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Cine

Fire!’14: Somos héroes

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Salvar vidas ajenas tiene cada vez menos mérito en el panorama cinematográfico: Hay tal concentración de superhéroes en las pantallas comerciales, que se han visto obligados a luchar juntos y a compartir títulos de crédito para el sacrificio de su orgullo de estrellas así como de su misérrima condición de peleles afranquiciados.

Pero sucede que aún queda mucho individuo por salvarse de la condena de ser infeliz. Los motivos no suelen ser el ataque indiscriminado de ningún malvado en mallas dilatadas. No. Las razones las encontraríamos más bien en la torpeza a la hora de luchar por vivir.

Para estos casos (a menudo alarmantes), las salas de proyecciones independientes tienen la solución: Mostrar impúdicamente historias de superación personal. También de crecimiento emocional. Incluso de destrucción sentimental. Todas requieren un elemento valioso: el apoyo de los demás.

La 19ª Mostra Internacional de Cinema Gai i Lesbià es una de esas plataformas. Desde ella, conocemos la historia de Eugenio y Martín, halcón y paloma sobrevolando un insignificante paraíso situado de forma algo azarosa en un HAWAII argentino de textura maravillosa por sus tonos pastel, la nitidez de su enfoque y la mágica ocurrencia de contar sus aleteos desgranando los detalles nimios más hermosos de la convivencia. Marco Berger da a su público una obra delicada que vuelve a la infancia a través de los ojos inocentes de Mateo Chiarino y la tierna conspiración de Manuel Vignau. Aunque la película magnifique sus defectos (el exceso de primeros planos y su recreación expositiva delata continuamente la inexperiencia de los intérpretes), triunfa entre el espectador por su capacidad de construir un espacio propio, acogedor e idílico.

Con mayor garra aterriza DVOJINA (“Dual”), encantador cuento esloveno aunque algo prolijo porque su historia se hubiese contado mejor como cortometraje. Lo que hace especial este trabajo es el esfuerzo por convertir a su anodina protagonista, Tina (gozosa Nina Rakovec), que declara a su enamorada al inicio que “no hay nada que contar sobre mí. Solo soy nada”, en una aventurera de su propia vida. Nec Gazvoda juega con ella y con los seres que le rodean a llevarles a su emancipación emocional y lo que en el argumento supondría un cúmulo de situaciones cotidianas de poco calado, en este caso resulta destacable por la ausencia de pretenciosidad y la habilidad del guión al retratar a unos personajes casi genuinos (emotiva la relación de la protagonista con su padre, que evoluciona prodigiosamente en un espacio de tiempo mínimo) si exceptuamos al pelmazo “mariliendro rompeduendes”.

Un poco más valiente es la propuesta de Tom Shkolnik, THE COMEDIAN, cuyo perfume setentero y tono de falso documental conceden un verismo reseñable al bloqueo existencial de Ed (notable Edward Hogg), perdido en la nada de una rutina salpicada de color (entrañable su novio Nathan Stewart-Jarrett, conmovedora su mejor amiga Elisa Lasowski) que él se empeña en embadurnar de gris. Curiosamente, y en este sentido se distingue de manera especial la obra de Tom, la causa del conflicto no es la homosexualidad del protagonista, que aquí resulta ser lo único asumido de forma satisfactoria por el apesadumbrado Ed. Este “comediante” deja un poso de melancolía venenosa para la taquilla pero necesaria a la hora de invitar a la reflexión sincera sobre la crisis de la incipiente vida adulta.

Y unos breves apuntes para la breve contribución de Marco Laborda con THE DAZZLING DESTINY, borrador sobre un intento de suicidio pasional lastrado por su narcisismo audiovisual pero de factura indie-hipster jubilosa y pegajosa.

 Por Juan Marea

La 19ª Mostra Internacional de Cinema Gai i Lesbià se celebra en el Institut Francès de Barcelona hasta el domingo 13 de julio.
http://www.cinemalambda.com/

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Teatro

“Cels” de La Perla 29: Intriga atemorida

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celsCom més irresoluble és un problema, més coneixem la resposta. Ho diu en Wajdi Mouawad a Cels i des del bocí de terra on sigui que ens trobem ara tenim dues opcions: O bé reservem una mica d’espai a la nostra ment per pensar-lo i ens alliberem o bé permetem que la incògnita ens eclipsi i llavors serem més manipulables.

Mouawad és invocat a la Biblioteca de Catalunya a través de la claustrofòbia provisional d’un equip de salvadors mundials que, paradoxalment, es troba aïllat en un cau de coordenades ocultes. Aquest grup d’elegits empresonats haurà d’esbrinar els detalls d’un atemptat que ja ha començat a cobrar-se víctimes entre ells. La intriga que se’n deriva servirà per intensificar les tensions internes, per atrapar l’espectador, i fins i tot per plantar la llavor d’un debat que podria germinar després.

