humor de los componentes, o mejor dicho, de los ex-componentes de la compañía Teatre de Guerrilla, un road movie teatral que nos lleva, a raíz de un pequeño percance en la carretera, a realizar un pequeño viaje a través de la vida y de la muerte, y de los componentes sociales y familiares que rodean a ambas.
Dos primos se quedan tirados en la carretera cuando se dirigían al entierro de su abuelo. El contratiempo, que provoca la discusión entre los dos primos, les obliga a realizar el viaje a pie, lo que les permitirá hablar, discutir y conocerse un poco mejor y llegar a la conclusión de que No som res.
Un recorrido, sí, pero no tan solo el físico, que también lo harán, sino a través de la vida y de la realidad que nos rodea a todos. Carles Xuriguera y Rafel Faixedas se meten en la piel de dos personas normales (¿normales?) a las que la vida, o mejor dicho, la muerte, les da la oportunidad de volverse a encontrar y re-conocerse. Uno de ellos, el “triunfador” abandonó a la familia y el pueblo donde vivía y trabajaba para iniciar una nueva vida. El otro, al que siempre se le ha considerado algo “anormal”, se quedó en la casa familiar, y ha llevado a cabo una vida apartada de los lujos y los convencionalismo que la sociedad y la familia le han intentado imponer desde pequeño.
El desafortunado reencuentro “in itinere” les proporcionará a cada uno de los primos la oportunidad de conocer al otro, de conocer a la persona y sus razones, aunque a veces sea a través de insultos e improperios varios, y reencontrase con las vergüenzas y las tristezas que esconden, de bien seguro, todas las familias, y que se basan y se originan en los intereses, siempre en los intereses, que todos mantenemos y deseamos en esta vida.
La infancia de los dos primos, las experiencias sentimentales y sexuales de ambos, la herencia del abuelo, el trabajo y las responsabilidades en la empresa familiar, la higiene y el orden vital de los dos primos… todos estos temas y más irán saliendo a lo largo de la hora y veinte minutos que dura el espectáculo, que no solo arrancará más de una carcajada del público, sino que nos hará pensar, algo básico en el teatro, y resituar la acción en nuestra propia experiencia vital y familiar, y nos permitirá descubrir como a veces la realidad que nos rodea es más artificial y más irreal que la propia existencia, y como la visión y la opinión que tenemos de los otros se basa, las más de las veces, en nosotros mismos más que en los demás.
La propuesta escenográfica de la obra es digna, también, de ser referida en la parte final de esta reseña. El camino que han de recorrer los dos primos a través de su viaje de conocimiento se resuelve de una forma sencilla: dos cintas de gimnasio situadas en paralelo permitirán a los dos actores simular el camino, a lo que ayuda una gran pantalla audiovisual que permite mostrar, aunque de forma bastante esquemática (no son los paisajes lo que interesa), los lugares por los que avanzan los dos primos. ¡¡Incluso la simulación de una tormenta tendrá lugar durante el espectáculo!!
Ya por último solo me queda hablar de la actuación de los dos únicos actores de la obra: Carles Xuriguera y Rafel Faixedas. Los dos ex-componentes de la Compañía Teatre de Guerrilla nos ofrecen un espectáculo muy en línea con su trayectoria teatral anterior, en la que la conversación filosófico-vital, las salidas inesperadas, los gestos, y un sentido del humor muy peculiar sazonan el texto del espectáculo y en la que el director, Francesc Serés, les ha permitido seguir evolucionando teatralmente en un camino muy definido y marcado, un espectáculo que encaja como guante a la mano para la compañía Xuriguera/Faixedas, y que hará las delicias de aquellos que conozcan la trayectoria de Teatre de Guerrilla.
Tendremos que esperar, sin embargo, y ver que nuevos proyectos nos presenta la nueva marca teatral en el futuro.
“No som res” se representó en el SAT! Teatre del 19 de noviembre al 6 de diciembre de 2010.
Autor: Francesc Serés
Intérpretes: Carles Xuriguera y Rafel Faixedas
Asesoramiento artístico: Hans Ritcher
Luces, sonido y efectos: Cesc Pastor, Dani Tort y Jordi Vilà
Música: Dr.Mashirito y Sanjosex
Diseño pantalla: Miquel Casals y Ernest Forts
Compañía: Xuriguera/Faixedas
Horarios: Jueves y viernes a las 21:00 horas; sábados a las 21:30 horas y lunes y domingos a las 18:30 horas. Precio: 16 €. Idioma: Catalán Duración de la obra: 1 hora y 20 minutos
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El Teatre Tantarantana programa del 15 al 19 de diciembre Flotando en el espacio, un viaje estelar público hacia lo más profundo e íntimo del ser humano.