Però les mesures de seguretat escrupolosament adoptades no poden impedir la presència d’un infiltrat: el transcendentalisme, sempre vistós però sovint intrús. Mouawad fa créixer aquest membre de l’escamot concebent uns personatges esquemàtics que lluitaran al llarg de la representació per esdevenir prototipus però que només de manera excepcional desprenen un alè semblant al vital i curiosament són aquells amb presència escènica diferida: el desaparegut Valéry (contingut Carles Martínez), poeta de la informàtica; i el Victor, fill que desperta a la sensibilitat artística institucional (desimbolt Àlex López). Més l’agent burocratitzat Vincent (estrident Ernest Villegas), contrapunt necessari.

Mouawad vol parlar de la naturalesa artística de la immolació davant la crueltat del Sistema Polític Hegemònic Globalitzat, s’entusiasma tractant la indefensió de sentir-nos envaïts per les veus crítiques, i s’encén incitant al poder de la intuïció com a defensa contra l’obediència a l’autoritat. Però pretén ajustar aquests temes de magnitud gegantina amb la petitesa d’exposar les dificultats individuals exterioritzant les emocions pròpies quan hom és el mer apèndix d’un grup. No content amb això, s’anticipa a mostrar la seva visió apocalíptica de la Societat com a conseqüència de la incapacitat de pensar-se amb termes de solidaritat i sensibilitat.

El llistó està tan alt que el seu treball no assoleix l’equilibri indispensable per a què pugui superar l’anècdota argumental ni tampoc qualli el seu vessant discursiu de reflexió temàtica. Perquè Mouawad no considera prou valuosa la intriga dosificada al llarg de la història tot utilitzant-la com a pretext per a enlairar-se en l’etèria atmosfera del pensament polític. I precisament és el misteri que circula pel firmament del seu treball el que eleva l’interès de l’espectador. Quan el text recorre la seva recta final i es produeix l’explosió ideològica, el públic lluita per no caure colpejat al terra.

Oriol Broggi pren el relleu i dóna forma al Manifest. Amb coherència i posant-se al servei de la seva doble condició: com a exercici de suspens i com a apunt per a la discussió.

Quant a la primera faceta, estructura el joc interpretatiu mitjançant el diàleg constant amb les veus exteriors provinents de les furibundes xarxes socials. I oposant a la claustrofòbia dels protagonistes (cadascú a la seva cel·la –cambra i immobilitzat per les respectives misèries personals; i tots cinc reunits al voltant d’una taula mai conciliadora) l’esplendor de les pantalles reproductores de seductora internacionalitat, de dades en permanent encadenament i d’intimitat familiar, assoleix un grau d’efectisme molt atractiu. No demostra, en canvi, la mateixa habilitat en la direcció d’actors, paralitzats per un dramatisme de vegades irritant i d’altres, acovardits per la concisió acadèmica. D’entre ells, Xavier Ricart aixeca la mà esporàdicament i demostra entendre que està jugant a sobreviure i els moments de diàleg amb el seu dòcil fill obren escletxes d’humanitat quotidiana.

Pel que fa a l’aspecte dogmàtic, a l’edèn de Broggi no flueixen els núvols de la suggestió ni tampoc els raigs i trons de la polèmica, de tan servil que resulta ser al Totpoderós Mouawad.

Per Juan Marea

“Cels” es representa a la Biblioteca de Catalunya fins al 27de juliol.
http://www.laperla29.com/espectacle/111

Teatro

“Merda d’artista” al Teatre Poliorama: No estireu la cadena!

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L’impuls de defecar és, a banda d’una necessitat fisiològica, una tendència defensiva individual cada cop més generalitzada: Ens caguem en tot. I ho solem fer tan convençuts que moltes vegades ni tan sols ens preocupem de netejar-nos bé el cul.

Heus ací el trajecte d’un artista visual que anava d’alternatiu i que no pogué escapar de les seves tenebres. En Piero Manzoni vivia amb tant d’entossudiment la seva concepció de l’art com a instrument per sacsejar consciències que va decidir signar la seva darrera obra (revalorada, és clar, de manera pòstuma) envasant al buit la seva pròpia femta tot aplicant el principi següent: Si l’art és una merda, la merda ha de ser art.

 

I ara empudeguen l’escenari del Poliorama els responsables d’aquella joia d’encisadora bijuteria que va ser “Pegados” amb el detall dels darrers dies d’intensitat intestinal d’en Manzoni, embolcallats de la lluentor de l’or. Si al seu anterior espectacle van brillar amb la frescor d’una distingida senzillesa, “Merda d’artista” és un luxós entreteniment d’escenografia enginyosa, vestuari exquisit i cinc actors entusiastes i excepcionalment compenetrats: Tres femelles magnífiques (sublim Gemma Martínez com a marxant càustica i múltiplement intoxicada; elegant Xènia Reguant interpretant el submís i desenganyat descans del guerrer; i deliciosa Nanina Rosebud amb els dits secs, molt secs, d’una caputxeta vermella periodista) més dos mascles que saben rondar-les amb gràcia (un vigorós Frank Capdet com a fracassat pintor abstracte i, finalment, el turmentat Piero, a qui dóna presència un Ferran González sensible però un pèl afectat).

Tots cinc (amb la col•laboració sorprenent i eficaç d’en Joan Miquel Pérez com a pianista sarcàstic molt eixerit) formen un equip indestructible quan desfilen plegats a l’escenari alternant comicitat ocurrent i dinamisme coreogràfic. És llavors quan “Merda d’artista” demostra orgullosa que ja tenim Musical a Barcelona per a la propera temporada. Perquè la versatilitat dels intèrprets actuant, cantant i ballant juntament amb la màgia que reparteixen per tota la platea és d’espectacle de primer nivell.

Només grinyola la proposta en aquell aspecte que, paradoxalment, pretén ser el seu leitmotiv: la banalitat. La del Món de l’Art, que fa mites vivents de cretins mediocres. La dels compradors de les seves obres per esnobisme patològic. Però també la de la dramatúrgia, que estira la lleu trama argumental fins a extrems gairebé ridículs, forçant situacions divertides amb la intenció de donar volada a una història merament anecdòtica perquè no arriba a desenvolupar els seus aspectes dramàtics. Els autors (els propis González i Pérez) equilibren aquestes limitacions amb un joc metateatral constant molt eficaç i sobretot amb uns números musicals que en algunes ocasions són gairebé excel•lents (el que executa molt originalment González amb el vàter còmplice; el que dóna títol a l’obra, d’un optimisme encomanadís; l’hilarant que explica la Història de l’Art, proper al “Prehistoric Man” de l’”On the town” de Gene Kelly i Stanley Donen; l’irresistible joc de seducció d’una carismàtica Martínez a una acovardida Reguant o el fabulós tango on la no tan ximpleta periodista Rosebud confessa que se sent com una meuca al seu «nou client»); d’altres, encisadors (el treball en equip a l’hora de preparar la “Gran Obra”; el de Reguant i Rosebud mentre esperen impacients un mateix amant, que recorda molt a “Nine” de Maury Yeston; la celebrada proclamació als quatre vents de la colossalitat de l’art per Capdet) i algun altre impressionant per la seva sinceritat (el crit punyent de Manzoni-González atrapat en el seu patiment per la mort de l’etern rival).

Acabo amb ferum de la bona: La merda compartida pot ser un elixir miraculós. Per al gaudi de l’esperit i per a l’elevació de l’ànim. I aquí tenim companyia de la bona.

Per Juan Marea
“Merda d’artista” es representa al Teatre Poliorama fins al 27 de juliol.
http://www.teatrepoliorama.com/ca/merda-dartista-el-musical/

MIERDA-DE-ARTISTA2Artistes que fan  esplèndida pudor

 

Teatro

“8 veces te dejo” en La Seca-Espai Brossa: Puños y dulce de leche

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Te quiero a pesar de tus boludeces, que son muchas.
Te amo pero me ahogo cada vez que me acercas al pelotudo compromiso.
Somos Laura (ingenua, tierna y nada rencorosa) y Steven (tiburón, inmaduro y manipulador impenitente).
No podemos vivir el uno con el otro.
Así que metámonos en este tentador quilombo de la vida en pareja.
¿Queréis conocernos en el ring?

Gabriel Beck, ese loco a quien nadie lograba poner la camisa de fuerza en el Teatre Romea hasta hace unos días, acapara honores ahora en La Seca recurriendo a un doble juego: Dirige y protagoniza “Ocho veces te dejo” un producto refrescante escrito por Elvira Gómez de pequeñísimo formato para dos boxeadores emocionales, un árbitro narrador que anima los asaltos y una grada de espectadores ávidos de invertir el KO inevitable en apañado OK.

Lo que Beck ha organizado no es más que un nuevo ejemplo del inestable paisaje sobre la convivencia semimatrimonial entre Adán Con Taparrabos y Eva Oculta En La Maleza Del Deseo, La Constancia y La Prudencia. O sea, que no nos vale como hembra turbadora ni malintencionada. De este modo, su Machito puede tomar el fruto prohibido directamente. Y lo hace en forma de rupturas múltiples. Para coleccionar después reconciliaciones victoriosas.