El 4 de febrero de 2008, a las 00:00 UTC, la NASA transmitió al espacio exterior la canción de los Beatles «Across the Universe» en dirección a la estrella Polaris, que se encuentra a 431 años luz de la Tierra. La transmisión fue realizada desde el DSN’s Madrid Deep Space Communication Complex localizado en las afueras de la capital española. Esta emisión se realizó con motivo de 40º aniversario de la canción, el 45° aniversario de la Deep Space Network (DNS), y el 50o aniversario de la NASA. La idea fue concebida por el historiador de los BeatlesMartin Lewis, quien invitó a todos los fans del grupo a reproducir la canción como si fuera a ser enviada a una estrella distante.
Años más tarde, dos astronautas conviven en una estación faro, anclada en el espacio, con la misión de recibir y decodificar todo tipo de mensaje que se capte en el espacio, realizada por cualquier tipo de inteligencia extraterrestre, como respuesta a la emisión beateliana. Dieciocho años en el espacio han contribuido a que estos personajes hayan desarrollado una vida virtual y unas personalidades ocultas. Dieciocho años lejos de la realidad.
Como contrapeso a este mundo etéreo, los mensajes que los familiares de estos astronautas envían a sus seres queridos, son el recuerdo plomizo de una Tierra imposible, un lugar donde todo pesa. Un divorcio, los cumpleaños terrestres del hijo, los contactos por internet, el sexo virtual y las comunicaciones con la Tierra, envueltas en un enrevesado mélange, son las únicas relaciones que estos dos hombres pueden llevar a cabo en este espacio ingrávido.
Pero los acontecimientos se desencadenan. Ningún descubrimiento espacial novedoso provoca la explosión, ningún mensaje indescifrable contribuye a que todo cambie, ni tampoco la prueba de la existencia de una inteligencia extraterrestre contribuye al trastorno, sino que los celos y la envidia, algo tan humano, son los que desencadenan la tragedia. Y quizás también la lujuria, la ira o la avaricia. Aunque también, es probable, que sea el miedo.
Flotando en el espacio nació como una imagen en la que se resume y metaforiza al hombre contemporáneo de Occidente. Un hombre que deambula por la vida sin ancla ni encadenamiento a una cultura o una tradición en la que crea. El hombre contemporáneo, ateo y descreído, es incapaz de creer en su propia cultura y en sus propios mitos, por lo que tan sólo puede aferrarse a la realidad. Pero esa realidad, al no ser estructurada por una ficción o una creencia, se derrumba en lo real en estado puro.
Lo único creíble para el hombre occidental es lo que deja huella en su cuerpo, lo que deja rastro en su carne: El sexo, el dolor y la muerte. Flotando en el espacio no pretende ser otra cosa que un reflejo y un comentario sobre el camino que toman los hombres de nuestra cultura. Flotando en el espacio es un simple análisis de ciertas costumbres que nuestros contemporáneos realizan en privado y que aquí exponemos a la luz pública de una manera, quizás, obscena, según pensaban los antiguos clásicos griegos.
“Flotando en el espacio” se representa en el Teatre Tantarantana del 15 al 19 de diciembre de 2010.
Autor: Luis Miguel G. Cruz
Dirección: Luis Miguel G. Cruz
Intérpretes: Chema Ruiz Rosario Gonzaga, Jorge Baião, Daniel Martos, Oren Moreno y María Marrafa
Iluminación: Miguel Ángel Camacho
Escenografía y vestuario: Silvia De Marta
Coreografía y movimiento: Elena Pérez
Compañías: Teatro del Astillero (Comunidad de Madrid) y CENDREC (Evora, Portugal)
Horarios: Miércoles a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 19:00 horas. Precio: miércoles y jueves 15 €; resto de días 18 €; previas 11 €. Idioma: castellano y portugués. Duración de la obra: 1h 50 min.
La compañía Guillem Albà y la Always Drinking Productions nos proponen un viaje musical, divertido y cargado de amor y humor para estas navidades con el estreno del espectáculo Flirt.
Con FLIRT vuelve el showman que ya conocimos con el primer espectáculo de Guillem Albà (“Sketchofrenia”) y el universo de un antihéroe inquieto y divertido. Y vuelve también a los escenarios la increíble calidad musical de la Always Drinking Marching Band. Más clown. Más música. Más Guillem Albà.