La trama de Gómez es convencional y está trufada de lugares comunes. Así puede soltar su incontinencia expresiva y facilitar a su compañera (sensible María José Cordonet Castagneto) una apetitosa delicadeza interpretativa. Gabriel, además, exhibe con soltura un carisma escénico agradecido. Y finalmente obtiene sus mejores resultados cuando los personajes interactúan con el conspicuonarrador (algo envarado Lautaro Correa) deteniendo la acción para analizar su transcurso, los efectos del juego escénico y despertar de vez en cuando al público del letargo canicular.

Las continuas situaciones jocosas que provoca la transformación del narrador omnisciente en interlocutor de los díscolos Laura y Steven señalan momentos hilarantes y airean el discurso apolillado de la historia. Esto, junto a la simpática química (si la ciencia se congraciase con la empatía emocional) que desprenden los protagonistas, distinguen las ocho veces mencionadas de tropecientas rupturas exhibidas en los escenarios del Mundo y de millones de tragedias familiares domésticas.

por Juan Marea

“8 veces te dejo” se representa en La Seca-Espai Brossa hasta el 6 de julio.
http://www.laseca.cat/es/obra/70/8-veces-te-dejo–elvira-gomez/

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 La insoportable eternidad de estar juntos

Teatro

“Fugaç” al Versus Teatre: Homínids De Teclat

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Avui dia les relacions de parella haurien de dur la data de caducitat ben visible. Seria una manera de convèncer els seus membres que cal una permanència mínima.

Una altra opció que se m’acut és aprendre a mentir i poder practicar després sense miraments cada cop que trobem un aspirant a estimar-nos.

En Xavi Mañé afegeix aquests dies al Versus Teatre de Barcelona la tercera possibilitat. I no és que em resultés desconeguda, sinó que he preferit deixar-li tot el mèrit. A la seva obra “Fugaç”, identifica l’intercanvi afectiu dels protagonistes amb la brevetat, la resplendor momentània i l’ebullició sentimental que provoca sempre en un dels afectats la coincidència entre l’ànsia de seducció d’altri i la necessitat de sentir-se estimat.

Les suposades peculiaritats d’aquesta proposta són que la parella titular és homosexual i que els dos extrems de la corda configuren un triangle també masculí per desdibuixar-se (o desintegrar-se) en un firmament de constel·lació il·lusòria però d’intensitat vital.

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Dos al llit amb interferències
(Fotografia de Jemi Paretas)

Mañé recorre també al detall de l’abús de les eines de comunicació virtual i un cop més (ja ho hem vist recentment a “Smiley”, a “Ego”, a “Infecte” i a “Losers”) les distingeix com a vertader pulmó dels individus que travessen el panorama escènic. Amb la intenció d’aconseguir una ràpida empatia de l’espectador, ironitza amb els xats i les aplicacions de telefonia mòbil (immobilitzadora de l’expressió emocional personal), ridiculitza la inconsistència dels rols socials gais de portes cap a dins i recrea un melodrama de marietes contemporanis estereotipats. Munició que ja està una mica rovellada.

Tanmateix, en Xavi és capaç de crear uns personatges centrals amb entitat humana i això és el que redimeix aquest “Fugaç” de la mediocritat del seu tractament temàtic i de la seva anècdota argumental poc original.

Així doncs, el Noi De Poble evoluciona amb èxit al llarg de la història exhibint la seva llum (dinamisme, ingenuïtat, sornegueria) i inhibint la seva foscor (covardia, dependència, bloqueig) i en la pell de Carles Garcia Llidó esclata la seva “joie de vivre” (com quan canta desafinadament enamorat o s’enfronta amb tendra agressivitat al cretinisme del seu partenaire) i pateix quan ha d’exterioritzar el seu turment quotidià (la discussió amb el tercer en discòrdia). Rere ell, i amb plomes de gall dindi molt ben pentinades, es passeja Jesús Lloveras. I lluny d’ells, treu el cap un Toni Regueiro despistat que prové d’una altra galàxia i que aquí mira de fer transbord amb el seu histrionisme.

El segon encert d’en Xavi és que té certa gràcia a l’hora d’oferir situacions costumistes. L’escena de la primera cita és tendra i creïble perquè sap equilibrar la versemblança dels personatges amb la frescor del seu vocabulari i obté una compenetració exitosa de la parella.

Finalment, i encara que obtenint resultats desiguals, el Xavi director busca un estil personal en la posada en escena. Això desencadena un llenguatge escènic per part dels actors que alterna el simbolisme (quan estan empresonats pel teclat i emmordassats pel desig) amb el realisme que menysté la solidesa de l’exercici però confirma una voluntat d’anar més enllà de la funcionalitat. Són llampecs d’atreviment sense continuïtat. Celebrada fugacitat per a espectadors acostumats a vols galàctics desafiant els confins de la sovint grisa cartellera.

Per Juan Marea

“Fugaç” es representa al Versus Teatre fins al 29 de juny.
http://versusteatre.com/es/fugac/

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 Tres clavant-se les espases.

Entrevistas

Laia Aubia, productora ejecutiva de DOCS Barcelona: “Las películas te provocan una transformación.”

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Mi grabadora va a saber de verdades fílmicas y transacciones que las elevan. Pero deja resquicios en su memoria para la magia que unirá a Festival y espectador.

¿Qué es DOCS Barcelona?

Empezó siendo un mercado de financiación de proyectos documentales y hace siete años se convirtió también en festival. Sus programadores visitan festivales de todo el mundo con el objetivo de que el público entienda que el documental no es un género para intelectuales ni para cinéfilos. Como dice Joan Gonzàlez, su director, “intentamos sacar los libros de los monasterios para llevarlos a la gente.”

Proponéis entonces una programación para todos los públicos.

No nos guiamos solo por el criterio de la comercialidad. Buscamos historias que emocionen, que indignen o que entristezcan como pasa con cualquier película de ficción. E intentamos que los puntos de vista sean distintos de los habituales de los medios de comunicación.

¿Censuráis los contenidos?

No, nunca. Nuestro director de programación,Tue Steen Müller (que es uno de los inspiradores del mundo documental en el ámbito europeo), tiene una gran apertura de miras: Anda siempre a la búsqueda de todo tipo de proyectos, a los que hace un seguimiento desde su fase inicial.

Resúmeme la programación de esta edición.

Aunque no solemos buscar un eje temático, este año nos encontramos con muchas piezas sobre el activismo, desde lo individual (como en “The Good Son” de Shirly Berkovitz), a lo colectivo (“Return to Homs” de Talal Derki, que narra desde muy adentro cómo un movimiento de protesta iniciado pacíficamente por la ciudadanía siria acabó siendo una revolución armada). También hemos incluido obras a medio camino de la realidad y la ficción: “Los Náufragos de la Casa Quebrada” de Llorenç Soler y “El domador de peces” de Roger Gómez y Dani Resines.

“The Good Son” fue la película con la que inaugurasteis.

 Es espectacular. En ella, una persona pone al límite la confianza familiar para poder llevar a cabo algo que implica una transformación brutal de su vida. Te engancha desde el primer segundo y no te suelta hasta que acaba. Me cortó la respiración por el modo en que dosifica la historia, que me parece muy honesta. Y es curioso porque no causa el mismo efecto en mujeres que en hombres. En estos, ¡es mucho más intenso!

 ¿Hay alguna de las películas de la programación que no verías?

No me he atrevido aún con “Joanna” de Aneta Kopacz, sobre una madre que sabe que va a morir y decide despedirse de su hijo. Con algunos documentales, te sientes que no estás preparado para ser espectador.

 ¿En qué se parece el documental a la obra de ficción?

El documental, al igual que la obra de ficción, cuenta una historia. El debate entre realidad y ficción se basa muchas veces en el tipo de lenguaje utilizado. Pero hay documentales que narran historias reales bebiendo de mecanismos típicos de la ficción como también hay ficciones con la estética del documental.

El DOCS es también una plataforma de presentación de proyectos audiovisuales.

Hasta ahora, la parte de formación que ofrecíamos se focalizaba en el “Pitching Forum” o punto de encuentro con el Mercado seleccionando varios proyectos y ayudando a sus responsables a venderlos. Este año, Joan ha impartido un taller que daba opción a que una serie de proyectos incipientes pudieran ser ya analizados.

¿Qué debe tener un proyecto de estos para conseguir financiación?

Una historia muy fuerte y unos personajes muy definidos. Pero lo más importante es que el director tenga muy claro lo que quiere contar.

También se presentan en el DOCS proyectos interactivos.

Los documentales planteaban una historia proyectada en la pantalla de un principio a un final. Ahora se abre una nueva puerta a la no linealidad: El espectador se ve forzado a elegir la historia y los límites de la autoría desaparecen. Este es el segundo año que apostamos por ello. Y hemos ampliado mucho esta sección, incluyendo un encuentro entre productoras, universidades y financiadores con un éxito apabullante.

A través de la plataforma virtual www.filmin.es se pudieron ver algunas de las películas hasta el día 8 de junio.

Siempre hemos apostado por la ventana de internet como una opción de distribución simultánea a la exhibición en salas. Al final, se trata de hacer llegar las obras al máximo de gente. Y el público de internet es distinto del que acude a los cines.

Colaboráis con “El Documental del Mes” y así configuráis una red de distribución que va más allá del Festival.