Esta es la última oportunidad que se da Marcel para encontrar a su amor. Ha creado un espectáculo para enseñar y enseñarse. Para mostrar su manera de ser, pensar y vivir. A través de escenas, cartas y canciones viajaremos con este joven antihéroe a la búsqueda del amor. ¿Quién sabe? Quizás hoy, cuando le conozcas, te enamoras de él…
FLIRT es un espectáculo que tiene como cimientos el HUMOR, la MÚSICA EN DIRECTO y el AMOR. Un montaje que nace de la fusión entre el talento de actor y clown de Guillem Albà y la calidad musical y la versatilidad interpretativa de los músicos de la Always Drinking Marching Band. En escena encontramos a los seis músicos de la Always Drinking y el actor y clown Guillem Albà. Todos ellos dirigidos por el reconocido autor, actor y director Jordi Purtí, conocido en el mundo del teatro y el humor. La dirección musical la firma Víctor Bauzà.
Con FLIRT, el espectador puede disfrutar con la interpretación del joven clown, acompañado por seis músicos de lujo, con una larga experiencia sobre los escenarios, que entran a jugar en la parte interpretativa. Sus intervenciones, pensadas y ejecutadas en favor del juego del actor, les convierten en agentes activos de la vertiente dramática.
La idea original de montar “Flirt” surge cuando Jordi Purtí y Guillem Albà se reencuentran en la Sala Muntaner de Barcelona, durante el otoño de 2009, en la segunda temporada de Sketchofrenia en la ciudad. Enseguida se entienden, tanto a nivel humano como artístico, y comienzan a trabajar en la creación de este nuevo proyecto. Jordi Purtí en la creación y la dirección, y Guillem Albà en la creación y la interpretación.
La reconocida trayectoria como autor, director y actor de Jordi Purtí, y la confianza depositada en el actor, animan aún más las ganas de Guillem Albà de tirar adelante un espectáculo de humor con música en directo. Cuando se confirma que la banda del espectáculo será la Always Drinking Marching Band, Víctor Bauzà coge las riendas de la composición y dirección musical, acabando de forjar así el triángulo artístico de este nuevo trabajo.
“Flirt” se representará en el SAT! Teatre del 17 de diciembre de 2010 al 9 de enero del 2011.
Autores: Jordi Purtí y Guillem Albà
Dirección: Jordi Purtí
Música y Dirección Musical: Víctor Bauza
Intérprete: Guillem Albà
Músicos: Always Drinking Marching Band
Dirección técnica y Diseño de iluminación: Oriol Ibáñez
Diseño escenografía, títeres y máscara: Alfred Casas
Construcción y Vestuario: L’Estaquirot Teatre, Alfred Casas, Rosa Maria Coca y Wilja Family
Audiovisuales: Pere Roure
Coproducción: Guillem Albà y Always Drinking Marching Band
Horarios: Jueves y viernes a las 21:00 horas; sábado a las 21:30 horas y domingo a las 18:30 horas.
26 diciembre, función a las 20 horas
24 y 31 diciembre y 6 enero no hay función
Precio: 16 € Idioma: multilingüe Duración del espectáculo: 75 minutos sin pausa
La Sala Muntaner prorroga el espectáculo de teatro cabaret Callejeras de la compañía Bitxos Teatre hasta el próximo 9 de enero.
Callejeras es una refrescante combinación de teatro, comedia y cabaret, en la que sus protagonistas inician un viaje hacia la búsqueda de su identidad como mujeres guiadas por su luz interior, «el camino del amor», consiguiendo hacer cómplices a las especta-actrices y a los especta-actores de esta búsqueda y compartiendo con ellos su vida cotidiana dentro de este Cabaret.
El público se adentra en este especial Cabaret y el espectáculo ya ha comenzado: las músicas tocan una canción de bienvenida; «Michela» la maestra de ceremonias observa a los Especta-actores; «Priscila» recoge las chaquetas de los asistentes con su «burra»; «Josefa» sirve una copita de cava y con una entrada huracanada llegan las «Vedetes» del cabaret «Estrella«, «Miranda» y «Mimi«, para iniciar todas ellas un viaje hacia la búsqueda de su identidad como mujeres e iluminadas y guiadas por su luz interior encuentran al fin su camino: «El camino del amor y de la vida».