Paral·lel 40, la empresa para la que trabajo, lleva nueve años organizando “El Documental del Mes”, que estrena cada mes un documental en 53 salas de España, Chile, Colombia y Argentina. Nació para poner en cartelera obras imposibles de ver fuera de festivales que ahora se programan en grandes capitales, poblaciones medianas y pequeñas de manera regular. El DOCS ofrece desde este año parte de su programación a esta red de salas.

¿Cómo llegas a DOCS Barcelona?

Llevo siete años trabajando en Paral·lel 40, la empresa que lo gestiona. Estamos especializados en documentales y nuestras líneas de actuación cubren todas las fases: producción, distribución, organización de festivales e impartición de talleres.

¿Cuál es tu cometido en el DOCS?

Como productora ejecutiva, me encargo del diseño general del proyecto, el control de presupuesto, la contratación de personal y la coordinación final de todas las actividades. En resumidas cuentas: ¡Se trata de construir un equipo que crea en el proyecto!

¿Qué te aporta trabajar para el DOCS?

Como organizadora, tengo el privilegio de vivir ese momento tan delicado para los realizadores de “dar a luz” sus obras cuando las presentan al público.

¿Y como espectadora?

Las películas en sí te provocan una transformación y sales del cine preguntándote muchas cosas. En el caso del documental, además, la implicación personal de sus directores suele ser muy fuerte. Hasta el punto de que, cuando empiezan a rodar su historia, nunca saben cómo va a continuar. Y es su decisión acabarla o no.

Mi grabadora ha cambiado. Porque se ha llenado de la precisión entusiasta de Laia.

por Juan Marea

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 Laia cabizbaja de satisfacción en la Clausura 

 

Teatro

“Menut Cabaret” en la Sala Fènix: Dedos salpicando ternura

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Dejemos que los niños se acerquen a él. Y que le ayuden a perfilar la etérea sutileza de su propuesta. Porque el “Menut Cabaret” es tan diminuto que sus espectadores podrán agigantarlo. Con su imaginación. Y con sus temores. Con su concentración. Y su sorpresa.

Sola &Tully juegan con su pequeño público a recordarle que combinando utensilios semidomésticos, juguetes de los que ya no se anuncian en la tele y las manos inquietas tenemos un espectáculo. Y que la capacidad de sugestión es la suma del artista rompiendo el hielo y la ocurrencia del público exclamando qué es lo que está viendo.

“Menut Cabaret” adolece de un hilo argumental recto. Más bien lo contrario. Busca que deshagamos el ovillo de su ambigua ternura: Recreando ambientes de carácter festivo con un tinte trágico como una celebración de cumpleaños con un patito feo que en realidad es un dinosaurio animoso entre gallinas hostiles (epíteto donde los haya); o el seguimiento de un funámbulopoco ducho que acaba en el fondo del mar y enaltecido por una mordedura certera de escualo predispuesto.

También se detiene en espacios fuertemente influidos por la meteorología que derivan de lo deseado a lo temible: la refrescante lluvia adulterada en tormenta que hace zozobrar al barquito persistente; el aire liberador ahogado por la ventisca arrasadora que impide avanzar.

Y localiza en los dedos de una mano el proceso de aprendizaje de una persona que se descubre una y maravillosa pero que mejora al intuir que no está sola en el mundo al descubrir los dedos de la otra mano (el número precioso del espejo que atrapa a dos seres distintos) preparando a su indefinido protagonista para amar en cuanto reconozca poco después a la persona que también le amará.

“Menut Cabaret” esboza y ofrece borrones. Las cuentas nuevas llegarán: Las hace con encantadora timidez el público y Helena de Sola y Ronan Tully se ruborizan, frágil titiritera ella, evocador de melodías rompedoras él.

Por Juan Marea

“Menut Cabaret” se representa en la Sala Fènix de Barcelona hasta el 29 de junio.
http://www.salafenix.com/teatro/menut-cabaret

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Teatro

“Venidos a menos” en el Teatre del Raval: ¡Ya os vale!

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Pero que mucho. ¡Joder! ¿Cómo habéis podido caer tan bajo? ¡Macho, si estabais en lo más alto! Yo paso de vosotros, tíos. ¡Ah, vaya! Ahora no me vengáis con hostias. Que yo no tengo la culpa. Los dos solos. Y a partir de las once de la noche en el Raval. ¡Ya sois mayorcitos para hacer el gilipollas de esta forma!

Bueno, vale: Me siento a veros. Pero solo un rato, ¿eh, tíos? Que la noche hay que quemarla y yo tengo un buen mechero, ¡jajaja! Ah, ¿Que ya empieza? tranquis, de buen rollo llegáis. Pero yo no me fío, soy muy supersticioso… ¿Y qué queréis que os diga? Sí, eso del arte está muy bien pero en la tele o en el cine. Arte el que yo le pongo a la parienta cuando toca. Y cuando me deja tocar.

¡La hostia! ¿Que me vais a contar la historia de vuestra vida? Pero ¿esto no era una obra de teatro? Ok. Me callo. Y me descojono. ¡Vaya caretos que ponéis! Sí, de perfectos pringaos. Por eso no paráis de joderos el uno al otro durante todo el “espectáculo”. O lo que coño sea. Que sí, que la vida es dura. Y si me venís de guays con que fuisteis unos ídolos, pos vale, que sí: Lo fuisteis. Pero ahora ¡a ganarse el pan con el sudor de vuestros …cojones!, porque eso es lo que hay que tener para salir al escenario. Y cantar esas mariconadas con la guitarrita de mierda. Las letras molan: Dicen paridas sobre lo acabados que estáis. Yo lo flipo: ¡Que me vais a contar cómo se folla! ¡Anda yaaa! ¿Y cómo se hace, a ver, listos? Ah, ya lo pillo: Que vosotros tampoco tenéis ni puta idea. Vale, vale, seguid… ¡Qué cabronazos! Me parto, colegas, con ese viaje alucinante al fondo del coño de la Massiel. ¡Como se entere! Ah, que es teatro… Oye, a mi churri nadie le pone un ojo encima. ¡Que te quede clarito, Pablito Puyol! Saca a otra, que también hay feas y que han venido sin maromo. ¡Y cómo te va el rollo de vacilón, colega! Pero cuando tocas el cajón estás más mono, chaval. Y bailando, ¡qué bujarrón! Tu colega (¿cómo se llama? Sí, el David Ordinas ese), el otro, ese que va de pasmao, dice que eres maricón. Y él parece salido de una peli del Martínez Soria, tan empanao… Cuando canta, parece que esté viendo a Dios. ¡La puta! Si también os metéis con ese. ¡Aquí hay pá tós! ¿Ya se acaba? Sí, sí, me cago en vuestro “bis” y ¡tan a gustito! Oye, esto del teatro tiene su punto…

Por Juan Marea

“Venidos a menos” se representa en el Teatre del Raval de Barcelona los días 20 y 21 de junio.
http://www.teatredelraval.com/venidos-a-menos/

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 Esta es la historia de un amor. 

Teatro

“Cabaret Victoria” en la Sala Fènix: Piratas de un Mar Sublime

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La vida no es isla alguna en la que recalar. La vida es la bravura del oleaje. La vida es el naufragio cuando el océano decide ocupar el lugar que merece. Y la vida, además, es agarrarse al mástil aunque sea tronco flotante.

En la Sala Fènix de Barcelona lo saben y hasta el día 21 de junio nos instan a ir al abordaje con ellos rumbo a un destino nada seguro: su “Cabaret Victoria”. Y llegaremos a nado porque las criaturas que moran en él no admiten pasaje seco ni aburguesado.

Con esta peligrosa propuesta, Felipe Cabezas persiste en su empeño de hacernos desfilar por parajes lejanos a fin de asumir que ni somos tan contemporáneos ni podremos serlo jamás mientras no reconozcamos que nuestro lado oscuro halló su mejor análisis en tiempos pretéritos.

Cabezas saquea sin pudor algunas de las figuras literarias más inquietantes del siglo XIXy las enfrenta ante nuestra timidez aséptica. Al hacernos participar de sus historias horripilantes, cede el puritanismo del respetable. Y entonces el espacio adopta los tintes de una fascinante orgía de romanticismo sangrante (el de verdad), depravación moral esperpéntica (con permiso de Valle-Inclán), poético misterio y hermosísima ambigüedad.

La tripulación de la Fènix reúne en su espectáculo episodios de un lirismo tenebroso sobrecogedor por la belleza de su puesta en escena (el monólogo del cadáver perseguido por los cuervos de Edgar Allan Poe tras un telón que es auténtica piel de su atormentada Elena Visus), grotescos con generosidad escénica (las maravillas del «Elixir de larga vida» de Balzac con un arrollador Nelo Sebastian y la sensualidad cautivadora de Alba Valldaura y de la citada Visus), amén de elegantes homenajes a estandartes de la ciencia ficción, el horror y su vampirización por el cine más artesanal hermanados con júbilo en la disparatada y deliciosa búsqueda por Jules Verne de su cabeza, que le llevará a pedir hora al eficiente Dr. Frankenstein.

Este “Cabaret” es un excepcional ejercicio de sangre, sudor y lágrimas.

Porque fluye por sus venas un repertorio valiente que recupera desde el Gran Guiñol hasta el relato de folletín, con gotitas de humor sardónico.