Callejeras nace de la necesidad de sus autoras, Rosa Saez, Tania Martínez y Cristina Baeza de escribir historias que hablen de la mujer actual y de algunas de sus problemáticas en una sociedad en la que existe un machismo dominante. Pero más allá de hacer una reflexión sobre la sociedad actual y el papel que la mujer tiene dentro de ésta, Callejeras acerca al espectador a una reflexión humana a través de sus personajes abordando temas como la mujer esclava de sí misma y siempre en la búsqueda del amor ideal que nunca llega, la mujer frente a la vejez y la mujer frente a la maternidad. Los personajes femeninos de Callejeras ayudados por Venus, la diosa del amor y de la vida, llegan a un mensaje positivo y optimista, en el que encuentran el camino del amor.
“Callejeras” se representará en la Sala Muntaner hasta el próximo 9 de enero de 2011.
Autor: Cristina Baeza, Tania Martínez y Rosa Sáez.
Dirección: Cristina Baeza
Dirección musical: Elena Montané y Anna Fité
Intérpretes: Angie Savall, Athenea Mata, Judith García, Julia Agudo, Tania Martínez y Vanessa Buchaca
Compañía: Bitxos Teatre
Horario: De miércoles a sábado a las 22:45 horas y los domingos a las 20:30 horas. Precio: Miércoles y jueves, 14 €; de viernes a domingo, 16 €. Idioma: castellano Duración del espectáculo: 90 minutos
El Versus Teatre programa durante la segunda quincena de diciembre dos obras para ofrecer un contrapeso de género a la cartelera navideña, El último beso, un pequeño drama que trata sobre la eutanasia y La mort i la donzella, una nueva adaptación sobre la obra del dramaturgo chileno Ariel Dorfman.
El último beso, de Jerónimo Cornelles.
En la Unidad de cuidados intensivos de un extraño hospital, Erika, mujer de Xandro, reza sin ser católica esperando uno de esos milagros imposibles que a veces suplicamos los ateos. La aparición repentina de Laura, una transexual con un extraño traje de hada reclamando algo que le pertenece, hará que este milagro pase a ocupar un segundo plano, pues hay cosas, quizás más importantes, que sólo pueden solucionar los vivos. Alrededor de estas dos mujeres Noemí, una psicóloga tetraparética espasmódica que intentará ayudarlas ante la difícil situación en la que se encuentran, formando sin ser consciente, un delicado triángulo.
Bramant Teatre es una compañía fundada en 1998 y que en la actualidad está formada por Jerónimo Cornelles, Teresa Crespo y Maria Minaya. Interesados en investigar nuevas formas de explicar historias y en colaborar con artistas de diferentes ámbitos y procedencias, Bramant Teatre apuesta por las producciones de «autor y acción» y trata de innovar con productos escénicos de calidad para todos los públicos.
«El último beso» se representará en el Versus Teatre del 14 al 19 de diciembre del 2010
Autor y Director: Jerónimo Cornelles
Intérpretes: Teresa Crespo, Carme Juan y Maria Minaya.
Compañía: Bramant Teatre
Horarios: De martes a sábado a las 21:00 horas y los domingos a las 19:00 horas. Precio: 16 € Idioma: castellano Duración de la obra: 1 hora y 15 minutos.
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La mort i la donzella, de Ariel Dorfman.
Durante la existencia de un régimen opresivo, Paulina Salas ha sido torturada por sus captores. A pesar del trauma, no delata a su novio Gerardo Escobar, que participa activamente como insurgente al régimen, siendo editor de un diario clandestino. Más tarde contraerán matrimonio y se asentarán en la costa.
Un día Gerardo tiene problemas con uno de los neumáticos de su automóvil y es llevado a casa por un hombre desconocido. Una vez en casa, Paulina reconoce la voz del desconocido como la de su torturador. Deberá confiar en su oído, porque en las torturas llevaba los ojos vendados, y en evidencias descubiertas en el momento para hacerlo confesar y al mismo tiempo convencer a su incrédulo esposo.
El torturador de Paulina escuchaba el cuarteto de cuerda La muerte y la doncella de Franz Shubert durante los abusos; de ahí el título.
“La mort i la doncella” se representará en el Versus Teatre del 21 al 29 de diciembre de 2010.
Autor: Ariel Dorfman
Dirección: Aleix Rengel Meca y Teresa Canas
Intérpretes: Aleix Rengel, Jaume Mimó y Marta Bayarri
Compañía: In-fusió Teatre
Horario: Martes y miércoles a las 21:00 horas Precio: 12 € Duración de la obra: 1 hora y 20 minutos
Idioma: catalán
Culturalia 