Porque sus intérpretes se entregan hasta el paroxismo: una grandilocuente Valldaura (con amenaza seria a los que no apaguen su aparatito menos silencioso al empezar la función), un dinámico Sebastian (desconcertante titiritero, aguerrido pirata), una grácil Visus (irresistible muñeca articulada), un maquiavélico Pere Cabaret (como ácido Monsieur Ídem que también toca y con placenteros resultados) y avivando el furor escénico de todos ellos, el propio Felipe, capitán consumado de enérgico porte y sabio látigo.

Y porque provoca el llanto de nuestra coraza al ver cómo nos desprendemos de ella en cuanto empieza el show.

Añado además una estupenda puesta en escena aprovechando con inteligencia el espacio escénico desde el subyugante telón de fondo hasta la parte trasera de la platea, más un vestuario exquisito, una música desasosegante y una utilización de los complementos escénicos sublime.

Solo dos peros: las partes cantadas del espectáculo, que crean cierta indefensión a sus ejecutantes por sus limitaciones vocales. Y las concesiones cómicas a la contemporaneidad del espectador, que resultan forzadas y, por ello, desdibujan de manera esporádica la magia de esta travesía.

Y ahora sí, cierro con la consigna completa de la Compañía: “¡Al abordaje sin equipaje!”. Que se hundiría inevitablemente y en el fondo del mar de poco nos serviría.

Por Juan Marea

“Cabaret Victoria” se representa en la Sala Fènix de Barcelona hasta el 21 de junio y también en Barts desde el 18 de junio.
http://www.salafenix.com/teatro/cabaret-victoria-tercera-temporada
http://www.barts.cat/es/e-261/CABARET-VICTORIA

ImagePiratas al acecho artístico

Teatro

“El hombre visible” de Loscorderos.sc: Con los ojos vidriosos

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Hay misántropos consecuentes y pasean su desapego social por las aristas hirientes de sus domicilios.

Otros son auténticos farsantes. Porque a quienes en realidad no soportan es a ellos mismos. Y entonces convierten sus hogares en presidios infernales.

El hombre que vemos en La Seca-Espai Brossa va a vencer su patología a lo largo de la función. El tratamiento consistirá en vehicular tanta frustración existencial mediante piruetas coreográficas, la performance intelectual y el recital de aforismos poéticos.

Los riesgos que se encuentran David Climent y Pablo Molinero en el camino se manifiestan pronto y sin rubor: el virtuosismo, lo críptico y la pretenciosidad. Triple desafío: Superar la tentación de la perfección técnica, apartar la ambición de ser más listo que nadie, desistir del deseo de demostrar que uno debe aleccionar a los demás. Climent juega con todo ello en un escenario donde se eleva (cuando baila de forma vehemente y enardeciendo el mecanicismo de ese personaje que le toca interpretar), empequeñece (bajo la retahíla de reflexiones de Fernando Pessoa y Oliverio Girondo) y hasta queda sepultado (bajo ese túnel de libros en los que no logra encontrar respuesta válida a su aliento vital, recurso ya algo recurrente).

David no se amilana y da su mejor reacción ante el caos doméstico con electricidad corporal. Tampoco le supone un gran escollo la poesía oficial de la dramaturgia: David sabe verbalizarla aireándola y alejando oportunamente la enfatización de su camino. Entonces, su visibilidad es emocionante y mágica. Pero el espectáculo empaña nuestra mirada por un excesivo afán de reunir tantos apuntes trascendentales sobre los temas que pretende tratar: la cobardía del individuo frente a la vida que no espera (el ocurrente relato de su tardanza vistiéndose); la soledad como refugio (la facilona ironía sobre su antisociabilidad y la sociología y otras extravagancias ingeniosas); la enajenación como huida (la obsesión por la transmigración); el impulso de expresar emociones que domina el cuerpo por entero (la posibilidad de escucharle y recordar cómo se puede “llorar por las rodillas, por el ombligo…llorarlo todo” desde ese poema fascinante «Llorar a lágrima viva» de Girondo); y, al fin, la agradecida moraleja servida con el esteticismo esencial del acto de devorar con fruición la cebolla impregnándose sin prejuicios de la tierra que la hacía crecer a modo de lamento sin consuelo posible mientras pronuncia “dadme la celda que queráis, que yo me acordaré de la vida”.

Este hombre, farsante y genuino, visible e invisible, se curará en el momento en que caiga el telón. Porque su tremendo optimismo se vislumbra tras cada fracaso, que siempre precede a un nuevo intento.

Por Juan Marea

“El hombre visible” se representa en La Seca-Espai Brossa hasta el 22 de junio.
http://www.laseca.cat/es/obra/71/elhombrevisible–loscorderossc/

corderos 1

 Climent se viste porque tiene invitados.